En 2016, Grave de Julia Ducournau débarque au festival de Cannes et provoque à la fois un vent de panique (toute proportion gardée à la sauce Cannes bien sûr), et de renouveau.
Je ne me lasserai jamais de répéter que ce film, qu’on l’aime ou non, a été à l’origine d’un regain de l’intérêt du cinéma de genre en France (et à le considérer), mais aussi à la présence plus forte (toute proportion gardée là aussi), des réalisatrices de genre de toutes origines.

A l’époque, on note que le film appartient au sous genre du body horror, les journalistes aimant rappeler que Ducournau adore le cinéma de Cronenberg.
Force est de constater que depuis, plusieurs réalisatrices (et de toutes nationalités) ont utilisé ce registre pour évoquer les dégâts du patriarcat sous toutes ses formes, ou presque.

Car depuis, la Française Coralie Fargeat a raflé le prix du scénario à Cannes avec The Substance (2024), la Norvégienne Emilie Blichfeldt revisite Cendrillon avec The Ugly Stepsister (2025), la Néo Zélandaise Sasha Rainbow évoque crise d’identité au sens propre, avec Grafted (2024), et l’Australienne Natalie Erika James parle de troubles alimentaires dans Saccharine (2026).
A l’époque, on note que le film appartient au sous genre du body horror, les journalistes aimant rappeler que Ducournau adore le cinéma de Cronenberg.
Le point commun de ces films réalisés par des femmes, est que c’est l’héroïne est toujours le sujet de ces impacts et conséquences physiques (et ce n’a pas toujours été le cas, si on prend en compte American Mary des soeurs Soska en 2012).

Comment l’expliquer, et comment le body horror au féminin a évolué ?

My body my choice

Si le sous genre du body horror est principalement connu à travers la filmographie de David Cronenberg, la notion de body horror est presque aussi vieille que le cinéma. On peut remonter jusqu’à 1924 avec Hands of Orlac de l’Autrichien Robert Wiene.
Le cinéma de genre utilise régulièrement des ressorts horrifiques où la chair est impliquée (comme Evil Dead ou Alien), le body horror regroupe spécifiquement des films dont l’objet, la narration, le sujet, le motif de la chair est central.

Le corps féminin a toutes les raisons d’être régulièrement présent dans ce genre. Il faut dire que nous sommes relativement bien servie toute notre vie en termes de transformation/atteinte au corps:

• Adolescence avec poitrine qui se développe et règles, mais aussi les hanches qui peuvent s’écarter ou encore des évolution rapides qui peuvent faire apparaître des vergetures,
• Grossesse, accouchement, et post partum,
• Divers problèmes de santé (avec des parcours de soins chaotiques en raison des ignorances et du manque de recherche): endométriose, etc..
• Ménopause,
• Violences sexistes et sexuelles (une femme est victime de viol ou de tentative de viol toutes les 2 minutes)

Il est intéressant de noter qu’il existe une multitude de films de body horror réalisés par des hommes, notamment début 2010, dont le personnage principal est une artiste en herbe qui souhaite percer à Hollywood: Starry Eyes de Kevin Kölsch et Dennis Widmyer (2014), Eat de Jimmy Weber réalisé la même année, Contracted d’Eric England (2013) ou encore The Perfection (2018) de Richard Shepard.
Il y a évidemment beaucoup de choses à dire et à dénoncer encore et encore (tant ce thème est inépuisable au regard du peu d’évolution réelle des rapports de pouvoirs dans le cinéma), mais, quand j’ai visionné ces films, j’ai davantage eu le sentiment d’assister à la punition de ces personnages féminins dévorés d’ambition, qui participent à entretenir un système vicieux (au lieu de le combattre d’une manière ou d’une autre).

Avant le changement provoqué par Grave, les réalisatrices s’étaient déjà emparées du body horror centré sur un personnage féminin, et notamment des Françaises. C’est le cas de Marina de Van qui réalise Dans ma peau (2002) et Claire Denis en 2001 avec Trouble Every Day.
L’une évoque la recherche d’identité et de ce que représente un corps, quand l’autre utilise le cannibalisme pour représenter littéralement l’expression « il est à croquer » ou l’amour dévorant. Si les démarches dérangeantes sont à saluer, surtout à l’époque pour des femmes, je trouve pour ma part que ces films se complaisent dans des visuels qui n’apportent pas grand chose à leur sujet. Marina De Van semble fascinée par son propre corps mais assez peu par les raisons et le contexte social associé, et Claire Denis enchaîne sexe et sang qui ne permet pas d’empathie pour ses sujets.

Les conséquences du patriarcat dans sa chair

Donc, quand Julia Ducournau arrive avec son film, sous prétexte de cannibalisme, pour proposer un coming of age rafraîchissant, qui coche à la fois les cases de l’horreur et du film d’auteur respectable, cela fait mouche auprès d’un public divers. Grave met en scène une adolescente qui cherche classiquement à s’émanciper à travers la transformation de son corps, mais pas à travers les écueils classiques comme les règles (présents dans Ginger Snaps et Carrie par exemple). Idem sur l’éveil sexuel qui est brutal et « animal », à l’opposé d’une première fois souvent représentée dans la douceur pour les personnages féminins. Moins connu et moins réussi, Blue my mind de Lisa Brühlmann évoque aussi le passage à l’adolescence de Mia, qui décontenancée par sa transformation physique (c’est une sirène), elle plonge dans un océan d’incertitudes, de mal être qui la pousse dans le fin fond de la défonce et du sexe. Ces films ne sont pas des critiques frontales du patriarcat, il n’en est pas moins féministe dans sa manière de représenter une adolescente.

Et cela permet de tracer une certaine route qui reste épineuse, pour les réalisatrices de genre. Ainsi quand Coralie Fargeat débarque à Cannes avec The Substance, elle réalise un gros coup: remettre sur le devant de la scène Demi Moore à 60 ans, actrice iconique sexy des années 90, jamais considérée pour ses talents et son audace + dans un film d’horreur 100% saignant + qui dénonce l’âgisme dans l’industrie (dont est directement victime Demi Moore donc).
Il ne faut pas oublier que quand le film sort, cela fait déjà 7 ans que le mouvement #metoo a démarré, et donc a infusé les esprits (moins l’industrie). Donc il a forcément un écho très fort auprès d’une audience qui est en recherche de sujets qui les impacte tous les jours. Par exemple, la scène où Sue (le « double » jeune du personnage de Demi Moore) panique car elle a peur que ses collègues se rendent compte que son corps se change, et demande une serviette pour se couvrir, renvoie tout de suite à ce qu’on a toutes connues avec nos règles (peur qu’une tâche se voie).

Injonctions intériorisées

Ce qui en fait un objet curieux, c’est également tout le paradoxe qui l’accompagne: Demi Moore a fait de la chirurgie esthétique, Fargeat pousse les potards à fond du male gaze montant à la fois une fascination pour ces corps parfaits, qui créé à la fois un dégoût de ce qu’ils représentent, notamment en termes de superficialité et de caractère éphémère.
La perception du film selon le public est également révélateur. J’ai parfois lu que le film n’était pas cohérent car Demi Moore a un corps magnifique, surtout pour son âge. Certes, mais en tant que femme, on comprend que ce n’est pas le sujet du film, car quoi qu’on fasse, le corps d’une femme est toujours jugé, et écarté quand il vieillit. Quelle que soit son apparence.
D’ailleurs, l’idée du film est venu à Fargeat, car elle même dépassant 40 ans dans cette industrie, a pris peur, car comme beaucoup de femmes, elle a intériorité le fait que plus les femmes vieillissent, moins elles seront intéressantes et prises en compte.
Est-ce qu’un homme aura pu réalisé ce film de manière juste? Je ne pense pas.
Dans le même genre, il y a également Helter Skelter de la Japonaise par Mika Ninagawa sorti en 2012. Ici la supercherie du corps parfait a permis à Lilico, une mannequin, d’accéder à la notoriété. Ces modification corporelles sont évidemment éphémères ce qui la précipite dans un état proche de Sue dans The Substance.

Sasha Rainbow utilise un postulat similaire dans Grafted. Il s’agit d’une jeune femme, Wei, qui a une malformation physique, brillante en physique et qui tente d’achever les travaux de son père atteint du même problème, et qui était lui même chercheur. Wei, est virée par son professeur incompétent qui juge qu’elle ne trouve pas la solution assez vite, et harcelée par sa cousine. Ici, le body horreur est utiliser pour représenter la quête d’identité et de beauté du personnage féminin. Un mix presque entre Grave et The Substance, que l’on retrouve également dans Saccharine de Natalie Erika James.

Dans ce film, ce n’est pas une malformation physique à l’origine du problème mais la grossophobie. Hana est obsédée à l’idée de perdre du poids, dont l’origine se situe dans l’enfance, avec une mère, elle même grossophobe. Comme Elisabeth dans The Substance, elle ingère une substance à base de cendres humaines (!), qui lui font perdre du poids. Mais son mal être est symbolisé par le fantôme d’une femme grosse dont Hana a avalé les cendres. On retrouve ici une question de quête d’identité, mais à travers le fait de se détacher de ses parents et de découvrir l’amour.

C’est également le sujet de The Ugly Stepsister d’Emilie Blichfeld, où on suite la belle soeur de Cendrillon qui tente de se plier aux injonctions de beauté pour se marier au Prince, au point de détruire son corps à petits feux. La réalisatrice montre bien tous les impacts du patriarcat sur toutes les femmes: Elvira évidemment, mais aussi Cendrillon qui épouse un Prince masculiniste qu’elle n’aime pas, la mère, aliénée par son incapacité à subvenir à ses besoins et à ses filles et qui négligent de fait ses filles, etc..Ici c’est vraiment la survie financière dépendant des hommes, qui impacte tous les personnages féminins.

A quand une révolution féministe made in body horror ?

On peut constater comme les réalisatrices ont une manière diverse et riche d’utiliser le body horror pour dénoncer les facettes du patriarcat: les injonctions contradictoires, de beauté, l’âgisme, les diverses discriminations physiques…Et même quand l’action se situe dans un contexte maintes fois utilisé par évoquer ces diktats (Hollywood), cela va bien plus loin que se contenter de filmer un personnage sombrant dans la déchéance à base de « Hollywood ce sont des requins exploitants ».

En revanche, on note que si ces personnages féminins se révoltent (le monster sue qui asperge de sang son audience pointant la responsabilité de son état, Elvira qui s’échappe de sa condition avec sa soeur, ou Hana qui combat une partie de ses démons), ils ne connaissent jamais une fin heureuse:

• Le monster Sue finit éclaté au sol (littéralement) et disparaît,
• Elvira s’enfuit mais avec des doigts de pied en moins et un corps détruit de l’intérieur,
• Wei fusionne avec un cadavre et finit dans la rue,
• Hana finit par manger sa partenaire.

Elles deviennent même parfois des véritables dangers (comme Hana ou Wei dans Grafted).
Par ailleurs, Saccharine s’empêtre dans des représentations problématiques comme l’actrice Midori Francine qu’on transforme maladroitement en personnage gros; ou encore la menace du film représenté par un fantôme gros.
On a considérablement avancé dans la manière de parler et d’analyser les ravages du patriarcat dans le cinéma de genre, selon moi grâce à la petite place qu’on a bien voulu faire aux réalisatrices. Et j’espère en voir toujours plus sur les écrans.

Il reste maintenant à montrer quelles solutions, quels espoirs pour ces femmes, pour aussi apporter un peu plus d’optimisme et d’exemples de luttes concrètes.

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Je suis une grande fan de la saga Scream (même si je trouve Scream 3 nul et que j’adore Scream 4 mais je m’égare). J’ai d’ailleurs participé à deux épisodes du podcast La Saga pour évoquer Scream 2 et 6.
J’ai trouvé Scream 5 et 6 très inégaux mais il y a suffisamment d’éléments intéressants pour que je ne boude pas mon plaisir. Donc sur le papier, je n’étais pas réticente à ce que la saga continue, d’autant que le 7 devait finir la nouvelle trilogie amorcée dans le 5 avec les soeurs Carpenter.

Censure & préjugés

Mais les choses se sont vite corsées. Melissa Barrera a posté plusieurs messages sur les réseaux sociaux pour dénoncer le génocide commis par le gouvernement d’Israël. Ce qui n’est pas passé du tout auprès de SpyGlass, qui a considéré ces propos comme antisémites, et a évincé fissa Barrera du projet.

Même s’il serait logique pour tout le monde de prendre position contre les actions d’Israël, la position (dans le sens d’où elle parle) de Melissa Barrera n’est pas anodine; elle est mexicaine. Son pays a été traversé par des guerres menées par des colons espagnols avec la guerre d’indépendance en 1810, et par les USA, avec notamment la guerre américano mexicaine en 1846. Ces guerres ont laissé des traces à la fois concernant des territoires perdus comme le Texas, mais aussi évidemment d’inégalité sociale et de discrimination, ravivés d’autant plus avec Trump. Actuellement, des familles mexicano-américaines sont détruites, car l’administration d’extrême droite américaine expulse du jour au lendemain des mexicain.es qui vivent, travaillent et paient des impôts sur le territoire depuis 20 ans.
Bref, la colonisation, la violence, les crimes, les discriminations, sont bien connues du pays de Melissa Barrera. Rien de plus logique qu’elle prenne la parole sur ce sujet, d’autant plus avec sa notoriété soudaine acquise avec Scream.

Palestine is the new Vietnam

Il faut avoir en tête que la position des artistes pour soutenir Gaza, et surtout dénoncer le génocide est un vrai sujet aux USA, allié historique d’Israël. Susan Sarandon a récemment expliqué qu’elle a fait les frais de ses déclarations. Blacklistée d’Hollywood, elle a trouvé des rôles en Europe (en précisant qu’on avait dit aux réalisateurs avec qui elle tournait, de ne pas l’engager).

Variety a rapporté que Paramount (détenu par David Ellison dont le père est proche de Netanyahu) avait établi une liste d’acteurs et actrices à boycotter pour leurs positions sur Gaza.
Le sujet est tellement touchy, et facilement récupéré pour déblatérer des propos antisémites insupportables, certaines stars comme Mark Ruffalo font machine arrière.
En septembre 2025, 1500 stars américains comme Olivia Colman ou Javier Bardem ont appelé à boycotter des institutions israéliennes. Bref c’est un sujet comme depuis toujours complexe à articuler dans l’espace public, d’autant plus médiatique, et encore plus quand il s’agit de gros sous et de pouvoir.

Pour en revenir à notre sujet, ce que SpyGlass n’avait sans doute pas anticipé, c’est que la super star Jenna Ortega claque la porte en soutien à l’actrice.
Là dessus, le réalisateur prévu, Christopher Landon (Happy Birthdead) se prend des menaces des morts (analysés par le FBI), car les gens pensent que c’est lui qui a viré Melissa Barrera. Il quitte donc le projet (sans un mot de soutien pour Barrera, à part « c’est pas moi »).
Se retrouvant nu comme un ver, SpyGlass retourne voir Neve Campbell avec un chèque (7 millions de dollars dit-on) entre les jambes. Si on salue la prise de parole de Neve Campbell dénonçant un salaire proposé trop bas pour Scream 6 expliquant sa non participation, c’est bien dommage d’accepter de revenir dans ces conditions pour autant. Ce n’est ni valorisant pour elle professionnellement et éthiquement. Idem pour Courteney Cox qui au regard de sa prestation dans Scream 7, est juste là pour empocher le pactole.

Toujours est-il que dans ces conditions, compliqué de mettre en chantier un bon film, surtout quand on fait appel à Kevin Williamson à la réalisation, connu pour le merveilleux Mrs Tingle (non). SpyGlass a dû se dire que de placer le scénariste de la sage suffirait à sauver les meubles (toujours non).
Le film est donc mauvais. A part une séquence de cache cache dans les combles d’une maison (qui rappelle fortement Scream 3 pour mon non plaisir) sympathique, Scream 7 n’a aucun sens, aucun personnage, aucun intérêt, aucune cohérence (wtf l’attitude de Gale Weathers après son passé avec Sidney, genre vraiment aucune évolution est possible?), aucune tension. On sent juste Neve Campbell toujours touchée par Sidney Prescott et son souvenir de Tatum.
Mais je ne m’attarderai pas sur le film en lui même, tant il existe des dizaines de critiques qui expliqueront bien mieux que moi pourquoi il est nul.

Aller voir Scream 7 au cinéma ou acheter son futur blu ray, c’est financer une structure qui vire des gens qui usent de leur liberté d’expression et qui insulte les victimes de violences.

Scream ce vieux réac

Attention je spoil (et j’en ai rien à f..) !

D’un point de vue représentation, et donc moral et sociétal, ce qui est profondément dérangeant, c’est la manière dont Scream 7 représente les violences faites aux femmes.
Alors que la saga, et notamment le premier, traite brillamment des violences sexistes et sexuelles, mais aussi de la figure de la final girl en la modernisant, Scream 7 se vautre dans des représentations problématiques des victimes de violences.

Etre une victime n’est visiblement pas suffisant

Sidney est victime de tentative de meurtres dans 5 films (surtout 4). C’est à dire que tous les ans ou les 10 ans, elle voit l’histoire se répéter. Dès le 2, elle sait qu’elle aura toute sa vie une épée de Damoclès au dessus de sa tête, avec toutes les potentielles conséquences derrière: dépression, anxiété, solitude, paranoïa, etc…je dis potentielles car clairement ce ne sont pas des éléments qui ont été considérés dans l’écriture du personnage (à part un peu dans le 3, décidément je parle beaucoup du 3).
Si on prend un peu de recul, voici la liste des violences vécues à plusieurs reprises:

• Viol et meurtre de sa mère quand elle avait 16 ans,
• Psychologiques: manipulation des tueurs « amis », relation sexuelle avec Billy Loomis, découverte de son demi frère psychopate,
• Tentatives de meurtres (avec manipulations psychologiques),
• Blessures diverses plus ou moins graves,
• Témoin de plusieurs meurtres dont des proches,

Malgré ça, on assiste dans le film à des dialogues surréalistes de personnages qui lui reprochent d’avoir quitté la ville, changé de vie, bref disparue de la circulation. Pardon, mais je pense qu’on peut déjà se réjouir que Sidney n’est pas finie en soins psychiatriques, donc je pense qu’on peut lui accorder d’être ermite.
Le plus drôle, c’est que ce reproche vient à la fois de Gale Weathers (si y en a une qui sait bien ce que Sidney a traversé, c’est elle), mais aussi de la tueuse.
Le film finit avec Sidney qui admet que oui c’est vrai, elle n’aurait pas dû s’isoler et qu’elle regrette. J’ai cru tomber de ma chaise devant tant d’incohérence. On en arrive à culpabiliser cette multi victime. Alors ok, Scream n’ont jamais été des films portant une grande analyse ou discours sur les VSS, mais ce n’est pas un slasher idiot non plus.

Victime, attention danger

L’autre (gros) problème, c’est la tueuse, Jessica, présentée comme une amie de Sidney. Si on écarte le fait qu’elle n’est absolument pas intégrée dans l’histoire, ni caractérisée (elle a littéralement 3 lignes de dialogues avec Sidney pour dire au spectateur qu’elle a été victime de violences conjugales), c’est un problème en 2026, dans un contexte politique d’extrême droite aux USA de mettre en scène une tueuse, victime de VSS.
Et comme ce n’était pas suffisant, Kevin Williamson n’a rien trouvé de mieux en mobile, l’absence de Sidney. Jessica a viré haineuse et meurtrière car elle s’est sentie abandonnée par Sidney.
Pendant son mariage violent, le livre écrit par Sidney « Ouf of Darkness » l’a aidée à s’en sortir. Donc, elle a très mal vécu quand Sidney a pris une décision pour son bien être.
Je ne sais pas si on se rend compte de l’indécence de la situation: une victime de violence conjugale tue des gens, et s’en prend à une autre victime de violences pour justifier ses meurtres.

Tout ça pour dire qu’aller voir Scream 7 au cinéma ou acheter son futur blu ray, c’est financer une structure qui vire des gens qui usent de leur liberté d’expression et qui insulte les victimes de violences.
C’est d’autant plus grave que ce film est notamment à destination d’un public adolescent. Mais vu les scores au box office, j’imagine qu’un autre opus verra le jour.
Chaque achat est politique, ce n’est jamais une goutte d’eau dans l’océan. Et si vous doutez, rappelez-vous du final de 1001 pattes, meilleur film antifa du monde.

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Avis de Jess

Grave, le 1er film de Julia Ducournau a été ovationné tant par le public que par les professionnels (plusieurs prix raflés en festival et 6 nominations aux Césars 2018, ce qui est une véritable performance pour un film de genre).
Vient ensuite Titane, Palme d’Or 2021; on peut dire que Julia Ducournau s’est fait une place fulgurante à la fois dans le cinéma de genre, mais aussi dans le cinéma tout court. Ce faisant, elle a permis par la même occasion, d’aider à légitimer les films de genre. Qu’on aime ou pas son cinéma, force est de constater qu’elle a réalisé une véritable performance.

Mais évidemment une telle ascension n’est pas sans conséquence, surtout pour une femme et d’autant plus, opérant dans un genre de cinéma qui est encore majoritairement réalisé et écrit par des hommes.
Titane a beaucoup divisé, Alpha s’éloigne un peu plus d’un cinéma saignant et violent, Julia Ducournau teste, et sort de sa zone de confort. Elle dit avoir voulu s’aventurer encore plus dans sa manière de montrer l’amour.

Ici, il est donc question d’amour familial, et de comment cet amour surpasse la maladie sous toutes ses formes. Celle qui sert de métaphore du SIDA, mais aussi l’addiction, une forme de neuroatypie d’Alpha dont les crises de panique se matérialisent, ou encore l’hypercontrôle de la mère.

Cet amour circule au sein du trio Alpha-sa mère-son oncle (avec une alchimie forte entre Borros-Farahani-Tahim), comme dans un cercle vertueux; qui tente de les porter. Comme tout amour familial, il est imparfait, complexe, douloureux, maladroit et c’est aussi comme ca qu’on peut décrire Alpha. C’est loin d’être un film parfait. Il se perd parfois dans des chronologies, des dialogues et des enchaînements qui paraissent parfois bancals. Et c’est sans doute ça qui rend Alpha particulièrement touchant.

J’ai entendu que le film était très problématique dans sa représentation des malades du SIDA. Je trouve au contraire que Ducournau sublime ces malades, qui deviennent des statues comme grecques, qui illustrent comme le SIDA a sidéré, figé les coeurs et la solidarité. Ici ils sont perçus comme beaux, notamment par Alpha, contrebalançant la peur que la maladie suscite.
Par ailleurs les SFX sont sublimes, impressionnants de réalité.

Cette poussière de morts qui imprègne les vivants, est la représentation à la fois la plus claire, touchante et vraie, de l’impact de la mort de nos proches aimés, sur nous. Ils restent accrochés à notre peau, cheveux, souvenirs. Alpha réinvente la figure du fantôme et rien que pour ça, merci (pour ce moment).

Avis de Jeanne

C’est classique de l’industrie, quand tu fais des bangers coup sur coup, les gens attendent que tu reproduises la même formule ad vitam aeternam… Mais n’en déplaise aux haters, Alpha c’est de la bombe bébé. Julia tu as des choses à dire, continue à explorer TON cinéma, continue à être une punk, on continuera à aller te voir en salle !

Alpha c’est un film qui parle du sida on l’a compris, et qui rappelle la covid aussi un peu – puisque c’est notre dernier trauma partagé – Mais c’est aussi un parti pris sur l’état du système de santé Français, fragilisé par les politiques de droite. Petit rappel que les derniers gouvernements ont causé la fermeture de plus de 11% des hôpitaux laissant 13 millions de patients se débrouiller avec moins de 2000 hôpitaux publics… Le manque de moyens, de place, de personnel, illustrés dans le film sont malheureusement d’actualité. Tout comme la stigmatisation envers les personnes malades, la misogynie et l’homophobie, autres motifs du film. Il n’y a pas d’accident industriel, il y a un film fait avec le coeur, qui aborde des sujets importants et actuels.

Dans Alpha, le vent souffle. Tout le temps. En arrière plan, en fond sonore. Le vent est omniprésent, menaçant. Et là ou les précédents métrages étaient très charnels, Alpha est plus sentimental, mais avec un travail du son toujours ancré dans le body horror. Le récit est une montée en puissance et quand j’ai réalisé pourquoi la poussière rouge s’abat surtout sur les quartiers populaires, ça m’a brisé le coeur.

Pour moi Alpha, c’est un film populaire. Grave l’était aussi avec son discours sur le déterminisme, et Titane sur la performance de genre. Franchement elle a réussi à me faire apprécier Vincent Lindon et Tahar Rahim en leur faisant jouer des personnages si durs, mais interprétés avec tellement d’empathie. Dans son cinéma Ducournau parle « des gens » de manière crue mais honnête. C’est beau, ça fait bouillir le sang, aller voir un de ses films c’est comme un bon concert de punk.

Avis de Leo

Alpha est le troisième film de la réalisatrice française Julia Ducournau.
Présenté en compétition officielle à Cannes en 2025, le film reçut un accueil particulièrement négatif. Ce rejet soulève la question de la réception d’un film de réalisatrice dont les premiers films ont été des succès tant critiques que publics. Les attentes envers une femme semblent bien plus élevées que celles envers un homme, et on ressent un certain plaisir, à peine déguisé, à voir une femme échouer. Enfin, aux yeux de certains. Alpha n’est pas un échec pour tout le monde… Bien au contraire !

Alpha est à ce jour le film le plus personnel de sa réalisatrice. Elle continue d’explorer ses obsessions : la mutation du corps et l’amour familial.
Par cette histoire de virus, de fantômes et d’ostracisation, Julia Ducournau compose un monde sensible, fantasmagorique, parfois cruel, où l’amour domine toujours.

On pouvait reprocher à Grave une mise en scène parfois trop simple, mais Julia Ducournau a amorcé, avec Titane, des recherches formelles qu’elle prolonge aujourd’hui dans Alpha.
Là où Titane se montrait plus provocateur, Alpha privilégie des expérimentations plus subtiles. Son travail sur la photographie va à l’encontre de ce qu’on voit actuellement, surtout dans les films de plateforme, qui sont bien trop uniformisés et dépourvus de profondeur. Ici, elle travaille avec son directeur de la photographie, Ruben Impens, sur la désaturation des couleurs et la fluidité de la caméra.

Dans Alpha, elle joue avec l’ambiguïté de la figure du fantôme. Ici, le traumatisme intergénérationnel et les non-dits entre une mère et sa fille sont au cœur du mécanisme de deuil. Les deux femmes vont devoir apprendre à communiquer pour traverser cette période de doute et de douleur.

Alpha est également une allégorie du virus du SIDA. Plutôt que de proposer un film historique et social, Julia Ducournau s’intéresse aux conséquences qu’un tel événement peut avoir sur la société et aux réflexes d’ostracisation à l’égard des populations qui diffèrent de la norme, en l’occurrence des homosexuelles et des immigrées.

Alpha prend aussi la forme d’un poème, d’une fable mêlant spiritualité et écologie. Les éléments naturels prennent le contrôle de la ville et de l’homme. Le “vent rouge” s’insinue jusque dans la ville d’Alpha et dans les veines de son oncle. Les symptômes mortels font des êtres humains des statues de marbre. C’est beau comme seul la mélancolie peut l’être. Alpha est un oxymore qui allie fatalisme morbide et espoir.

En définitive, Alpha apparaît comme une œuvre profondément singulière, qui refuse les attentes autant qu’elle les confronte. Là où son accueil cannois a pu cristalliser des jugements parfois hâtifs, le film semble surtout témoigner d’une cinéaste en pleine affirmation. En explorant le deuil, la mémoire et la marginalité à travers une esthétique sensorielle et poétique, Julia Ducournau livre un film qui ne cherche pas à plaire, mais à éprouver, à déranger et surtout à émouvoir.

Peut-être faut-il alors voir, dans les réactions contrastées suscitées par Alpha, non pas un échec, mais la preuve de sa radicalité. Car c’est précisément dans cette tension que le film trouve sa véritable force. Alpha ne se laisse pas apprivoiser immédiatement : il s’impose comme une expérience, un geste de cinéma qui, avec le temps, pourrait bien révéler toute sa richesse et s’inscrire durablement dans le paysage du cinéma contemporain.

Retour sur l’accueil d’Alpha à Cannes

Avec Alpha, Julia Ducournau a cherché à expérimenter sa capacité (ou pas, c’est selon), à montrer des notions d’amour, de liens. Même si pour moi Alpha est un fil conducteur parfaitement ancré dans sa filmographie, on est assez loin de scènes sanguinolentes de Grave, ou de tueuse mécanique dans Titane. Donc je peux imaginer qu’un certain public ne suive plus.
De plus, Alpha n’est pas dénué de défauts, on est bien d’accord; donc il y a effectivement aussi des choses à relever pour critiquer négativement le film.

En revanche, ce que je m’explique moins, c’est la virulence, voire la condescendance (avec des relans de sexisme, si je me laissais aller), des propos qui ont parfois été tenus dans des émissions, podcasts, critiques textuelles. Les remarques assassines n’ont pas manqué.

Dans un contexte ou de nombreux films très mauvais sont faits en toute conscience pour des questions de rentabilité, ça me laisse assez pantoise d’être aussi virulent-e envers Alpha.
Un film qu’on peut trouver raté, peut être passable, mais dont il se dégage une incontestable sincérité.

Avec La S’horrorité on en parle lors de ce live, à 40 minutes:

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Le cinéma d’horreur Japonais, qui fait parti de ce qu’on appelle la J-Horror, s’axe sur des intrigues incluant des fantômes, des hantises, des malédictions.
Entre colonisations, violences et tortures, domination patriarcale, le Japon n’est finalement pas en reste (contrairement à la vitrine de pays sympa qui est projetée), pour donner naissance à ces histoires.
Il se trouve que les fantômes féminins sont largement surreprésentés dans le cinéma d’horreur Japonais. Logique que je m’y intéresse!

Vaste sujet qu’est le cinéma de genre Japonais. Je ne suis ni une spécialiste du Japon, ni une spécialiste du cinéma horrifique Japonais. En revanche, je ne peux pas ignorer que les fantômes Japonais qui imprègnent tant notre pop culture (comme Sadako de Ringu) sont globalement des femmes. Ce n’est donc pas un hasard et cela traduit des croyances, des peurs, des évolutions sociologiques que nous allons essayer de comprendre.

Une richesse sans fin des fantômes Japonais

L’origine des fantômes Japonais remonte à loin (Moyen Âge) et depuis on compte une diversité impressionnante de catégories de fantômes ou autres manifestations fantastiques, les yōkai (et on peut en compter des centaines qui ont des apparences humaines et/ou animales). Sans rentrer dans le détail, il est intéressant de noter que cette richesse est sans doute dûe au fait que la culture Japonaise accorde une haute importance à la notion d’âme. Par ailleurs, la mort est plus intégrée et proche des vivant-es que chez nous. Par exemple, comme expliqué dans l’émission de France Culture, les cimetières sont en vase clos ici; dans un espace fermé et bien à part, alors qu’au Japon ils sont ouverts, intégrés à la ville. Par ailleurs, les gens sont crus quand ils racontent des histoires de fantômes qu’ils ont vu, contrairement à nous.

Dans le cinéma d’horreur ce sont les yurei qui vont principalement nous intéresser. Là aussi, il y a plusieurs types de yokaux, et détail qui a son importance, la plupart concernent des fantômes féminins.

• Onryo : fantôme vengeur (et vénère), que l’on retrouve dans la plupart des films d’horreur japonais (représentation la plus courante dans le cinéma de genre),
• Ubume : jeune mère qui a accouché ou femme enceinte décédée qui porte un enfant dans ses bras et qui demande aux passant-es de le porter. Une fois dans les bras de la personne, l’enfant devient petit à petit une pierre.
• Goryo : fantôme aristocrate, déclenchant des catastrophes naturelles.
• Funayurei : un noyé qui tente de faire chavirer les bateaux, en les remplissant d’eau.

On constate donc que ces personnes ont toutes subi une mort violente et soudaine, qui en font des âmes errantes, en proie à cette violence. Par ailleurs, ces morts sont marquées par des peurs et des traumatismes spécifiques au Japon: les catastrophes naturelles.

Il existe quantité de fantômes féminins qui sont marqués par des clichés sexistes et/ou dans la volonté d’invisibiliser ce qui est considéré comme autre, comme le handicap. Je vous conseille cette émission du podcast La librairie Yokai, qui liste et analyse plusieurs typologies de fantômes:

La figure du fantôme Japonais qui va nous intéresser ici est donc l’onryo, qui à la base, n’a pas de représentation physique spécifique. Ce sont ses représentations théâtrales à travers la pratique du théâtre kabuki à partir de 1700 qui inscrivent une apparence physique reconnaissable facilement par le public. Ces représentations finissent très souvent violemment, et notamment avec un féminicide; nous y reviendrons.
On y trouve un fantôme avec une robe blanche, des longs cheveux noirs et un visage blanc. C’est une représentation qui perdure aujourd’hui; avec des variantes, qui permet toujours à l’audience, et notamment occidentale, d’associer ce fantôme à la culture Japonaise facilement, sans avoir besoin de le conscientiser.

D’ailleurs, vous noterez que les fantômes féminins Japonais n’ont rien à voir avec les fantômes Européens ou Américains. On est très loin d’une entité vaporeuse, flottante.
Certains éléments liés à l’apparence sont ainsi caractéristiques des onyros, en dehors des cheveux noirs:

• Leur aspect charnel. Pas de fantômes transparent ou autre, les onryos sont ancrés dans le sol (au point de ramper parfois comme dans The Grudge). On se souvient des ongles arrachés de Sadako dans Ringu, qui est une rappel direct de sa souffrance à avoir essayé de s’échapper du puit.
• Dans la moitié des cas environ, leur apparence physique, et notamment le visage est déformé, abîmé. Un point commun que l’on retrouve chez les personnages féminins qui sont possédés. Si cela se remarque sur la J Horror de ces 20 dernières années, dès les années 50 on remarque des figures de fantômes déformées, comme dans Illusion of blood en 1965.

• Les onryos utilisent fréquemment la technologie pour attaquer/communiquer: le téléphone (La mort en ligne), la télé, internet…

Mais on remarque aussi des différences notables, d’un point de vue psyché et actions:

• Leur violence radicale. Contrairement aux fantômes occidentaux qui parfois terrorisent car ils veulent vengeance ou réparation, les onyros n’ont qu’un mot d’ordre: tuer. L’issue est fatale quand on croise un onryo. Que vous soyez responsable ou non de sa mort, cela a peu d’importance. Le fantôme, aveuglé de haine et animé par la violence, ne laisse aucune chance.
• Ils ne recherchent ni pardon, ni rédemption, ni réparation. Il n’y a pas moyen d’apaiser leur âme.
• L’idée derrière cette radicalité est un besoin de perpétuer sa légende, pour rappeler leur mort violente souvent liée à un meurtre ou un féminicide.

En cela, on voit une certaine volonté des fantômes Japonais de se rapprocher des humains. A la fois pour les hanter et se venger, mais surtout pour continuer d’exister. C’est précisément le sens que l’on peut trouver au fait que les onryos attaquent sans distinction qui se trouve sur son chemin. L’idée est de perpétuer la légende, la terreur et leur souvenir.

La renaissance de la J Horror fin 90/début 2000

Il est à noter que la J Horror avec des fantômes féminins est particulièrement forte (en parvenant jusqu’à nous principalement fin 90/début 2000). Voyez plutôt:

• Ringu (1998) et ses suites,
• Ju On (2002) et ses suites,
• Dark Water (2002),
• One missed call (2003),
• Carved (2006)
• The locker (2004)
• Ghost actress (1996)
• Exte (2007)
• Ju Rei la malédiction (2004), etc…

Ce n’est pas un hasard quand on constate les événements inquiétants qui traversent le Japon à cette époque:

• La peur de la fin du millénaire,
• Le Japon subit une grave crise économique à partir de 1992
• Les ikikomori apparaissent: ces jeunes qui restent enfermés dans leur chambre sans jamais sortir à l’extérieur,
• Diverses tentatives d’attentats comme en 1993 par la secte Aum shinrikyô, mais aussi l’attentat dans le métro à Tokyo qui fait une dizaine de morts et des milliers de blessés en 1995 (sachant que le dernier responsable de l’attentat encore en fuite a été arrêté seulement en 2012).
• Le survol du Japon par un missile nord coréen en 1998.

Autant d’événements inquiétants font donc un terreau idéal pour créer des films d’horreur!
Comme évoqué plus haut, la plupart des films de fantômes Japonais contiennent une histoire de féminicide. Et en effet, on retrouve une multitude de films mettant en scène des femmes ou des petites filles terrifiantes:

Du côté de la situation sociale et économique des Japonaises, cela bouge aussi dans les années 90. Société fortement dominée par des principes patriarcaux (le Japon reste l’un des pays industrialisés où les inégalités hommes/femmes sont les plus fortes), le rôle des femmes est cantonné à la maison et à l’éducation des enfants. Mais dans les années 90, Le Japon a besoin de booster son économie suite aux crises évoquées précédemment et au vieillissement de la population. Le gouvernement facilite donc l’entrée des femme sur le marché du travail (en exonérant de charges fiscales les salarié.es en congé parental par exemple). Les Japonaises gagnent donc en autonomie.

L’universitaire Pascale Fakhry dans “Woman’s Horror Films” explique que les hommes voit cette évolution comme une menace, et cela se traduit par la place ambiguë qui leur est attribuée dans les films d’horreur. Les femmes ont le rôle principal et sont actives (comme dans The Ringu ou Dark Water), mais l’horreur leur tombe justement dessus car elles ne sont plus de bonnes mères au foyer. Dans Ringu, la mère journaliste enquête et dans Dark Water, elle doit travailler suite à son divorce. La moralité (peu subtile) est que pour survivre, la tradition les protègera et que changer est mauvais pour elles. Si on pousse le raisonnement pour Dark Water, il faudrait même que la mère se force à rester en couple avec un homme détestable.

Surtout que ce début d’autonomie se paye au prix fort. Ces dérèglementations ont permis aux entreprises de faire perdurer des contrats précaires en utilisant davantage de l’intérim (Source: L’évolution des conditions d’activité des femmes : une comparaison France-Japon: Arnaud Dupray).
Surtout, cette évolution ne se retrouve pas dans celle des moeurs. Les attentes familiales pèsent toujours sur les femmes. Ainsi, les Japonaises sont tiraillées entre leur rôle de mère, d’épouse, de travailleuse. Et si cela ne suffisait pas, l’arrivée de ces nouvelles travailleuses n’est pas toujours bien vue, ce qui provoque un backclash contre le féminisme.
Fin 1998, le parlement refuse de voter une loi pour contrer les violences conjugales pour finalement l’adopter en 2001, après qu’une étude du Cabinet révèle qu’une Japonaise sur 10 est victime de violences domestiques graves. Cette disposition a permis l’apparition de nombreux abris pour les femmes, et une meilleure information sur le sujet; facilitant la prise de conscience. Mais l’essentiel manque. Des chercheurs, à l’image de Kanoko Kamata, pointent ces actes relèvent du code civil et ne sont assortis d’aucune sanction, ou obligation de soins. Bref, l’impunité est préservée.

La violence des onryo

Les années 90 sont donc une période charnière pour le Japon et pour les femmes, ce qui peut expliquer la dynamique de leur cinéma d’horreur.
Mais ce sont bien la présence de fantômes féminins qui écrasent la J Horror. Alors pourquoi?

Les fantômes masculins sont quasiment absents, et le reste des fantômes non identifiés comme féminins sont bien souvent des entités abstraites et non genrées.
Il y a bien quelques fantômes masculins dans les contes japonais, mais il s’agit de guerriers ou de nobles, qui ont été fourvoyés et provoquent donc des perturbations climatiques pour réclamer leur dû. On a donc une dimension d’honneur à laver, de virilité à rassurer.
On retrouve également des hommes, victimes de meurtres, mais qui errent « gentiment » (comme dans l’Empire de la passion où un mari trompé est jeté dans un puit; comme dans Ringu), sans chercher à tuer; ce sont des goryô.
Et cela fait toute la différence avec les fantômes féminins Japonais qui sont cruels, n’épargnant personne. Ainsi, ces personnages féminins sont victimes d’une double peine:

• Humaines; elles sont victimes de féminicides dans des cadres souvent très violents (mari qui larde de coups de couteaux Kayako dans Ju On),
• Les onryo frappent de la mort; quiconque qui passe sur leur chemin. Alors qu’elles sont victimes à l’origine; ces fantômes féminins deviennent des antagonistes particulièrement terrifiants.

Ces caractéristiques pèsent aussi sur les protagonistes féminines vivantes.
Dans la mesure où il n’y a pas de rédemption possible des onryo, et que l’issue est fatale pour les protagonistes; ces personnages peinent parfois à exister, et à faire preuve véritablement d’émancipation. Dans One missed call par exemple, l’héroïne assiste impuissante à la mort de son entourage.

Le féminin monstrueux

Cela m’amène à évoque la théorie évoquée par Barbara Creed, à savoir le féminin monstrueux. Cette universitaire Australienne spécialisée dans le cinéma d’horreur, a écrit notamment en 1993 The Monstrous-Feminine. Elle y étudie la manière dont les personnages féminins sont caractérisés comme monstrueux, notamment à travers les rôles de mères (et autant dans la culture occidentale qu’asiatique, et oui le patriarcat est une notion universelle qui rassemble beaucoup, beaucoup d’adeptes à travers le monde).

Creed évoque par exemple la notion d' »utérus dévorateur » qui se matérialise grâce à deux principales observations:

• Physiquement: la mère prend plus ou moins l’apparence d’un monstre. Que ça soit dans Carved, où elle est défigurée par une entaille béante au niveau de la bouche, ou dans The Grudge où elle rampe comme un insecte avec une expression de visage déformé.
  Le visage abîmé et/ou déformé est d’ailleurs une caractéristiques commune que l’on peut retrouver dans le cinéma de genre occidental, représentant les femmes possédées.
• Moralement: Dans The Grudge, la figure de mère n’existe plus pour l’enfant lui même assassiné. Les deux entités fantomatiques co existent sans avoir de contact. De plus, Creed précise que la maison devenue maléfique représenté ce fameux « utérus » qui en son sein (!), ne répand que mort brutale.
  Dans Carved, la mère est déjà défaillante quand elle est en vie au sein même de son foyer où elle maltraite ses enfants. Sa dangerosité n’est que décuplée et quitte le cocon familial quand devenue spectre, elle s’attaque aux enfants. Dans Ringu, la mère est considérée comme une sorcière maléfique par la population.

Le cas de Bilocation est particulièrement intéressant à évoquer. Ce film de Mari Asato, raconte l’histoire de double, en apparence maléfique qui empoisonnent la vie des personnes originelles. Le personnage d’une mère est par exemple désemparée, car son double vient constamment au chevet de son fils à l’hôpital pour l’enlever et l’extraire de ses soins.
Mais on apprend que les doubles naissent d’une frustration, d’un danger ou d’une peur que connaissent les originaux. Ainsi, on apprend que la mère, acculée par les conditions de santé de son fils qui l’épuise, souhaite intérieurement que son fils meure. Le double intervient donc pour protéger ce fils.

On a ici la figure d’une mère dans la réalité qui montre un signe de défaillance (mais que le film ne la pointe pas pour autant comme coupable). Cette défaillance est contrebalancée par ce fantôme qui semble maléfique aux premiers abords, mais qui s’avère être pour une fois, signe de bienveillance.
Si vous me lisez régulièrement vous savez comme je peux le répéter, mais d’où l’intérêt d’avoir des réalisatrices pour renouveler les représentations et les histoires.

Les enfants fantômes

Bilocation évoque donc la violence faites aux enfants, ce qui me permet de constater que comme dans le cinéma d’horreur occidental, la J Horror met en scène des enfants fantômes pour renvoyer la responsabilités des adultes, de leur malheur.
Comme dans le cinéma d’horreur occidental également, il y a une écrasante majorité de petites filles fantômes.
Mais à la différence du cinéma occidental (La dame en noir, Mama, L’Orphelinat, etc..), les enfants fantômes sont de véritables machines à tuer.
Dans les années 2000, différentes affaires d’infanticides* (sur fond de mères pressurisées), sont médiatisées. En 2019, les violences sur les enfants ont fortement augmenté*** au Japon. Bref, comme partout, les enfants sont des minorités les plus maltraitées, car encore plus vulnérables et malléables.

Les enfants fantômes existent davantage dans la J Horror récente. On note par exemple Sadako de Ringu, piégée vivante dans un puit, la petite fille de Dark Water oubliée dans la cuve d’eau (l’eau reste définitivement un élément universel pour symboliser la mort). Mais aussi le bébé oublié dans un casier de The Locker et Toshio; le fils de Kayako et victime collatérale de violences conjugales dans Ju On; ces films représentent un échantillon du panel de violences possibles. De la négligence qui mène à la mort, au meurtre brutal.

Ces films utilisent la représentation terrifiante qu’un enfant peut être une véritable menace, et inverse finalement totalement le rapport de force qui met à mal le pouvoir et le contrôle initial des adultes.
Mais on peut également noter que comme les fantômes féminins, leur apparence est souvent modifiée de telle sorte qu’ils sont perçus dorénavant davantage comme des monstres que des enfants. Ce qui atténue la portée politique de la représentation de ces violences.

Pourquoi tant de haine des fantômes féminins Japonais?

Comme souvent, et au regard des éléments précisés plus haut, cette haine des fantômes féminins peut se voir à travers 2 prismes principaux:

• le reflet de la société patriarcale Japonaise qui projette une peur sur ces femmes, et notamment les travailleuses qui sont sur le marché de l’emploi. Mais aussi la peur que ces femmes ne remplissent plus ou mal leur rôle de mère.
  Si on reprend l’étude citée ci-dessus sur la violence faites aux enfants, les hommes sont en tête des auteurs des violences physiques. De qui faut-il donc avoir peur? On constate que les femmes sont les premières autrices de violences morales et de négligence. Faut-il y voir la difficile conciliation de mère/épouse/travailleuse ?
  
• la violence et les féminicides dont sont victimes les femmes ne peuvent que déboucher sur une haine illimitée avec un besoin de vengeance qui leur fait office de justice.
  Il n’y a pas de données fiables sur les féminicides au Japon pour la simple et bonne raison que ce terme n’est quasiment pas utilisé. Donc il est compliqué de savoir combien de femmes sont réellement tuées dans le cadre de violences patriarcales.
  Il faut également se rappeler des violences et de l’esclavagisme sexuel subies par les Japonaises** au moment de la 2 guerre mondiale. Le gouvernement Japonais tente de le cacher, mais on constate que les films de fantômes avant 2000 ont souvent comme toile de fond, des violences exercées par des samourais sur des femmes (Illusion of blood, Kwaïdan, Kuroneko, les contes de la lune vague après la pluie, etc..)

Les fantômes féminins Japonais plus apaisés

J’aime finir un article en ouvrant le champ des possibles pour montrer que même si ce n’est pas la majorité, on trouve toujours des oeuvres cinématographiques qui proposent des représentations différentes.

J’ai noté l’exemple de Kwaidan (1966), qui contient 4 courts métrages, dont un sur la légende de la Yuki Onna (dame des neiges). Ce conte qui a plusieurs versions, raconte l’histoire d’un homme qui rencontre une femme dans une forêt enneigée; qui le sauve du froid car elle le trouve beau (ses comparses n’auront pas la même chance). Il tombe sous son charme et la sorcière des neiges si on peut dire lui fait perdre la mémoire de leur rencontre car l’existence de cette Yuki Onna doit rester secrète. Ils commencent une vie maritale et familiale. Mais, un soir, le mari se souvient de cette rencontre fait le rapprochement avec sa femme. Celle-ci entre dans une grosse colère et lui dit qu’elle va disparaître dans la forêt et ne plus jamais entendre parler d’elle, à condition qu’il s’occupe bien des enfants. Sinon, elle réapparaitra, et le punira.
On est en 1966, dans une société Japonaise où le rôle des femmes est attendu uniquement au sein du foyer. Et ce conte met en scène une femme et une mère, certes diabolique sur les bords, mais qui n’est pas représentée non plus comme cruelle; libre qui pense à elle. Elle n’oublie pas pour autant le bien être de ses enfants, en exigeant du père qu’il s’en occupe parfaitement.

Plus récemment, le film Exte en 2007 évoque le trafic de cheveux avec l’exploitation de femmes dont l’une a succombé à ses blessures et qui devient un fantôme un peu particulier. Comme si l’exploitation de son vivant ne suffisait pas, son cadavre est exploité par un douanier, qui constate que ses cheveux continuent de pousser. Il vend donc ces cheveux à des salons de coiffure. Le fantôme utilise sa chevelure pour se venger de personnes qui portent des extensions faites avec ses cheveux, mais elle fait preuve (pour la première fois dans la J Horror je dirais), de compassion et d’empathie avec l’héroïne, une jeune coiffeuse. Elle la défend face à ses agresseurs. On observe ici une rare sororité du personnage transformé en antagoniste fantôme.

La conférence de la S’horrorité sur la représentation du fantôme féminin

J’ai évoqué une partie du sujet de cet article dans une conférence au festival de Gerardmer 2025. Le replay est disponible ci dessous (mes consoeurs évoquent les représentations du fantôme féminin de d’autres origines et époques, et mon intervention est à partir d’une heure):

Zoom avec Amandine de la librairie Yokai

Je souhaitais avoir le regard d’une spécialiste de légendes Japonaises et Amandine du podcast La librairie Yokai a accepté de répondre à mes questions:

Les fantômes Japonais sont multiples et divers, quel type te fascine le plus ? Pourquoi?

Les Yōkaux qui me fascinent le plus sont ceux qui ont été spécifiquement inventés pour expliquer l’inexplicable !
On en parle régulièrement dans la librairie, mais avant de comprendre l’électricité, on considérait que c’était une forme de magie. De la même façon, tous les événements inexplicables ont souvent trouvé réponse au travers du Kappa, du Kamikakushi ou encore du Zashiki Warashi.
Pour comprendre le monde qui nous entoure, nous avons fait en sorte d’inventer le Yōkai parfait qui pouvait expliquer ce phénomène, et c’est pour moi le plus intéressant dans ce monde très vaste.

Aussi utilisé comme moyen de prévention comme le chaperon rouge, les Yōkaux sont multiples comme tu l’as dit, mais cette catégorie suscitée est vraiment celle qui recèle le plus d’intérêt pour moi, et celle pour laquelle je prends plaisir à fouiller les internets pour en arriver à l’origine. 

Vous avez consacré un épisode sur les fantôme de femmes et d’enfants, avec le sexisme qui va avec. Qu’est-ce qui fait selon toi qu’un fantôme féminin peut avoir une lecture féministe? Est-ce que tu dirais que les fantômes féminins s’ancrent la plupart du temps dans une représentation sexiste?

Encore aujourd’hui, la culture japonaise recèle une part profondément sexiste dans sa façon de voir le monde. Ayant vécu là-bas, il est difficile de nier à quel point le pays est organisé pour que la femme-mère soit à la maison en permanence.
Et cette vision n’est pas nouvelle, des centaines d’années d’héritage nous ont menées là. Toute cette vision du monde s’exprime forcément au travers de la culture et en particulier de la culture populaire. Nous avons donné une lecture féministe aux mythes des femmes dont le destin est lié à celui des enfants, mais je ne pense pas que la lecture commune soit féministe, bien au contraire.
Et c’est à cause de cela que presque tous les fantômes féminins peuvent avoir selon moi une lecture féministe, en opposition avec ce qui lui a donné naissance : une vision beaucoup plus manichéenne de la relation homme-femme. 

Ayant vécu au Japon, il est difficile de nier à quel point le pays est organisé pour que la femme-mère soit à la maison en permanence.

Contrairement à l’image « cool » que le Japon s’est globalement forgé à l’international, on sait qu’il est en fait plutôt conservateur avec une forte présence des principes patriarcaux. L’élection dernière d’une Première Ministre Sanae Takaichi très conservatrice ne va apriori pas arranger les choses. Penses que tu que le cinéma d’horreur Japonais reproduit des pensées conservatrices ou y a-t-il au contraire des films ou des auteur-rices qui tentent de contrer ces idées?

Le Japon est « cool » aussi, il est multiple comme toutes les cultures, et si les injonctions politiques et sociales sont organisées de telle façon, il ne faut pas oublier que cela ne représente pas forcément les personnes de ce pays et leur vision.
Je ne fréquente pas assez la J Horror pour avoir une opinion tranchée sur le sujet mais le genre est connu pour toujours bousculer les idées reçues et les normes de la société. Tous les synopsis que j’ai pu étudier dans le cadre de la Librairie Yōkai me poussaient à penser qu’ils allaient justement à l’encontre de ces normes pour poser des questions, forcer à la réflexion, ce qui est finalement typique du genre. 

Quelles sont les différences principales selon toi entre les fantômes féminins Japonais et Occidentaux? Et les points communs?

Le fantôme féminin occidental a un côté presque évanescent et sans but précis. Il erre dans des couloirs en espérant se faire voir et en attendant d’apparaître sur une photo.
Le fantôme féminin japonais est souvent emplie de rage et avide de vengeance, il a un but précis et tuera toutes celles et ceux qui se mettront sur son passage. J’aurai tendance à dire que le fantôme japonais est acteur, là où le fantôme occidental est plutôt passif dans son apparition. 

Quel est ton fantôme féminin Japonais préféré? Pourquoi?

J’ai un attrait particulier pour la Yuki Onna depuis le début du podcast. Je trouve que la version de Lafacadio Hearn a un côté tragédie qui parle beaucoup à ma propre culture. C’est finalement le mélange de la culture nippone et de la culture occidentale qui m’a le plus parlé ! 

L’universitaire Pascale Fakhry explique que l’essor de la JHorror des années 90 coïncide avec l’arrivée des femmes au Japon, sur le secteur de l’emploi (sous entendu elles représentent une nouvelle menace). Qu’en penses-tu?

Je pense que c’est tout à fait entendable au regard de la structure de la société japonaise. Pendant des années, les femmes ont été cantonnées au rôle de mère, et n’ont pas eu voix au porte-à-faux. Il paraît évidemment qu’inconsciemment ou non on puisse interpréter leur arrivée comme une forme de menace. Néanmoins, je pense que cette analyse n’est valable que pour le cinéma, puisque les fantômes féminins ont quant à eux exister de puis toujours. Mais comme nous l’avions vu dans notre épisode sur le sexisme au Japon, les peurs était tout à fait différentes. 

Dans le film Kwaïdan (1964), la Yuki Onna avertit l’homme qu’elle va abandonner avec ses enfants que s’il ne s’occupe pas bien des enfants, elle reviendra le punir. Est-ce que finalement c’est pas le fantôme japonais le plus féministe?

La Yuki Onna, dans sa version romancée, a une prestance et un aplomb déconcertant. Je ne la caractériserais pas de féministe néanmoins, mais plutôt de femme qui cherche à rétablir les choses qu’elle estime juste, au travers de sa colère.

Pour moi, dans l’idée du féminisme il y a vraiment une envie de secouer la société, et briser ses codes et je pense que la Yuki Onna dans cette version est tout simplement un conte qui nous apprend à faire attention sur un sujet en particulier : ici le fait que des enfants, ça ne s’élève pas tout seul. 

Sources:

*Libération: Au Japon, la détresse des femmes infanticides (juillet 2006)
**National Geographic: Esclaves sexuelles : une vérité qui dérange au Japon (août 2020)
***Nippon: La maltraitance infantile au Japon : un nombre record d’enfants victimes en 2019

Films vus et/ou cités:

L’article [Dossier] La représentation des fantômes féminins Japonais est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

1- Fresh de Mimi Cave (2022)

Fresh– © Disney

Marre des dates foireux sur les applications de rencontre? C’est le point de départ de Fresh, pour comprendre l’état d’esprit de Noa, fatiguée de chercher l’amour. Dans le rayon légumes, elle tombe sous le charme de Steve, et décide d’arrêter de réfléchir et de se laisser porter. Steve lui propose un week end à la campagne et Noa profite. Mais évidemment, elle ne s’attendait pas à un tel accueil…

Je vous garde les nombreuses surprises que Fresh propose, mais il faut savoir que le premier film de Mimi Cave (réalisatrice de clips vidéo), traite du cannibalisme sous fond de classique exploitation d’une minorité par des riches.
Si le film est présenté comme une comédie, ce n’est, à mon sens, absolument pas le cas. Oui, certaines scènes poussent le curseur du cocasse qui prêtent à sourire, mais ne vous attendez pas à une comédie pure et dure.

Les points forts de Fresh? Le fait de garder une grande cohérence dans sa thématique des femmes utilisées comme ressource. Notion que j’ai développé dans mon analyse de l’éco féminisme dans le cinéma de genre. Que ça soit le fait que Noa doive supporter un mec pingre et insultant, qu’elle soit abordée dans un rayon de supermarché, et évidemment l’intrigue principale du film, Mimi Cave s’attache à montrer l’exploitation des femmes mais aussi la lâcheté des hommes face à ça. Mais elle n’oublie pas pour autant que la violence patriarcale peut être aussi entretenue par les femmes, qui y voient une opportunité de se mettre du côté des puissants. Et Charlotte LeBon en méchante, comment résister?
Cette revisite de Barbe Bleue (avec une référence directe à Ex Machina avec la scène de la danse, film qui lui même était une version de Barbe Bleue), est un mélange parfait de divertissement tout en prenant au sérieux son sujet.

Daisy Edgar-Jones est parfaite, et Sebastian Stan (I Tonya) brille dans la peau de cet Hannibel Lecter moins malin mais tout autant diabolique. Un parfait amuse bouche pour débuter votre soirée d’Halloween.

2-Lisa Frankenstein de Zelda Williams (2024)

Lisa Frankenstein– © Universal Pictures

Première réalisation de Zelda Williams (fille de Robin et ça a son importance au regard de la thématique du film), Lisa Frankenstein conte la reconstruction de Lisa, traumatisée par le meurtre de sa mère, coincée entre une belle mère parano et un père qui plane. Passionnée de cimetière (parce que pourquoi pas), elle voit son quotidien chamboulé par l’arrivée d’un jeune cadavre ressuscité issu de l’époque victorienne.

Avec une direction artistique parsemée de vert et de rose tout de néons, Lisa Frankenstein a une volonté affichée de s’inscrire dans un teen movie « cool », instagrammable, qui aide à marquer sa patte dans la pop culture du cinéma de genre. Mais cette direction artistique va plus loin; cela permet d’appuyer la dimension du conte mais aussi la navigation de Lisa qui tente d’évoluer entre des mondes qu’elle tente de comprendre. Celui du deuil et de la mort avec La Créature, celui des adultes névrosés avec le lycée et sa belle mère. Lisa Frankenstein choisir la comédie noire pour aborder le thème de la reconstruction après un deuil (pas pour rien qu’elle recolle littéralement les morceaux avec la Créature), qui donne un ton particulièrement jouissif, parfaitement adapté pour une soirée Halloween. Zelda Williams a en effet été très impactée par la mort de son père (Robin), et ce n’est pas étonnant qu’elle trouve son compte dans la comédie horrifique.

Mais plus qu’un divertissement, Zelda Williams propose des personnages féminins complexes. Malgré les décisions parfois fortement discutables de Lisa, elle reste toujours attachante, en gardant son ambiguïté. Ce qui fait qu’on ne sait jamais vraiment qui elle est. Idem pour sa belle soeur qui est tout son contraire (conforme aux normes sociales féminines, pom pom girl, etc..), et qui est d’une réelle bienveillance envers Lisa. Alors que ce type de rôles sont habituellement des pestes faciles, elle cherche à défendre et comprendre Lisa.

Kathryn Newton (Freaky et Abigail) et Cole Sprouse (Riverdale) s’en donne à coeur joie et leur duo improbable est un vrai régal. Alors oui, ne mettez pas la barre trop haute concernant votre suspension d’incrédulité et vous verrez, vous passerez un très bon moment.

3-The Ugly stepsister d’Emilie Blichfeld (2025)

The Ugly Stepsister– © Scanbox Entertainement

Changement de registre et de type de belle soeur avec le gore The Ugly Stepsister d’Emilie Blichfeld qui ne va pas vous ménager. Cette relecture horrifiquement parfaite de Cendrillon nous place du point de vue de la belle soeur de Cendrillon, qui est prête à tous les sacrifices corporels pour tenter de se conformer aux normes sociales et attirer l’attention du prince.
La photographie faite de clairs obscurs reflète avec brio l’aspect conte et sa dimension fantastique.
Halloween est la soirée idéale pour se faire raconter des histoires, et le conte de The Ugly Stepsister s’inscrit dans la même veine que The Substance qui utilise le body horror pour donner un aperçu de ce que les femmes peuvent/doivent s’infliger pour exister.

Retrouvez le détail dans la critique de The Ugly Stepsister par ma consoeur Leo, ainsi que son interview de la réalisatrice norvégienne Emilie Blichfeld.

4-Vorace d’Antonia Bird (1999)

Vorace– © 20th Fox

Changement de décor avec Vorace d’Antonia Bird, dont l’action se situe au temps de la guerre américano mexicaine (autour de 1850). On suit l’équipe du capitaine John Boyd pour tenir un fort. Un homme vient à leur rencontre et leur raconte qu’avec d’autres, ils ont été bloqués dans une grotte et qu’il a dû manger leur chair pour survivre. L’équipe part donc en direction de la grotte et ne sera pas au bout de ses surprises.

Inspiré du cas Alfred Packer, Vorace, qui fût un échec total à sa sortie, aborde le cannibalisme, sujet hautement tabou, complexe à aborder justement. Le fait d’ancrer l’histoire dans une (des) page sombre des USA (car cette guerre débouchera entre autres sur la guerre de Sécession), permet de filer des métaphores: un pays qui s’auto détruit, des hommes qui se nourrissent des uns et des autres (Vorace reprend notamment des croyances/mythes autour du fait que l’on s’approprie les caractéristiques de sa victime en la mangeant), etc..
Mais la thématique qui est particulièrement d’actualité 25 ans après, c’est de d’associer la viande humaine à un gibier comme un autre. Cette thématique est ponctuellement présente au cinéma depuis longtemps (comme avec Massacre à la tronçonneuse), mais ici Antonia Bird illustre une autre facette des notions liées à l’éco féminisme; l’attitude masculine qui consiste à s’approprier le corps et le territoire de l’autre.

Ces thématiques prennent vie à travers un décor hivernal et rugueux, avec une tension parfaitement menée, notamment dans la première partie. Malgré son sujet, Vorace n’est pas gore, et se situe à la croisée du survival et du thriller.

La regrettée Antonia Bird décédée en 2013, n’aura réalisé que 4 films et Vorace est le seul (et dernier) qui s’ancre dans le cinéma de genre.

5-Bilocation de Mari Asato (2013)

Bilocation– © Kadokawa

La particularité de Bilocation est d’être réalisé par une Japonaise. Force est de constater que peu de films de genre réalisées par des Japonaises existent d’une part, et parviennent jusqu’à nous, d’autre part.
Alors n’hésitez pas à découvrir ce film de doppelgänger, qui raconte l’histoire de Shinobu, artiste peintre, qui découvre un jour qu’un double d’elle, se balade en ville. Cela l’amène à rencontrer un groupe de paroles de personnes qui connaissance le même sort.
La force de Bilocation est de sortir du classique double maléfique. Ici, Mari Asato montre que ces doubles ne sont que l’expression de peurs ou colères refoulées. A travers son personnage féminin, elle questionne également les choix que les Japonaises sont contraintes de faire entre leur carrière et leur vie d’épouse. Des thématiques qui peuvent nous sembler arriérées, mais pourtant toujours bien d’actualité, notamment dans un pays très patriarcal comme le Japon.

Bilocation est à mi chemin entre un film de fantômes et de démon. Le film contient quelques scènes bien effrayantes mais c’est surtout la tension de ne pas savoir ce que les doubles vont pouvoir faire qui marque.
Bilocation s’attache finalement à refléter son époque; car on suit des doubles de personnes différentes avec des contextes reflétant les problématiques sociales (la mère isolée, le travailleur acculé, etc..).
Je vous conseille de plutôt commencer votre soirée avec Bilocation qui dégage une grande mélancolie pour finir avec un film plus fun, comme Lisa Frankenstein !

N’hésitez pas à aller consulter mes recommandations de films d’horreur singulièrement féministes!

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Peux-tu te présenter ?

Je m’appelle Flo et j’écris sur Internet sous le pseudonyme de WongKarWaifu, un genre de mot-valise entre Wong Kar-wai et Waifu.

Je donne essentiellement mon avis sur le cinéma d’Asie de l’Est. C’est quelque chose que j’ai commencé à faire sur mon temps libre en 2022, tout d’abord sur Twitter, puis sur mon site sous la forme de textes beaucoup plus longs. Aujourd’hui j’utilise essentiellement Bluesky pour discuter avec mes camarades cinéphiles. Mon site me permet de publier des articles de fond, et ma newsletter chronique l’actualité du cinéma d’Asie chaque semaine.

Je pense que j’ai commencé à écrire pour passer le temps, m’occuper l’esprit et partager cette passion avec des gens, plutôt que de la vivre seule chez moi ou dans une salle de cinéma, ahahah.

Tu utilises plusieurs formats pour partager ta passion du cinéma asiatique (réseaux sociaux, newsletter, article, podcast). Comment abordes-tu ton contenu selon les formats? Qu’est ce que la diversité de format apporte selon toi?

C’est une question à laquelle je réfléchis régulièrement ! Je crois que chaque plateforme et chaque format me permet d’aborder le sujet d’une manière différente. J’aime bien l’exercice de concision et de synthèse que requiert Bluesky. Ça me permet aussi de poster des bêtises ou de parler d’autre chose, même si j’essaie de ne pas trop le faire comme je suppose que les gens s’abonnent essentiellement pour mon avis sur le cinéma. Parfois, j’ai l’impression d’avoir trop à dire pour ce genre de plateforme, alors j’utilise Letterboxd pour articuler ma pensée. Je ferais une bien piètre critique de cinéma mais j’aime bien coucher mes réflexions à l’écrit.

Ensuite, mon site me permet de creuser des sujets en profondeur de temps en temps. J’aime bien mettre en lumière des artistes qu’on oublie trop souvent quand on parle de cinéma. C’est pour ça que j’ai consacré des articles à des costumières, un monteur son, une décoratrice, etc. C’est vraiment de la transmission de savoir et j’ai l’impression que c’est ce que je fais de plus utile même si ça prend beaucoup de temps et d’énergie. C’est aussi ce que j’essaie de faire dans une moindre mesure quand je suis invitée dans une émission : j’essaie d’utiliser cet espace de parole pour contextualiser les films et faire de la pédagogie. Je crois que je préfère procéder ainsi, plutôt que de simplement donner mon avis sur les films, comme je n’ai pas spécialement de légitimité ou d’autorité dans le domaine.

J’ai aussi créé un serveur Discord pour papoter avec les gens, regarder des films ensemble, partager des informations, ce genre de choses. Je suis très attachée au côté communautaire et encore une fois ça permet de vivre sa passion avec d’autres personnes. C’est un espace où chacun·e peut s’exprimer.

Enfin, la newsletter a un côté très utilitaire. Je pense que les réseaux sociaux et les moteurs de recherche ne sont plus des outils assez fiables pour suivre l’actualité ou trouver des informations. Beaucoup de gens peinent à faire le tri dans le déluge d’informations qui arrivent chaque minute dans leur fil d’actualité. C’est là que j’interviens, ahah ! Je fais pas mal de curation, et comme c’est hebdomadaire et que ça arrive directement dans la boîte mail de la personne, ça donne un côté magazine que je trouve assez chouette. J’aime à penser que c’est devenu un rendez-vous pour quelques personnes.

Si j’avais les compétences et les moyens techniques nécessaires ainsi que beaucoup plus de temps libre, j’aimerais bien animer des émissions en direct, m’entretenir avec des artistes ou créer du contenu vidéo mais je pense que pour le moment je vais me limiter à l’écrit, ahah.

Quels sont les plus gros clichés sur le cinéma asiatique selon les pays d’après toi?

Vaste question ! Je suppose que ça dépend de qui véhicule les clichés en question.

Pour le grand public, j’imagine que ça se résume aux films d’arts martiaux hongkongais et à l’animation du studio Ghibli.

Côté cinéphiles, j’ai l’impression que pas mal de gens ont des idées reçues sur les industries de chaque pays : “le cinéma hongkongais est mort”, “le cinéma chinois est propagandiste”, “le cinéma taïwanais est contemplatif”, ce genre de choses.

De façon générale, je crois surtout qu’il y a une méconnaissance du sujet, surtout en ce qui concerne les pays d’Asie centrale ou d’Asie du Sud-Est. Parmi les gens qui aiment le cinéma japonais, assez peu vont avoir la curiosité de s’intéresser aux films mongols ou vietnamiens. C’est dommage de résumer un continent entier à cinq pays.

Tu assumes sans détour tes positions politiques, que ça soit sur l’actualité ou le cinéma.  En quoi est ce important pour toi? Est-ce que ça te vaut du cyberharcèlement? 

C’est quelque chose que je fais au quotidien avec mes ami·es, alors je me voyais mal m’autocensurer sur Internet, a fortiori à une époque où on laisse de plus en plus de place aux discours réactionnaires.

Je pense que c’est une attitude plutôt saine. Je ne cherche pas systématiquement le conflit mais je ne crois pas non plus que ce soit quelque chose dont on devrait avoir peur. Si les célébrités et les médias adoptaient tous·tes un positionnement politique clair, ça permettrait à chacun·e de renforcer son esprit critique et de soutenir les gens en connaissance de cause.

J’ai l’impression que l’immense majorité des créateur·ices de contenu ont peur de se positionner sur les réseaux sociaux. C’est sans doute pour se prémunir du harcèlement des communautés d’extrême droite, ou pour éviter d’aliéner une partie de leurs abonné·es. J’ai cependant l’impression que s’en tenir à une ligne claire et sans concession permet au contraire d’obtenir la confiance des gens.

Quand j’étais encore sur Twitter, ça m’a valu pas mal d’insultes et quelques menaces de mort, mais je ne crois pas que ça me soit arrivée depuis que je suis sur Bluesky. Comme quoi, c’est aussi une histoire de modération et de choix de l’espace dans lequel on s’exprime.

Dans ton article « I Am What I Am : perspectives aro-ace », tu évoques le paradoxe entre le conservatisme japonais à l’égard des LGBTQIA+ et le fait que tant qu’il est dans la fiction et qu’il peut servir de vitrine à l’international pour que le Japon soit perçu comme progressiste, c’est toléré. Quel est le regard et la réaction de la communauté LGBTQIA+ japonaise là-dessus? Et des cinéastes?

Je ne sais pas du tout comment se positionnent les personnes LGBTQIA+ du Japon sur la question.

Côté cinéastes, j’ai le sentiment que ce genre d’œuvres est avant tout quelque chose de personnel. Évidemment, certain·es cinéastes vont évoquer des sujets comme l’homosexualité sans être directement concerné·es mais une bonne partie de ces films sont produits, écrits ou réalisés par des gens qui ont à coeur de transmettre un message à leurs compatriotes.

Ce qu’en fait le gouvernement par la suite est assez secondaire, même si je suppose que beaucoup sont conscient·es du cynisme de certaines démarches. Cela dit, le gouvernement japonais n’est pas une entité monolithique et il existe probablement des gens de bonne volonté qui ont simplement envie de mettre ces contenus en avant sans pour autant être aux manettes de la législature.

Tu mets en valeur des techniciennes de cinéma comme Cho Sang-kyung, costumière et Ryu Seong-hie, décoratrice. Quel est le métier le plus accessible pour une femme selon les pays? Celui qui leur est le plus compliqué?

Là encore, je ne saurais dire avec certitude.

Beaucoup de postes à responsabilité sont en grande majorité occupés par des hommes. Certaines femmes parviennent à réaliser un ou deux films mais sont souvent contraintes d’interrompre leur carrière par manque de moyens financiers. C’est le cas en Corée du Sud où beaucoup de réalisatrices prometteuses s’arrêtent après un premier film très personnel, mais ne parviennent pas à transformer l’essai.

Évidemment, tout ceci varie en fonction des cultures et des pays : par exemple, les réalisatrices chinoises de premier plan sont moins nombreuses que leurs homologues japonaises. Pour autant, elles existent et il me semble important de mettre leur travail en avant.

De façon générale, en lisant les noms au générique des films que je regarde, j’ai l’impression que les métiers vraiment accessibles pour les femmes sont assez peu nombreux : actrice bien sûr, mais aussi scénariste, maquilleuse, coiffeuse ou costumière.

Ryu Seong-hie est un cas un peu à part comme elle a pour ainsi dire créé le métier de décoratrice de cinéma dans son pays. Elle se réjouit toutefois de l’augmentation du nombre de femmes sur les plateaux de tournage et a l’impression que les choses évoluent dans le bon sens.

Dans le podcast HKast, vous évoquez Cure de Kiyoshi Kurosawa et vous interrogez la position du film sur la psychiatrie. Est-ce que la psychophobie n’est pas finalement un point commun du cinéma d’horreur toutes nationalités confondues?

Je ne suis pas assez versée dans le cinéma d’horreur pour donner une réponse définitive sur la question mais c’est l’impression que j’en ai, en effet.

De manière générale, je trouve que Hollywood et les autres industries ont tendance à faire du sensationnalisme autour des troubles psychiques et de ce que l’on appelle “folie” par abus de langage psychophobe. En un sens, ces industries épousent le discours dominant porté par l’institution psychiatrique : c’est toujours un problème, un danger, quelque chose à corriger ou a minima une altérité qui met mal à l’aise.

Malheureusement, c’est quelque chose qui est très utilisé dans le cinéma d’horreur parce que la maladie mentale telle qu’on la conçoit dans notre imaginaire collectif est quelque chose qui fait peur par définition. C’est plus un problème social qu’un problème artistique, à mon sens.

Concernant le cinéma horrifique, on a beaucoup de films Coréen et Japonais qui nous parviennent. Beaucoup moins de films Chinois, ou d’Inde. Comment l’expliques-tu?

Je ne connais pas la raison pour ce qui est de l’Inde, mais c’est très simple à expliquer pour la Chine : l’obscénité et les superstitions sont prohibées par la censure étatique. C’est pour ça qu’en dehors de quelques films hongkongais produits avant la rétrocession ou bien à l’étranger, la pornographie et le cinéma d’horreur n’existent pour ainsi dire pas. En revanche, les studios taïwanais produisent de nombreux films d’horreur en langue chinoise chaque année !

Le cinéma a une grande influence sur notre perception des représentations, et notamment des minorités. Quel est ton regard sur ce qu’on appelle la cancel culture?

…
Je pense que si certain·es ne voient en l’art qu’une énième manière de perpétuer des oppressions qui appartiennent au passé, on se passera d’elleux.

Il est toujours délicat de représenter les minorités et notamment la violence qu’elles subissent. Quel est ton regard sur ces violences représentées dans le cinéma asiatique? (ce que tu trouves pertinent ou non en termes de mise en scène, des films, etc..)

Je suis partagée sur la question. Tout d’abord, je pense qu’il faut garder en tête le contexte de production de chaque œuvre, et qu’il est important d’avoir un regard critique sur l’ensemble de la production mondiale.

Je considère qu’on peut expliquer certaines choses quand on sait qu’un film a été produit en studio en Chine continentale en 1993, sans pour autant les excuser. De la même manière, on peut déplorer certains éléments d’un film produit en France en 2023, sans pour autant rejeter l’œuvre en bloc.

L’Asie n’a pas vraiment de spécificité de ce point de vue là. Lutte des classes, féminisme, religion, identités queer : chaque culture entretient des liens différents et en constante évolution avec ces sujets. En ce moment, la pente est clairement à droite : le monde entier semble sombrer un peu plus dans l’obscurantisme chaque année. Pour autant, la Thaïlande vient de légaliser le mariage homosexuel et la Corée du Sud est parvenue à contrecarrer un coup d’état d’extrême droite.

Par conséquent, je ne pense pas que la violence soit représentée différemment en Asie. C’est vraiment un ressenti au cas par cas en fonction de chaque film et de la personne qui le regarde. On peut discuter de tout ça mais je pense qu’il vaut mieux éviter de généraliser à l’échelle d’un continent.

Comment définirais tu un film féministe? La définition diffère-t-elle quand on parle de cinéma asiatique ou européen selon toi?

Je pense que le terme est un peu galvaudé mais selon moi ce serait un film dont le propos serait ancré dans une lutte pour l’émancipation des femmes. Je ne suis pas sûre que ce soit quelque chose qu’on puisse décréter en tant que cinéaste. C’est plutôt au public de s’approprier l’œuvre et de décider quels éléments au sein du film sont féministes.
Par exemple, Shao Yihui refuse de parler de féminisme quand elle évoque son film Her Story. C’est pourtant un film grand public qui bouscule le patriarcat chinois, là où le Barbie de Greta Gerwig faisait sensiblement la même chose aux États-Unis.

On dit souvent qu’une critique doit être « neutre » et ne surtout pas écrire à la 1ère personne. Qu’en penses-tu? Est-ce important de préciser d’où on parle?

Je pense que l’objectivité critique n’existe pas et que cette prétendue neutralité n’est guère plus qu’un écran de fumée pour un conservatisme bas du front. Évidemment que je parle à la première personne quand je donne mon avis sur un film ! Et même quand je ne dis pas “je”, il est sous-entendu que je donne mon opinion. Ce serait incroyablement prétentieux que de partir du postulat que l’on détient une sorte de vérité absolue et objective en tant que critique.

Au-delà de la posture morale et philosophique, je pense que c’est très prosaïquement utile de connaître la personne qui critique une oeuvre : si je sais ce qui déplaît à un·e journaliste ou à un·e créateur·ice de contenu, je peux avoir moi-même un regard critique sur ce que dit la personne.

Par exemple, je n’aime généralement pas les comédies musicales. C’est quelque chose que les gens qui me suivent depuis un moment savent probablement. Par conséquent, mon avis sur un tel film n’a pas le même intérêt que celui de quelqu’un qui est passionné·e par le genre. Pour autant, il n’est pas sans valeur : si je chante soudain les louanges d’une comédie musicale, c’est peut-être qu’elle propose quelque chose de différent qui pourrait plaire aux gens qui ont la même sensibilité que moi.

Si on cherche l’objectivité dans l’art, autant demander à une machine de rédiger la critique.

Peux tu citer 3 films asiatiques féministes selon toi?

C’est la question piège, ahah ! Je dirais : Saving Face d’Alice Wu dont les deux personnages principaux s’émancipent au fil du film. C’est une comédie romantique lesbienne mais ça parle aussi de parentalité, de la pression familiale et des oppressions qu’on perpétue malgré nous.

On peut aussi citer Joyland de Saim Sadiq qui dénonce les ravages de l’hétéropatriarcat et aborde de nombreux thèmes comme la masculinité, la transidentité, la liberté sexuelle et le sexisme.

Enfin, je citerais peut-être Les Anges portent du blanc de Vivian Qu, qui s’intéresse aux dynamiques de pouvoir entre hommes et femmes et brasse pas mal de thématiques autour du sexisme en Chine.

C’est horrible, j’ai envie d’en citer plein d’autres, ahahah !

Peux-tu évoquer des personnalités dans le cinéma asiatiques qui font bouger les lignes?

C’est difficile de savoir si quelqu’un a un impact direct sur la société.

Je pense que Leslie Cheung a eu une influence considérable à son époque, aussi bien au cinéma que sur scène. Lee Chang-dong est lui aussi à sa manière vecteur de progrès : il a produit les premiers films de plusieurs réalisatrices sud-coréennes comme Yoon Ga-eun et July Jung.
Naoko Yamada est aussi quelqu’un d’important dans le monde de l’animation, et ce serait difficile de ne pas citer Ann Hui dont la carrière force le respect.

Je crois que personne n’est irremplaçable mais que nous progressons petit à petit collectivement. Chaque fois qu’une femme, qu’une personne racisé·e, queer ou handi crée quelque chose, ça ajoute un peu de diversité à la culture mondiale. Par conséquent, je pense qu’on agit tous·tes pour faire bouger les lignes, que l’on fabrique les films, qu’on en soit l’objet ou qu’on en parle.

Où retrouver Flo:

• WordPress
• Bluesky
• Discord

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1-Dead talents society de John Hsu (2024)

De quoi ça parle: Les fantômes utilisent eux aussi les réseaux sociaux pour perpétuer leur légende et continuer d’effrayer toujours plus, en vue de gagner en popularité.

Ce film Taïwanais est une véritable bouffée d’humour magistralement orchestré, enrobée d’une direction artistique gothiquement pop et colorée. Dead talents society réinvente le récit initiatique en structurant le récit à travers plusieurs générations de femmes, ce qui permet de créer un sentiment empathique chez le public de manière très originale. En effet, on suit une jeune fantôme et une autre fantôme, célébrité sur le déclin, qui ont toutes les deux tout à prouver pour obtenir leur place dans le monde de l’au delà.
L’idée est évidemment de critiquer notre société actuelle dopée à la dopamine des likes, en ayant l’intelligence de le rattacher à un sentiment qu’on cherche tous et toutes. Se sentir appartenir à une société, à une communauté, notamment quand on est une femme, où chaque étape d’âge à franchir est un défi. Pour refléter cela, les vivants et morts partagent le même espace dans Dead Talents Society, et les fantômes sont représentés de manière très charnelle, rappelant bien leur origine humaine.
Le réalisateur du subjuguant Détention livre avec Dead Talents Society, une œuvre à la fois touchante, drôle, sans manquer d’envoyer une bonne dose d’hémoglobine comme on aime pour Halloween.
Alors foncez sans hésiter.

2-Evil Dead Rise de Lee Cronin (2019)

De quoi ça parle: une mère de famille célibataire qui vit dans un immeuble, reçoit la visite de sa soeur qu’elle n’a pas vu depuis longtemps. Cette même soirée, suite à un tremblement de terre, les enfants découvrent un livre pour le moins démoniaque.

5e volet de la saga Evil Dead, Evil Dead Rise change radicalement de décor et de personnages au regard des films précédents. Toute l’action se situe uniquement dans un appartement et un hall d’immeuble. Alors que la famille n’a jamais été (ou presque avec le remake) au centre de l’histoire, Lee Cronin met en scène deux soeurs, entourées d’enfants. Egalement écrit par Lee Cronin, Evil Dead Rise réussit la délicate tâche de proposer un film gory (la scène de la râpe à fromage me fera toujours grincer), effrayant, tout en étant particulièrement intelligent dans la thématique qu’il traite: la violence de la situation de mère célibataire. Pour cela, Cronin utilise le motif du rond, et son écriture fine déroule un fil logique, qui monte en puissance en violence et en sang. J’ai analysé la mise en scène et la thématique du film, si vous souhaitez en savoir plus.
Mais qu’est-ce qu’il a d’inclusif?:

• Le personnage de la mère, Ellie, se caractérise autrement que dans son rôle de mère (sachant qu’elle est mère célibataire): elle prend le temps pour ses activités. Elle a également un look « rock », un peu dark. Alors que souvent, les mères ont un style neutre quand elle sont investies de leur rôle, ou « sexy & droguée/alcoolique » quand elle sont défaillantes. Ellie est une mère fiable, qui a une confiance totale envers ses enfants.
• Evil dead rise utilise le genre de l’horreur pour matérialiser la violence extérieures qui est exercée sur les mères célibataires,
• Il y a une belle histoire de sororité: le personnage de la sœur Beth, arrive pour aider sa sœur, et ses neveux et nièces. Ce qui lui permet de traverser les épreuves de sa propre histoire aussi.

Le film vous ravira pour Halloween car c’est un festival de sang et d’effroi (rien que l’affiche me glace car j’y vois une représentation très parlante des violences intra familiales). Et à la fois vous aurez encore plus d’empathie pour les mères célibataires.

3-Judy & Punch de Mirrah Foulkes (2019)

De quoi ça parle: 17e siècle. Judy et Punch sont un couple de marionnettiste appréciés et adorant leur métier. Leur relation est ternie par l’alcoolisme de Punch, et suite à un drame familial, la vie de Judy va basculer.

Enfin un film réalisé par une femme (j’ai proposé également des recommandations de films de réalisatrices)! Une direction artistique somptueuse qui met en valeur chaque élément du décor et accessoires. Tout ce que j’aime.
Le film est une vraie prouesse narrative car il joue sur plusieurs registres: la comédie, le drame, le fantastique, le thriller. Son point fort? Savoir parfaitement où il faut déployer de la comédie ou de la tension. Se déroulant à la belle époque de la chasse aux sorcières, le folklore coven est convoqué, et ça c’est toujours agréable pour un Halloween féministe.
Le personnage de Judy (jouée merveilleusement par Mia Wasikowska) bénéficie d’une écriture généreuse, grâce à un arc narratif qui ressemble finalement à ce que beaucoup de femmes vivent: le syndrome de l’infirmière avec un conjoint défaillant voire violent, une rage qui en découle suite à l’injustice et l’inconscience de trop, et enfin la recherche de réparation.
Mais sa réparation ne se fait pas seule, elle sera bien entourée par des femmes marginalisées et un peu magiques, qui se cachent. Une autre manière de raconter la sororité.

C’est très divertissant sur la forme (d’autant qu’on voit rarement le métier de marionnettiste à l’écran), et ça réveillera vos instincts féministes.

4-What keeps you alive de Colin Minihan

De quoi ça parle: Un couple part en week end en forêt pour fêter leur anniversaire de mariage. Entre révélations et tensions, ce week end se transforme rapidement en quête de survie.

Vous l’aurez compris, What keeps you alive est un survival qui s’avère relativement classique dans son exécution. Pourquoi alors le sélectionner?:

• C’est un très bon divertissement pour Halloween: rythmé, saignant, tendu, vous passerez un bon moment
• Il n’est pas dénué d’idées de mise en scène, notamment pour symboliser qui est la proie et comment on se libère de cette position. Demoiselles d’Horreur l’évoque ici:

• Le couple en question est lesbien et ce n’est jamais un sujet dans le film. Il me semble que c’est la première fois que je vois un couple lesbien au centre d’une histoire d’un film de genre, où il n’est pas question d’évoquer cette situation. Juste c’est un couple. C’est d’autant plus remarquable que c’est un couple pour le moins en conflit, ce qui en fait des personnages complexes, du moins libérés de représenter un certain modèle de personnage queer plus ou moins exemplaires. What keeps you alive garde le cap de traiter ces personnages comme il l’aurait fait avec des hétéros. Et c’est rafraichissant, aussi pour des questions de représentations, d’autant que je n’ai pas revu un film depuis avec la même démarche.

Cette chasse dans la forêt est tellement prenante qu’on pardonne les quelques éléments peu crédibles qui nuisent un peu à la solidité narrative, notamment finale. Les deux actrices Brittany Allen et Hannah Anderson (toutes les deux vues dans des épisodes différents de la saga Saw) forment un duo très efficace, partagées entre le rôle de la proie et du chasseur.

5-She Will de Charlotte Colbert

De quoi ça parle: Après une mastectomie, Veronica part en convalescence avec son infirmière. Dans la campagne écossaise, elle se découvre des pouvoirs.

Cela serait dommage de ne pas finir cette sélection Halloween féministe par un film de sorcières ! Il se distingue de la sélection par son ambiance onirique avec un traitement original de la thématique de la sorcière.
La démarche féministe ici est de mettre en scène une sorcière âgée dans le premier rôle d’un film de genre, sans qu’elle soit l’antagoniste ou un ressort horrifique pour effrayer. Là encore, je n’ai pas d’autres exemples en tête.
Par ailleurs le personnage est complexe; Veronica fait face à son corps de femme âgée mais qui a aussi traversé une maladie qui n’est pas pardonnée aux femmes (il faut voir le nombre de femmes quittées pendant un cancer, ou leur mise à l’écart du monde professionnel, etc..).
Alors quand en plus quand la direction artistique est magnifique organique (Charlotte Colbert est aussi artiste plasticienne), cela ne peut que vous embarquer dans un voyage fantastique unique féminin.

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Attention, j’analyse donc je spoil.

La SF est l’un des sous genres du cinéma de genre les plus anciens. Si Le voyage dans la lune de Méliès en 1902 est le plus ancien film de SF connu, Méliès a réalisé en 1900 Coppelia: la poupée animée, un court métrage, où il est question d’un homme qui se rend compte qu’il est tombé amoureux d’une femme robot. Le film est adapté d’un livre d’ETA Hoffman, L’homme au sable sorti en 1817 (et oui même avant que le Titanic coule et rappelle à l’homme qu’il ne faut pas trop se prendre pour Dieu, les hommes matérialisaient déjà leurs peurs/envies du futur sous les traits d’une femme).
Il ne faudra attendre que 1927 pour voir au cinéma, la première œuvre marquante avec un robot dans Metropolis.

Depuis, les robots sont très souvent présents dans la SF, que ça soit au premier plan, ou élément constitutionnel d’un environnement futuriste. Ils sont le symbole de l’évolution technologique, et donc de l’intelligence humaine associée, mais surtout sont un terrain infini de questionnement sur la nature humaine et ses limites/utilité, l’impact de ces inventions sur le quotidien, les relations privées, professionnelles, etc… Bref, tout simplement, l’intelligence artificielle permet de nous tendre un miroir inévitable pour nous questionner sur la définition d’humanité.
C’est peut être pour cette raison que l’IA au cinéma ne m’a jamais particulièrement attirée, voyant l’insoluble réponse à cette interrogation qui je l’avoue, me fait peur. Car plus je visionne des films sur le sujet, plus les déductions sont floues, et donc incommodantes.
Cet article d’analyse permettra donc quelque part de me confronter à des questions et des réponses qui me dérangent, mais qui sont par conséquent, aussi passionnantes.

Avec Metropolis, le premier robot représenté au cinéma est donc féminin. Et ce n’est pas anodin si on penche sur la portée politique portée par le film de Fritz Lang (qui est une adaptation du livre de sa femme nazie Thea von Harbou). Le robot féminin « Maria » (qui est une copie robotique d’une femme de chair et de sang, objet de fantasme d’un personnage masculin), est créée dans le but de diviser la classe ouvrière qui s’organise pour lutter contre l’exploitation du patronat.
Mais le robot décide plutôt d’inciter à tout cramer, ce qui plonge la société dans une destruction totale. Les ouvriers finissent par brûler le robot (tout comme on brûlerait une sorcière), se rendant compte de leurs propres pertes, notamment humaines.

Pour sa première apparition à l’écran, le « fembot » (robot IA féminin), est donc non seulement punie pour sa rebellion, mais surtout elle incarne un des clichés sexistes les plus entretenus au cinéma: une femme objet de désir, est source de problème. Par ailleurs, le message est clair: le prolétariat doit rester à sa place, car tout désir de liberté (et de survie) n’apporte que chaos. Bon évidemment, on en attendait pas moins de la part d’une nazie, qui glorifie ici le principe de collaboration de classes (une minorité écrasée par la classe sociale supérieure qui doit accepter sa condition). Une belle entrée en matière pour les robots IA féminin au cinéma.

La beauté fatale(ment) artificielle

On l’a vu, l’apparition des robots dans la culture est toujours passée dans l’idée d’intégrer un robot féminin via le regard et le désir de l’homme.
C’est donc un trope que l’on retrouve très souvent dans le cinéma de genre, le plus évident. Voyez plutôt:

• L’amie mortelle,
• Cyber bride,
• Ex machina,
• Perfect lover,
• Robogeisha,
• Simone,
• Her,
• Subservience (qui, littéralement signifie « soumission »),
• Stepford wives,
• The trouble with being born (très gênant),
• Companion
• Cherry 2000…

Evidemment, la représentation de ces robots et de ce que cela implique, diffèrent beaucoup en fonction des films. Nous y reviendrons.

Il y a même une sous catégorie spécifiquement liée à des fembot (ou « gynoïde » ) créés uniquement pour le plaisir sexuel des hommes, flirtant entre thriller érotique et érotisme tout court:

• 2050,
• Veronica 2030,
• Maid Droid – 2009
• Maid Droid – 2023 (apparemment c’était nécessaire).
• Maid Droid Origins– 2024 (décidément il n’y en a jamais assez)

Cela paraît évident mais rappelons que la figure du robot épouse parfaitement les codes du patriarcat:

• Le fembot correspond aux canons de beauté (globalement blanche et blonde, mais surtout mince avec de gros seins, etc..)
• Elle peut être le réceptacle de tous types de violences dans la mesure où elle n’est pas humaine (donc cela reste moralement acceptable par l’homme et la société qui l’entoure. Ceci dit, cela ne gêne déjà pas grand monde qu’on tue une femme tous les 3 jours, mais admettons).
• Elle n’a pas de libre arbitre,
• Elle est soumise (avec parfois un élément qui souligne cette soumission, comme la figure de la servante), sans en souffrir.

Si on regarde d’un peu plus près, on remarque que ces films se divisent en trois catégories (comme le monde, ou presque). Les films avec:

• un gynoïde dont l’IA est visiblement limitée et qui ne peut rien challenger ou se libérer (Deadly friend, 2050, Cyber bride, Perfect Love, S1mone, Stepford Wives, Cherry 2000…)
• la fembot sexy mais dangereuse (trope que j’appelle « Mandy Lane ») telle une belle plante séductrice mais vénéneuse (Terminator 3, Subservience, Metropolis, Eve of destruction, Annihilator, Better than us..). Parfois c’est même sous forme immatérielle que l’IA est antagoniste (Alien, Resident Evil…) ou déceptive (Her, U are the universe..)
• une IA douée d’indépendance ou en tous cas de désir d’indépendance (Ex machina, Companion, Eva, The trouble with being born…)

Il ne vous aura pas échappé que, si ces films ont ce point commun d’avoir une histoire centrée sur une fembot conçue pour l’homme, leur traitement narratif et politique diffèrent.

Etre une femme robot comme les autres (femmes)

Certains ont pour objectif de visibiliser le traitement subi par les femmes avec un dénouement émancipateur pour celles-ci (Stepford Wives, Ex machina, Companion, The trouble with being born…). A noter que le sujet spécifique de l’IA forcent ces récits à s’adapter à leur époque permettant de les ancrer fortement temporellement. Par exemple, Stepford Wives, sort dans les années 70 (72 pour le livre, 75 pour le film), au moment où les USA connaissent de grosses avancées féministes fin des années 60/début des années 70 (loi sur l’égalité des salaires en 1964 ou reconnaissance du viol conjugal en 1972).
Si on prend son opposé temporel, Companion intègre la dimension d’emprise qui est reconnue depuis peu, avec une violence patriarcale qui dépasse le rapport hétérosexuel. La rébellion du robot est plus violente et déterminée que dans Stepford Wives. D’autant qu’Iris s’identifie comme une personne à part entière, même quand elle apprend qu’elle est un robot. Elle se bat pour sa liberté et contre l’injustice, au même titre qu’une femme faite de chair; victime de violences conjugales. Et le public n’a aucun mal à avoir de l’empathie pour elle quand bien même elle est faite d’électronique, puisque ces situations nous sont familières dans des films montrant des violences sexistes et sexuelles.

D’autres films font des violences sexistes une toile de fond (Jung E, L’amie mortelle, etc..) mais sont bien présentes.
A ce titre, je trouve le traitement du sujet dans l’Amie mortelle assez touchant. Une adolescente incestée et battue par son père, est tuée par celui-ci. Elle est ressuscitée sous forme de fembot par un ami geek, amoureux d’elle. Mais cette résurrection est accompagnée de forts sentiments de vengeance faisant d’elle une machine à tuer. Elle va s’en prendre aux personnes qui lui ont mené la vie dure mais son issue sera forcément fatale, la tuant deux fois. Donc, elle est doublement victime de la violence patriarcale. D’abord par son père, ensuite par cet adolescent qui a besoin d’elle, et qui ne lui donne pas le choix de se réincarner en fembot. Alors oui, la violence de l’adolescente est déclenchée suite à son meurtre (comme si cette violence était nécessaire pour réveiller sa force), mais on peut constater également les conséquences de cette violence patriarcale. Le film montre que tout le monde est perdant, tout en ne perdant pas de vue que c’est bien le personnage féminin la première victime.

Globalement ce qu’on peut en conclure est résumé finalement dans la tagline de Cherry 2000 (un homme part à la recherche d’un nouveau modèle de fem/sex bot « Cherry 2000 » après que le sien soit tombé en rade et tombe finalement amoureux d’une humaine). Beaucoup de films utilisent la fembot pour raconter le quotidien du désir des hommes, qu’ils soient entourés de fembots ou de femmes humaines.
Mais on a jamais l’inverse ou presque (je ne vois que l’Homme bicentenaire, à la grosse différence que le robot joué par Robin Williams n’a jamais été créé pour une femme mais pour être une aide ménagère familiale). Même dans Planète Hurlante, où l’IA est indépendante et mute sous plusieurs formes humaines, l’ultime modèle est une fembot capable de saigner, pleurer et évidemment avoir des relations sexuelles (les 3 fonctions d’une femme apriori). Si on additionne au fait que ces modèles s’affrontent désormais entre eux, ces IA montrent que finalement on tourne en boucle avec des comportements patriarcaux classiques.
Alors qu’avec toutes les violences sexistes et sexuelles, on pourrait imaginer que les femmes aient besoin/envie d’avoir un homme IA « déconstruit » par exemple? Ou d’avoir des IA qui cesseraient de reproduire la violence humaine déjà maintes fois traitée?
D’autant que ce déséquilibre de traitement se reflète aussi dans le fait que quasi aucune femme ne sont des créatrices de robots. Et quand c’est le cas, elles créent des enfants (normal!), pas des hommes. Megan et Eva entrent dans ce cas, sachant que pour Eva, la créatrice en question n’est pas connue du grand public. On apprend qu’elle a créé Eva à la fin, dans le cadre d’un twist.

Le mythe Pygmalion: pilier de la représentation des robots IA féminins

Comme souvent, les mythes grecs imprègnent fortement nos histoires contemporaines, jusqu’aux plus récentes. C’est également le cas ici, où les films reprennent l’un des mythes les plus populaires: Pygmalion et Galatée. Pygmalion sculpte Galatée selon ses idéaux féminins.
Ce qu’on a moins en tête c’est que Pygmalion décide de créer Galatée car il désapprouve les mœurs légères des Propétides, des femmes qui en viennent à dévorer leurs semblables. La racine de la démarche est donc imprégnée d’idéologie masculiniste. C’est Aphrodite, déesse de l’amour, qui donne vie à cette statue, afin que Pygmalion l’épouse. Avec donc la validation d’une femme, qui légitime une domination masculine.
La statue animée prend donc la forme d’un robot dans la SF, et c’est donc de façon massive que le cinéma reproduit ce schéma. C’est d’autant moins étonnant que le cinéma possède en son sein, ces fameux Pygmalions; les réalisateurs qui s’avèrent être surtout des agresseurs. Luc Besson, Hitchcock, Benoit Jacquot, Godard, etc…Ce qui n’est pas étonnant, car façonner autrui selon ses désirs, fantasmes, est forcément une violence pour l’autre.

Nous avions parlé rapidement du mythe du Pygmalion, lors de la conférence sur l’IA de « Screen Spirit Festival » à laquelle j’avais participé:

Ces robots ressemblent à un idéal fantasmé du corps féminin reproduisant des codes sociaux, des gestes, des habitudes humaines.
Ce qui m’amène au fait que la plupart des représentation des robots au cinéma (quelle que soit leur fonction) ont une apparence humaine. On retrouve rarement des robots à l’apparence de machine pure et dure.
Par conséquent, c’est bien notre humanité qui est questionnée dans ces films, et pas vraiment l’avancée technologique en tant que telle. Pour interroger nos paradoxes et sentiments, il faut les confronter à une présence qui nous ressemblent. Car sinon on manque d’empathie, de compassion et donc d’intérêt.
La variation de l’empathie selon les espères a été étudiée scientifiquement en 2019. Et le constat est clair: plus une espère ressemble à un être humain, plus celui-ci aura de l’empathie pour cette espèce. A un détail près: l’orang outan dépasse l’humain. Un être humain peut donc avoir moins de compassion et d’estime que pour une espèce animale. Cette précision en dit long sur la manière dont les humains se traitent parfois entre eux (et notamment les hommes envers les femmes).

Cette empathie variable en fonction de l’apparence est particulièrement notable dans Planète Hurlante. Dans un monde post apo paralysé par une guerre entre Nouveau bloc économique et Alliance pour des ressources, des « screamers » ont été créés par l’alliance des mineurs pour attaquer l’ennemi. Ces robots intelligents ont la forme d’une bestiole qui va sous terre et découpe en morceaux les hommes en repérant leur pulsation cardiaque.
Mais la créature dépassant le créateur, ces screamers mutent sous forme humaine pour s’adapter et gagner du terrain. Ainsi, ils deviennent enfants abandonnés implorant pour s’infiltrer dans les bunkers, soldats blessés, ou femme douée de sentiments amoureux.
Les screamers ont compris qu’ils prendraient le dessus, non pas en canardant de bombes ou de tirs, mais en utilisant donc l’empathie naturelle que l’on a pour un enfant seul ou un coéquipier.

Planète Hurlante – © Columbia Pictures

Planète Hurlante joue à fond cette carte de l’empathie via plusieurs éléments:

• L’invasion des multiples petits garçons screamers >> on assiste visuellement à un massacre d’enfants,
• La screameuse « Jessica » se bat contre une autre pour défendre son amoureux humain,
• Les combattants des deux camps sont floués par leurs supérieurs >> traitement déshumanisant venant…d’êtres humains.

L’ambiguïté du robot IA féminin super puissant

Il y a le gynoïde sexy et objet, mais il y a bien sûr le robot IA féminin sexy ET puissant. Terminator 3, Blade Runner, Ghost in the Shell, Ex machina, Eve of destruction, Subservience…pour la chaîne « The Take », ces représentations de femmes appliquent la violence que les hommes font subir aux femmes dans la société. Par ailleurs, elles sont parfois manipulatrices en usant de leurs charmes (Ex machina, Subservience, etc..), profitant de la « faiblesse » des hommes. Donc, elles les projettent dans une situation de vulnérabilité, et c’est pour cette raison qu’associer beauté et puissance physique font un cocktail parfait pour susciter la peur du mâle.
Je rajouterai que le fait que ces robots féminins soient souvent des canons de beauté inatteignables, accentue bien le fait qu’elles s’éloignent d’une certaine humanité.

Et l’homme créa la femme…

Dans tous les cas, cela montre que l’être humain établit une hiérarchie entre les espèces vivantes (l’anti spécisme va donc rester une idéologie bien minoritaire). J’avais assisté à une conférence sur les robots aux Utopiales. Un des intervenants notait qu’il n’est pas socialement acceptable qu’on exerce de la violence sur un chien vs son iPhone. Pourtant, si on compare les QI par exemple, pas sûr que le chien gagne. Même logique avec les fourmis et les araignées qu’on accepte de tuer (même encourage parfois!) vs une vache. On n’accepterait pas de voir une personne maltraiter un bœuf tranquillement dans son pré, alors que ça ne gêne finalement pas grand monde de savoir qu’on les tue, globalement avec une grande cruauté. Il n’y a donc pas de logique, tout est une question de perception, de valeurs, et de contexte.
Alors quelle est la place des robots humanoïdes dans tout ça? Plutôt Iphone ou espèce vivante car ils nous ressemblent?

La série Real Humans évoquait cette ambiguïté, tout comme MondWest, notamment concernant les fembots. Dans Real Humans, un des personnages viole la fembot qui est utilisée à la base pour s’occuper de la maison. Mais entre son statut d’objet et sa fonction (à savoir au service de), ça parait logique de l’utiliser comme bon lui semble. Dans MondWest, les deux personnages masculins profitent d’un bordel pour avoir des relations sexuelles avec une androïde, avec tous le mépris et l’indifférence qui vont avec (car il s’agit pas là d’avoir un discours abolitionniste sur le travail du sexe).
A des degrés divers, ces deux exemples mettent mal à l’aise, car même s’il s’agit de robots, ils sont formatés pour refléter la représentation d’un être humain; cela nous rappelle surtout comment les hommes voient les femmes faites de chair et les traiter. Ce point rejoint également ce que j’évoquai plus haut, concernant les films avec une fembot qui s’émancipent. Il s’agit avant tout de représenter la violence patriarcale exercée sur les femmes, qui les transforment de manière symbolique en robot.
Et malheureusement, le procès de Dominique Pélicot le montre bien. 70 hommes dans un rayon de quelques kms, de tous âges, toutes couleurs, toutes professions, ont patienté des heures sur un parking pour violer une femme inerte. Certains plusieurs fois. Sans jamais s’assurer qu’elle était consentante par le biais de sa propre voix et conscience. Pas besoin des robots pour avoir peur.

Le film Zoé est un des rares avec un angle qui se distingue sur cette question de la relation avec machine: les robots IA peuvent être considérés comme digne de nos sentiments, mais peuvent être victimes de discrimination comme n’importe quelle tranche de la population.
L’IA Zoé hautement sophistiquée, n’a pas été créée pour le désir masculin mais dans le cadre de l’activité d’une entreprise qui aide les couples à déterminer leur score de compatibilité. Elle est une salariée à part entière de cette société.
Si elle tombe amoureuse de son créateur joué par Ewan McGregor, celui-ci montre d’abord une grande réticence, qui ne dura pas face à la personnalité de Zoé. Mais tout change lorsque Zoé est victime d’un accident de voiture et qu’il doit la réparer. Il est confronté à son intérieur (on peut y voir un parallèle avec le fait d’être en face de la vraie nature de quelqu’un), ce qui lui renvoie le fait qu’ils n’appartiennent pas à la même espèce. Il est subitement dégoûté. C’est son ex femme qui fait preuve d’une grande sororité en lui expliquant que ça n’a pas d’importance tant il se sentait bien avec Zoé (là encore on peut y voir un lien avec le fait d’assumer publiquement une liaison dont on a honte, en raison d’une discrimination).

Même si Zoé occulte le dynamisme de domination qu’il existe forcément au sein de ce couple (Ewan Mc Gregor étant le créateur et donc le droit de vie ou de mort si je puis dire sur Zoé), on croit à cette histoire d’amour. D’autant que même si Zoé connait des duplications (et donc pourrait diminuer son identité propre), le film montre bien que ce sont les souvenirs propres qu’on l’on créé ensemble qui comptent, et qu’on ne peut pas les transposer à une autre personne, même si elle a les mêmes données. Par ailleurs, en voyant ces Zoé dupliquées, je me suis interrogée sur les jumeaux ou jumelles. Ce sont des duplications physiques peut être, mais ce sont bien des personnalités distinctes. C’est un très beau film qui amène à réfléchir sur la nature du sentiment amoureux.

L’humain, une machine comme les autres?

Je suis un cyborg traite également de la porosité entre machine et humanité, via le personnage de Young-goon.
A force de travailler comme un robot dans une usine de composants électroniques, elle pense qu’elle est un cyborg, et finit littéralement par péter les plombs. Internée, elle refuse de s’alimenter de peur d’abîmer son système « électronique ». Au lieu de la confronter avec violence à la réalité, un ami interné lui aussi, va entrer dans son jeu pour lui faire accepter petit à petit des aliments. Le film est truffé de scènes oniriques, qui célèbrent la nature « robotique » pensée de son personnage principal, tout en appuyant sa personnalité d’humaine et valorisant la richesse du collectif humain.

Ces films rejoignent la pensée de l’écrivaine et philosophe féministe Donna Haraway qui a écrit le Manifeste Cyborg, mais aussi Des singes, des cyborgs et des femmes.
Elle part du principe que les machines font déjà partie du quotidien des femmes depuis très longtemps, si on prend par exemple le travail à l’usine. Ces machines sont un prolongement des femmes (comme dans Je suis un cyborg). On peut également prendre l’exemple des smartphones qui sont littéralement un prolongement de nous mêmes, et notamment des adolescents, pour qui l’ambiguïté psychologique est très forte en cas d’harcèlement. Le smartphone est à la fois l’instrument de souffrance, et l’allié qui permet de transmettre les informations qui sont dites à notre sujet.
Dans la même idée, les humains doivent être répertoriés dans un système qui est géré par des machines depuis longtemps. Numéro de sécu, recensement, numéro de permis, etc..

Par ailleurs, elle note que l’être humain est déjà constitué d’éléments extérieurs (microbiotes, parasites, bactéries, etc..) qui participent à faire fonctionner le corps. Sans compter que l’on dit souvent que le corps humain est une véritable machine bluffante qui s’adapte et fonctionne en faisant communiquer des hormones, des organes, etc…Je pense que le documentaire De Humani Corporis Fabrica le montre clairement.
On peut également noter les interventions médicales qui nécessitent d’implanter du métal ou autres composants. Le transhumanisme (être humain amélioré) est ancré.

Donna Haraway est très critique des récits dits d' »origine » notamment sur les femmes, à savoir ceux qui théorisent en glorifiant ce qui est « original » (d’où on vient et ce qui définit la nature humaine ou la vie), car elle pense que ça favorise l’immobilisme des idées et de la place des femmes. Par exemple, si on peut place une banane et une copie d’une banane, la « vraie » va pourrir face à la copie qui va perdurer dans le temps (même si évidemment elles n’auront pas les mêmes fonctions). Ou encore mieux, un godemichet sera toujours efficace et opérationnel par rapport à un pénis.
Pour toutes ces raisons, Donna Haraway estime que le cyborg n’est pas soumis à l’Homme, mais plutôt qu’il simule la politique, et finalement correspond à la définition de la biopolitique de Foucault. Dans cette notion il évoquait la puissance exercée sur les individus qui a impact sur un ensemble d’invidus (comme par exemple en temps de Covid). Mais il n’avait pas intégré le concept de la technique, ajouté par Haraway.
Donna Haraway évoque aussi sa vision de l’antispécisme dans Manifeste des espèces compagnes, qui est finalement une continuité de sa pensée: les espèces peuvent avancer et évoluer côte à côte.

Cette pensée d’Haraway se reflète dans l’obscur The trouble with being born, où une petite fille robot (objetifiée par des adultes, qui prendra son indépendance), est régulièrement associée dans la mise en scène, au chien et au chat de la maison. Deux espèces à part entière donc, et égales. C’est d’autant plus vrai concernant les enfants, qui sont souvent considérés comme des êtres à dresser, qui doivent obéir.

C’est également ce qui est montré dans Alien Resurrection. Call, androïde incarné par Winona Ryder (donc une actrice qui a souvent interprété des personnages convoités par les hommes comme Edward aux mains d’argent) est totalement en dehors de toutes intrigues romantiques ou sexualisantes. Elle est considérée comment les androïdes masculins présents dans les précédents opus, et devient le bras droit de Ripley, qui a paradoxalement plus de considération pour l’espèce humaine que les humains, car elle a été programmée pour ça. Ce qui est bien sûr, n’est pas notre cas.

Mother !

La charge robotique d’être mère

L’IA est souvent utilisée pour représenter la figure maternelle: Mère dans I am mother, Cassandra dans la série du même nom (même si elle n’est pas vraiment une IA à proprement parler), Roz dans Le robot sauvage, Jung E dans le film éponyme, etc…Et si la mère n’existe pas matériellement, elle est présente à travers ses actions et sa voix comme avec la Reine Rouge dans Resident Evil ou l’ordinateur de bord « Mère » dans Alien.
Et souvent, la vision du personnage est assez binaire:

• Soit elle remplit la fonction attendue par la société d’une mère, en répondant aux besoins des enfants pour garantir leur épanouissement personnel (I am mother, Cassandra, Le Robot Sauvage, Jung E). Le cas de Cassandra est particulier car si on comprend que le personnage a un fond très discutable moralement, c’est bien les normes patriarcales qui attisent sa haine et son besoin d’être estimée. Et c’est bien son esprit d’humaine qui est enfermée dans un robot, comme une femme est enfermée dans son rôle de mère et d’épouse.
  
• Soit elle est machiavélique (Alien, Resident Evil, I am Mother..).
  I am mother a l’intelligence de confronter deux figures de mère: la version robot qui, par ses fonctions ne fait preuve d’aucune défaillance dans sa gestion des besoin de l’enfant (affectifs, éducatifs, etc..). On peut même dire qu’elle surpasse une mère de chair et de sang, car sa mission est de régénérer des êtres humains suite à leur auto destruction. Elle protège et couve une jeune femme issue d’un embryon à l’intérieur d’un bunker.
  La version humaine (jouée par Hilary Swank), offre un autre regard sur le monde extérieur à cette jeune femme qui comprend que son robot de mère a en fait, fait preuve d’eugénisme en brûlant dans des fours (la référence est claire) les enfants qui n’étaient pas assez brillants pour faire perdurer l’espèce humaine. Elle ne fait qu’exécuter un programme qui a un objectif chiffré.
  A la fois, la version humaine n’est pas capable d’accompagner la jeune femme (appelée « Fille » car c’est finalement son seul statut) vers des perspectives. Elle prendra donc son propre envol, grâce à la bénédiction du robot, pour prendre soin des embryons à faire naitre. Aucune des figures maternelles n’est satisfaisante, et c’est bien ce constat que tout le monde devrait faire. Aucune mère n’est parfaite, aucune mère ne peut systématiquement faire les bons choix et avoir les bons mots.
  Ceci dit, la conclusion vient atténuer la force de cette conclusion, car l’avenir de l’humanité repose encore sur une femme dont la fonction première sera donc d’être une mère pour la nouvelle espèce d’humaine.

Malgré ses problèmes d’écritures et son budget fauché, Jung E aborde de manière originale le rôle de mère.
Une mère guerrière doit partir en mission, laissant sa fille gravement malade, qui doit se faire opérer. La mère meurt en mission, mais ses compétences sont injectées dans un modèle robotique, pour mener des recherches, menées par sa fille devenue grande, afin de mettre fin à une guerre.
Ce robot mère est donc utilisé en apparence pour des questions militaires, mais on apprend qu’il s’agit surtout d’en faire un sexbot. Par ailleurs, elle permet aussi à sa fille devenue adulte qui passe du temps avec elle pour l’étudier, de faire son deuil.
Ce robot « mère » finit par se libérer (avec l’aide de sa fille, qui se libère psychologiquement). Cette liberté est notamment symboliser par le fait qu’elle se débarrasse de son enveloppe corporelle, pour laisser apparaitre son physique de robot. C’est d’autant plus pertinent que précédemment elle a été poursuivie par des robots qui n’ont pas d’apparence humaine. Généralement, c’est un dispositif qui vise à déshumaniser le robot, afin que le public n’ait pas d’empathie pour lui. L’idée est de montrer tel qu’il est vraiment: une machine faite de métal. Or ici, la dernière image du film c’est la mère robot qui contemple une immense forêt, après avoir retrouvé son état de robot: elle est donc face à sa vraie nature; et donc libre, face aux hommes mais aussi face à son rôle de mère.

En dehors de ces films, peu d’oeuvres questionnent le rôle des mères à travers des robots. Ainsi, l’IA est l’outil parfait pour représenter le côté automatique, surhumain d’être mère. C’est une charge forte, dont la robotique apparait comme un élément logique dans ce contexte. D’autant que cette représentation n’existe quasiment jamais pour les hommes. Pour le coup, la charge du rôle de père est tellement moins importante dans la société, qu’elle est peu intégrée dans l’imaginaire collectif. Donc apriori moins nécessaire à évoquer.

L’IA le remède à la violence faite aux enfants?

Un seul film met le doigt là ou ça fait mal: Terminator 2. La scène où Sarah Connor regarde le T 800 et John Connor ensemble, elle se dit que cette machine est finalement le meilleur père que son fils n’aura jamais: programmé pour protéger John, le T 800 ne sera jamais violent, saoul ou trop occupé pour jouer avec lui. Et c’est effectivement un fait objectif indiscutable. Par conséquent, est-ce qu’il vaut mieux qu’un enfant soit confié à un robot en cas de maltraitance par exemple? D’autant que le T 800 utilise son IA pour apprendre au contact des humains, ce qui fait de lui un être qui s’adapte à son environnement permettant des échanges et un attachement. C’est précisément la conclusion de leur périple quand le T 800 dit à John Connor qu’il comprend pourquoi les humains pleurent mais qu’il ne pourra jamais le faire. Cela marque à la fois la différence fondamentale entre eux tout en pointant ce qui les rassemble.

En 2019, un rapport des inspections générales des affaires sociales (IGAS), de la justice (IGJ) et de l’éducation (IGAENR) établit qu’un enfant meurt tous les 5 jours sous les coups de ses parents (moins d’un an pour la plupart).
En 2025, un rapport de la commission parlementaire sur l’Aide Sociale à l’Enfance établit des dysfonctionnements graves qui conduisent à des suicides, des violences physiques et sexuelles. Alors est-ce que l’IA pourrait aider les humains à résoudre ce problème? Je n’ai pas la réponse, mais ce qui est sûr c’est que des humains ne se comportent pas comme tels et détruisent des vies. Là encore, pas besoin d’avoir peur des robots.

L’enfant élu de la robotique

Qui dit mère, dit enfant. Il y a curieusement, assez peu d’enfants IA au cinéma. Il y aurait pourtant beaucoup de choses à dire, quand on voit comment les enfants sont aussi perçus comme des objets (comme les femmes), avec une approbation encore plus nette de la société. Le plus connu est AI de Spielberg, une sorte de mix entre Pinocchio et le Petit Poucet. Tout comme dans Eva, ces deux enfants robots sont créés pour combler un manque (affectif, solitude, etc..) des adultes (schéma que l’on retrouve très régulièrement dans la réalité, ce qui me fait toujours doucement sourire quand j’entends des parents traiter d’égoïste des personnes qui ne veulent pas d’enfants). Ces deux enfants connaissent aussi un destin tragique à cause des adultes. La différence est que dans AI on a de la peine pour David, qui s’éteint seul, mais revit 2000 ans plus tard dans un rêve, un dernier instant avec la mère qui l’a abandonnée.

Dans Eva, elle sera éteinte par un adulte, suite au fait qu’elle ait poussé sa créatrice dans le vide. A noter que la boss de la créatrice a laissé sciemment cette dernière mettre en « liberté » cette enfant robot, quand bien même elle connaissait les risques. Le film est très ambigu sur la dangerosité de cette robot enfant. Si elle pousse sa mère c’est dans un élan de colère (sans intention de la balancer dans le vide), car elle vient d’apprendre qu’elle est un robot, et non une petite fille de chair. Comme n’importe quel gamin qui serait en colère car il apprend de quelqu’un d’autre qu’il a été adopté par exemple. Mais la position du film est de nous dire que les adultes savaient depuis le début que c’était risqué, que comme elle a tué une femme, elle doit être déconnectée, etc..Alors que le scénario aurait pu transformer Eva en véritable machine à tuer redoutable, il nous est présenté une scène qui montre Eva comme une petite fille blessée et en colère légitimement. Et pourtant les conséquences à payer sont très lourdes pour Eva, comme s’il n’était pas possible de tolérer une montée de colère pour une petite fille robot, même légitime, alors même que ce sont les adultes qui ont été irresponsables à la base. Eva avait beau être un membre de la famille, élevée comme un être humain fondu dans la masse, aimée et considérée comme telle, cela ne pèse d’un coup plus rien. Est-ce révélateur de la manière dont les enfants sont parfois maltraités quand ils sortent du rang, ou de leur vision de leurs parents?

Dans un registre plus politique, The artificial girl traite d’un sujet passionnant, qui devrait être beaucoup plus présent: la pédocriminalité sur le web. Pour la contrer, un ingénieur informatique met au point une IA d’une petite fille blonde aux yeux verts avec qui, il est possible de discuter uniquement sur un écran. Via cette IA, l’idée est de piéger les pédocriminels. Le film se divise en 3 parties, pour finalement arriver à l’IA qui existe sous forme tangible et qui reproche à son créateur de ne l’avoir créée uniquement dans ce but, la privant de liberté. Le film délaisse rapidement sa problématique de base pour questionner la propre utilisation de l’ingénieur d’un robot enfant, pour défendre la sécurité de vrais enfants. C’est dommage, car le film n’assume pas de traiter frontalement ce problème massif, touchant tous les enfants de la planète. Notamment, depuis le développement de l’IA où il est encore plus facile de créer des images pédopornographiques avec de simples images d’enfants récupérés sur le web.
La pédocriminalité est également le sujet de The trouble with being born qui nous place comme rarement à la place du robot. Une sorte de robot gaze, où on suit une petite fille robot victime d’un adulte, qui s’échappe et se retrouve chez une vieille femme qui l’exploite également pour faire revivre ses souvenirs de son enfant décédé. Elle finit sa route seule, dans un sale état. Là encore, il aurait été intéressant de traiter un peu plus la thématique de fond (l’exploitation des enfants), mais la réalisatrice se contente d’être une posture contemplative, qui finit par procurer surtout une gêne, tant l’ambiguïté est présente.
Bref, alors que le problème est massif, le cinéma peine à s’en emparer.

Aussi curieux et surprenant que cela puisse paraître, je trouve que Megan tire son épingle du jeu. Cette poupée, à l’apparence d’une petite fille, devient une sorte de parent de remplacement pour son propriétaire, une enfant devenue récemment orpheline et recueillie par sa tante. Celle-ci est ingénieure et la créatrice de Megan (donc pour une fois on a une femme créatrice d’IA !).
Il faut avoir en tête que la confusion des rôles parent/enfant est un des piliers du climat incestuel. Dans un climat incestuel, il n’y a pas forcément viol ou agression, en revanche, il instaure un climat de domination où les rôles sont inversés, où il n’y a pas d’intimité etc…A ce sujet, je vous conseille le roman graphique choc Ce qui Cécile sait, journal de sortie d’inceste, de Cécile Cée.

Cette petite fille robot IA devient une mère de substitution pour la petite fille en perte de repère, avec une tante démunie, qui préfère se consacrer à son travail. Evidemment, cette situation bascule dans l’horreur avec une Megan qui veut contrôler et avoir la main totale sur cette petite fille. Une situation très proche de ce qu’on peut observer dans les familles instaurant un climat incestuel, donc. Evidemment, Megan n’est pas un exemple brillant sur le traitement du sujet dans toute sa finesse et complexité, mais il pose des bases qui ne sont pas inintéressantes, notamment au regard de l’absence du sujet dans le cinéma.

L’IA ce déni?

Si la présence des robots, et de l’IA petit à petit a toujours occupé nos écrans, il n’est jamais vraiment question de remplacement total de l’humain. L’idée est toujours de comprendre comment l’artificiel cohabite et se complète (ou non) avec l’humain, et à travers ça, on cherche à définir ce qu’est d’être humain.e.

Les débats à l’aube de 2030 font rage sur la manière de percevoir, utiliser (ou non) l’IA. Mais pas sous une forme tangible ou humanoïde comme le cinéma le montre beaucoup. Mais de manière immatérielle, avançant de manière imperceptible (quel serait donc le problème à discuter avec une machine, ou obtenir des images rapidement ?), nous privant d’un certain temps de cerveau disponible.
Est-ce que l’humain peine tant à s’imaginer comme remplaçable? Ou l’immatérialité est-elle moins cinématographique? En tous cas, scénaristes et réalisateur-rices (les réalisatrices encore trop absentes), sont assez peu représenté les enjeux actuels au regard du robot fait de titane et de PVC.

Filmographie

L’article [Dossier] Les robots IA féminins dans le cinéma de genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Je vais volontairement m’écarter des très très populaires car vous n’avez pas besoin de moi pour les trouver. Certains dans cette liste sont évidemment connus des férus du cinéma de genre, l’idée est de s’adresser à un public moins connaisseur, mais qui a envie de découvrir ce cinéma à travers des films à la fois qualitatifs ET divertissants pour Halloween. Si vous cherchez encore plus de diversité, vous pouvez consulter mes recommandations de films d’Halloween réalisés par des femmes.
J’ai également écrit un article sur les sous genre du cinéma de genre si vous souhaitez en apprendre davantage.

1- Unfriended de Levan Gabriadze (2015) – USA

Genre: Screenlife

De quoi ça parle: un fantôme vient hanter une conversation webcam entre plusieurs amis.

Genre qui peine à se montrer sur nos écrans, c’est un sous genre qui utilise justement les vôtres. Un écran d’ordinateur pour être précis. Dérivé du foundfootage (rushes de vidéos « trouvées » dont Le projet Blair Witch est le représentant le plus connu), c’est étonnant de ne pas en voir plus, au regard de notre consommation d’écran.
Dans Unfriended vous êtes le spectateur direct (et concerné donc), de ce que vous voyez à l’écran. Vous « participez » à ce qui se passe. La montée en puissance est très bien gérée: on passe d’une discussion d’un couple, à des échanges de vacheries entre adolescent-es pour tendre vers une ambiance qui suscite interrogations et suspicions pour basculer dans l’horreur qui ne s’arrêtera pas.

En plus d’être un divertissement efficace, le propos d’Unfriended est une démonstration de la violence du revenge porn et du harcèlement scolaire. Sans surligner son sujet, le film parvient à diffuser son message en prenant son public non seulement au sérieux, mais à parti grâce au dispositif screenlife.

2- Witch Hunt d’Elle Callahan – USA (2021)

Genre: Sorcières

De quoi ça parle: De nos jours, les sorcières sont criminalisées et pourchassées. Dans ce contexte, une mère célibataire rejoint la lutte en les cachant pour qu’elles passent la frontière, ce qui n’est pas du goût de sa fille, Claire.

Un film de sorcières pour Halloween, cela me parait inévitable. A la lecture du pitch, on devine bien que Witch Hunt associe sorcières (figures marginalisées et dénigrées) et migrants (ou évidemment la Shoah). Quoi de mieux que de décaler le regard et les types de protagonistes pour traiter un sujet actuel et dramatique, maintes fois sujet de journaux télévisés et drames sociaux misérabilistes?
De par la nature illégale des agissements de sa mère, Claire se place en dehors de cette activité, elle qui cherche à s’intégrer auprès des filles populaires de son lycée. Elle devra cohabiter avec Fiona et sa petite soeur suite à des complications.
L’écriture du personnage de Claire est particulièrement brillant; il incarne presque à lui seul, le sujet du film: faire appartenance. On a de l’empathie pour cette adolescente qui a besoin de se sentir acceptée et aimée, et dont l’activité de sa mère la met dans l’inconfort. Fiona et Claire vont autant s’aider l’une l’autre, ce qui fait de Witch Hunt un véritable récit de sororité.
Par ailleurs, le film ne manque pas de suspens, de moments de magie, tout en délivrant un message de tolérance et d’acceptation, bien loin d’être mièvre. Dont on a besoin en ces temps terrifiants.

3- Carnival of souls d’Herk Harvey (1963) – USA

Genre: Fantastique

De quoi ça parle: Suite à un accident de voiture, Mary reste traumatisée. Elle entend et voit de plus en plus de choses étranges, entourée de fantômes.

L’idée de ce film est venu au réalisateur en découvrant une salle de bal étrange, dans un lieu désaffecté, à l’intérieur du parc d’attraction Saltair, donc rien que pour cette raison, c’est le film idéal pour Halloween.
Ne soyez pas rebuté-es par l’ambiance années 60 de Carnival of souls; son lot d’étrangeté, d’inquiétudes et de fantastique n’a pas vieilli d’un pouce.
On déambule avec Mary dans ce parc d’attraction nébuleux, et des scènes vont resteront en mémoire, dont une certaine scène de bal.
Carnival of souls narre les tourments liés aux traumas et à la mort, sans qu’il soit glauque. On est une atmosphère onirique qui vous enveloppera de curiosités, de flottements et de frayeurs.
Le programme parfait pour siroter un cocktail d’Halloween avec des bonbons fantômatiques.

4- Ava’s possession de Jordan Galland (2015) – USA

Genre: Diabolique

De quoi ça parle: Ava vient de subir un exorcisme et est désormais débarrassée de son démon. Mais elle a causé des torts pendant sa possession et doit aller consulter aux Possédés Anonymes.

Changement de registre, car il nous faut bien une comédie horrifique pour Halloween, avec Ava’s Possession qui là aussi ne se cache pas derrière son pitch. Il s’agit d’utiliser la possession comme métaphore de comportements problématiques liés à des addictions, et notamment l’alcool.
Assez peu de films de possessions abordent cet angle et cela me parait tout à fait pertinent, car on a tous connu/vu des personnes sous l’emprise de substances qu’on ne reconnait plus.
On suit donc le cheminement d’Ava qui cherche à comprendre les torts qu’elle a pu causer (dans la mesure où elle ne s’en souvient pas) et comment/si elle peut réparer.
C’est drôle, original tout en permettant de prendre du recul sur le sujet de l’addiction et nous invitant à prendre conscience que c’est une maladie dont les personnes souffrantes peinent à combattre.
J’évoque un peu plus en détail le film dans mon article sur la représentation de la possession.

5- Midnight silence de Kwon Oh seung (2021) – Corée du Sud

Genre: Psycho killer

De quoi ça parle: Une jeune sourde muette surprend un tueur en série et devient sa proie.

Avec Midnight silence ne vous attendez pas à un grand film maitrisé de bout en bout, mais à un film d’action et de suspens bien calibré pour Halloween.
Le handicap de son héroïne, Kyung-mi, permet évidemment d’instaurer de l’enjeu angoissant facilement et ça marche ! On est à côté d’elle, en forte empathie et la brutalité du serial killer est tout à fait crédible, ce qui permet d’intégrer une vraie notion de danger.
Par ailleurs, je trouve que le dernier quart d’heure est particulièrement bien géré, pointant le sexisme et le paternaliste de la société, qui devient un véritable obstacle supplémentaire pour l’héroïne.
Midnight Silence est prenant et globalement bien rythmé, alors ne boudez pas votre plaisir pour dynamiser votre soirée Halloween en deuxième partie de soirée.

6- Ropes de José Luis Montesinosde (2019) – Espagne

Genre: Huis clos

De quoi ça parle: Une jeune fille handicapée moteur et son père se retirent dans une maison isolée, en compagnie d’un chien dont le rôle est normalement d’aider Elena…

Encore une héroïne ayant un handicap (trope récurrent dans le cinéma d’horreur), dans un huis clos, mais cette fois victime d’un chien enragé. Le berger belge sensée lui faciliter la vie quotidienne, est victime d’une maladie qui le rend particulièrement agressif. Elena va donc devoir redoubler d’ingéniosité pour s’en sortir.
Ropes a le mérite à travers les déboires d’Elena de montrer à quel point une maison non pensée pour des personnes handicapées moteur s’avère être un véritable parcours de difficultés que nous valides, ne pouvons pas voir. Le film gère particulièrement bien son suspens, et comme les valides ne peuvent pas anticiper ou savoir ce qu’une personne ayant un handicap moteur peut faire, il nous est impossible de projeter ce que le personnage peut faire.
Pour maintenir l’attention et la tension, Ropes maitrise son rythme en intégrant la thématique du deuil, donnant lieu à des séquences touchantes, permettant une soupape.

7- Candyman de Bernard Rose (1992) – USA

Genre: Slasher

De quoi ça parle: Si vous dites trois fois son nom devant un miroir, le croquemitaine Candyman apparaitra et vous courrez à votre perte…

Parce que que serait un Halloween sans un slasher? On connait Ghostface de la saga Scream ou Mickaël Myers de celle d’Halloween, mais on connait moins Candyman, seul croquemitaine noir de la culture populaire Américaine.
Ce croquemitaine interprété par Tony Todd, est l’un des seuls dont la vengeance et la violence se déploie suite au fait qu’il ait été martyrisé lui même. En effet, tombé amoureux d’une blanche à l’époque des colons, il fut puni par les blancs, qui badigeonneront son corps de miel afin d’être attaqué par les abeilles. D’où son nom.
Armé d’un crochet, Candyman apparait grâce à sa légende qui est notamment perpétuée dans la cité pauvre de Cabrini Green.
On suit Helen, jeune journaliste blanche qui tente de faire sa place dans ce milieu machiste. Elle entend parler de la légende de Candyman, et décide d’enquêter.
Si la plupart des slashers évoquent le sexisme et les violences sexuelles, le sujet de Candyman est, vous l’aviez deviné, le racisme. C’est donc un slasher plus évident politiquement que les autres, mais le fait d’aborder ce sujet de société sous un angle de légende et d’histoire Américaine, en fait un film à part.
Helen et Candyman sont unis par le fait de subir une oppression différente mais bien présente et qui dans les deux cas, perdurent.
D’un point de vue purement slasher, il propose des séquences assez classiques mais bien exécutées, avec une bonne dose d’hémoglobine attendue pour Halloween.
Le film connaitra deux suites (médiocres), et un remake intéressant mais inabouti, si vous souhaitez continuer l’expérience…

8- The Children de Tom Shankland (2008) – UK

Genre: Sales gosses

De quoi ça parle: Des ami-es partent en vacances de neiges avec leurs enfants. Ceux-ci sont contaminés par une substance présente dans la forêt qui modifient leurs comportements…

Le cinéma d’horreur regorge de personnages d’enfants démoniaques, et The Children est une pépite sanglante anglo saxonne proposant un travail exceptionnel sur sa photographie.
Sa véritable force est de ne pas lésiner sur la brutalité et la violence, en intégrant une problématique maligne et facilement identifiable: comment parvenir à violenter son enfant dans un cas de légitime défense?
C’est stressant, saignant, avec une tensions palpable qui quand elle démarre, ne retombe jamais.
Parfait pour savourer son Halloween avec des pops corn.

9- La féline de Jacques Tourneur (1943) – USA

Genre: Créatures

De quoi ça parle: Irina, jeune mariée, semble être frappée d’une malédiction qui met à mal son mari qui se rapproche d’une jeune femme Alice…

Halloween étant propice à la création de déguisements de créatures, il faut une proposition avec l’une d’elle ! Comme son nom l’indique, La Féline raconte l’histoire d’une femme qui se transforme en panthère noire, qui doit jongler avec ses deux identités. C’est surtout l’histoire d’une femme qui est « trop » complexe pour son mari qui souhaite en faire une femme « normale » et conforme à ses attentes. Sa deuxième identité représente ce rejet et avant tout la volonté d’exister en tant qu’elle même.
Les films de genre à portée féministe existent donc depuis toujours, il s’agit simplement de rappeler qu’ils sont là, avec parfois plus de pertinence que certains films actuels.
Le film est connu pour être précurseur de techniques de mises en scènes pour créer la peur, qui feront date dans le cinéma d’horreur (comme la scène du bus). Le film est aussi un admirable objet esthétique, jouant avec l’ombre et la lumière et surtout le hors champs, permettant à la fois de faire fonctionner notre imaginaire mais aussi d’appuyer l’aspect fantastique.
La Féline est un des films emblématiques du réalisateur franco américain Jacques Tourneur (et rien que pour ça il fait quand même parti de notre patrimoine). L’actrice française Simone Simon fait preuve d’un tel charisme qu’on se laisse porter par ce conte émancipateur.

10- The angry black girl and her monster de Bomani J. Story (2023) – USA

Genre: Science Fiction

De quoi ça parle: Vicaria, élève afro américaine brillante, est cernée par la mort et le racisme. Quand son frère meurt, elle décide de le ressusciter…

The angry black girl and her monster s’empare du roman de Mary Shelley, Frankenstein, en mettant en scène cette fois une savante. Le film reprend finalement les bases de la réflexion du roman, à savoir « guérir » de la mort et transformer la mort en naissance.
L’idée brillante est d’intégrer l’action dans des problématiques contemporaines, du point de vue de la minorité afro américaine. Mais là où le long métrage est un plaisir à regarder et à entendre, c’est dans sa manière de politiser la question du racisme au delà des évidences, tout en infusant des dialogues très drôles et savoureux. Par ailleurs, sa tonalité un peu teenage movie, en fait un film horrifique facile d’accès pour Halloween. The angry black girl and her monster ne manque pas de rebondissements inquiétants et gores, n’oubliant jamais ses intentions de départ: traiter du corps et de la chair, dont tout scientifique se sent capable de surpasser; pour le pire et le meilleur (pire).

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Le PIFFF se déroule au cinéma Max Linder qui a une salle unique, sur deux étages qui visiblement impressionne plus d’un cinéaste, car le réalisateur de The Wailing l’a qualifiée de « cathédrale du cinéma ».
C’est effectivement une très belle salle, prestigieuse mais aussi confortable, point qui est presque le plus important quand on festivale !

Toujours est-il que je débarque de mon train pour sauter littéralement sur la première séance Blood Star (USA) de Lawrence Jacomelli issu de la pub. Il signe ici son premier long métrage sur un road trip sur fond d’ ACAB (jamais pour me déplaire on va pas se mentir), en filmant la traque d’une jeune femme par le shérif du coin. Il s’avère que le film est divertissant, bien rythmé avec une actrice convaincante, Britni Camacho. Le film pêche en revanche avec son antagoniste qui ne fait pas bien peur, et dont on peine à percevoir la cruauté. Blood Star manque par ailleurs de séquences impactante (surtout avec ce type de pitch vu et revu), avec un personnage féminin qui met du temps à démarrer franchement l’offensive ou la défensive, malgré le harcèlement constant. Tout cela n’a pas pu me procurer beaucoup de tensions, mais je n’ai pas boudé mon plaisir pour autant et c’était une parfaite mise en bouche (yeux).

Blood Star n’est que le début d’une liste de films dont la thématique commune est suivre/poursuivre une jeune femme. Car on retrouve cette similarité avec Strange Darling (USA) de JT Mollner. Dans le cadre d’un montage en plusieurs chapitres mélangés, le public reconstruit peu à peu une histoire plus « complexe » que ce que la première séquence laisse présager. Parfois très drôle, brillant dans sa manière d’accompagner le public dans son univers, Strange Darling gâche tout en utilisant la culture du viol pour sans doute faire la démonstration qu’il ne faut pas se fier aux apparences. Le problème c’est que quand on se trompe de cible en se moquant ouvertement des femmes (entre le personnage principale féminin, et une flic qui pour une fois prend les violences sexuelles au sérieux), non seulement on tape à côté, mais en plus on participe au problème.

On reste dans le médiocre (sexiste mais au moins pas misogyne) avec Daniela Forever, une sorte de croisement entre Eternal sunshine pour le concept fantastique, et 300 jours ensemble pour l’illustration emblématique du trope de la manic pixie dream girl. Suite à la mort accidentel de sa compagne, un homme teste un traitement lui permettant de naviguer avec elle dans ses rêves. Le problème c’est que toute l’intrigue est centrée sur cet homme qui profite surtout de ses rêves pour s’auto kiffer et contrôler sa Daniela, qui ressemble plus à un vague robot, que l’incarnation de l’amour de sa vie.

On passe à une autre recherche de femme et d’amour mais cette fois de manière beaucoup plus réussie avec le film Ukrainien U are the universe. C’est peu vous dire que c’était une projection particulière entre le mot en vidéo du réalisateur Pavlo Ostrikov avant la séance, le fait de savoir que la moitié de l’équipe est au front (dont l’acteur), et que le responsable des effets spéciaux a été tué. Le film a d’autant plus de résonance avec cette guerre, qu’il raconte un ouvrier de l’espace qui commence à communiquer avec une femme, après l’explosion purement et simplement de la Terre. U are the universe (qui a raflé tous les prix), arrive à capter tout du long malgré qu’on soit confronté uniquement à un homme et son robot déambulant dans un vaisseau. On assiste à leurs questionnements, difficultés, espoirs, et comment est-ce qu’on exerce son libre arbitre quand on est le dernier humain. C’est très doux et mignon car cela évoque l’amour à travers des voix et un feeling qui ne s’explique pas, mais qui se ressent.

Changement d’ambiance avec Sew Torn de Freddy Macdonald, jeune réalisateur de 23 ans qui adapte ici son court en long. On y retrouve toujours une femme traquée mais pas des moindres: une couturière blasée et introvertie qui se mêle à une histoire de drogue et donc d’argent. Le réalisateur explore 3 possibilités que l’héroïne vit selon des choix différents et je dois avouer que je suis particulièrement friande de ce genre de format. Car oui j’aimerais pouvoir voir les conséquences de mes choix, donc là encore le cinéma m’aide à comprendre. Toujours est-il que le film se démarque surtout par les compétences en couture de notre héroïne et la photo splendide qui permettent de rendre le film assez divertissant malgré des redondances.

Plusieurs films ont exploré la thématique des violences des dynamiques de pouvoir. The Wailing utilise la figure du fantôme qui passe de génération en génération pour hanter et violenter des femmes mais également leur entourage. Ce film Espagnol de Pedre Martin Calero (venu présenté le film), m’a procuré de grands frissons en évitant les jumpscares et en utilisant de manière très maligne son décor. Le fil entre les différentes époques est tenu par les personnages, mais aussi par des objets, comme les écrans. Malgré quelques passages un peu mous, l’ensemble est solide et la banalisation des violences intrafamiliales qui se suit est encore trop peu traitée.
Le pouvoir d’une communauté sur l’une des leurs, est également le sujet d’Heresy, film Néerlandais de Didier Konings (venu présenter le film avec une certaine timidité par ailleurs). Ce moyen métrage qui puise son inspiration dans The Witch, fourni un travail très réussi sur sa direction artistique avec des créatures charismatiques, une forêt envoutante. Dommage que l’histoire nous serve une énième association de femme et dame nature reproductrice (réduisant totalement le propos politique de l’éco féminisme en passant), et une écriture faiblarde des personnages.

On parle du pouvoir d’une autre communauté, celle de l’audience du web avec Dead Talents Society (Taiwann) de John Hsu. Des fantômes doivent effrayer les vivants pour ne pas être oubliés et gagner en popularité. Le film est brillant d’inventivités, très très drôle, et n’oublie pas d’être intelligent pour autant en ayant plein d’amour pour des personnages de « loosers » qui n’en sont pas. Le film évoque les pressions extérieures, le collectif et est mine de rien un réquisitoire contre la pression capitaliste qui nous pousse à penser qu’il nous faut être talentueux pour avoir une raison d’exister.
Pour traiter ces messages, les fantômes sont ici presque faits de chair et de sang (qui les rapproche des humains); le film n’est en plus pas avare en effet gory.
Autre pression mais pas des moindres: celle des dynamiques de pouvoir au sein des maisons de retraite avec The rule of Jenny Pen. Ou comment les vieux sont infantilisés, agressés. Le film souffre d’une écriture maladroite qui lance plusieurs axes sans les exploiter (je pense notamment à la poupée qui s’avère peu flippante et surtout superflue). Mais le duo d’acteur au sommet (John Listhgow et Geoffrey Rush) nous offre un spectacle tout à fait appréciable.

On finit en beauté avec Desert Road qui est un peu un mix de toutes ces thématiques, de l’Américaine Shannon Triplett, qui est venue présenter son film avec un grand enthousiasme. Elle propose un nouveau récit de la boucle temporelle (et ça faut quand même réussir à le faire), en s’appuyant sur l’histoire d’une femme coincée sur une route dans le désert. Le film repose sur la performance bluffante de Kristen Froseth (vue dans How to blow a pipe line), et une écriture très fine qui permet d’être accroché à la quête du personnage et à ses rebondissements. Impossible de prédire comment le film va finir, ça en fait donc une bonne raison pour le voir.

On ne fait pas un festival sans une séance de courts métrages; je suis donc allée à la séance des courts internationaux. Là encore on peut noter une grande qualité sur la forme de tous les courts, dont les styles et les histoires étaient très variées. On a eu une créature sous un lit, un voyage mélancolique dans l’espace, un dieu de la pizza étrange, une aire de jeux maléfique (mon pref), et une marionnette qui a fait rire toute la salle. Un beau moment de cinéma.
J’avais interviewé Véro qui fait parti du comité de sélection de courts métrages, qui partage son point de vue notamment sur la place des femmes dans le cinéma de genre !

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