En 2016, Grave de Julia Ducournau débarque au festival de Cannes et provoque à la fois un vent de panique (toute proportion gardée à la sauce Cannes bien sûr), et de renouveau.
Je ne me lasserai jamais de répéter que ce film, qu’on l’aime ou non, a été à l’origine d’un regain de l’intérêt du cinéma de genre en France (et à le considérer), mais aussi à la présence plus forte (toute proportion gardée là aussi), des réalisatrices de genre de toutes origines.

A l’époque, on note que le film appartient au sous genre du body horror, les journalistes aimant rappeler que Ducournau adore le cinéma de Cronenberg.
Force est de constater que depuis, plusieurs réalisatrices (et de toutes nationalités) ont utilisé ce registre pour évoquer les dégâts du patriarcat sous toutes ses formes, ou presque.

Car depuis, la Française Coralie Fargeat a raflé le prix du scénario à Cannes avec The Substance (2024), la Norvégienne Emilie Blichfeldt revisite Cendrillon avec The Ugly Stepsister (2025), la Néo Zélandaise Sasha Rainbow évoque crise d’identité au sens propre, avec Grafted (2024), et l’Australienne Natalie Erika James parle de troubles alimentaires dans Saccharine (2026).
A l’époque, on note que le film appartient au sous genre du body horror, les journalistes aimant rappeler que Ducournau adore le cinéma de Cronenberg.
Le point commun de ces films réalisés par des femmes, est que c’est l’héroïne est toujours le sujet de ces impacts et conséquences physiques (et ce n’a pas toujours été le cas, si on prend en compte American Mary des soeurs Soska en 2012).

Comment l’expliquer, et comment le body horror au féminin a évolué ?

My body my choice

Si le sous genre du body horror est principalement connu à travers la filmographie de David Cronenberg, la notion de body horror est presque aussi vieille que le cinéma. On peut remonter jusqu’à 1924 avec Hands of Orlac de l’Autrichien Robert Wiene.
Le cinéma de genre utilise régulièrement des ressorts horrifiques où la chair est impliquée (comme Evil Dead ou Alien), le body horror regroupe spécifiquement des films dont l’objet, la narration, le sujet, le motif de la chair est central.

Le corps féminin a toutes les raisons d’être régulièrement présent dans ce genre. Il faut dire que nous sommes relativement bien servie toute notre vie en termes de transformation/atteinte au corps:

• Adolescence avec poitrine qui se développe et règles, mais aussi les hanches qui peuvent s’écarter ou encore des évolution rapides qui peuvent faire apparaître des vergetures,
• Grossesse, accouchement, et post partum,
• Divers problèmes de santé (avec des parcours de soins chaotiques en raison des ignorances et du manque de recherche): endométriose, etc..
• Ménopause,
• Violences sexistes et sexuelles (une femme est victime de viol ou de tentative de viol toutes les 2 minutes)

Il est intéressant de noter qu’il existe une multitude de films de body horror réalisés par des hommes, notamment début 2010, dont le personnage principal est une artiste en herbe qui souhaite percer à Hollywood: Starry Eyes de Kevin Kölsch et Dennis Widmyer (2014), Eat de Jimmy Weber réalisé la même année, Contracted d’Eric England (2013) ou encore The Perfection (2018) de Richard Shepard.
Il y a évidemment beaucoup de choses à dire et à dénoncer encore et encore (tant ce thème est inépuisable au regard du peu d’évolution réelle des rapports de pouvoirs dans le cinéma), mais, quand j’ai visionné ces films, j’ai davantage eu le sentiment d’assister à la punition de ces personnages féminins dévorés d’ambition, qui participent à entretenir un système vicieux (au lieu de le combattre d’une manière ou d’une autre).

Avant le changement provoqué par Grave, les réalisatrices s’étaient déjà emparées du body horror centré sur un personnage féminin, et notamment des Françaises. C’est le cas de Marina de Van qui réalise Dans ma peau (2002) et Claire Denis en 2001 avec Trouble Every Day.
L’une évoque la recherche d’identité et de ce que représente un corps, quand l’autre utilise le cannibalisme pour représenter littéralement l’expression « il est à croquer » ou l’amour dévorant. Si les démarches dérangeantes sont à saluer, surtout à l’époque pour des femmes, je trouve pour ma part que ces films se complaisent dans des visuels qui n’apportent pas grand chose à leur sujet. Marina De Van semble fascinée par son propre corps mais assez peu par les raisons et le contexte social associé, et Claire Denis enchaîne sexe et sang qui ne permet pas d’empathie pour ses sujets.

Les conséquences du patriarcat dans sa chair

Donc, quand Julia Ducournau arrive avec son film, sous prétexte de cannibalisme, pour proposer un coming of age rafraîchissant, qui coche à la fois les cases de l’horreur et du film d’auteur respectable, cela fait mouche auprès d’un public divers. Grave met en scène une adolescente qui cherche classiquement à s’émanciper à travers la transformation de son corps, mais pas à travers les écueils classiques comme les règles (présents dans Ginger Snaps et Carrie par exemple). Idem sur l’éveil sexuel qui est brutal et « animal », à l’opposé d’une première fois souvent représentée dans la douceur pour les personnages féminins. Moins connu et moins réussi, Blue my mind de Lisa Brühlmann évoque aussi le passage à l’adolescence de Mia, qui décontenancée par sa transformation physique (c’est une sirène), elle plonge dans un océan d’incertitudes, de mal être qui la pousse dans le fin fond de la défonce et du sexe. Ces films ne sont pas des critiques frontales du patriarcat, il n’en est pas moins féministe dans sa manière de représenter une adolescente.

Et cela permet de tracer une certaine route qui reste épineuse, pour les réalisatrices de genre. Ainsi quand Coralie Fargeat débarque à Cannes avec The Substance, elle réalise un gros coup: remettre sur le devant de la scène Demi Moore à 60 ans, actrice iconique sexy des années 90, jamais considérée pour ses talents et son audace + dans un film d’horreur 100% saignant + qui dénonce l’âgisme dans l’industrie (dont est directement victime Demi Moore donc).
Il ne faut pas oublier que quand le film sort, cela fait déjà 7 ans que le mouvement #metoo a démarré, et donc a infusé les esprits (moins l’industrie). Donc il a forcément un écho très fort auprès d’une audience qui est en recherche de sujets qui les impacte tous les jours. Par exemple, la scène où Sue (le « double » jeune du personnage de Demi Moore) panique car elle a peur que ses collègues se rendent compte que son corps se change, et demande une serviette pour se couvrir, renvoie tout de suite à ce qu’on a toutes connues avec nos règles (peur qu’une tâche se voie).

Injonctions intériorisées

Ce qui en fait un objet curieux, c’est également tout le paradoxe qui l’accompagne: Demi Moore a fait de la chirurgie esthétique, Fargeat pousse les potards à fond du male gaze montant à la fois une fascination pour ces corps parfaits, qui créé à la fois un dégoût de ce qu’ils représentent, notamment en termes de superficialité et de caractère éphémère.
La perception du film selon le public est également révélateur. J’ai parfois lu que le film n’était pas cohérent car Demi Moore a un corps magnifique, surtout pour son âge. Certes, mais en tant que femme, on comprend que ce n’est pas le sujet du film, car quoi qu’on fasse, le corps d’une femme est toujours jugé, et écarté quand il vieillit. Quelle que soit son apparence.
D’ailleurs, l’idée du film est venu à Fargeat, car elle même dépassant 40 ans dans cette industrie, a pris peur, car comme beaucoup de femmes, elle a intériorité le fait que plus les femmes vieillissent, moins elles seront intéressantes et prises en compte.
Est-ce qu’un homme aura pu réalisé ce film de manière juste? Je ne pense pas.
Dans le même genre, il y a également Helter Skelter de la Japonaise par Mika Ninagawa sorti en 2012. Ici la supercherie du corps parfait a permis à Lilico, une mannequin, d’accéder à la notoriété. Ces modification corporelles sont évidemment éphémères ce qui la précipite dans un état proche de Sue dans The Substance.

Sasha Rainbow utilise un postulat similaire dans Grafted. Il s’agit d’une jeune femme, Wei, qui a une malformation physique, brillante en physique et qui tente d’achever les travaux de son père atteint du même problème, et qui était lui même chercheur. Wei, est virée par son professeur incompétent qui juge qu’elle ne trouve pas la solution assez vite, et harcelée par sa cousine. Ici, le body horreur est utiliser pour représenter la quête d’identité et de beauté du personnage féminin. Un mix presque entre Grave et The Substance, que l’on retrouve également dans Saccharine de Natalie Erika James.

Dans ce film, ce n’est pas une malformation physique à l’origine du problème mais la grossophobie. Hana est obsédée à l’idée de perdre du poids, dont l’origine se situe dans l’enfance, avec une mère, elle même grossophobe. Comme Elisabeth dans The Substance, elle ingère une substance à base de cendres humaines (!), qui lui font perdre du poids. Mais son mal être est symbolisé par le fantôme d’une femme grosse dont Hana a avalé les cendres. On retrouve ici une question de quête d’identité, mais à travers le fait de se détacher de ses parents et de découvrir l’amour.

C’est également le sujet de The Ugly Stepsister d’Emilie Blichfeld, où on suite la belle soeur de Cendrillon qui tente de se plier aux injonctions de beauté pour se marier au Prince, au point de détruire son corps à petits feux. La réalisatrice montre bien tous les impacts du patriarcat sur toutes les femmes: Elvira évidemment, mais aussi Cendrillon qui épouse un Prince masculiniste qu’elle n’aime pas, la mère, aliénée par son incapacité à subvenir à ses besoins et à ses filles et qui négligent de fait ses filles, etc..Ici c’est vraiment la survie financière dépendant des hommes, qui impacte tous les personnages féminins.

A quand une révolution féministe made in body horror ?

On peut constater comme les réalisatrices ont une manière diverse et riche d’utiliser le body horror pour dénoncer les facettes du patriarcat: les injonctions contradictoires, de beauté, l’âgisme, les diverses discriminations physiques…Et même quand l’action se situe dans un contexte maintes fois utilisé par évoquer ces diktats (Hollywood), cela va bien plus loin que se contenter de filmer un personnage sombrant dans la déchéance à base de « Hollywood ce sont des requins exploitants ».

En revanche, on note que si ces personnages féminins se révoltent (le monster sue qui asperge de sang son audience pointant la responsabilité de son état, Elvira qui s’échappe de sa condition avec sa soeur, ou Hana qui combat une partie de ses démons), ils ne connaissent jamais une fin heureuse:

• Le monster Sue finit éclaté au sol (littéralement) et disparaît,
• Elvira s’enfuit mais avec des doigts de pied en moins et un corps détruit de l’intérieur,
• Wei fusionne avec un cadavre et finit dans la rue,
• Hana finit par manger sa partenaire.

Elles deviennent même parfois des véritables dangers (comme Hana ou Wei dans Grafted).
Par ailleurs, Saccharine s’empêtre dans des représentations problématiques comme l’actrice Midori Francine qu’on transforme maladroitement en personnage gros; ou encore la menace du film représenté par un fantôme gros.
On a considérablement avancé dans la manière de parler et d’analyser les ravages du patriarcat dans le cinéma de genre, selon moi grâce à la petite place qu’on a bien voulu faire aux réalisatrices. Et j’espère en voir toujours plus sur les écrans.

Il reste maintenant à montrer quelles solutions, quels espoirs pour ces femmes, pour aussi apporter un peu plus d’optimisme et d’exemples de luttes concrètes.

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Je suis une grande fan de la saga Scream (même si je trouve Scream 3 nul et que j’adore Scream 4 mais je m’égare). J’ai d’ailleurs participé à deux épisodes du podcast La Saga pour évoquer Scream 2 et 6.
J’ai trouvé Scream 5 et 6 très inégaux mais il y a suffisamment d’éléments intéressants pour que je ne boude pas mon plaisir. Donc sur le papier, je n’étais pas réticente à ce que la saga continue, d’autant que le 7 devait finir la nouvelle trilogie amorcée dans le 5 avec les soeurs Carpenter.

Censure & préjugés

Mais les choses se sont vite corsées. Melissa Barrera a posté plusieurs messages sur les réseaux sociaux pour dénoncer le génocide commis par le gouvernement d’Israël. Ce qui n’est pas passé du tout auprès de SpyGlass, qui a considéré ces propos comme antisémites, et a évincé fissa Barrera du projet.

Même s’il serait logique pour tout le monde de prendre position contre les actions d’Israël, la position (dans le sens d’où elle parle) de Melissa Barrera n’est pas anodine; elle est mexicaine. Son pays a été traversé par des guerres menées par des colons espagnols avec la guerre d’indépendance en 1810, et par les USA, avec notamment la guerre américano mexicaine en 1846. Ces guerres ont laissé des traces à la fois concernant des territoires perdus comme le Texas, mais aussi évidemment d’inégalité sociale et de discrimination, ravivés d’autant plus avec Trump. Actuellement, des familles mexicano-américaines sont détruites, car l’administration d’extrême droite américaine expulse du jour au lendemain des mexicain.es qui vivent, travaillent et paient des impôts sur le territoire depuis 20 ans.
Bref, la colonisation, la violence, les crimes, les discriminations, sont bien connues du pays de Melissa Barrera. Rien de plus logique qu’elle prenne la parole sur ce sujet, d’autant plus avec sa notoriété soudaine acquise avec Scream.

Palestine is the new Vietnam

Il faut avoir en tête que la position des artistes pour soutenir Gaza, et surtout dénoncer le génocide est un vrai sujet aux USA, allié historique d’Israël. Susan Sarandon a récemment expliqué qu’elle a fait les frais de ses déclarations. Blacklistée d’Hollywood, elle a trouvé des rôles en Europe (en précisant qu’on avait dit aux réalisateurs avec qui elle tournait, de ne pas l’engager).

Variety a rapporté que Paramount (détenu par David Ellison dont le père est proche de Netanyahu) avait établi une liste d’acteurs et actrices à boycotter pour leurs positions sur Gaza.
Le sujet est tellement touchy, et facilement récupéré pour déblatérer des propos antisémites insupportables, certaines stars comme Mark Ruffalo font machine arrière.
En septembre 2025, 1500 stars américains comme Olivia Colman ou Javier Bardem ont appelé à boycotter des institutions israéliennes. Bref c’est un sujet comme depuis toujours complexe à articuler dans l’espace public, d’autant plus médiatique, et encore plus quand il s’agit de gros sous et de pouvoir.

Pour en revenir à notre sujet, ce que SpyGlass n’avait sans doute pas anticipé, c’est que la super star Jenna Ortega claque la porte en soutien à l’actrice.
Là dessus, le réalisateur prévu, Christopher Landon (Happy Birthdead) se prend des menaces des morts (analysés par le FBI), car les gens pensent que c’est lui qui a viré Melissa Barrera. Il quitte donc le projet (sans un mot de soutien pour Barrera, à part « c’est pas moi »).
Se retrouvant nu comme un ver, SpyGlass retourne voir Neve Campbell avec un chèque (7 millions de dollars dit-on) entre les jambes. Si on salue la prise de parole de Neve Campbell dénonçant un salaire proposé trop bas pour Scream 6 expliquant sa non participation, c’est bien dommage d’accepter de revenir dans ces conditions pour autant. Ce n’est ni valorisant pour elle professionnellement et éthiquement. Idem pour Courteney Cox qui au regard de sa prestation dans Scream 7, est juste là pour empocher le pactole.

Toujours est-il que dans ces conditions, compliqué de mettre en chantier un bon film, surtout quand on fait appel à Kevin Williamson à la réalisation, connu pour le merveilleux Mrs Tingle (non). SpyGlass a dû se dire que de placer le scénariste de la sage suffirait à sauver les meubles (toujours non).
Le film est donc mauvais. A part une séquence de cache cache dans les combles d’une maison (qui rappelle fortement Scream 3 pour mon non plaisir) sympathique, Scream 7 n’a aucun sens, aucun personnage, aucun intérêt, aucune cohérence (wtf l’attitude de Gale Weathers après son passé avec Sidney, genre vraiment aucune évolution est possible?), aucune tension. On sent juste Neve Campbell toujours touchée par Sidney Prescott et son souvenir de Tatum.
Mais je ne m’attarderai pas sur le film en lui même, tant il existe des dizaines de critiques qui expliqueront bien mieux que moi pourquoi il est nul.

Aller voir Scream 7 au cinéma ou acheter son futur blu ray, c’est financer une structure qui vire des gens qui usent de leur liberté d’expression et qui insulte les victimes de violences.

Scream ce vieux réac

Attention je spoil (et j’en ai rien à f..) !

D’un point de vue représentation, et donc moral et sociétal, ce qui est profondément dérangeant, c’est la manière dont Scream 7 représente les violences faites aux femmes.
Alors que la saga, et notamment le premier, traite brillamment des violences sexistes et sexuelles, mais aussi de la figure de la final girl en la modernisant, Scream 7 se vautre dans des représentations problématiques des victimes de violences.

Etre une victime n’est visiblement pas suffisant

Sidney est victime de tentative de meurtres dans 5 films (surtout 4). C’est à dire que tous les ans ou les 10 ans, elle voit l’histoire se répéter. Dès le 2, elle sait qu’elle aura toute sa vie une épée de Damoclès au dessus de sa tête, avec toutes les potentielles conséquences derrière: dépression, anxiété, solitude, paranoïa, etc…je dis potentielles car clairement ce ne sont pas des éléments qui ont été considérés dans l’écriture du personnage (à part un peu dans le 3, décidément je parle beaucoup du 3).
Si on prend un peu de recul, voici la liste des violences vécues à plusieurs reprises:

• Viol et meurtre de sa mère quand elle avait 16 ans,
• Psychologiques: manipulation des tueurs « amis », relation sexuelle avec Billy Loomis, découverte de son demi frère psychopate,
• Tentatives de meurtres (avec manipulations psychologiques),
• Blessures diverses plus ou moins graves,
• Témoin de plusieurs meurtres dont des proches,

Malgré ça, on assiste dans le film à des dialogues surréalistes de personnages qui lui reprochent d’avoir quitté la ville, changé de vie, bref disparue de la circulation. Pardon, mais je pense qu’on peut déjà se réjouir que Sidney n’est pas finie en soins psychiatriques, donc je pense qu’on peut lui accorder d’être ermite.
Le plus drôle, c’est que ce reproche vient à la fois de Gale Weathers (si y en a une qui sait bien ce que Sidney a traversé, c’est elle), mais aussi de la tueuse.
Le film finit avec Sidney qui admet que oui c’est vrai, elle n’aurait pas dû s’isoler et qu’elle regrette. J’ai cru tomber de ma chaise devant tant d’incohérence. On en arrive à culpabiliser cette multi victime. Alors ok, Scream n’ont jamais été des films portant une grande analyse ou discours sur les VSS, mais ce n’est pas un slasher idiot non plus.

Victime, attention danger

L’autre (gros) problème, c’est la tueuse, Jessica, présentée comme une amie de Sidney. Si on écarte le fait qu’elle n’est absolument pas intégrée dans l’histoire, ni caractérisée (elle a littéralement 3 lignes de dialogues avec Sidney pour dire au spectateur qu’elle a été victime de violences conjugales), c’est un problème en 2026, dans un contexte politique d’extrême droite aux USA de mettre en scène une tueuse, victime de VSS.
Et comme ce n’était pas suffisant, Kevin Williamson n’a rien trouvé de mieux en mobile, l’absence de Sidney. Jessica a viré haineuse et meurtrière car elle s’est sentie abandonnée par Sidney.
Pendant son mariage violent, le livre écrit par Sidney « Ouf of Darkness » l’a aidée à s’en sortir. Donc, elle a très mal vécu quand Sidney a pris une décision pour son bien être.
Je ne sais pas si on se rend compte de l’indécence de la situation: une victime de violence conjugale tue des gens, et s’en prend à une autre victime de violences pour justifier ses meurtres.

Tout ça pour dire qu’aller voir Scream 7 au cinéma ou acheter son futur blu ray, c’est financer une structure qui vire des gens qui usent de leur liberté d’expression et qui insulte les victimes de violences.
C’est d’autant plus grave que ce film est notamment à destination d’un public adolescent. Mais vu les scores au box office, j’imagine qu’un autre opus verra le jour.
Chaque achat est politique, ce n’est jamais une goutte d’eau dans l’océan. Et si vous doutez, rappelez-vous du final de 1001 pattes, meilleur film antifa du monde.

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Le cinéma d’horreur Japonais, qui fait parti de ce qu’on appelle la J-Horror, s’axe sur des intrigues incluant des fantômes, des hantises, des malédictions.
Entre colonisations, violences et tortures, domination patriarcale, le Japon n’est finalement pas en reste (contrairement à la vitrine de pays sympa qui est projetée), pour donner naissance à ces histoires.
Il se trouve que les fantômes féminins sont largement surreprésentés dans le cinéma d’horreur Japonais. Logique que je m’y intéresse!

Vaste sujet qu’est le cinéma de genre Japonais. Je ne suis ni une spécialiste du Japon, ni une spécialiste du cinéma horrifique Japonais. En revanche, je ne peux pas ignorer que les fantômes Japonais qui imprègnent tant notre pop culture (comme Sadako de Ringu) sont globalement des femmes. Ce n’est donc pas un hasard et cela traduit des croyances, des peurs, des évolutions sociologiques que nous allons essayer de comprendre.

Une richesse sans fin des fantômes Japonais

L’origine des fantômes Japonais remonte à loin (Moyen Âge) et depuis on compte une diversité impressionnante de catégories de fantômes ou autres manifestations fantastiques, les yōkai (et on peut en compter des centaines qui ont des apparences humaines et/ou animales). Sans rentrer dans le détail, il est intéressant de noter que cette richesse est sans doute dûe au fait que la culture Japonaise accorde une haute importance à la notion d’âme. Par ailleurs, la mort est plus intégrée et proche des vivant-es que chez nous. Par exemple, comme expliqué dans l’émission de France Culture, les cimetières sont en vase clos ici; dans un espace fermé et bien à part, alors qu’au Japon ils sont ouverts, intégrés à la ville. Par ailleurs, les gens sont crus quand ils racontent des histoires de fantômes qu’ils ont vu, contrairement à nous.

Dans le cinéma d’horreur ce sont les yurei qui vont principalement nous intéresser. Là aussi, il y a plusieurs types de yokaux, et détail qui a son importance, la plupart concernent des fantômes féminins.

• Onryo : fantôme vengeur (et vénère), que l’on retrouve dans la plupart des films d’horreur japonais (représentation la plus courante dans le cinéma de genre),
• Ubume : jeune mère qui a accouché ou femme enceinte décédée qui porte un enfant dans ses bras et qui demande aux passant-es de le porter. Une fois dans les bras de la personne, l’enfant devient petit à petit une pierre.
• Goryo : fantôme aristocrate, déclenchant des catastrophes naturelles.
• Funayurei : un noyé qui tente de faire chavirer les bateaux, en les remplissant d’eau.

On constate donc que ces personnes ont toutes subi une mort violente et soudaine, qui en font des âmes errantes, en proie à cette violence. Par ailleurs, ces morts sont marquées par des peurs et des traumatismes spécifiques au Japon: les catastrophes naturelles.

Il existe quantité de fantômes féminins qui sont marqués par des clichés sexistes et/ou dans la volonté d’invisibiliser ce qui est considéré comme autre, comme le handicap. Je vous conseille cette émission du podcast La librairie Yokai, qui liste et analyse plusieurs typologies de fantômes:

La figure du fantôme Japonais qui va nous intéresser ici est donc l’onryo, qui à la base, n’a pas de représentation physique spécifique. Ce sont ses représentations théâtrales à travers la pratique du théâtre kabuki à partir de 1700 qui inscrivent une apparence physique reconnaissable facilement par le public. Ces représentations finissent très souvent violemment, et notamment avec un féminicide; nous y reviendrons.
On y trouve un fantôme avec une robe blanche, des longs cheveux noirs et un visage blanc. C’est une représentation qui perdure aujourd’hui; avec des variantes, qui permet toujours à l’audience, et notamment occidentale, d’associer ce fantôme à la culture Japonaise facilement, sans avoir besoin de le conscientiser.

D’ailleurs, vous noterez que les fantômes féminins Japonais n’ont rien à voir avec les fantômes Européens ou Américains. On est très loin d’une entité vaporeuse, flottante.
Certains éléments liés à l’apparence sont ainsi caractéristiques des onyros, en dehors des cheveux noirs:

• Leur aspect charnel. Pas de fantômes transparent ou autre, les onryos sont ancrés dans le sol (au point de ramper parfois comme dans The Grudge). On se souvient des ongles arrachés de Sadako dans Ringu, qui est une rappel direct de sa souffrance à avoir essayé de s’échapper du puit.
• Dans la moitié des cas environ, leur apparence physique, et notamment le visage est déformé, abîmé. Un point commun que l’on retrouve chez les personnages féminins qui sont possédés. Si cela se remarque sur la J Horror de ces 20 dernières années, dès les années 50 on remarque des figures de fantômes déformées, comme dans Illusion of blood en 1965.

• Les onryos utilisent fréquemment la technologie pour attaquer/communiquer: le téléphone (La mort en ligne), la télé, internet…

Mais on remarque aussi des différences notables, d’un point de vue psyché et actions:

• Leur violence radicale. Contrairement aux fantômes occidentaux qui parfois terrorisent car ils veulent vengeance ou réparation, les onyros n’ont qu’un mot d’ordre: tuer. L’issue est fatale quand on croise un onryo. Que vous soyez responsable ou non de sa mort, cela a peu d’importance. Le fantôme, aveuglé de haine et animé par la violence, ne laisse aucune chance.
• Ils ne recherchent ni pardon, ni rédemption, ni réparation. Il n’y a pas moyen d’apaiser leur âme.
• L’idée derrière cette radicalité est un besoin de perpétuer sa légende, pour rappeler leur mort violente souvent liée à un meurtre ou un féminicide.

En cela, on voit une certaine volonté des fantômes Japonais de se rapprocher des humains. A la fois pour les hanter et se venger, mais surtout pour continuer d’exister. C’est précisément le sens que l’on peut trouver au fait que les onryos attaquent sans distinction qui se trouve sur son chemin. L’idée est de perpétuer la légende, la terreur et leur souvenir.

La renaissance de la J Horror fin 90/début 2000

Il est à noter que la J Horror avec des fantômes féminins est particulièrement forte (en parvenant jusqu’à nous principalement fin 90/début 2000). Voyez plutôt:

• Ringu (1998) et ses suites,
• Ju On (2002) et ses suites,
• Dark Water (2002),
• One missed call (2003),
• Carved (2006)
• The locker (2004)
• Ghost actress (1996)
• Exte (2007)
• Ju Rei la malédiction (2004), etc…

Ce n’est pas un hasard quand on constate les événements inquiétants qui traversent le Japon à cette époque:

• La peur de la fin du millénaire,
• Le Japon subit une grave crise économique à partir de 1992
• Les ikikomori apparaissent: ces jeunes qui restent enfermés dans leur chambre sans jamais sortir à l’extérieur,
• Diverses tentatives d’attentats comme en 1993 par la secte Aum shinrikyô, mais aussi l’attentat dans le métro à Tokyo qui fait une dizaine de morts et des milliers de blessés en 1995 (sachant que le dernier responsable de l’attentat encore en fuite a été arrêté seulement en 2012).
• Le survol du Japon par un missile nord coréen en 1998.

Autant d’événements inquiétants font donc un terreau idéal pour créer des films d’horreur!
Comme évoqué plus haut, la plupart des films de fantômes Japonais contiennent une histoire de féminicide. Et en effet, on retrouve une multitude de films mettant en scène des femmes ou des petites filles terrifiantes:

Du côté de la situation sociale et économique des Japonaises, cela bouge aussi dans les années 90. Société fortement dominée par des principes patriarcaux (le Japon reste l’un des pays industrialisés où les inégalités hommes/femmes sont les plus fortes), le rôle des femmes est cantonné à la maison et à l’éducation des enfants. Mais dans les années 90, Le Japon a besoin de booster son économie suite aux crises évoquées précédemment et au vieillissement de la population. Le gouvernement facilite donc l’entrée des femme sur le marché du travail (en exonérant de charges fiscales les salarié.es en congé parental par exemple). Les Japonaises gagnent donc en autonomie.

L’universitaire Pascale Fakhry dans “Woman’s Horror Films” explique que les hommes voit cette évolution comme une menace, et cela se traduit par la place ambiguë qui leur est attribuée dans les films d’horreur. Les femmes ont le rôle principal et sont actives (comme dans The Ringu ou Dark Water), mais l’horreur leur tombe justement dessus car elles ne sont plus de bonnes mères au foyer. Dans Ringu, la mère journaliste enquête et dans Dark Water, elle doit travailler suite à son divorce. La moralité (peu subtile) est que pour survivre, la tradition les protègera et que changer est mauvais pour elles. Si on pousse le raisonnement pour Dark Water, il faudrait même que la mère se force à rester en couple avec un homme détestable.

Surtout que ce début d’autonomie se paye au prix fort. Ces dérèglementations ont permis aux entreprises de faire perdurer des contrats précaires en utilisant davantage de l’intérim (Source: L’évolution des conditions d’activité des femmes : une comparaison France-Japon: Arnaud Dupray).
Surtout, cette évolution ne se retrouve pas dans celle des moeurs. Les attentes familiales pèsent toujours sur les femmes. Ainsi, les Japonaises sont tiraillées entre leur rôle de mère, d’épouse, de travailleuse. Et si cela ne suffisait pas, l’arrivée de ces nouvelles travailleuses n’est pas toujours bien vue, ce qui provoque un backclash contre le féminisme.
Fin 1998, le parlement refuse de voter une loi pour contrer les violences conjugales pour finalement l’adopter en 2001, après qu’une étude du Cabinet révèle qu’une Japonaise sur 10 est victime de violences domestiques graves. Cette disposition a permis l’apparition de nombreux abris pour les femmes, et une meilleure information sur le sujet; facilitant la prise de conscience. Mais l’essentiel manque. Des chercheurs, à l’image de Kanoko Kamata, pointent ces actes relèvent du code civil et ne sont assortis d’aucune sanction, ou obligation de soins. Bref, l’impunité est préservée.

La violence des onryo

Les années 90 sont donc une période charnière pour le Japon et pour les femmes, ce qui peut expliquer la dynamique de leur cinéma d’horreur.
Mais ce sont bien la présence de fantômes féminins qui écrasent la J Horror. Alors pourquoi?

Les fantômes masculins sont quasiment absents, et le reste des fantômes non identifiés comme féminins sont bien souvent des entités abstraites et non genrées.
Il y a bien quelques fantômes masculins dans les contes japonais, mais il s’agit de guerriers ou de nobles, qui ont été fourvoyés et provoquent donc des perturbations climatiques pour réclamer leur dû. On a donc une dimension d’honneur à laver, de virilité à rassurer.
On retrouve également des hommes, victimes de meurtres, mais qui errent « gentiment » (comme dans l’Empire de la passion où un mari trompé est jeté dans un puit; comme dans Ringu), sans chercher à tuer; ce sont des goryô.
Et cela fait toute la différence avec les fantômes féminins Japonais qui sont cruels, n’épargnant personne. Ainsi, ces personnages féminins sont victimes d’une double peine:

• Humaines; elles sont victimes de féminicides dans des cadres souvent très violents (mari qui larde de coups de couteaux Kayako dans Ju On),
• Les onryo frappent de la mort; quiconque qui passe sur leur chemin. Alors qu’elles sont victimes à l’origine; ces fantômes féminins deviennent des antagonistes particulièrement terrifiants.

Ces caractéristiques pèsent aussi sur les protagonistes féminines vivantes.
Dans la mesure où il n’y a pas de rédemption possible des onryo, et que l’issue est fatale pour les protagonistes; ces personnages peinent parfois à exister, et à faire preuve véritablement d’émancipation. Dans One missed call par exemple, l’héroïne assiste impuissante à la mort de son entourage.

Le féminin monstrueux

Cela m’amène à évoque la théorie évoquée par Barbara Creed, à savoir le féminin monstrueux. Cette universitaire Australienne spécialisée dans le cinéma d’horreur, a écrit notamment en 1993 The Monstrous-Feminine. Elle y étudie la manière dont les personnages féminins sont caractérisés comme monstrueux, notamment à travers les rôles de mères (et autant dans la culture occidentale qu’asiatique, et oui le patriarcat est une notion universelle qui rassemble beaucoup, beaucoup d’adeptes à travers le monde).

Creed évoque par exemple la notion d' »utérus dévorateur » qui se matérialise grâce à deux principales observations:

• Physiquement: la mère prend plus ou moins l’apparence d’un monstre. Que ça soit dans Carved, où elle est défigurée par une entaille béante au niveau de la bouche, ou dans The Grudge où elle rampe comme un insecte avec une expression de visage déformé.
  Le visage abîmé et/ou déformé est d’ailleurs une caractéristiques commune que l’on peut retrouver dans le cinéma de genre occidental, représentant les femmes possédées.
• Moralement: Dans The Grudge, la figure de mère n’existe plus pour l’enfant lui même assassiné. Les deux entités fantomatiques co existent sans avoir de contact. De plus, Creed précise que la maison devenue maléfique représenté ce fameux « utérus » qui en son sein (!), ne répand que mort brutale.
  Dans Carved, la mère est déjà défaillante quand elle est en vie au sein même de son foyer où elle maltraite ses enfants. Sa dangerosité n’est que décuplée et quitte le cocon familial quand devenue spectre, elle s’attaque aux enfants. Dans Ringu, la mère est considérée comme une sorcière maléfique par la population.

Le cas de Bilocation est particulièrement intéressant à évoquer. Ce film de Mari Asato, raconte l’histoire de double, en apparence maléfique qui empoisonnent la vie des personnes originelles. Le personnage d’une mère est par exemple désemparée, car son double vient constamment au chevet de son fils à l’hôpital pour l’enlever et l’extraire de ses soins.
Mais on apprend que les doubles naissent d’une frustration, d’un danger ou d’une peur que connaissent les originaux. Ainsi, on apprend que la mère, acculée par les conditions de santé de son fils qui l’épuise, souhaite intérieurement que son fils meure. Le double intervient donc pour protéger ce fils.

On a ici la figure d’une mère dans la réalité qui montre un signe de défaillance (mais que le film ne la pointe pas pour autant comme coupable). Cette défaillance est contrebalancée par ce fantôme qui semble maléfique aux premiers abords, mais qui s’avère être pour une fois, signe de bienveillance.
Si vous me lisez régulièrement vous savez comme je peux le répéter, mais d’où l’intérêt d’avoir des réalisatrices pour renouveler les représentations et les histoires.

Les enfants fantômes

Bilocation évoque donc la violence faites aux enfants, ce qui me permet de constater que comme dans le cinéma d’horreur occidental, la J Horror met en scène des enfants fantômes pour renvoyer la responsabilités des adultes, de leur malheur.
Comme dans le cinéma d’horreur occidental également, il y a une écrasante majorité de petites filles fantômes.
Mais à la différence du cinéma occidental (La dame en noir, Mama, L’Orphelinat, etc..), les enfants fantômes sont de véritables machines à tuer.
Dans les années 2000, différentes affaires d’infanticides* (sur fond de mères pressurisées), sont médiatisées. En 2019, les violences sur les enfants ont fortement augmenté*** au Japon. Bref, comme partout, les enfants sont des minorités les plus maltraitées, car encore plus vulnérables et malléables.

Les enfants fantômes existent davantage dans la J Horror récente. On note par exemple Sadako de Ringu, piégée vivante dans un puit, la petite fille de Dark Water oubliée dans la cuve d’eau (l’eau reste définitivement un élément universel pour symboliser la mort). Mais aussi le bébé oublié dans un casier de The Locker et Toshio; le fils de Kayako et victime collatérale de violences conjugales dans Ju On; ces films représentent un échantillon du panel de violences possibles. De la négligence qui mène à la mort, au meurtre brutal.

Ces films utilisent la représentation terrifiante qu’un enfant peut être une véritable menace, et inverse finalement totalement le rapport de force qui met à mal le pouvoir et le contrôle initial des adultes.
Mais on peut également noter que comme les fantômes féminins, leur apparence est souvent modifiée de telle sorte qu’ils sont perçus dorénavant davantage comme des monstres que des enfants. Ce qui atténue la portée politique de la représentation de ces violences.

Pourquoi tant de haine des fantômes féminins Japonais?

Comme souvent, et au regard des éléments précisés plus haut, cette haine des fantômes féminins peut se voir à travers 2 prismes principaux:

• le reflet de la société patriarcale Japonaise qui projette une peur sur ces femmes, et notamment les travailleuses qui sont sur le marché de l’emploi. Mais aussi la peur que ces femmes ne remplissent plus ou mal leur rôle de mère.
  Si on reprend l’étude citée ci-dessus sur la violence faites aux enfants, les hommes sont en tête des auteurs des violences physiques. De qui faut-il donc avoir peur? On constate que les femmes sont les premières autrices de violences morales et de négligence. Faut-il y voir la difficile conciliation de mère/épouse/travailleuse ?
  
• la violence et les féminicides dont sont victimes les femmes ne peuvent que déboucher sur une haine illimitée avec un besoin de vengeance qui leur fait office de justice.
  Il n’y a pas de données fiables sur les féminicides au Japon pour la simple et bonne raison que ce terme n’est quasiment pas utilisé. Donc il est compliqué de savoir combien de femmes sont réellement tuées dans le cadre de violences patriarcales.
  Il faut également se rappeler des violences et de l’esclavagisme sexuel subies par les Japonaises** au moment de la 2 guerre mondiale. Le gouvernement Japonais tente de le cacher, mais on constate que les films de fantômes avant 2000 ont souvent comme toile de fond, des violences exercées par des samourais sur des femmes (Illusion of blood, Kwaïdan, Kuroneko, les contes de la lune vague après la pluie, etc..)

Les fantômes féminins Japonais plus apaisés

J’aime finir un article en ouvrant le champ des possibles pour montrer que même si ce n’est pas la majorité, on trouve toujours des oeuvres cinématographiques qui proposent des représentations différentes.

J’ai noté l’exemple de Kwaidan (1966), qui contient 4 courts métrages, dont un sur la légende de la Yuki Onna (dame des neiges). Ce conte qui a plusieurs versions, raconte l’histoire d’un homme qui rencontre une femme dans une forêt enneigée; qui le sauve du froid car elle le trouve beau (ses comparses n’auront pas la même chance). Il tombe sous son charme et la sorcière des neiges si on peut dire lui fait perdre la mémoire de leur rencontre car l’existence de cette Yuki Onna doit rester secrète. Ils commencent une vie maritale et familiale. Mais, un soir, le mari se souvient de cette rencontre fait le rapprochement avec sa femme. Celle-ci entre dans une grosse colère et lui dit qu’elle va disparaître dans la forêt et ne plus jamais entendre parler d’elle, à condition qu’il s’occupe bien des enfants. Sinon, elle réapparaitra, et le punira.
On est en 1966, dans une société Japonaise où le rôle des femmes est attendu uniquement au sein du foyer. Et ce conte met en scène une femme et une mère, certes diabolique sur les bords, mais qui n’est pas représentée non plus comme cruelle; libre qui pense à elle. Elle n’oublie pas pour autant le bien être de ses enfants, en exigeant du père qu’il s’en occupe parfaitement.

Plus récemment, le film Exte en 2007 évoque le trafic de cheveux avec l’exploitation de femmes dont l’une a succombé à ses blessures et qui devient un fantôme un peu particulier. Comme si l’exploitation de son vivant ne suffisait pas, son cadavre est exploité par un douanier, qui constate que ses cheveux continuent de pousser. Il vend donc ces cheveux à des salons de coiffure. Le fantôme utilise sa chevelure pour se venger de personnes qui portent des extensions faites avec ses cheveux, mais elle fait preuve (pour la première fois dans la J Horror je dirais), de compassion et d’empathie avec l’héroïne, une jeune coiffeuse. Elle la défend face à ses agresseurs. On observe ici une rare sororité du personnage transformé en antagoniste fantôme.

La conférence de la S’horrorité sur la représentation du fantôme féminin

J’ai évoqué une partie du sujet de cet article dans une conférence au festival de Gerardmer 2025. Le replay est disponible ci dessous (mes consoeurs évoquent les représentations du fantôme féminin de d’autres origines et époques, et mon intervention est à partir d’une heure):

Zoom avec Amandine de la librairie Yokai

Je souhaitais avoir le regard d’une spécialiste de légendes Japonaises et Amandine du podcast La librairie Yokai a accepté de répondre à mes questions:

Les fantômes Japonais sont multiples et divers, quel type te fascine le plus ? Pourquoi?

Les Yōkaux qui me fascinent le plus sont ceux qui ont été spécifiquement inventés pour expliquer l’inexplicable !
On en parle régulièrement dans la librairie, mais avant de comprendre l’électricité, on considérait que c’était une forme de magie. De la même façon, tous les événements inexplicables ont souvent trouvé réponse au travers du Kappa, du Kamikakushi ou encore du Zashiki Warashi.
Pour comprendre le monde qui nous entoure, nous avons fait en sorte d’inventer le Yōkai parfait qui pouvait expliquer ce phénomène, et c’est pour moi le plus intéressant dans ce monde très vaste.

Aussi utilisé comme moyen de prévention comme le chaperon rouge, les Yōkaux sont multiples comme tu l’as dit, mais cette catégorie suscitée est vraiment celle qui recèle le plus d’intérêt pour moi, et celle pour laquelle je prends plaisir à fouiller les internets pour en arriver à l’origine. 

Vous avez consacré un épisode sur les fantôme de femmes et d’enfants, avec le sexisme qui va avec. Qu’est-ce qui fait selon toi qu’un fantôme féminin peut avoir une lecture féministe? Est-ce que tu dirais que les fantômes féminins s’ancrent la plupart du temps dans une représentation sexiste?

Encore aujourd’hui, la culture japonaise recèle une part profondément sexiste dans sa façon de voir le monde. Ayant vécu là-bas, il est difficile de nier à quel point le pays est organisé pour que la femme-mère soit à la maison en permanence.
Et cette vision n’est pas nouvelle, des centaines d’années d’héritage nous ont menées là. Toute cette vision du monde s’exprime forcément au travers de la culture et en particulier de la culture populaire. Nous avons donné une lecture féministe aux mythes des femmes dont le destin est lié à celui des enfants, mais je ne pense pas que la lecture commune soit féministe, bien au contraire.
Et c’est à cause de cela que presque tous les fantômes féminins peuvent avoir selon moi une lecture féministe, en opposition avec ce qui lui a donné naissance : une vision beaucoup plus manichéenne de la relation homme-femme. 

Ayant vécu au Japon, il est difficile de nier à quel point le pays est organisé pour que la femme-mère soit à la maison en permanence.

Contrairement à l’image « cool » que le Japon s’est globalement forgé à l’international, on sait qu’il est en fait plutôt conservateur avec une forte présence des principes patriarcaux. L’élection dernière d’une Première Ministre Sanae Takaichi très conservatrice ne va apriori pas arranger les choses. Penses que tu que le cinéma d’horreur Japonais reproduit des pensées conservatrices ou y a-t-il au contraire des films ou des auteur-rices qui tentent de contrer ces idées?

Le Japon est « cool » aussi, il est multiple comme toutes les cultures, et si les injonctions politiques et sociales sont organisées de telle façon, il ne faut pas oublier que cela ne représente pas forcément les personnes de ce pays et leur vision.
Je ne fréquente pas assez la J Horror pour avoir une opinion tranchée sur le sujet mais le genre est connu pour toujours bousculer les idées reçues et les normes de la société. Tous les synopsis que j’ai pu étudier dans le cadre de la Librairie Yōkai me poussaient à penser qu’ils allaient justement à l’encontre de ces normes pour poser des questions, forcer à la réflexion, ce qui est finalement typique du genre. 

Quelles sont les différences principales selon toi entre les fantômes féminins Japonais et Occidentaux? Et les points communs?

Le fantôme féminin occidental a un côté presque évanescent et sans but précis. Il erre dans des couloirs en espérant se faire voir et en attendant d’apparaître sur une photo.
Le fantôme féminin japonais est souvent emplie de rage et avide de vengeance, il a un but précis et tuera toutes celles et ceux qui se mettront sur son passage. J’aurai tendance à dire que le fantôme japonais est acteur, là où le fantôme occidental est plutôt passif dans son apparition. 

Quel est ton fantôme féminin Japonais préféré? Pourquoi?

J’ai un attrait particulier pour la Yuki Onna depuis le début du podcast. Je trouve que la version de Lafacadio Hearn a un côté tragédie qui parle beaucoup à ma propre culture. C’est finalement le mélange de la culture nippone et de la culture occidentale qui m’a le plus parlé ! 

L’universitaire Pascale Fakhry explique que l’essor de la JHorror des années 90 coïncide avec l’arrivée des femmes au Japon, sur le secteur de l’emploi (sous entendu elles représentent une nouvelle menace). Qu’en penses-tu?

Je pense que c’est tout à fait entendable au regard de la structure de la société japonaise. Pendant des années, les femmes ont été cantonnées au rôle de mère, et n’ont pas eu voix au porte-à-faux. Il paraît évidemment qu’inconsciemment ou non on puisse interpréter leur arrivée comme une forme de menace. Néanmoins, je pense que cette analyse n’est valable que pour le cinéma, puisque les fantômes féminins ont quant à eux exister de puis toujours. Mais comme nous l’avions vu dans notre épisode sur le sexisme au Japon, les peurs était tout à fait différentes. 

Dans le film Kwaïdan (1964), la Yuki Onna avertit l’homme qu’elle va abandonner avec ses enfants que s’il ne s’occupe pas bien des enfants, elle reviendra le punir. Est-ce que finalement c’est pas le fantôme japonais le plus féministe?

La Yuki Onna, dans sa version romancée, a une prestance et un aplomb déconcertant. Je ne la caractériserais pas de féministe néanmoins, mais plutôt de femme qui cherche à rétablir les choses qu’elle estime juste, au travers de sa colère.

Pour moi, dans l’idée du féminisme il y a vraiment une envie de secouer la société, et briser ses codes et je pense que la Yuki Onna dans cette version est tout simplement un conte qui nous apprend à faire attention sur un sujet en particulier : ici le fait que des enfants, ça ne s’élève pas tout seul. 

Sources:

*Libération: Au Japon, la détresse des femmes infanticides (juillet 2006)
**National Geographic: Esclaves sexuelles : une vérité qui dérange au Japon (août 2020)
***Nippon: La maltraitance infantile au Japon : un nombre record d’enfants victimes en 2019

Films vus et/ou cités:

L’article [Dossier] La représentation des fantômes féminins Japonais est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Attention, j’analyse donc je spoil.

La SF est l’un des sous genres du cinéma de genre les plus anciens. Si Le voyage dans la lune de Méliès en 1902 est le plus ancien film de SF connu, Méliès a réalisé en 1900 Coppelia: la poupée animée, un court métrage, où il est question d’un homme qui se rend compte qu’il est tombé amoureux d’une femme robot. Le film est adapté d’un livre d’ETA Hoffman, L’homme au sable sorti en 1817 (et oui même avant que le Titanic coule et rappelle à l’homme qu’il ne faut pas trop se prendre pour Dieu, les hommes matérialisaient déjà leurs peurs/envies du futur sous les traits d’une femme).
Il ne faudra attendre que 1927 pour voir au cinéma, la première œuvre marquante avec un robot dans Metropolis.

Depuis, les robots sont très souvent présents dans la SF, que ça soit au premier plan, ou élément constitutionnel d’un environnement futuriste. Ils sont le symbole de l’évolution technologique, et donc de l’intelligence humaine associée, mais surtout sont un terrain infini de questionnement sur la nature humaine et ses limites/utilité, l’impact de ces inventions sur le quotidien, les relations privées, professionnelles, etc… Bref, tout simplement, l’intelligence artificielle permet de nous tendre un miroir inévitable pour nous questionner sur la définition d’humanité.
C’est peut être pour cette raison que l’IA au cinéma ne m’a jamais particulièrement attirée, voyant l’insoluble réponse à cette interrogation qui je l’avoue, me fait peur. Car plus je visionne des films sur le sujet, plus les déductions sont floues, et donc incommodantes.
Cet article d’analyse permettra donc quelque part de me confronter à des questions et des réponses qui me dérangent, mais qui sont par conséquent, aussi passionnantes.

Avec Metropolis, le premier robot représenté au cinéma est donc féminin. Et ce n’est pas anodin si on penche sur la portée politique portée par le film de Fritz Lang (qui est une adaptation du livre de sa femme nazie Thea von Harbou). Le robot féminin « Maria » (qui est une copie robotique d’une femme de chair et de sang, objet de fantasme d’un personnage masculin), est créée dans le but de diviser la classe ouvrière qui s’organise pour lutter contre l’exploitation du patronat.
Mais le robot décide plutôt d’inciter à tout cramer, ce qui plonge la société dans une destruction totale. Les ouvriers finissent par brûler le robot (tout comme on brûlerait une sorcière), se rendant compte de leurs propres pertes, notamment humaines.

Pour sa première apparition à l’écran, le « fembot » (robot IA féminin), est donc non seulement punie pour sa rebellion, mais surtout elle incarne un des clichés sexistes les plus entretenus au cinéma: une femme objet de désir, est source de problème. Par ailleurs, le message est clair: le prolétariat doit rester à sa place, car tout désir de liberté (et de survie) n’apporte que chaos. Bon évidemment, on en attendait pas moins de la part d’une nazie, qui glorifie ici le principe de collaboration de classes (une minorité écrasée par la classe sociale supérieure qui doit accepter sa condition). Une belle entrée en matière pour les robots IA féminin au cinéma.

La beauté fatale(ment) artificielle

On l’a vu, l’apparition des robots dans la culture est toujours passée dans l’idée d’intégrer un robot féminin via le regard et le désir de l’homme.
C’est donc un trope que l’on retrouve très souvent dans le cinéma de genre, le plus évident. Voyez plutôt:

• L’amie mortelle,
• Cyber bride,
• Ex machina,
• Perfect lover,
• Robogeisha,
• Simone,
• Her,
• Subservience (qui, littéralement signifie « soumission »),
• Stepford wives,
• The trouble with being born (très gênant),
• Companion
• Cherry 2000…

Evidemment, la représentation de ces robots et de ce que cela implique, diffèrent beaucoup en fonction des films. Nous y reviendrons.

Il y a même une sous catégorie spécifiquement liée à des fembot (ou « gynoïde » ) créés uniquement pour le plaisir sexuel des hommes, flirtant entre thriller érotique et érotisme tout court:

• 2050,
• Veronica 2030,
• Maid Droid – 2009
• Maid Droid – 2023 (apparemment c’était nécessaire).
• Maid Droid Origins– 2024 (décidément il n’y en a jamais assez)

Cela paraît évident mais rappelons que la figure du robot épouse parfaitement les codes du patriarcat:

• Le fembot correspond aux canons de beauté (globalement blanche et blonde, mais surtout mince avec de gros seins, etc..)
• Elle peut être le réceptacle de tous types de violences dans la mesure où elle n’est pas humaine (donc cela reste moralement acceptable par l’homme et la société qui l’entoure. Ceci dit, cela ne gêne déjà pas grand monde qu’on tue une femme tous les 3 jours, mais admettons).
• Elle n’a pas de libre arbitre,
• Elle est soumise (avec parfois un élément qui souligne cette soumission, comme la figure de la servante), sans en souffrir.

Si on regarde d’un peu plus près, on remarque que ces films se divisent en trois catégories (comme le monde, ou presque). Les films avec:

• un gynoïde dont l’IA est visiblement limitée et qui ne peut rien challenger ou se libérer (Deadly friend, 2050, Cyber bride, Perfect Love, S1mone, Stepford Wives, Cherry 2000…)
• la fembot sexy mais dangereuse (trope que j’appelle « Mandy Lane ») telle une belle plante séductrice mais vénéneuse (Terminator 3, Subservience, Metropolis, Eve of destruction, Annihilator, Better than us..). Parfois c’est même sous forme immatérielle que l’IA est antagoniste (Alien, Resident Evil…) ou déceptive (Her, U are the universe..)
• une IA douée d’indépendance ou en tous cas de désir d’indépendance (Ex machina, Companion, Eva, The trouble with being born…)

Il ne vous aura pas échappé que, si ces films ont ce point commun d’avoir une histoire centrée sur une fembot conçue pour l’homme, leur traitement narratif et politique diffèrent.

Etre une femme robot comme les autres (femmes)

Certains ont pour objectif de visibiliser le traitement subi par les femmes avec un dénouement émancipateur pour celles-ci (Stepford Wives, Ex machina, Companion, The trouble with being born…). A noter que le sujet spécifique de l’IA forcent ces récits à s’adapter à leur époque permettant de les ancrer fortement temporellement. Par exemple, Stepford Wives, sort dans les années 70 (72 pour le livre, 75 pour le film), au moment où les USA connaissent de grosses avancées féministes fin des années 60/début des années 70 (loi sur l’égalité des salaires en 1964 ou reconnaissance du viol conjugal en 1972).
Si on prend son opposé temporel, Companion intègre la dimension d’emprise qui est reconnue depuis peu, avec une violence patriarcale qui dépasse le rapport hétérosexuel. La rébellion du robot est plus violente et déterminée que dans Stepford Wives. D’autant qu’Iris s’identifie comme une personne à part entière, même quand elle apprend qu’elle est un robot. Elle se bat pour sa liberté et contre l’injustice, au même titre qu’une femme faite de chair; victime de violences conjugales. Et le public n’a aucun mal à avoir de l’empathie pour elle quand bien même elle est faite d’électronique, puisque ces situations nous sont familières dans des films montrant des violences sexistes et sexuelles.

D’autres films font des violences sexistes une toile de fond (Jung E, L’amie mortelle, etc..) mais sont bien présentes.
A ce titre, je trouve le traitement du sujet dans l’Amie mortelle assez touchant. Une adolescente incestée et battue par son père, est tuée par celui-ci. Elle est ressuscitée sous forme de fembot par un ami geek, amoureux d’elle. Mais cette résurrection est accompagnée de forts sentiments de vengeance faisant d’elle une machine à tuer. Elle va s’en prendre aux personnes qui lui ont mené la vie dure mais son issue sera forcément fatale, la tuant deux fois. Donc, elle est doublement victime de la violence patriarcale. D’abord par son père, ensuite par cet adolescent qui a besoin d’elle, et qui ne lui donne pas le choix de se réincarner en fembot. Alors oui, la violence de l’adolescente est déclenchée suite à son meurtre (comme si cette violence était nécessaire pour réveiller sa force), mais on peut constater également les conséquences de cette violence patriarcale. Le film montre que tout le monde est perdant, tout en ne perdant pas de vue que c’est bien le personnage féminin la première victime.

Globalement ce qu’on peut en conclure est résumé finalement dans la tagline de Cherry 2000 (un homme part à la recherche d’un nouveau modèle de fem/sex bot « Cherry 2000 » après que le sien soit tombé en rade et tombe finalement amoureux d’une humaine). Beaucoup de films utilisent la fembot pour raconter le quotidien du désir des hommes, qu’ils soient entourés de fembots ou de femmes humaines.
Mais on a jamais l’inverse ou presque (je ne vois que l’Homme bicentenaire, à la grosse différence que le robot joué par Robin Williams n’a jamais été créé pour une femme mais pour être une aide ménagère familiale). Même dans Planète Hurlante, où l’IA est indépendante et mute sous plusieurs formes humaines, l’ultime modèle est une fembot capable de saigner, pleurer et évidemment avoir des relations sexuelles (les 3 fonctions d’une femme apriori). Si on additionne au fait que ces modèles s’affrontent désormais entre eux, ces IA montrent que finalement on tourne en boucle avec des comportements patriarcaux classiques.
Alors qu’avec toutes les violences sexistes et sexuelles, on pourrait imaginer que les femmes aient besoin/envie d’avoir un homme IA « déconstruit » par exemple? Ou d’avoir des IA qui cesseraient de reproduire la violence humaine déjà maintes fois traitée?
D’autant que ce déséquilibre de traitement se reflète aussi dans le fait que quasi aucune femme ne sont des créatrices de robots. Et quand c’est le cas, elles créent des enfants (normal!), pas des hommes. Megan et Eva entrent dans ce cas, sachant que pour Eva, la créatrice en question n’est pas connue du grand public. On apprend qu’elle a créé Eva à la fin, dans le cadre d’un twist.

Le mythe Pygmalion: pilier de la représentation des robots IA féminins

Comme souvent, les mythes grecs imprègnent fortement nos histoires contemporaines, jusqu’aux plus récentes. C’est également le cas ici, où les films reprennent l’un des mythes les plus populaires: Pygmalion et Galatée. Pygmalion sculpte Galatée selon ses idéaux féminins.
Ce qu’on a moins en tête c’est que Pygmalion décide de créer Galatée car il désapprouve les mœurs légères des Propétides, des femmes qui en viennent à dévorer leurs semblables. La racine de la démarche est donc imprégnée d’idéologie masculiniste. C’est Aphrodite, déesse de l’amour, qui donne vie à cette statue, afin que Pygmalion l’épouse. Avec donc la validation d’une femme, qui légitime une domination masculine.
La statue animée prend donc la forme d’un robot dans la SF, et c’est donc de façon massive que le cinéma reproduit ce schéma. C’est d’autant moins étonnant que le cinéma possède en son sein, ces fameux Pygmalions; les réalisateurs qui s’avèrent être surtout des agresseurs. Luc Besson, Hitchcock, Benoit Jacquot, Godard, etc…Ce qui n’est pas étonnant, car façonner autrui selon ses désirs, fantasmes, est forcément une violence pour l’autre.

Nous avions parlé rapidement du mythe du Pygmalion, lors de la conférence sur l’IA de « Screen Spirit Festival » à laquelle j’avais participé:

Ces robots ressemblent à un idéal fantasmé du corps féminin reproduisant des codes sociaux, des gestes, des habitudes humaines.
Ce qui m’amène au fait que la plupart des représentation des robots au cinéma (quelle que soit leur fonction) ont une apparence humaine. On retrouve rarement des robots à l’apparence de machine pure et dure.
Par conséquent, c’est bien notre humanité qui est questionnée dans ces films, et pas vraiment l’avancée technologique en tant que telle. Pour interroger nos paradoxes et sentiments, il faut les confronter à une présence qui nous ressemblent. Car sinon on manque d’empathie, de compassion et donc d’intérêt.
La variation de l’empathie selon les espères a été étudiée scientifiquement en 2019. Et le constat est clair: plus une espère ressemble à un être humain, plus celui-ci aura de l’empathie pour cette espèce. A un détail près: l’orang outan dépasse l’humain. Un être humain peut donc avoir moins de compassion et d’estime que pour une espèce animale. Cette précision en dit long sur la manière dont les humains se traitent parfois entre eux (et notamment les hommes envers les femmes).

Cette empathie variable en fonction de l’apparence est particulièrement notable dans Planète Hurlante. Dans un monde post apo paralysé par une guerre entre Nouveau bloc économique et Alliance pour des ressources, des « screamers » ont été créés par l’alliance des mineurs pour attaquer l’ennemi. Ces robots intelligents ont la forme d’une bestiole qui va sous terre et découpe en morceaux les hommes en repérant leur pulsation cardiaque.
Mais la créature dépassant le créateur, ces screamers mutent sous forme humaine pour s’adapter et gagner du terrain. Ainsi, ils deviennent enfants abandonnés implorant pour s’infiltrer dans les bunkers, soldats blessés, ou femme douée de sentiments amoureux.
Les screamers ont compris qu’ils prendraient le dessus, non pas en canardant de bombes ou de tirs, mais en utilisant donc l’empathie naturelle que l’on a pour un enfant seul ou un coéquipier.

Planète Hurlante – © Columbia Pictures

Planète Hurlante joue à fond cette carte de l’empathie via plusieurs éléments:

• L’invasion des multiples petits garçons screamers >> on assiste visuellement à un massacre d’enfants,
• La screameuse « Jessica » se bat contre une autre pour défendre son amoureux humain,
• Les combattants des deux camps sont floués par leurs supérieurs >> traitement déshumanisant venant…d’êtres humains.

L’ambiguïté du robot IA féminin super puissant

Il y a le gynoïde sexy et objet, mais il y a bien sûr le robot IA féminin sexy ET puissant. Terminator 3, Blade Runner, Ghost in the Shell, Ex machina, Eve of destruction, Subservience…pour la chaîne « The Take », ces représentations de femmes appliquent la violence que les hommes font subir aux femmes dans la société. Par ailleurs, elles sont parfois manipulatrices en usant de leurs charmes (Ex machina, Subservience, etc..), profitant de la « faiblesse » des hommes. Donc, elles les projettent dans une situation de vulnérabilité, et c’est pour cette raison qu’associer beauté et puissance physique font un cocktail parfait pour susciter la peur du mâle.
Je rajouterai que le fait que ces robots féminins soient souvent des canons de beauté inatteignables, accentue bien le fait qu’elles s’éloignent d’une certaine humanité.

Et l’homme créa la femme…

Dans tous les cas, cela montre que l’être humain établit une hiérarchie entre les espèces vivantes (l’anti spécisme va donc rester une idéologie bien minoritaire). J’avais assisté à une conférence sur les robots aux Utopiales. Un des intervenants notait qu’il n’est pas socialement acceptable qu’on exerce de la violence sur un chien vs son iPhone. Pourtant, si on compare les QI par exemple, pas sûr que le chien gagne. Même logique avec les fourmis et les araignées qu’on accepte de tuer (même encourage parfois!) vs une vache. On n’accepterait pas de voir une personne maltraiter un bœuf tranquillement dans son pré, alors que ça ne gêne finalement pas grand monde de savoir qu’on les tue, globalement avec une grande cruauté. Il n’y a donc pas de logique, tout est une question de perception, de valeurs, et de contexte.
Alors quelle est la place des robots humanoïdes dans tout ça? Plutôt Iphone ou espèce vivante car ils nous ressemblent?

La série Real Humans évoquait cette ambiguïté, tout comme MondWest, notamment concernant les fembots. Dans Real Humans, un des personnages viole la fembot qui est utilisée à la base pour s’occuper de la maison. Mais entre son statut d’objet et sa fonction (à savoir au service de), ça parait logique de l’utiliser comme bon lui semble. Dans MondWest, les deux personnages masculins profitent d’un bordel pour avoir des relations sexuelles avec une androïde, avec tous le mépris et l’indifférence qui vont avec (car il s’agit pas là d’avoir un discours abolitionniste sur le travail du sexe).
A des degrés divers, ces deux exemples mettent mal à l’aise, car même s’il s’agit de robots, ils sont formatés pour refléter la représentation d’un être humain; cela nous rappelle surtout comment les hommes voient les femmes faites de chair et les traiter. Ce point rejoint également ce que j’évoquai plus haut, concernant les films avec une fembot qui s’émancipent. Il s’agit avant tout de représenter la violence patriarcale exercée sur les femmes, qui les transforment de manière symbolique en robot.
Et malheureusement, le procès de Dominique Pélicot le montre bien. 70 hommes dans un rayon de quelques kms, de tous âges, toutes couleurs, toutes professions, ont patienté des heures sur un parking pour violer une femme inerte. Certains plusieurs fois. Sans jamais s’assurer qu’elle était consentante par le biais de sa propre voix et conscience. Pas besoin des robots pour avoir peur.

Le film Zoé est un des rares avec un angle qui se distingue sur cette question de la relation avec machine: les robots IA peuvent être considérés comme digne de nos sentiments, mais peuvent être victimes de discrimination comme n’importe quelle tranche de la population.
L’IA Zoé hautement sophistiquée, n’a pas été créée pour le désir masculin mais dans le cadre de l’activité d’une entreprise qui aide les couples à déterminer leur score de compatibilité. Elle est une salariée à part entière de cette société.
Si elle tombe amoureuse de son créateur joué par Ewan McGregor, celui-ci montre d’abord une grande réticence, qui ne dura pas face à la personnalité de Zoé. Mais tout change lorsque Zoé est victime d’un accident de voiture et qu’il doit la réparer. Il est confronté à son intérieur (on peut y voir un parallèle avec le fait d’être en face de la vraie nature de quelqu’un), ce qui lui renvoie le fait qu’ils n’appartiennent pas à la même espèce. Il est subitement dégoûté. C’est son ex femme qui fait preuve d’une grande sororité en lui expliquant que ça n’a pas d’importance tant il se sentait bien avec Zoé (là encore on peut y voir un lien avec le fait d’assumer publiquement une liaison dont on a honte, en raison d’une discrimination).

Même si Zoé occulte le dynamisme de domination qu’il existe forcément au sein de ce couple (Ewan Mc Gregor étant le créateur et donc le droit de vie ou de mort si je puis dire sur Zoé), on croit à cette histoire d’amour. D’autant que même si Zoé connait des duplications (et donc pourrait diminuer son identité propre), le film montre bien que ce sont les souvenirs propres qu’on l’on créé ensemble qui comptent, et qu’on ne peut pas les transposer à une autre personne, même si elle a les mêmes données. Par ailleurs, en voyant ces Zoé dupliquées, je me suis interrogée sur les jumeaux ou jumelles. Ce sont des duplications physiques peut être, mais ce sont bien des personnalités distinctes. C’est un très beau film qui amène à réfléchir sur la nature du sentiment amoureux.

L’humain, une machine comme les autres?

Je suis un cyborg traite également de la porosité entre machine et humanité, via le personnage de Young-goon.
A force de travailler comme un robot dans une usine de composants électroniques, elle pense qu’elle est un cyborg, et finit littéralement par péter les plombs. Internée, elle refuse de s’alimenter de peur d’abîmer son système « électronique ». Au lieu de la confronter avec violence à la réalité, un ami interné lui aussi, va entrer dans son jeu pour lui faire accepter petit à petit des aliments. Le film est truffé de scènes oniriques, qui célèbrent la nature « robotique » pensée de son personnage principal, tout en appuyant sa personnalité d’humaine et valorisant la richesse du collectif humain.

Ces films rejoignent la pensée de l’écrivaine et philosophe féministe Donna Haraway qui a écrit le Manifeste Cyborg, mais aussi Des singes, des cyborgs et des femmes.
Elle part du principe que les machines font déjà partie du quotidien des femmes depuis très longtemps, si on prend par exemple le travail à l’usine. Ces machines sont un prolongement des femmes (comme dans Je suis un cyborg). On peut également prendre l’exemple des smartphones qui sont littéralement un prolongement de nous mêmes, et notamment des adolescents, pour qui l’ambiguïté psychologique est très forte en cas d’harcèlement. Le smartphone est à la fois l’instrument de souffrance, et l’allié qui permet de transmettre les informations qui sont dites à notre sujet.
Dans la même idée, les humains doivent être répertoriés dans un système qui est géré par des machines depuis longtemps. Numéro de sécu, recensement, numéro de permis, etc..

Par ailleurs, elle note que l’être humain est déjà constitué d’éléments extérieurs (microbiotes, parasites, bactéries, etc..) qui participent à faire fonctionner le corps. Sans compter que l’on dit souvent que le corps humain est une véritable machine bluffante qui s’adapte et fonctionne en faisant communiquer des hormones, des organes, etc…Je pense que le documentaire De Humani Corporis Fabrica le montre clairement.
On peut également noter les interventions médicales qui nécessitent d’implanter du métal ou autres composants. Le transhumanisme (être humain amélioré) est ancré.

Donna Haraway est très critique des récits dits d' »origine » notamment sur les femmes, à savoir ceux qui théorisent en glorifiant ce qui est « original » (d’où on vient et ce qui définit la nature humaine ou la vie), car elle pense que ça favorise l’immobilisme des idées et de la place des femmes. Par exemple, si on peut place une banane et une copie d’une banane, la « vraie » va pourrir face à la copie qui va perdurer dans le temps (même si évidemment elles n’auront pas les mêmes fonctions). Ou encore mieux, un godemichet sera toujours efficace et opérationnel par rapport à un pénis.
Pour toutes ces raisons, Donna Haraway estime que le cyborg n’est pas soumis à l’Homme, mais plutôt qu’il simule la politique, et finalement correspond à la définition de la biopolitique de Foucault. Dans cette notion il évoquait la puissance exercée sur les individus qui a impact sur un ensemble d’invidus (comme par exemple en temps de Covid). Mais il n’avait pas intégré le concept de la technique, ajouté par Haraway.
Donna Haraway évoque aussi sa vision de l’antispécisme dans Manifeste des espèces compagnes, qui est finalement une continuité de sa pensée: les espèces peuvent avancer et évoluer côte à côte.

Cette pensée d’Haraway se reflète dans l’obscur The trouble with being born, où une petite fille robot (objetifiée par des adultes, qui prendra son indépendance), est régulièrement associée dans la mise en scène, au chien et au chat de la maison. Deux espèces à part entière donc, et égales. C’est d’autant plus vrai concernant les enfants, qui sont souvent considérés comme des êtres à dresser, qui doivent obéir.

C’est également ce qui est montré dans Alien Resurrection. Call, androïde incarné par Winona Ryder (donc une actrice qui a souvent interprété des personnages convoités par les hommes comme Edward aux mains d’argent) est totalement en dehors de toutes intrigues romantiques ou sexualisantes. Elle est considérée comment les androïdes masculins présents dans les précédents opus, et devient le bras droit de Ripley, qui a paradoxalement plus de considération pour l’espèce humaine que les humains, car elle a été programmée pour ça. Ce qui est bien sûr, n’est pas notre cas.

Mother !

La charge robotique d’être mère

L’IA est souvent utilisée pour représenter la figure maternelle: Mère dans I am mother, Cassandra dans la série du même nom (même si elle n’est pas vraiment une IA à proprement parler), Roz dans Le robot sauvage, Jung E dans le film éponyme, etc…Et si la mère n’existe pas matériellement, elle est présente à travers ses actions et sa voix comme avec la Reine Rouge dans Resident Evil ou l’ordinateur de bord « Mère » dans Alien.
Et souvent, la vision du personnage est assez binaire:

• Soit elle remplit la fonction attendue par la société d’une mère, en répondant aux besoins des enfants pour garantir leur épanouissement personnel (I am mother, Cassandra, Le Robot Sauvage, Jung E). Le cas de Cassandra est particulier car si on comprend que le personnage a un fond très discutable moralement, c’est bien les normes patriarcales qui attisent sa haine et son besoin d’être estimée. Et c’est bien son esprit d’humaine qui est enfermée dans un robot, comme une femme est enfermée dans son rôle de mère et d’épouse.
  
• Soit elle est machiavélique (Alien, Resident Evil, I am Mother..).
  I am mother a l’intelligence de confronter deux figures de mère: la version robot qui, par ses fonctions ne fait preuve d’aucune défaillance dans sa gestion des besoin de l’enfant (affectifs, éducatifs, etc..). On peut même dire qu’elle surpasse une mère de chair et de sang, car sa mission est de régénérer des êtres humains suite à leur auto destruction. Elle protège et couve une jeune femme issue d’un embryon à l’intérieur d’un bunker.
  La version humaine (jouée par Hilary Swank), offre un autre regard sur le monde extérieur à cette jeune femme qui comprend que son robot de mère a en fait, fait preuve d’eugénisme en brûlant dans des fours (la référence est claire) les enfants qui n’étaient pas assez brillants pour faire perdurer l’espèce humaine. Elle ne fait qu’exécuter un programme qui a un objectif chiffré.
  A la fois, la version humaine n’est pas capable d’accompagner la jeune femme (appelée « Fille » car c’est finalement son seul statut) vers des perspectives. Elle prendra donc son propre envol, grâce à la bénédiction du robot, pour prendre soin des embryons à faire naitre. Aucune des figures maternelles n’est satisfaisante, et c’est bien ce constat que tout le monde devrait faire. Aucune mère n’est parfaite, aucune mère ne peut systématiquement faire les bons choix et avoir les bons mots.
  Ceci dit, la conclusion vient atténuer la force de cette conclusion, car l’avenir de l’humanité repose encore sur une femme dont la fonction première sera donc d’être une mère pour la nouvelle espèce d’humaine.

Malgré ses problèmes d’écritures et son budget fauché, Jung E aborde de manière originale le rôle de mère.
Une mère guerrière doit partir en mission, laissant sa fille gravement malade, qui doit se faire opérer. La mère meurt en mission, mais ses compétences sont injectées dans un modèle robotique, pour mener des recherches, menées par sa fille devenue grande, afin de mettre fin à une guerre.
Ce robot mère est donc utilisé en apparence pour des questions militaires, mais on apprend qu’il s’agit surtout d’en faire un sexbot. Par ailleurs, elle permet aussi à sa fille devenue adulte qui passe du temps avec elle pour l’étudier, de faire son deuil.
Ce robot « mère » finit par se libérer (avec l’aide de sa fille, qui se libère psychologiquement). Cette liberté est notamment symboliser par le fait qu’elle se débarrasse de son enveloppe corporelle, pour laisser apparaitre son physique de robot. C’est d’autant plus pertinent que précédemment elle a été poursuivie par des robots qui n’ont pas d’apparence humaine. Généralement, c’est un dispositif qui vise à déshumaniser le robot, afin que le public n’ait pas d’empathie pour lui. L’idée est de montrer tel qu’il est vraiment: une machine faite de métal. Or ici, la dernière image du film c’est la mère robot qui contemple une immense forêt, après avoir retrouvé son état de robot: elle est donc face à sa vraie nature; et donc libre, face aux hommes mais aussi face à son rôle de mère.

En dehors de ces films, peu d’oeuvres questionnent le rôle des mères à travers des robots. Ainsi, l’IA est l’outil parfait pour représenter le côté automatique, surhumain d’être mère. C’est une charge forte, dont la robotique apparait comme un élément logique dans ce contexte. D’autant que cette représentation n’existe quasiment jamais pour les hommes. Pour le coup, la charge du rôle de père est tellement moins importante dans la société, qu’elle est peu intégrée dans l’imaginaire collectif. Donc apriori moins nécessaire à évoquer.

L’IA le remède à la violence faite aux enfants?

Un seul film met le doigt là ou ça fait mal: Terminator 2. La scène où Sarah Connor regarde le T 800 et John Connor ensemble, elle se dit que cette machine est finalement le meilleur père que son fils n’aura jamais: programmé pour protéger John, le T 800 ne sera jamais violent, saoul ou trop occupé pour jouer avec lui. Et c’est effectivement un fait objectif indiscutable. Par conséquent, est-ce qu’il vaut mieux qu’un enfant soit confié à un robot en cas de maltraitance par exemple? D’autant que le T 800 utilise son IA pour apprendre au contact des humains, ce qui fait de lui un être qui s’adapte à son environnement permettant des échanges et un attachement. C’est précisément la conclusion de leur périple quand le T 800 dit à John Connor qu’il comprend pourquoi les humains pleurent mais qu’il ne pourra jamais le faire. Cela marque à la fois la différence fondamentale entre eux tout en pointant ce qui les rassemble.

En 2019, un rapport des inspections générales des affaires sociales (IGAS), de la justice (IGJ) et de l’éducation (IGAENR) établit qu’un enfant meurt tous les 5 jours sous les coups de ses parents (moins d’un an pour la plupart).
En 2025, un rapport de la commission parlementaire sur l’Aide Sociale à l’Enfance établit des dysfonctionnements graves qui conduisent à des suicides, des violences physiques et sexuelles. Alors est-ce que l’IA pourrait aider les humains à résoudre ce problème? Je n’ai pas la réponse, mais ce qui est sûr c’est que des humains ne se comportent pas comme tels et détruisent des vies. Là encore, pas besoin d’avoir peur des robots.

L’enfant élu de la robotique

Qui dit mère, dit enfant. Il y a curieusement, assez peu d’enfants IA au cinéma. Il y aurait pourtant beaucoup de choses à dire, quand on voit comment les enfants sont aussi perçus comme des objets (comme les femmes), avec une approbation encore plus nette de la société. Le plus connu est AI de Spielberg, une sorte de mix entre Pinocchio et le Petit Poucet. Tout comme dans Eva, ces deux enfants robots sont créés pour combler un manque (affectif, solitude, etc..) des adultes (schéma que l’on retrouve très régulièrement dans la réalité, ce qui me fait toujours doucement sourire quand j’entends des parents traiter d’égoïste des personnes qui ne veulent pas d’enfants). Ces deux enfants connaissent aussi un destin tragique à cause des adultes. La différence est que dans AI on a de la peine pour David, qui s’éteint seul, mais revit 2000 ans plus tard dans un rêve, un dernier instant avec la mère qui l’a abandonnée.

Dans Eva, elle sera éteinte par un adulte, suite au fait qu’elle ait poussé sa créatrice dans le vide. A noter que la boss de la créatrice a laissé sciemment cette dernière mettre en « liberté » cette enfant robot, quand bien même elle connaissait les risques. Le film est très ambigu sur la dangerosité de cette robot enfant. Si elle pousse sa mère c’est dans un élan de colère (sans intention de la balancer dans le vide), car elle vient d’apprendre qu’elle est un robot, et non une petite fille de chair. Comme n’importe quel gamin qui serait en colère car il apprend de quelqu’un d’autre qu’il a été adopté par exemple. Mais la position du film est de nous dire que les adultes savaient depuis le début que c’était risqué, que comme elle a tué une femme, elle doit être déconnectée, etc..Alors que le scénario aurait pu transformer Eva en véritable machine à tuer redoutable, il nous est présenté une scène qui montre Eva comme une petite fille blessée et en colère légitimement. Et pourtant les conséquences à payer sont très lourdes pour Eva, comme s’il n’était pas possible de tolérer une montée de colère pour une petite fille robot, même légitime, alors même que ce sont les adultes qui ont été irresponsables à la base. Eva avait beau être un membre de la famille, élevée comme un être humain fondu dans la masse, aimée et considérée comme telle, cela ne pèse d’un coup plus rien. Est-ce révélateur de la manière dont les enfants sont parfois maltraités quand ils sortent du rang, ou de leur vision de leurs parents?

Dans un registre plus politique, The artificial girl traite d’un sujet passionnant, qui devrait être beaucoup plus présent: la pédocriminalité sur le web. Pour la contrer, un ingénieur informatique met au point une IA d’une petite fille blonde aux yeux verts avec qui, il est possible de discuter uniquement sur un écran. Via cette IA, l’idée est de piéger les pédocriminels. Le film se divise en 3 parties, pour finalement arriver à l’IA qui existe sous forme tangible et qui reproche à son créateur de ne l’avoir créée uniquement dans ce but, la privant de liberté. Le film délaisse rapidement sa problématique de base pour questionner la propre utilisation de l’ingénieur d’un robot enfant, pour défendre la sécurité de vrais enfants. C’est dommage, car le film n’assume pas de traiter frontalement ce problème massif, touchant tous les enfants de la planète. Notamment, depuis le développement de l’IA où il est encore plus facile de créer des images pédopornographiques avec de simples images d’enfants récupérés sur le web.
La pédocriminalité est également le sujet de The trouble with being born qui nous place comme rarement à la place du robot. Une sorte de robot gaze, où on suit une petite fille robot victime d’un adulte, qui s’échappe et se retrouve chez une vieille femme qui l’exploite également pour faire revivre ses souvenirs de son enfant décédé. Elle finit sa route seule, dans un sale état. Là encore, il aurait été intéressant de traiter un peu plus la thématique de fond (l’exploitation des enfants), mais la réalisatrice se contente d’être une posture contemplative, qui finit par procurer surtout une gêne, tant l’ambiguïté est présente.
Bref, alors que le problème est massif, le cinéma peine à s’en emparer.

Aussi curieux et surprenant que cela puisse paraître, je trouve que Megan tire son épingle du jeu. Cette poupée, à l’apparence d’une petite fille, devient une sorte de parent de remplacement pour son propriétaire, une enfant devenue récemment orpheline et recueillie par sa tante. Celle-ci est ingénieure et la créatrice de Megan (donc pour une fois on a une femme créatrice d’IA !).
Il faut avoir en tête que la confusion des rôles parent/enfant est un des piliers du climat incestuel. Dans un climat incestuel, il n’y a pas forcément viol ou agression, en revanche, il instaure un climat de domination où les rôles sont inversés, où il n’y a pas d’intimité etc…A ce sujet, je vous conseille le roman graphique choc Ce qui Cécile sait, journal de sortie d’inceste, de Cécile Cée.

Cette petite fille robot IA devient une mère de substitution pour la petite fille en perte de repère, avec une tante démunie, qui préfère se consacrer à son travail. Evidemment, cette situation bascule dans l’horreur avec une Megan qui veut contrôler et avoir la main totale sur cette petite fille. Une situation très proche de ce qu’on peut observer dans les familles instaurant un climat incestuel, donc. Evidemment, Megan n’est pas un exemple brillant sur le traitement du sujet dans toute sa finesse et complexité, mais il pose des bases qui ne sont pas inintéressantes, notamment au regard de l’absence du sujet dans le cinéma.

L’IA ce déni?

Si la présence des robots, et de l’IA petit à petit a toujours occupé nos écrans, il n’est jamais vraiment question de remplacement total de l’humain. L’idée est toujours de comprendre comment l’artificiel cohabite et se complète (ou non) avec l’humain, et à travers ça, on cherche à définir ce qu’est d’être humain.e.

Les débats à l’aube de 2030 font rage sur la manière de percevoir, utiliser (ou non) l’IA. Mais pas sous une forme tangible ou humanoïde comme le cinéma le montre beaucoup. Mais de manière immatérielle, avançant de manière imperceptible (quel serait donc le problème à discuter avec une machine, ou obtenir des images rapidement ?), nous privant d’un certain temps de cerveau disponible.
Est-ce que l’humain peine tant à s’imaginer comme remplaçable? Ou l’immatérialité est-elle moins cinématographique? En tous cas, scénaristes et réalisateur-rices (les réalisatrices encore trop absentes), sont assez peu représenté les enjeux actuels au regard du robot fait de titane et de PVC.

Filmographie

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Le mythe du vampire

Le mythe du vampire est tellement ancien qu’il est impossible de le dater vraiment (sauf si on prend en compte nos représentations contemporaines liées à Bram Stoker).
Un des premiers écrits n’est pas un roman mais un livre plus ou moins religieux, écrit par Dom Calmet en 1751: Le Traité sur les apparitions et les vampires. Il se base sur des témoignages recueillis à travers l’Europe sur l’existence de ce que les gens appellent des vampires. Philippe Charlier, médecin et archéologue explique dans une émission de France Culture, que cette croyance s’ancre dans un contexte de conflit en Europe (pressions militaires des Ottomans, catholique romain et orthodoxe, oppositions de comtés), mais aussi de mauvaise alimentation. Cette peur quotidienne se cristallise sur celui qui meurt « mal », sur l’autre qui fait peur. Par exemple, un mauvais chrétien qui n’a pas expié ses péchés, ou une personne qui a trop tué (en somme on anticipe déjà ceux qui deviendront vampires). Les rituels en réaction à ces « vampires » étaient nombreux et radicaux: les cadavres étaient exhumés, mutilés (pieu dans le cœur, tête coupée), brûlés. On évitait que ces créatures déambulent: on a retrouvé des cadavres avec des pieds et des mains mis à la place de l’un et l’autre, et les chaussures étaient brûlées. On utilisait des pieux pour détruire l’organe vital qu’est le cœur, et pour les fixer dans leur tombe.
Pour éviter qu’ils sucent le sang et/ou pour éviter que l’âme se perde, on mettait une brique dans la bouche des cadavres. Une véritable nécrophobie était donc très ancrée.

Les premières apparitions du vampire

Au 18e siècle, le vampire n’est pas le dandy actuel dans la représentation populaire. Le vampire est plutôt un amas d’éléments en putréfaction, proche d’un zombie. Les deux figures sont évidemment proches, le vampire se caractérisant avec des capacités de réflexion.
Dom Calmet relate des témoignages décrivant des vaisseaux palpables et gonflés, du sang qui coule. Philippe Charlier explique que quand on meurt, le sang coagule et se reliquifie, la production de gaz fait circuler le sang. Beaucoup d’organes se liquéfient et cela donne une mixture jaunâtre et rougeâtre.
Les gens ne comprenaient pas ces changements, et en concluaient donc qu’ils s’agissait de vampires ou de créatures maléfiques.

Il y a aussi des individus enterrés vivants. Ils se réveillent, tapent et essayent de sortir mais ils finissent par avoir faim et soif et griffent le cercueil. Certains ont même mangé leur main. En ouvrant les caveaux (et notamment suite à des épidémies de peste), on les trouvait avec des blessures et du sang partout.
Des sonnettes ont dont été mises en place (élément qu’on retrouve dans La Nonne), permettant aux faux morts d’alerter les vivants en cas de réveil.
Ces éléments conduisent la population à croire à des créatures revenues de l’enfer, prêtes à se venger, qu’il faut arrêter.

Sur les traces des vampires

Les premiers écrits datent du 18e siècle, et n’évoquent pas explicitement la notion de vampire. On note par exemple des poèmes, Lénore (1774), qui raconte qu’une jeune femme croit retrouver son fiancé de retour de guerre, alors qu’il s’agit d’un mort ou d’un fantôme. Il y a également le Vourdalak en 1840.
En 1872, Sheridan Le Fanu publie Carmilla, avec une vampire lesbienne. Cette nouvelle sera fondatrice de la représentation actuelle du vampire, dont Bram Stoker s’inspirera. On y retrouve en effet beaucoup de points communs comme l’épidémie et la séduction du vampire.
Le premier vampire marquant est donc une femme, qui se fera voler la vedette du mythe par des hommes, Dracula, puis Nosferatu. Bram Stoker arrive ainsi avec Dracula en 1897, et c’est surtout le cinéma qui va populariser cette histoire (bizarrement on ne choisira pas l’histoire originelle, avec une femme ?!). On trouve une vingtaine de films directement liés à Dracula, sans compter les diverses versions plus ou moins éloignées, qui doit dépasser la centaine de films.
Il faut avoir à l’esprit que dans l’écrit de Stoker est teinté d’une grande peur de l’autre, qui se matérialise notamment par des descriptions à connotations antisémites. L’émission La science, CQFD évoque rapidement ce point.

Le vampire s’adapte aux inquiétudes de son époque

L’époque victorienne est le moment idéal et propice au développement de créatures morbides comme les fantômes et les vampires. Il y a une forte croissance économique et industrielle, mais aussi scientifique et médicale. La transfusion sanguine apparait et se pratique de plus en plus. Tout cela est perçu comme une grosse avancée futuriste, qui peut faire peur, du moins questionne (on retrouve la base de Frankenstein qui est lui même un mort vivant, pile entre le zombie et le vampire). C’est explicitement cité par le chasseur de vampires Van Helsing, qui associe ces événements au Malin.
La révolution industrielle est aussi le début de l’expansion du capitalisme qui va devenir un véritable monstre décennie après décennie. Un vrai vampire qui puise sa force dans celle des autres.

Autant d’éléments riches et variés qui ne pouvaient que nourrir pendant des décennies et encore maintenant, des réflexions diverses. Sur le sexe, la mort, le rapport à l’autre et à la société de manière globale, mais aussi des interrogations liées à sa propre identité. Le vampire permet de questionner tout cela, et les thématiques des films évoluent avec le temps.
Avec l’époque sida, le vampire est un outil idéal pour représenter cette inquiétude.

Maintenant qu’on sait que la première vraie histoire de vampire était une femme, et que le vampire a une très grande histoire chargée de symboles, comment ces thèmes sont traités selon le genre? On l’a vu, le genre féminin et masculin sont présents dans la mythologie du vampire depuis le début. Pourtant avec l’icône pop de Dracula, on a souvent l’image du vampire masculin qui domine, et les vampires féminines séductrices et fatales.
Je vous propose d’entrer dans le vif du sujet de la représentation du vampire selon le genre.

La revanche de Carmilla

Si Carmilla n’a pas bénéficié de la popularité de Dracula, les femmes vampire au cinéma ont largement occupé l’espace. En effet, si on exclu les innombrables versions de Dracula (personnage masculin donc), je compte une trentaine de personnages féminins principaux sur environ 70 de films de mon corpus. Et c’est sans compter les films qui mettent en scène des groupes qui sont souvent mixtes ( Near Dark, Génération perdue, Suck, etc..).
Malheureusement, cela s’explique en partie avec de (trop) nombreux films plus ou moins (parfois plus) érotiques, surfant sur le fantasme de la vampire avide de sexe et de sang. Il va sans dire que ce n’est pas nécessaire d’analyser davantage cette représentation (et que je vous laisse chercher les titres), uniquement là pour satisfaire le plaisir masculin.

Quand il s’agit de groupes, ceux composés de filles sont également largement majoritaires (Nous sommes la nuit, Bit, Carmilla, Byzantium, Les deux orphelines vampires, Bliss…). Dans tous les cas, le vampire est représenté davantage en duo qu’en groupe (Entretien avec un vampire, Byzantium, Only lovers left alive, Renfield, Thirst…). Il est donc plus vu comme un « animal » solitaire, qui cherche éventuellement à créer une relation forte plutôt que de s’entourer.
Et quand il est représenté en groupe, il se rapproche régulièrement de son cousin le zombie, avec des hordes et des vampires qui ne sont pas, ou moins caractérisés (Vampires, 30 jours de nuit, Blade, Une nuit en enfer, Je suis une légende..).

Voici les particularités que j’ai remarqué sur les vampires féminins:

• elles se lient davantage avec un homme humain (sans les tuer ou les utiliser). Je pense à A girl walks home alone at night, Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, Morse, Near Dark, Génération perdue... L’inverse est beaucoup moins vrai. Sur les 70 films de mon corpus, je n’ai pas une seule histoire où l’intrigue principale est un vampire qui se lie d’amitié, d’amitié amoureuse ou d’amour avec une humaine…à part…Twilight.
• elles sont souvent la représentation d’un récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, All the moons, Byzantium, Carmilla, Bit…). Je compte En attendant la nuit et L’assistant du vampire qui mettent en scène un vampire adolescent.
• elles sont parfois mères (Blood red sky, Byzantium, Nous sommes la nuit, All the moons...), contrairement aux hommes pour qui ce n’est quasiment jamais le cas (L’assistant du vampire étant le seul exemple où on peut parler d’un père involontaire). Nous sommes la nuit aborde même la douleur pour une mère de voir partir avant elle, sa fille humaine qui meurt de vieillesse.
  Je ne considère pas que le personnage de Louis dans Entretien avec un vampire est un père, car ses sentiments envers Claudia sont extrêmement ambigus (tout comme le film sur cet aspect). Dans le livre, les descriptions de Claudia (qui a 5 ans et non 11) sont très sexualisées. Le podcast Adapte moi si tu peux évoque ce point pour le moins gênant.

• elles peuvent subir des problématiques d’addictions qui se voient parfois physiquement (The addiction, Bliss, Thrist…), tandis que les vampires masculins sont davantage en contrôle, car plus rapidement en position de prédateur. A noter que la misogynie de Thirst amène même le vampire à décider à la place de la vampire de sa propre vie, jugeant qu’elle est irresponsable.

La vampire plurielle

L’avantage d’avoir de nombreuses vampires représentées, c’est que cela permet d’avoir une richesse de personnages et de thématiques (c’est pas faute de le répéter depuis la création de ce blog). Et c’est assez rare pour le souligner (même s’il y a des progrès à faire rassurez-vous, je n’ai pas fini de râler).
Que ça soit une justicière, une mère, une adolescente, une femme tout simplement, de nombreux films ont montré des personnages féminins complexes.

L’eau et le sang, vecteurs de cette identité plurielle

Ces thématiques sont traitées à travers la représentation d’une vampire plurielle, qui fait cohabiter plusieurs aspects. En termes de mise en scène, l’eau est le symbole de cette pluralité (reflets déformants, effet miroir, et c’est un liquide essentiel à la vie, comme le sang).
All the moons est un des seuls films qui met en scène une petite vampire, Amaia qui est seule quasiment tout le film. Elle apprend constamment par elle même. Et pour apprendre, on passe fatalement par se mettre en danger. C’est très intelligemment représenté par le fait que, déterminée à sortir le jour, elle brûle légèrement sa peau au soleil. Puis elle se rend compte qu’elle peut décoller sa peau abîmée, et donc mue, ce qui lui permettra de supporter le soleil par la suite. On peut y avoir également une métaphore d’une maladie dont elle guérie.
Cet élément déclencheur non fantastique (ou presque), appuie le côté humain de la vampire (dans le sens où notre propre peau peut avoir ce type de réaction), qui nous annonce qu’Amaia a envie de renouer avec cette part là. Elle va d’ailleurs se tourner vers un père de substitution par la suite. Mais pour apprendre, elle a accepté la douleur qui va parfois avec le fait de prendre des risques.
L’aboutissement de cet apprentissage se matérialise dans l’eau, quand elle plonge (dans le grand bain ^^). Le liquide est aussi présent à travers ses règles qui marquent surtout son retour à l’humanité.

Dans Carmilla (qui reprend donc l’histoire de la première vampire), il s’agit d’une relation entre deux adolescentes. Pas de baiser, pas de sexe, mais des regards, des câlins, et des échanges de fluides à travers le sang. C’est surtout le récit initiatique de Lara qu’on suit (objet des désirs de Carmilla), car à travers son désir, elle a surtout besoin d’émancipation, face à une gouvernante autoritaire et un père absent.
A la fin du film, on se rend compte que Carmilla est en fait un aspect de Lara, et qu’elles ne font qu’une, car dans le reflet de Lara dans l’eau, apparait Carmilla. Ce final fait écho à plusieurs scènes où le lac est souvent dans le cadre, mais particulièrement à la scène où Lara regarde son reflet dans l’eau, comme si elle cherchait à savoir qui elle était.

C’est aussi le lieu de la métamorphose de Lena marginale SDF transformée en vampire dans Nous sommes la nuit. Dans son bain, les changements s’opèrent: les blessures du passé guérissent, les tatouages disparaissent, et les cheveux poussent. Une mort qui prend vie.

L’eau est également un élément important qui est lié à la mort, à travers le personnage de Virginia dans Twixt, que Demoiselles d’Horreur a analysé entre autres choses, dans cette vidéo (à partir de la 14e minute):

On retrouve l’eau comme un des éléments de résolutions dans un film qui emprunte des codes vampiriques comme La nuée. Virginie est victime d’une sorte de vampires: des sauterelles qui lui sucent le sang. Elle est pour ainsi dire, vampirisée par ses insectes qui deviennent une obsession. Elle parvient à s’en libérer dans l’eau, pour venir en aide à sa fille qui elle même, avait opté pour une barque pour se protéger.
Les retrouvailles entre une mère vampirisée et une fille négligée se fait donc en plein milieu d’un lac.

Une métaphore adéquate des violences sexistes et sexuelles

La représentation de la vampire a souvent été sexualisée par des films érotico horreur, surfant parfois sur le fantasme hétéro de la vampire lesbienne (1ère « véritable » vampire en littérature).
Une fois qu’on a dit cela, on ne peut pas passer à côté de l’aspect sexuel de la vampire, ce mythe étant particulièrement représentatif de l’acte sexuel.

Si le et la vampire peuvent utiliser tous les deux leurs charmes pour se nourrir (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer, Nous sommes la nuit, Suck, etc..), le vampire utilise moins ses atouts physique que son « charme naturel », contrairement à son homologue féminine. D’ailleurs, ce sont mêmes les humaines charmées dont on voit les corps (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer).

Contrairement à d’autres sous genre de l’horreur, on a la chance de voir des vampires féminines réinventer la représentation de la séduction et le récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, A girl walks home alone at night, Morse, La fille de Dracula, Carmilla, etc..). Ces films n’utilisent pas les atouts physiques des vampires pour évoquer ses thématiques.

Dans mon corpus de films, je note qu’une majorité de films évoquent des transformations subies (Bit, Entretien avec un vampire, Dracula, Génération perdue, The addiction, Abigail, Daybreakers, Blackula, Jakob’s wife, etc..). Pour les autres, la plupart du temps on ne sait pas comment ils sont devenus vampires. La notion de non consentement prend tout son sens dans les films de vampires. Le fait qu’une personne utilise le corps d’un autre, en le faisant saigner, se nourrissant de son fluide, en le manipulant, le dominant pour assouvir sa propre satisfaction est la représentation même du violences sexuelles. Sans compter que la transformation d’une personne en vampire peut être associée à la répétition de violences que l’on remarque souvent chez les personnes qui commettent des violences, notamment sexuelles.
Les violences sexistes et sexuelles sont régulièrement abordées de manières très diverses dans les films de genre, et bien souvent ce sont les violences faites aux femmes qui sont représentées. Rarement les enfants et encore moins les hommes. Pourtant, ces violences sont systémiques, et même si les femmes sont majoritairement touchées, le patriarcat peut toucher toute personne.

La transformation de Louis par Lestan (donc un homme qui agresse un homme), dans Entretien avec un vampire fait clairement écho à une scène de violence sexuelle. Par ailleurs, il est intéressant de noter que Louis refuse de tuer des humains mais la seule personne avec qui il ne se retient pas est Claudia, une petite fille orpheline (cf le podcast sur le sujet de la pédophilie du livre que j’évoque plus haut).
La pédophilie est une thématique que l’on retrouve dans le mythe de La Lamia, une créature greco romaine qui n’a pas pu avoir d’enfant et qui suce le sang des enfants la nuit en passant par la fenêtre. On l’a longtemps rendue responsable de la mort subite du nourrisson. On retrouve les traces de ce mythe notamment dans Dracula avec les « draculettes », et Lucy qui se nourrissent principalement d’enfants.

Dans un Vampire à Brooklyn, le vampire est à la recherche d’un femme, manipule son entourage, et finalement la mord lors d’une soirée chez lui. Des schémas que l’on retrouve régulièrement chez des agresseurs.

Belle meuf tu seras

Devenir une femme vampire c’est être plus puissante certes, mais c’est aussi l’occasion de faire une liaison avec un autre trope que l’on retrouve souvent les teenage movies: la transformation d’un personnage féminin qui passe de femme transparente au mieux, moche au pire, à femme canon.
Je vous conseille la vidéo d’analyse de Zoétrope sur le sujet:

Ainsi la transformation de Lena dans Nous sommes la nuit évoqué plus haut, correspond tout à fait à ce trope. D’ailleurs quand elle sort de sa transformation, elle est filmée exactement comme dans les films teenage où l’héroïne descend de l’escalier pour aller au bal de promo.

Même observation dans Suck, avec Jennifer, la bassiste un peu transparente qui devient la bassiste sexy:

Ou encore dans Jakob’s wife (qui par ailleurs est très pertinent sur d’autres points que j’évoque plus loin):

Je vous vois venir, évidemment que tous les personnages de vampires féminins ne sont pas représentés de cette manière. En revanche, il y a quand même plusieurs exemples et surtout, ce n’est pas quelque chose qu’on observe chez leurs collègues masculins. Chez les femmes, la notion de transformation passe par son apparence physique, qui répond aux codes établis par le patriarcat, sans que ça soit remis en question (ou presque).

Girl power vampirique

On l’a vu plus haut, la majorité des films de vampires ont pour personnage central, une héroïne. C’est donc en tout logique que beaucoup de films mettent en scène des femmes qui cherchent à s’émanciper, se rebeller, se venger du patriarcat.
Le plus ingénieux et politique reste à mon sens A girl walks home alone at night qui se réapproprie deux symboles du patriarcat:

• le titre en lui même (les femmes souvent souvent infantilisées/blâmées pour rentrer seule la nuit,
• le hijab qui lui permet d’agir incognito ou presque, pour punir les hommes et avertir les petits garçons d’un potentiel futur mauvais comportement.

Nous sommes la nuit et Bit fonctionnent mettent en scène des gangs de vampires exclusivement féminines. Le premier raconte le changement d’identité d’une femme marginale en devenant vampire, quand l’autre raconte l’émancipation d’une adolescente. Les deux personnages sont intégrés à une bande féminine qui tentera de leur prouver à quel point la vie de vampire est jouissive, dans la mesure où il n’y a plus d’hommes pour dicter leur vie.
L’élément pertinent, qui marque à la fois la limite de l’exercice (montrer des bandes féminine) de ces deux films, est qu’ils montrent que la pression et la structure hiérarchique d’un groupe, quel que soit son genre est voué à l’échec. La cheffe vampire de Nous sommes la nuit se réjouit qu’il n’y a pas plus d’hommes pour dicter leurs vies. Elle explique même qu’il n’y a plus d’homme vampire car ils se sont tués entre eux. Mais elle reproduit exactement le même schéma (elle ne respecte pas le consentement de la vampire dont elle tombe amoureuse, elle est violente, despotique et elles aussi finissent par se tuer entre elles). On peut se dire que ça montre que le patriarcat ne vit pas qu’à travers les hommes. Mais c’est dommage car cela aurait été l’occasion de montrer une représentation plus positive, avec surtout un système différent.

Vive les vieilles vampires

En revanche, Jakob’s wife réutilise les marqueurs vampiriques (les rats, le vampire-monstre, etc..) de manière très inventive. Pour la première fois on a une vampire qui a une soixantaine d’année, interprétée par Barbara Crampton. Elle s’ennuie profondément dans sa vie et sa rencontre avec un Nosferatu croisé avec Freddy Kruger va évidemment faire tourbillonner sa vie (et celle de son pasteur de mari). La mise en scène raconte que la thématique du film est l’affirmation de cette femme face à son mari pour qu’ils réinventent leur couple et qu’ils fassent équipe. Et ça, c’est nouveau, surtout si on prend en compte l’âge de la protagoniste. Sa problématique pourrait être celle d’une femme de 30 ou 40 ans. Comment exister dans son couple, quelle est notre identité au sein de ce couple?
Dès le début, Anne est toujours cadrée derrière son mari, ou avec le visage barré. Par ailleurs, quand ils sont seuls ils sont séparés par un objet (le journal), ou l’espace.

Au premier plan, il y a toujours le pasteur, qui est devant elle, pour bien signifier qu’il occupe tellement l’espace qu’il ne la laisse pas ne serait-ce que s’exprimer.
Juste après la transformation, la première action que fait Anne c’est se retrouver face au miroir conjugal pour se regarder la nouvelle femme qu’elle est devenue. Par la suite, elle est cadrée soit au premier plan, soit à égalité avec son époux, mais en tous cas plus jamais cachée par sa main ou son visage. Elle existe.

Le film est d’autant plus pertinent qu’il n’y a pas vraiment de happy end. Ils sont de nouveau unis, mais on ne sait pas de quelle manière ils vont fonctionner en équipe. Leur combat contre le Nosferatu bleu, les a menés à avoir ce questionnement.
On a une sorte de triangulaire entre Jakob, Anne et Nosferatu. Un schéma que l’on retrouve dans un passage de la bible où Jacob qui comptait épouser Rachel, se retrouve piégé et marié à la soeur de Rachel, Leah. Jacob devra se battre et travailler pendant plusieurs années pour réussir à retrouver Rachel. C’est précisément le sujet du film, où Jakob doit lui apprendre à se battre, après avoir réalisé qu’il est amoureux d’Anne.

Pour continuer sur les personnages féminins plus âgés, Gisèle dans Les vampires (même si elle ne mord pas, mais se nourrit de sang malgré tout), reprend la légende de la fameuse comtesse de Bathory (largement remise en question depuis un moment). Cette comtesse reste emblématique pour représenter l’équivalent féminin de Dracula. En effet, on y retrouve la notion de manipulation (que ça soit ses complices ou son entourage) et d’utilisation de corps de jeunes femmes. Mais évidemment, Bathory se voit à travers le regard masculin, seul capable de valider sa valeur physique.

On retrouve un profil similaire avec Lady MacBeth dans The tragedy of MacBeth, de Joel Coen. Avide de pouvoir (alors qu’elle ne peut pas l’exercer vraiment), elle pousse son mari à tuer pour devenir roi. Il en sera incapable, Lady Macbeth souillera ses mains de sang pour exécuter son plan. C’est à partir de ce moment, qu’elle semble se transformer en créature vampirique. La goutte d’eau qu’elle reçoit sur ses mains fait référence au meurtre qu’elle a commis, et donc du sang dont elle s’est servie. C’est assez claire dans la mise en scène:

Lady macbeth a finalement un côté cruel et manipulateur qui est très proche de Dracula. Elle est motivée avant tout par ses propres besoins, au détriment de tout, même de sa santé mentale.

La représentation du mâl(e)

Les vampires féminines sont souvent liées à des intrigues qui sont centrées principalement sur leur identité et ressenti. Même dans La fille de Dracula, celle-ci cherche à s’émanciper de l’héritage de son père qui lui pèse.
Les vampires masculins sont plus souvent tournés vers l’extérieur, dans la conquête d’un monde ou des femmes (coïncidence?). Par exemple, dans Blade, ce mi humain mi vampire se donne comme mission de chasser les vampires qu’il tient responsable de ses malheurs et ceux des autres (et notamment le grand chef).
Dans Daybreakers, Ethan Hawke joue le rôle d’un vampire qui vit dans une société vampirique au sens propre comme au figuré: des élevage d’êtres humains sont mis en place pour nourrir cette société. Mais comme ils se comportent comme des humains de la vraie vie, ils arrivent au bout de ces ressources.
Ethan Hawke veut s’allier aux humains pour stopper les vampires qui se comportent en véritables fachos. Le film est un des rares à associer explicitement capitalisme et vampirisme (alors que c’est sujet d’autant plus pertinent à creuser aujourd’hui). Malheureusement je trouve qu’il n’exploite pas entièrement le sujet car il se contente de constater les effets du capitalisme et du combat évident qui en découle, pour dire que la réponse à cela serait simplement de…redevenir humain. Un peu gonflé. Or là encore, que ça soit des vampires ou des humains qui épuisent des ressources, ce n’est pas le problème. C’est le système.

Dans un Vampire à Brooklyn, Fright Night, Génération perdue, Nosferatu, Vampires, etc…la motivation des personnages est de conquérir un territoire ou une femme (notion proche de l’éco féminisme). Dans Thirst, le vampire cherche à assouvir son appétit sexuel pour ensuite contrôler sa nouvelle compagne Dans Nosferatu cela se manifeste aussi à travers le fait qu’il est une représentation de la peste et de la maladie en général, qui se propage pour décimer une population et donc un espace. Cela fait directement écho à ce que j’ai évoqué dans la première partie, à savoir que le vampire représente une crainte de l’autre et de son environnement.

On peut remarquer globalement chez les vampires masculins:

• que quand on un contexte de société de vampires, c’est toujours un homme qui est au pouvoir (Blade, Daybreakers, Vampires, Underworld, Suck..)
• qu’ils sont beaucoup moins marginalisés que les femmes. Ils sont même parfois très bien insérés dans la société (Entretien avec un vampire, Fright Night, L’assistant du vampire, Thirst, Blade…). Alors que je ne compte plus les femmes vampires qui doit gérer une marginalité plus ou moins bien vécue (Bliss, The addiction, Morse, A girl walks home at night, Bit…). Et même lorsqu’elles sont bien insérées comme dans Nous sommes la nuit, elles finissent mal (l’une est tuée, l’autre se suicide et la 3e est tuée par une de ses paires).
• ils sont très peu victimes d’une métaphore d’une maladie, contrairement aux femmes (The addiction, Bliss, All the moons, La nuée, The tragedy of lady Macbeth…). Ainsi, la déchéance physique des femmes est plus souvent filmée.

Je note principalement trois films qui mettent sur un pied d’égalité de traitement les vampires masculins et féminins, à savoir Near Dark, et Only lovers left alive.
Near Dark traite de la thématique de la marginalité vécue en groupe mixte. Les personnages quel que soit leur genre sont caractérisés de manière relativement équitable. Cela permet de comprendre les complexités de chacun-e à gérer cette marginalité en groupe.
Only lovers left alive a quant à lui une mise en scène suspendue dans le temps, avec ce couple de vampires qui tentent de s’occuper métaphysiquement, culturellement dans un huis clos hypnotisant.

Le cas de Suck, comédie sympathique, est intéressant. On pourrait penser que les personnages sont motivés par la même envie, à savoir d’attiser la gloire de rock star grâce à leurs nouveaux statuts de vampires. Or, la première à devenir vampire ne l’a pas souhaité, elle s’est fait hypnotiser et transformer (=agresser), par un gourou. On comprendra par la suite que par lassitude de son petit ami de chanteur idiot, elle a voulu se changer les idées en allant à la soirée du gourou.
Devenue cool sur scène grâce à sa nouvelle apparence, les membres de son groupe de rock veulent à leur tour devenir vampire pour avoir leur heure de gloire. Ainsi, leur collègue finit par s’exécuter devant l’insistance. C’est pourtant elle qui sera blâmée par son entourage (donc son ex petit ami), qui s’empressera d’alerter tout le monde sur le fait qu’il faut s’en méfier.

Un empire vampirique

Cette créature permet d’explorer des thèmes complexes de l’identité , de la sexualité, des agressions. Avec les vampires, on a la chance d’avoir des propositions riches en termes d’héroïnes, et c’est assez rare pour le souligner. J’espère l’avoir démontré du moins, en partie.
Pour autant, voici des sujets pas ou peu abordés qui seraient passionnants et nécessaires à traiter:

• Le genre peine encore à représenter et à écrire des histoires de collectifs féminins crédibles. Alors que c’est une source inépuisable de thèmes (quelle société? quelles dynamiques? Comment êtres soudées face à un monde hostile?).
• On a vu plus haut que le vampire a pu être associé à l’inceste, problème endémique, pourtant absent de ce corpus,
• J’aimerais aussi voir des histoires queer, car le phénomène de transformation est une occasion idéale pour évoquer divers sujets (frontière entre les genres, transidentité, monde de la nuit, etc…).
• Avec Nosferatu qui propage la maladie, pourquoi ne pas avoir des histoires qui traitent du colonialisme ou du post colonialisme? De la manière dont les blancs se sont appropriés des territoires.
• Daybreakers l’évoque indirectement et maladroitement, mais il serait intéressant de se pencher sur la vampirisation des ressources qui nous mènent à notre propre perte.

Le vampire est aussi intimement lié à d’autres thèmes comme le cannibalisme, dont Vorace, est un bon exemple. Les protagonistes mangent la chair pour se nourrir et s’approprier leur puissance. Les humains sont considérés comme de la viande, tout comme le vampire. Là encore il s’agit de domination de l’autre.
Il y aurait sans doute beaucoup à dire sur les points communs et les différences entre ces deux types de personnages, et comment les intégrer dans des problématiques actuelles d’anti spécisme et d’écologie.

Finalement, les créatures vampiriques ont beau exister depuis des siècles, faire l’objet de centaines d’écrits et de films, c’est une source inépuisable de thématiques contemporaines qui n’ont pas été encore exploitées.

Corpus:

L’article [Dossier] La représentation du vampire selon le genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Dualité des représentations dans le cinéma 

Dans le cinéma mainstream, la mère est souvent incarnée comme protectrice, vulnérable et aimante. Avec ses bons et moins bons moments, la maternité est globalement représentée de manière positive et épanouissante. Une sorte de sacrifice glamour qui comble la femme et lui donne sa place dans la société. Quant aux femmes qui n’ont pas de désir de maternité, le cliché véhiculé allègrement dans les films et les séries sont les suivants : sorcière, méchante belle-mère, tante exubérante ou femme triste, carriériste ou femme fatale dévoreuse d’hommes.

Dans le cinéma de genre, les représentations de la maternité sont plus diversifiées. Le genre aborde plus frontalement les aspects psychosociaux de la maternité. Pour en savoir plus sur la représentation de la mère dans le cinéma de genre je vous renvoie à ces deux excellentes références : un essai vidéo de la chaine Videodrome ; et cet article sur la famille dans le cinéma de genre. Le cinéma de genre semble moins juger les femmes qui ne veulent pas d’enfants ou font un rejet de maternité, en écrivant des personnages forts et attachants, placés dans des contextes qui créent de l’empathie.

Grossesse, sujet idéal de film d’horreur

Selon l’OMS « La période prénatale et la naissance sont encore trop souvent des expériences entachées de vécus négatifs pour les femmes. Une expérience positive pour la grossesse est définie comme la préservation de l’intégrité physique et socioculturelle, l’impression de vivre une grossesse ressentie comme normale par la femme, un bon vécu du travail et de l’accouchement et la jouissance d’une maternité heureuse« .

Il y a encore énormément de tabous autour de ce sujet alors qu’on lui donne une place très importante dans la société. Le corps qui change et qui se déforme, la pression sociale d’être une compagne et une mère parfaite, la démission paternelle ou charge mentale imposée à la femme, les changements très rapides et importants de la vie quotidienne, la gestion de la dualité mère/pute imposée par la société. Cela créé des paradoxes où vient se loger le doute et la peur, ce qui en fait un sujet idéal de film d’horreur. 

80% des femmes expriment de la peur à la perspective d’accoucher.

Source Cairn

L’accouchement est un sujet de prédilection pour le body horror, sous genre du film d’horreur qui met l’accent sur les souffrances du corps. Dans des scènes très explicites insistant sur le déchirement de la chair, les fluides corporels, la douleur, les cris. Le postpartum quant a lui, semble encore être un sujet tabou qui mériterait plus de normalisation pour aider certaines mères, épuisées physiquement et émotionnellement.

Changements dans la société

Depuis quelques années, les luttes féministes tendent à normaliser le fait de ne pas avoir d’intérêt pour la maternité. Pour que ce choix soit compris comme un choix personnel et pas une admission d’incapacité. Le discours sur la santé mentale aussi progressé vers une meilleure reconnaissance des violences et des traumas intra familiaux, et le choix de ne pas souhaiter reproduire ces cycles, reconnu comme un acte de préservation. 

Plus que jamais, c’est aussi un choix politique que de refuser d’incarner des rôles de genre, voir la domestication. Cette tendance est opposée au mouvement trad wife (incarné par l’extrême droite) où la femme se veut épouse et mère dévouée corps et âme. Sur qui repose toute la charge mentale du couple, de la famille et du foyer.

Changements dans l’industrie

Seulement 26% de femmes à la technique, 29% aux postes d’ingénierie contre 90% en costumes et près de 70% dans les métiers d’assistanat.

Source étude CNC 

Les femmes sont sous représentées à des postes de pouvoir dans les milieux du cinéma et bénéficient de moins de financements pour leurs projets. Ce qui ne permet pas de visibiliser les problématiques féminines. Mais c’est en train de changer, il y a plus de productrices, réalisatrices, scénaristes femmes. 

10% de réalisatrices femmes en 1980 contre 26% en 2021. Même si cela représente toujours moins de la moitié. 

Cela permet une libération de la parole des femmes et permet une pluralité des points de vue : la représentation de familles moins traditionnelles avec des représentations de familles recomposées, monoparentales ou gays. Plus de visibilité autour des questions purement féminines jusque là considérées comme secondaires (pression sociale, postpartum, body horror). La normalisation de ne pas vouloir être mère, ou en tout cas la dédiabolisation de la femme qui refuse la maternité.

Le cinéma de genre transgresse avec des œuvres fortes et politisées. A travers différents thèmes horrifiques il nous offre différents points de vue autour du refus de grossesse ou de maternité.

Grossesse immaculée, motif du viol

Le village des damnés – 1960

Ce film de science-fiction horrifique est issu du roman de John Wyndham The midwich cuckoos. Dans un petit village d’Angleterre, les habitants tombent soudainement inconscients. Quelques mois plus tard, toutes les femmes du village en âge d’enfanter se retrouvent inexplicablement enceintes. On découvre rapidement que comme le coucou (oiseau parasitique), des extra-terrestres se sont servi des femmes comme hôtes non consentants pour élever leur progéniture.  

Le village étant contrôlé par l’armée, elles n’ont pas le choix de porter leur grossesse à terme. Le récit fortement ancré dans la culture du patriarcat (1960) est une réflexion sur ce qu’on est prêt à faire en tant que groupe social pour mener à bien le projet familial. Les parents sont enfermés dans le village et doivent élever des enfants tyranniques, qui les contrôlent et leur font du mal.

Rosemary’s baby – 1968

Le roman d’Ira Levin, au même titre que Les femmes de Stepford roman du même auteur, dénonce le backlash féministe des 60’s en illustrant le ressentiment des hommes envers les femmes qui s’émancipent. C’est une œuvre séminale dont on retrouve des références dans de nombreux films comme Hérédité, Get out, Fenêtre secrète, The omen, Quand Harry rencontre Sally, Forest Gump, L’antre de la folie, X-files, Little evil, Toy story 4 et bien d’autres.

Le récit de l’adaptation est centré sur la privation d’autonomie du corps de Rosemary. Son mari dit l’avoir mise enceinte alors qu’elle était inconsciente, ce qu’on qualifie désormais de viol conjugal. Au fur et à mesure que l’intrigue se développe, on découvre qu’en réalité son mari l’a sacrifiée à un culte sataniste pour avancer sa propre carrière (comme dans Les femmes de Stepford). Elle a en réalité été violée par Satan. Elle ne participe pas à sa propre fécondation et perd ainsi le contrôle sur son utérus. 

Une fois enceinte, elle perd son autonomie quotidienne, puisque ses voisins (qui sont en réalité des sorcières), insistent pour «prendre soin d’elle», jusqu’à empiéter sur son intimité. Prisonnière de son appartement, victime d’une grossesse compliquée, elle sombre peu à peu dans la paranoïa pré partum. Son mari (devenu totalement absent) et ses voisins la gaslightent en lui disant qu’elle est fragile. Ils prennent les décisions à sa place, la privant aussi d’autonomie mentale.

Alien – 1979

L’essence d’Alien réside dans la notion d’enferment et de viol. En effet dans ce classique de la science-fiction, les personnages sont en huis clos dans un vaisseau spatial et l’héroïne Ripley tente d’échapper à une insémination monstrueuse. 

La symbolique sexuelle d’Alien est évidente : Le facehugger, orné de deux gros sacs qui évoquent des testicules s’harnache au visage de l’hôte, sans possibilité de s’y soustraire; puis y enfonce un phallus dans sa gorge pour se reproduire à l’intérieur de son abdomen. Après gestion dans l’abdomen de l’hôte non consentant, le chestbuster sort en lui déchirant le ventre, dans un bain de sang et des cris rappelant l’accouchement. 

Le travail de HR Gigger, artiste ayant designé les différents stades d’évolution de l’alien (oeuf, facehugger, chestbuster, et sa forme adulte le xénomoprphe) est bien connu comme étant une oeuvre hypersexuelle. Ses motifs récurrents sont les phallus, les vagins, les bébé morts et la dégénérescence organique. La direction artistique idéale pour designer les aliens, leur donnant une forme lourde de sens, qui complète la vision du scénariste.

Antibirth – 2016

Antibirth, de Danny Perez, est un film punk, psychédélique et très corporel car le body horror y est très présent. La protagoniste, Lou, subit une grossesse mystérieuse non désirée. Le film nous montre des signes de déni de grossesse : alcool, drogue, tabac, junkfood, ventre collé au micro-ondes. Et exagère les signes de grossesse habituels : tétons qui saignent, vomi incessant, ampoules géantes, ventre dilaté. Pour finalement nous offrir une scène d’accouchement complètement gore.

Le sous texte politique souligne la pauvreté de son milieu social. Drogue, prostitution, avortement payant, manque de médecins, pas de sécurité sociale… Le récit normalise l’absence de désir maternel et l’ancre dans une réalité sociale, tout en restant créant de l’empathie pour le personnage.

The first omen – 2024 et Immaculate – 2024

Immaculée (film de Michael Mohan) et The first Omen (de Arkasha Stevenson) sont basiquement le même film….Tous deux inspirés de la Nonnesploitation et du Giallo, deux genres cinématographiques forts des 70’s. Dans les deux films, une jeune nonne américaine belle et virginale arrive dans un couvent en Italie. Toutes deux invitées par un prêtre influant, toutes deux tombées enceinte miraculeusement comme la vierge Marie, toutes deux en réalité offertes à Satan pour porter son engeance démoniaque (coucou Rosemary’s Baby). 

Les thèmes des films sont angoissants pour beaucoup de femmes, mêlant horreur psychologique et body horror. On montre la misogynie systémique incarnée par l’institution patriarcale qu’est l’église. Les prêtres ont tous les droits sur les jeunes femmes, contrôlant leur vie, les réduisant au silence si besoin. La violence psychologique et physique est aussi infligée par les nonnes plus âgées qui ont assimilé la misogynie.  

Autre motif angoissant, l’entrave au droit de disposer de son corps. Dans ces films les jeunes femmes sont prisonnières du couvent et leur corps offert à Satan. Dans The first omen on parle aussi d’inceste, puisque le démon ne peut procréer qu’avec son sang, c’est à dire ses propres filles. La torture gynécologique est aussi un sujet abordé, montrant le peu d’intérêt porté aux filles mères : femmes attachée, accouchements dans la douleur, brutalité, pas de soins post accouchement.

Appartement 7A – 2024

Appartement 7A, réalisé par Natalie Erika James, se veut un préquel à Rosemary’s baby. Centré sur le personnage de Terry Gionoffrio, que Rosemary’s rencontre dans la laverie à la cave. Terri est elle aussi droguée et offerte au Démon, qui la viole pour la mettre enceinte. Elle est donc supposée porter l’antechrist avant Rosemary qui vient d’arriver dans le building Bramford.

Le film n’est malheureusement pas très inspiré, à part des clins d’oeil à l’oeuvre originale et une photographie propre, il ne dit rien de nouveau par rapport à l’oeuvre de 68. A art peut être que Terry est danseuse ce qui rappel Suspiria et son lot de sorcières.

Grossesse qui tourne mal, évoquant peur et rejet  

Prevenge – 2016 

Prevenge est une comédie d’horreur britannique écrite, réalisée et jouée par Alice low, elle même enceinte au moment du tournage. Elle fait un pied de nez avec humour au folklore de femmes enceintes. Comme en témoigne cette baseline : «je tue pour deux» (au lieu de je mange pour deux).

Dans cette fiction, une femme enceinte entend les pensées de son bébé, qui l’encourage à tuer des gens. La folie incarnée par la mère peut être considéré comme du stress prénatal (paranoïa prépartum) engendré par la perte de son compagnon. Le film est une boucherie qui illustre vraiment la crise existentielle que peut amener la grossesse, surtout pour une mère célibataire.

Prevenge illustre aussi la perte de contrôle de son propre corps au profil du fœtus, et les injonctions envers les mères qui n’ont plus leur mot à dire. Privée de libertés le temps de la gestation, et considérée comme un incubateur, la mère devient juste un vaisseau pour le bébé.  

Mother ! – 2017

Comme tous les films de Darren Aronofsky, Mother ! est un intense mélange des genres qui propose plusieurs lectures hautement symboliques (comme l’affiche très largement inspirée de celle de Rosemary’s baby). C’est un film anxiogène, en tant que spectateur on se sent aussi impuissant que le personnage principal, Mother. 

Mother est sur le point d’accoucher. Elle est symbolisée comme une allégorie de mère nature, et si on pousse plus loin la réflexion, elle est polarisée vers un féminin sacré* : la mère sacrificielle, aimante, douce, dotée d’une certaine divinité du fait de porter la vie. Dans le film, le côté spirituel est montré aussi via une pierre sacrée, et les allusions aux autres personnages en tant que personnages bibliques. Him, son mari poète est montré comme égoïste et égocentrique qui ne porte pas la charge mentale du foyer (il ne l’aide pas à préparer la maison, trop occupé à être un poète). Il laisse des inconnus rentrer chez lui parce qu’il veut leur adoration, alors qu’il délaisse sa femme.

Le motif du home invasion est clair dans le film. Tous ces gens qui débarquent dans l’intimité de Mother peuvent être interprété comme la destruction de mère nature; mais aussi comme une perturbation du foyer provoqué par l’arrivée de bébé. Ces étrangers qui s’imposent et foutent le bordel symbolisent le chaos à venir et la destruction du couple. Comme la maison représente à la fois la terre et Mother, la maison qui pourrit, saigne et s’effondre, pourrait aussi illustrer la transformation subie par le corps féminin pendant la grossesse et l’accouchement.

Titane – 2021

Titane est le deuxième long métrage de Julia Ducourneau. Pour moi la grossesse dans le film est issue du viol, car la scène de sexe avec la voiture qui l’aurait mise enceinte se passe comme dans un rêve, arrive directement après son agression par un homme sur le parking. La grossesse difficile d’Alexia ferait donc sens si l’on suit cette genèse. Mais comme cela reste une théorie je le classe dans la grossesse difficile.

La mutation est un thème qui fascine Ducourneau, on le sent bien dans ce film qui renverse les codes de genres et nous offre du body horror à foison. En cavale après un meurtre Alexia, enceinte, se fait passer pour un homme en se rasant la tête. Elle se cache chez le père d’un garçon disparu, elle est immergée dans l’univers très masculin des pompiers. Une grossesse qui se déroule donc à l’opposé des clichés féminins habituels. Et un intéressant renversement des genres, car le personnage du père bien que très mascu dans le film, est emprunt de beaucoup de douceur.

Le body horror de la grossesse est appuyé par une mise en scène dérangeante. Alexia se rend compte qu’elle est enceinte car de l’huile de moteur coule de son vagin, l’huile de moteur fuit aussi par ses seins qu’elle a comprimés pendant plusieurs mois pour se travestir. L’huile de moteur évoque la mort, mais aussi tous les fluides corporels féminins liés à la grossesse. Son ventre qui se déchire et devient du titane. La scène de sexe dans la voiture fait penser a Crash et nous intrigue sur l’objet de son accouchement comme dans La mouche.

Huesera – 2022

Ce film réalisé par Michelle Garza Cervera prend le schéma inverse des films où les femmes sont envahies d’instinct maternel et décident de devenir mamans (Evil dead rise par exemple). Au début Valeria est heureuse de tomber enceinte et de fonder une famille avec son compagnon. Mais au fur et à mesure de sa grossesse le stress se développe.

Les facteurs de stress sont basés sur la pression sociale de la maternité. Les sacrifices attendus d’une mère sont représentés par le fait qu’elle doive transformer son atelier de travail et sa plus grande réussite, en pouponnière. De plus sa famille ne la soutient pas vraiment. Elle n’est validée que quand elle prend le chemin traditionnel attendu d’une femme hétéro, mais ils ne la pensent pas capable d’être une bonne mère. Son compagnon est montré comme démissionnaire. 

Le stress est illustré dans le film avec les ressorts de l’horreur. Elle est hantée par des apparitions macabres comme hantée par le doute lié au changement de vie radical qu’implique d’être enceinte (son passé punk de punk lesbienne qu’elle a sacrifié au profit d’études et d’une relation avec un homme). Les apparitions accompagnée de craquements sonores, comme pour rappeler la douleur physique de l’accouchement.

Dans un acte de préservation ultime, elle décide de quitter son compagnon et d’abandonner l’enfant. Comme dans Antibirth il n’y a pas de jugement exercé sur ces personnages de femmes punk, qui sont montrées comme fortes et aimantes. 

Maternité forcée, rôle qui incombe aux femmes

Vivarium – 2019

Dans ce film de Lorcan Finnegan, un jeune couple se retrouve piégé dans une banlieue factice et sont forcés d’élever un enfant qu’on a déposé un matin devant leur porte. 

Le film met le doigt sur l’angoisse de la maternité et les obligations sociales qui incombent aux femmes, puisque la protagoniste du film ne voulait pas d’enfant, mais se retrouve obligée de s’occuper d’un enfant démoniaque. Elle assure seule la charge domestique et émotionnelle de cette relation forcée. Elle nourrit l’enfant, le divertit et le réconforte malgré son épuisement. Son compagnon étant totalement démissionnaire, elle doit assumer seule la charge de l’enfant.

Hommage au village des damnés avec la mécanique du coucou (qu’on voit d’ailleurs posé sur un arbre au début du film), puisque le couple se sacrifie pour élever le bébé d’une autre espèce qui les tyrannise. 

The baby – 2022

Dans cette comédie horrifique teinté de folk horror créé par Sian Robins-Grace et Lucy Gaymer, Natasha cheffe trentenaire commence a se sentir seule car autour d’elle, toutes ses amies deviennent maman. Un jour alors qu’elle fuit la baby shower de sa dernière amie enceinte, un bébé lui tombe littéralement dans les bras.

Métaphore de l’injonction à la maternité et des attentes qui pèsent sur les femmes, le bébé est une malédiction qui la poursuit comme un parasite démoniaque. Le bébé semble avoir un mode opératoire récurrent qui met en exergue les challenges de la maternité : il trouve une victime et ne lui laisse aucun moment de répit (pleurs, cris, etc), tue tous les gens autour d’elles (isolation) et il change de « maman » quand elles sont épuisées.

La genèse de la malédiction à un sous texte profondément féministe : le bébé a été conçu dans les années 60 lors d’un viol conjugal (comme dans Rosemary’s baby). Sa mère était homosexuelle, considérée comme folle et emprisonnée par son mari. Les pères sont absents de l’écran, ou présents que dans les scènes de violence.

On trouve d’autres références à Rosemary’s baby : son médecin la trahi en la renvoyant chez son mari, et le bébé à un landau retro comme dans le film.

Petite aparté sur la scène du parc pour enfants (qui représente l’enfer pour Natasha), il s’agit d’une référence à des vrais parcs d’attraction qui ont pour but d’apprendre le capitalisme aux enfants dès le plus jeune âge et sans supervision de leurs parents. Dans ces parcs ils exercent des emplois (garde de prison, pompiste, serveur) et ils ont un salaire qui leur permet de payer les services dans le parc.

Siobhan Roy dans Succession – 2018-2023 

Bien qu’il ne s’agisse pas d’un film de genre je trouve que l’écriture du personnage est intéressant et révèle certains aspects complexes sur le désir ou le rejet de maternité dans un univers ultra capitaliste. 

Siobhan est présentée comme un personnage ambitieux et extrêmement intelligent. Elle veut devenir CEO de l’entreprise familiale, mais elle est victime du sexisme ambiant et constamment rabaissée par son père l’actuel CEO.

Se pose la question de la maternité dans son couple, qui est déjà basée sur une relation de pouvoir compliquée. Son mari Tom essaie de la faire tomber enceinte pendant qu’il est en prison. Elle ne souhaite pas assumer une grossesse seule et de plus elle n’apprécie pas la manipulation de son mari. Plus tard Tom insiste, et elle accepte de «peut être congeler ses œufs pour plus tard», avant de dire à son mari qu’elle ne l’aime pas. 

Elle a un passif avec sa propre mère qui est montrée comme froide, très critique et narcissiques. N’ayant pas non plus reçu d’amour de son père, elle n’a pas de modèle parental assez fort pour la rassurer dans sa propre maternité. Son ambition est de diriger une entreprise, pas de gérer une famille. Dans sa classe sociale elle sait que devenir mère n’est pas compatible avec une carrière où les hommes la respectent.

Malgré son statut social et son intelligence elle ne parvient pas à briser le plafond de verre. Finalement elle finit par tomber enceinte. Comme son mari Tom s’est vu offrir la carrière dont elle rêvait, après s’être déchirée avec sa famille, elle concède à rester auprès de Tom (proxi du pouvoir) et à fonder une famille. Tous les deux finiront ensemble sans amour, et Shiv deviendra sa mère malgré tout ce quelle a fait pour ne pas le devenir.

La maternité imposée ou refusée est finalement une thématique récurrente dans le cinéma de genre. Elle symbolise une des nombreuses injonctions imposées aux femmes, et qui est à l’intersection de plusieurs pressions (charge mentale, réussite de l’accouchement, du post partum, de l’allaitement, de l’éducation, etc..). Les réalisatrices ont encore à explorer cette thématique, encore principalement traitée par des hommes.

* _{Le féminin sacré est pour moi un courant dangereux qui penche vers les dérives sectaires. Si vous pensez que vous ou un membre de votre famille est sous emprise d’une dérive sectaire vous pouvez vous renseigner auprès de la https://www.miviludes.interieur.gouv.fr/conseils-et-principes-de-prudence/la-miviludes}

L’article [Analyse] Grossesse et maternité non désirée dans le cinéma de genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Les personnes ayant un handicap sont souvent victimes d’une double invisibilisation. Dans l’imaginaire commun, handicap = fauteuil roulant. Or, il y a énormément de formes d’handicaps différents, visibles ou non. L’oppression concernant le handicap se nomme le validisme.
J’avais déjà évoqué la psychophobie dans le cinéma de genre, que je ne vais donc pas évoquer ici.
Cet article propose de balayer les différentes formes d’handicaps représentées dans les films de genre, et la signification de ces représentations. Pour compléter mes propos, j’ai demandé à des personnes concernées de répondre à mes questions.

1-Le handicap dans l’imaginaire collectif

Longtemps, le handicap n’a été visible qu’à travers le prisme du physique. Une personne ayant un handicap l’était parce que le handicap était visible. On s’en souciait au moment du Telethon, qui met en scène ces personnes pour créer de l’émotion en les faisant exister uniquement à travers leur handicap.
Depuis, grâce aux réseaux sociaux et à des personnes concerné-es qui reprennent leur histoire en main, des éclairages ont permis de politiser la question du handicap, dans une logique de lutte de droits.
Elisa Rojas, avocate, fait partie des militant-es les plus médiatiques mais plusieurs personnes évoquent le sujet sur les réseaux sociaux: Elsa on se laisse la nuit, Les dévalideuses, etc..

Le concept d' »inspiration porn » (dont le Telethon est le parfait exemple), a été établi par Stella Young, militante handicapée. C’est l’idée que les personnes ayant un handicap sont promues à un statut héroïque, exemple de persévérance aux yeux des valides. Or, ces personnes n’ont pas le choix de lutter pour leurs droits, pour vivre du mieux possible dans une société qui ne les prend pas en compte. Le problème avant leur handicap, c’est surtout l’incapacité de nos sociétés validistes à changer de prisme et à s’adapter.
Par ailleurs, l’idée de donner du courage à des personnes valides voyant pire que soi est particulièrement cynique.
Cela participe également à occulter la question politique et sociale du validisme. Il ne s’agit pas de voir le handicap à travers des histoires individuelles, mais bien comme un problème systémique que les valides devraient s’emparer. Au même titre que d’autres oppressions systémiques.
Stella Young est longuement revenue sur ce concept dans une conférence Tedx.

Cette manière d’objectiver les personne ayant un handicap se retrouve également dans la manière de traiter le handicap au cinéma. Comme beaucoup d’autres minorités (au hasard, les personnes transgenres), les personnages handicapés sont souvent le coeur du sujet. Le pire étant que dans la plupart des cas ils ne sont pas interprétés par des personnes concernées. Un homme à la hauteur, Tout le monde debout, Intouchables, Nos étoiles contraires, De rouille et d’os, Million Dollar Baby…A chaque fois il est question de dépasser son handicap dans une idée de rédemption.

C’est d’ailleurs la même idée que l’on retrouve dans le cinéma de genre. Le handicap étant une difficulté dans notre monde validiste, c’est un ressort scénaristique idéal voire facile pour mettre à mal un personnage. On peut le faire paniquer, pourchasser, souffrir encore plus facilement. D’autant que l’on va questionner et tester sa force et sa vivacité à utiliser les caractéristiques de son environnement pour l’aider à survivre.
On sait qu’un personnage valide face à l’adversité (ou un psychopathe) va devoir trouver des ressources, donc on imagine d’autant plus la difficulté si c’est un personnage en situation d’handicap.
Cela rejoint tout à fait la notion d’inspiration porn évoqué plus haut.

Cela sous entend que les personnes en situation d’handicaps sont forcément plus dépendantes que les valides. Alors qu’on constate tous-tes au quotidien que même valides, nous avons besoin des autres, que ça soit sous une forme matérielle, psychologique, etc…C’est surtout notre société validiste qui fait barrage aux personnes handicapées.
Ce sujet est abordé par Charlotte Puiseux, de l’association Les Dévalideuses:

2-Handicap et cinéma de genre: la marginalité

La représentation des personnes handicapées dans le cinéma de genre est loin d’être parfaite. Mais comme le cinéma de genre traite de la marginalité, le handicap est forcément plus présent que dans d’autres genres de cinéma, d’autant que le handicap fait peur. Le cinéma de genre a le mérite de faire vivre ses personnages dans une histoire qui n’est pas directement et uniquement liée au handicap.

Si les sujets du sexisme et du racisme au cinéma ont dorénavant leur part dans le débat (pour le meilleur et pour le pire), le reste des oppressions, et notamment le validisme reste ignoré. Ce qui est logique, quand on constate quotidiennement que le handicap visible ou non, n’est pas pris en compte.

Le handicap physique, notamment facial avec des déformations, est régulièrement utilisé pour symboliser le monstre, et créer un sentiment de dégoût d’emblée. C’est ce pourquoi les personnages de Freaks sont utilisés évidemment, mais on retrouve cette notion dans les Colline a des yeux, Massacre à la tronçonneuse, ou dans tous les films avec un être humain qui n’a pas assez vu la lumière du jour, se transforme en créature (Barbarian ou Castle Freak par exemple).
L’écriture donne rarement une autre dimension à ces personnages qui sont souvent des antagonistes. Seul Massacre à la tronçonneuse apporte une complexité à Leatherface, bien démontré par la chaîne Ratelrock:

L’association systématique de déformation faciale avec Mal, basée sur notre réaction naturelle de peur face à la singularité physique, pénalise forcément les personnes concernées. Renverser la tendance pourrait donner lieu à de nouveaux protagonistes et histoires permettant plus d’originalité.

Dans le cinéma de genre, ce qui angoisse le plus visiblement c’est la cécité. Sur une trentaine de films, la moitié ont un personnage aveugle. Les autres sens comme la surdité ne représentent que 5 films.
Cela peut s’expliquer pour plusieurs raisons. Les yeux font écho à des aspects essentiels dans le cinéma de genre:

• Ils sont considérés comme le « reflet de l’âme« , permettant de savoir à qui on a affaire, mais aussi donnant accès aux émotions,
• Sa fonction étant de voir, cela permet d’appréhender son environnement et ses dangers et d’agir en conséquences. Donc si on ne voit plus, on est dans une situation apriori d’extrême vulnérabilité.
• Voir est lié à la question du point de vue. Le cinéma de genre regorge de séquences où le personnage principal ne voit pas la même chose que son entourage. Il n’a pas non plus accès au regard que l’on porte sur lui,
• Voir semble être un sens essentiel pour regarder un film (mais pas indispensable). Donc ce n’est pas étonnant qu’il représente une grosse angoisse pour les cinéastes. A ce sujet je vous conseille la vidéo de La Manie du Cinéma sur l’expérience d’un public aveugle et de l’importance de l’audio description:

3- Le handicap moteur

Dans Action Mutante il s’agit d’un groupe de personnes ayant uniquement des handicaps moteurs et physiques. Ici, les personnes ayant un handicap représentent le monstre, qui terrifie la société et donc les exclue (finalement un peu comme dans la société actuelle, où ces personnes considérées comme inutiles car non productives de PIB, sont écartées).
Malheureusement, le réalisateur Alex de la Iglesia ne fait qu’utiliser ces handicaps pour renforcer l’aspect freak/obsédé de ses personnages. Cette insistance à aller à l’encontre du point de vue des bourgeois ne sert pas ses personnages, ni le propos politique initial du film.
Dans l’efficace Fragile, le handicap touche à la fois des protagonistes (des enfants hospitalisés), et l’antagoniste (un fantôme d’une infirmière en fauteuil qui s’attaque aux enfants et notamment une en particulier pour les garder près d’elle). Là aussi le handicap sert de ressort horrifique destiné à faire peur notamment à travers la figure d’une femme « mécanique ». Ce n’est malheureusement pas contrebalancé par le traitement des enfants ayant eux aussi un handicap, dont l’écriture est faiblarde.

On notera que dans Massacre à la tronçonneuse et Alien Résurrection sont des films où les personnages en fauteuil ont la même place dans l’histoire que les autres. Leur handicap n’est pas un sujet (on ne sait pas d’où vient leur handicap), ni même particulièrement une difficulté, ou du moins pas plus compliquée à surmonter qu’une autre. Franklin de Massacre à la tronçonneuse est au même plan que les autres personnages et est même le dernier à être tué. Vriess d’Alien Résurrection est un mercenaire comme les autres, à voler des munitions et tirer sur les aliens.
Le meilleur exemple est Silver Bullet, où le personnage en fauteuil est un adolescent (une représentation encore plus rare!).

Le handicap représenté par l’utilisation d’un fauteuil est celui le plus reconnu par le grand public (j’emploi le mot « reconnu » dans le sens où c’est souvent le seul handicap validé par les valides si je puis dire).
Pourtant, c’est le handicap le moins représenté dans la cinéma de genre (sur une trentaine de films, une dizaine ont un personnage en fauteuil dont 4 où c’est le personnage principal).
Cela parait sans doute plus compliqué aux scénaristes de mettre en scène un personnage utilisant un fauteuil, car le cinéma de genre étant souvent lié à des actions comme courir, sauter, se battre, etc…il parait plus compliqué de proposer une écriture solide.

Mais pas impossible ! Run et Ropes sont d’excellents exemples, qui racontent une émancipation de manière différente. L’une à travers un « classique » parcours initiatique, l’autre à travers le deuil.
Run reprend le postulat de la grandiose série The Act (adapté d’une histoire vraie), à savoir une mère malade psychologiquement qui drogue sciemment sa fille pour la rendre handicapée et la garder à la fois sous sa coupe et comme source de revenus. Le film parvient à installer une grande tension en jouant sur l’intrigue de l’émancipation de la fille en fauteuil, et matérialiser cette émancipation par l’action qu’elle déploie pour échapper aux griffes de sa mère. On se rend compte de chaque détail anodin qui peut s’avérer être d’une grande difficulté pour une personne en fauteuil. L’actrice principale, Kiera Allen, est d’ailleurs réellement en fauteuil dans la vie.

Ropes raconte une autre émancipation à travers un deuil, celui d’Elena, tétraplégique suite à un accident qui a coûté la vie de sa soeur. Recluse et taciturne comme on peut l’imaginer, elle se retrouve coincée dans une maison, avec un chien enragé à l’extérieur. En huis clos, le film resserre la tension en utilisant le même procédé que Run.
On retrouve également la notion de deuil dans le très plaisant La malédiction de Chucky, où Nica, en fauteuil depuis sa naissance, voit sa famille décimée par Chucky. La seule final girl en situation d’handicap !

Dans Incidents de parcours, sous estimé film de George Romero, un homme en fauteuil suite à un accident reprend goût à la vie grâce à un singe pour lui tenir compagnie (qui va s’avérer évidemment dangereux). Ici on ne s’intéresse pas aux conséquences pratiques d’être en fauteuil (sauf sexuellement), mais plutôt à l’impact que cela a sur le psyché.
Pour autant on retrouve le cliché validiste de représenter un homme en fauteuil, sauvé par une femme issue du care (incarnant ici le fameux syndrome de l’infirmière).

Le personnage féminin central d’Hurler de peur présenté comme handicapée, s’avère être un subterfuge pour piéger les 2 méchants du films. Ici, on ne s’intéresse pas au handicap et encore moins à la situation d’une personne handicapée. En revanche, Penny utilise les préjugés des valides et leurs projections sur les personnes handicapées par rapport à ce qu’ils considèrent comme de la vulnérabilité, pour les tromper. Mais le film nous dit que si la personne s’en sort vivante, c’est précisément parce que Penny n’est pas handicapée en réalité.

Le regard d’une personne concernée sur les œuvres traitant du handicap moteur

Pour compléter cette analyse, j’ai voulu questionner le point de vue de personnes concernées, et Emmanuel a accepté de me livrer son regard. Il a un infirmité motrice cérébrale dû au fait que qu’il est né prématuré. Un handicap qui fait qu’il n’a pas d’équilibre et a des soucis d’orientation dans l’espace. Il a également quelques difficultés à évaluer les distances et un temps de réaction plus lent que la moyenne pour ne citer que les symptômes que je remarque le plus chez moi.

Peux-tu expliquer les conséquences que cela a concrètement dans ton quotidien, et dans le fait de vivre dans une société validiste ?

Je me déplace principalement en fauteuil roulant électrique dehors et manuel en intérieur, et quelquefois en béquilles ou déambulateur.
J’ai des auxiliaires de vie pour les tâches quotidiennes (toilette, habillage, repas…). 

Je ne peux pas avoir le permis de conduire donc très peu de marge pour l’improvisation quand je veux/doit sortir. (Et encore j’habite en ville près des transports en commun donc je fais à peu près ce que je veux si je prévois bien le truc).
Et même si de nets progrès ont été faits, toujours vérifier l’accessibilité d’un lieu avant de s’y rendre pour éviter les malentendus.

Le cinéma de genre a pour essence de mettre en scène des personnages marginaux, oubliés, ignorés, discriminés par la société, dont les personnes ayant un handicap font parties. Est-ce que tu trouves que c’est plutôt une bonne chose ou tu aimerais au contraire que ces personnes soit plus « normalisées »?

Je vais passer pour le gars qui ne veut pas se mouiller mais j’ai envie de répondre que ça dépend de ce que le film veut faire.
Je pense que c’est aussi une question de dosage. Ne pas tomber dans le piège de surligner le fait qu’un personnage est handicapé, et ne pas non plus faire comme si ça ne changeait rien niveau relation entre les personnages, ou même niveau mise en scène cinématographique.

Quelles séries/films représente bien ton handicap selon toi?

Breaking Bad avec le personnage de Walter JR. Déjà, l’interprète est réellement handicapé (RJ Mitte), le même que moi en plus et, même s’ils en ont rajouté un peu car il n’a pas de béquilles dans la vraie vie, ça se sent. En plus, ils ne font pas des caisses avec son handicap , il y a une scène de moquerie au début de la série et c’est tout. Les scénaristes ne se forcent pas.

Il y a aussi Stevie de Malcolm que j’aime beaucoup principalement car il sait en tirer profit (et surtout il est drôle)
Run que j’ai découvert grâce à tes suggestions.

Quelles séries/films ont une représentation de ton handicap problématique selon toi?

C’est là que je me rends compte que je n’ai pas vu beaucoup d’œuvres avec des handicapés.

Peut-être le personnage de Dwight dans Scary Movie 2 qui était un peu lourd à la longue mais c’est à l’image du souvenir lointain que j’ai du film. Et puis ça va tellement loin que ça en devient plus absurde qu’offensant ou problématique. Le problème étant que le public du film étant essentiellement des adolescents, il ne faudrait pas qu’ils n’aient que ça comme représentation. Mais je pense que ce serait les sous-estimer que de croire qu’ils prendraient ce personnage comme représentatif des personnes en fauteuil.

En quoi la représentation des personnes ayant des handicaps dans le cinéma est importante selon toi?

Comme toutes les représentations, montrer qu’on existe. Peut-être aussi une porte d’entrée pour les plus jeunes et un début de réponse aux questions qu’ils peuvent se poser, même si je ne pense pas que le cinéma doit obligatoirement servir à « éduquer ».

Quel type de représentation de personnes ayant un handicap aimerais tu voir dans un film?

Plus de méchants. Ne pas forcément associer handicap et pathos. Et peut-être un peu plus d’handicapés de naissance aussi pour sortir de l’archétype (cliché?) accident.

Penses-tu que les interprètes qui jouent un personnage handicapé doivent l’être aussi?

Je suis partagé là-dessus. Comme je l’ai dit au dessus, Stevie de Malcolm est un de mes préférés et son interprète n’est pas handicapé.
D’un autre côté, les interprètes handicapés ne peuvent pas jouer des valides donc pour citer South Park « ils nous volent notre travail ».
Dans la mesure du possible, privilégiez les interprètes handicapés.

Connais tu des interprètes/réalisateur-rices/scénaristes ayant un handicap? (pas forcément personnellement)

Rj mitt qui joue dans Breaking Bad donc et Fabien Héraud qui joue dans De toute nos forces de Nils Tavernier pour des handicaps ressemblant au mien. Mais je ne les connais que pour un seul rôle, ce qui veut soit dire que je suis quelqu’un de très peu curieux, soit qu’il n’y a pas beaucoup d’opportunités lorsque tu es handicapé physique.

Beaucoup de films de genre utilisent le fauteuil pour représenter le handicap (Ropes, Chucky 6, Silver Bullet, Alien la résurrection, Incident de parcours…).

Je pense que visuellement et scénaristiquement, c’est très pratique pour faire naître la tension (ça marche souvent sur moi d’ailleurs) d’un point de vue purement cinématographique c’est plutôt cool.

Pas forcément de reproches à faire à part peut-être le fait qu’il s’agit un peu trop souvent de personnages qui ne sont pas handicapé de naissance mais c’est certainement parce que je suis concerné.

Quels sont les principaux clichés liés au handicap représentés dans les films?

Le personnage handicapé suite d’ un accident. Je comprends que ça soit un bon ressort dramatique et un vecteur d’empathie pratique pour un scénariste mais c’est un peu répétitif.
Je sais pas si c’est un cliché mais les parents qui discutent du handicap de leur enfant comme s’il le découvrait, alors qu’il a plus de 10 ans. Après ça me fait plus rire qu’autre chose. Et ma mère ne trouve pas ça si absurde donc ça vient peut-être de moi.

4-Le handicap lié aux sens

En termes de narration, on a souvent affaire à de l’ironie dramatique, le public en sait plus que le personnage. Cela nous donne un temps d’avance, mais permet également de développer l’empathie pour le personnage car on a très vite envie de l’aider pour contrer le danger. C’est donc un élément facile pour créer du suspens: on voit le danger arriver et on angoisse de ce qui peut arriver.

On peut donc noter Blink, Castle freak, The eye, See for me, Eyes of a stranger, Mischieft night, Silent Night Deadly night 3 ou encore Don’t breathe dont l’intrigue (ou une partie de l’intrigue) est basée sur le fait que les personnages sont aveugles.
The Eye et Blink ont des points communs:

• les personnages féminins de Blink et The Eye sont violonistes (qui donne plus de grâce au personnage?).
• elles subissent une opération des yeux destinée à leur rendre la vue, du moins en partie. Mais ce sont précisément ces opérations qui perturbent la vie de ces femmes.
  L’une voit flou et est déstabilisée par des visions qu’elle peine à comprendre, quand l’autre est parasitée par des représentations paranormales. Alors que la société validiste pense que le mieux est de retrouver la vue, le résultat est pour le moins pénible pour les concernées. D’ailleurs à la fin de The Eye, Sidney redevient aveugle.
• un personnage masculin vient les protéger (et surtout faire une fois de plus preuve de gaslighting), avec qui il y a tension sexuelle/amoureuse.

Vient ensuite la caractéristique d’être sourde et/ou muette. On a les exemples de Témoin muet, Hush, ou Midnight silence. Dans ce cas, même s’il s’agit aussi souvent d’ironie dramatique, le personnage est moins vulnérable d’une certaine manière, car il a le même référentiel que le public. Il voit la même chose. Ainsi, de mon point de vue, une distance s’installe plus facilement avec le public, car on sent moins le personnage en danger. Le point central est davantage lié au suspens créé par le handicap, et la situation de danger dans laquelle est (ou sera) le personnage.
Par exemple dans Témoin muet, le public et l’héroïne, Billy sont tous les deux témoins d’un meurtre. Et comme on sait qu’elle sait déjà communiquer avec une partie de son environnement, on ne doute pas qu’elle va pouvoir témoigner. D’ailleurs, les meurtriers l’ont bien compris et c’est pour cette raison qu’ils la pourchassent.

Récemment peu de films ont proposé de nouvelles manières de filmer la cécité. Il faut attendre See for me en 2021 pour voir un renouvellement dans une certaine mesure.
On suit Sophie, jeune femme aveugle qui est tout à fait autonome au point de faire du catsitting sans problème, dans une immense maison (un lieu inconnu décuple les difficultés pour une personne aveugle).
C’est un vrai plaisir de voir une sororité entre elle et une gameuse qui va l’aider à lutter pour sa survie l’épauler suite à l’intrusion de meurtriers. A l’aide d’une application nommée « see for me », la gameuse va l’aider à distance. Le film manque de mise en scène efficace pour susciter une vraie tension, mais regorge de bonnes idées.

On peut noter un biais validiste qui est régulièrement intégré dans le scénario: le fait de guérir de son handicap, comme si c’était un point positif qui viendra forcément améliorer la vie de la protagoniste.
C’est le cas dans Blink, dans Incidents de parcours où le personnage retrouve l’usage de ses jambes ou encore Le Calendrier. On peut aussi noter Mischieft Night et Eyes of a stranger. Dans les deux derniers cas sont même assez douteux, car les protagonistes retrouvent la vue grâce au trama des agressions subies.
C’est déjà un ressort scénaristique que l’on trouvait en 1946 dans Deux mains la nuit. L’héroïne muette retrouve sa voix après la résolution des meurtres.
On peut faire un parallèle avec les personnages féminins dont on découvre la force suite à un viol.

The Eye est un des seuls à présenter la « validité » comme vrai handicap pour une personne aveugle. En effet, le médecin apprend à Sidney que son cerveau va être considérablement troublé par la vue retrouvée et ainsi sa capacité à trier les informations. A la fin du film, elle redevient même aveugle et s’en porte mieux.
C’est aussi finalement l’idée qu’on peut en retirer de Sans un bruit, avec le personnage de l’adolescente sourde. Son handicap la met précisément plus en danger que les autres, car non consciente du bruit qu’elle peut faire (qui attire les bestioles ultra sensibles au son).
Cela la rend plus dépendante de sa famille qui doit l’alerter. En revanche, elle devient la clef de résolution du film, en utilisant son appareil auditif pour déclencher une fréquence si puissante qu’elle repousse les créatures. D’un coup, elle devient plus puissante que les valides.

5- L’enfer c’est les autres (ou pas)

La plupart de ces films avec un personnage principal ayant un handicap sont des femmes (Run, Ropes, Hush, Blink, The Eye, Seule dans la nuit, Terreur aveugle, etc…), et empruntent les codes du home invasion. Elles habitent seules. On joue sur la peur de voir une personne supposément doublement vulnérable face à un danger, et cela ne peut qu’être une femme. Cela reste compliqué dans l’imaginaire collectif de mettre un homme dans une situation d’emblée vulnérable qui a vocation à le devenir encore plus. C’est dire si les stéréotypes ont toujours de beaux jours.

Il faut voir comment les affiches sentent le sexisme à plein nez, se délectant de placer une figure masculine qui s’apprête à fondre sur une jeune femme vulnérable (bien souvent aveugle par ailleurs), bien souvent sexualisée.
Deux mains la nuit (qui mérite le détour), en fait même son pitch: le tueur en série qui rôde ne s’attaque qu’à des femmes ayant un handicap, quel qu’il soit. Sa justification à ces meurtres est directement lié à un trauma d’enfance. Celui d’un père prônant la masculinité hégémonique que notre tueur en série n’a pas su honorer. Il tue des femmes handicapées pour éliminer la représentation de la faiblesse.

Je n’ai vu qu’un film avec un personnage masculin ayant un handicap au centre de l’intrigue: Incident de parcours de Romero. Et encore, il est entouré de sa copine et son meilleur ami, contrairement aux personnages féminins qui sont restent souvent seules.

Cela permet en tous cas d’asseoir une certaine force et résistance aux personnages féminins, qui finissent toujours gagnantes. Car il y a en effet, toujours des happy end. Tuer une personne ayant un handicap reste certainement un grand tabou, comme celui de tuer des enfants, même dans le cinéma de genre.

Ce postulat est cependant valable si le film ne joue pas sur cette double vulnérabilité citée plus haut. En effet, des films projettent des caractéristiques sexistes et validistes à la fois. Comment cela se matérialise? Avec un personnage:

• Qui n’est caractérisé qu’à travers son handicap, et où celui-ci est particulièrement marqué comme un aspect vulnérable,
• Qui est objectifié, notamment sexuellement.
• Qui est une adolescente (permettant d’avoir un personnage en apparence diminué à la fois en raison de l’âge, du genre et du handicap).

C’est le cas de Castle Freak, Eyes of a stranger ou Silent Night, Deadly Night 3. Ces adolescentes sont poursuivies par l’antagoniste en intégrant une dimension (d’agression) sexuelle.
Elles n’ont pas d’autres fonctions que d’être l’obsession du mauvais personnage.
Le pire étant Eyes of a stranger (1er rôle de Jennifer Jason Leigh), qui est le personnage permettant à sa soeur d’avancer dans l’action sans qu’elle même en fasse, car elle est au final absente pendant les 3 /4 du film. Elle tient une place centrale à la fin, quand elle est agressée par le psycho killer qui s’en prend à elle parce que sa soeur a deviné son identité et le menace.
Castle Freak et Eyes of a stranger ont en plus le point commun que le personnage aveugle soit l’objet moteur pour le personnage valide (le père pour Castle Freak, la soeur pour Eyes of a stranger).

On remarque également qu’avoir un handicap l’est aussi pour les relations amoureuses. Comme vu plus haut les protagonistes sont seuls. Dans Hush, l’héroïne est récemment séparée, et dans The Eye, aucune relation n’est mentionnée et une tension plus amoureuse que sexuelle est suggérée sans concrétisation. Le personnage principal de Témoin muet est présentée comme la bonne copine d’un couple avec qui elle fera équipe au long du film. Dans Blink, on assiste au bon vieux « jeu » de séduction du flic qui craque sur l’héroïne, Emma, mais qui lui reproche d’être violente alors que c’est lui même qui se permet de la secouer. D’ailleurs, Emma est subitement prise « d’hystérie » quand elle est en interaction avec ce personnage masculin, alors que le reste du temps le personnage est déterminée et indépendante.
Exception dans le très mauvais Mischief Night, où l’adolescente (par ailleurs très bien incarnée par Noell Coet) a un amoureux. « L’écriture » du film n’est pas développée à ce sujet, contrairement à Terreur aveugle où le personnage de Mia Farrow qui est aveugle, est aimée par un homme qui a la même passion des chevaux qu’elle. Le soin apporté à la relation entre les 2 personnages est particulièrement touchante.

Dans Incidents de parcours, le personnage devient tétraplégique et il laisse sa compagne partir, visiblement mal à l’aise de gérer cet handicap avec lui. Mais il va retrouver l’amour en la personne de sa kinésithérapeute (donc une femme qui prend soin de lui). Cela donne lieu à une scène de sexe hors norme au cinéma, à savoir qu’un homme impuissant fait un cunnilingus à sa partenaire (et lui donne du plaisir). C’est très rare de voir un acte sexuel hétérosexuel au cinéma qui ne passe pas par une pénétration, qui plus est avec un homme impuissant.
De tous les films où le personnage principal a un handicap, c’est un homme qui peut avoir des relations amoureuses stables.

Concernant le handicap moteur, l’adolescent de Silvet Bullet est très bien écrit. Marty vit dans une petite ville frappée de plusieurs meurtres. Il se met en tête qu’un loup garou en est à l’origine. Il a une relation complexe avec sa soeur (dont on montre aussi la répercussion sur sa vie de vivre avec un frère ayant un handicap), avec son oncle (qui est le seul adulte à l’écouter mais avec prudence). Son handicap n’est pas un sujet mais n’est pas non plus oublié (son oncle ne cesse de perfectionner son moyen de déplacement).
Marty est également au coeur de scènes d’action efficaces et crédibles, il n’est pas démuni malgré son handicap. L’équilibre est parfaitement trouvé.

Il est également question de relation de soeurs dans le merveilleux What happened to baby Jane? Blanche, soeur paraplégique de Jane, est prisonnière de celle-ci. Mais le fauteuil symbolise aussi un piège psychologique. Blanche garde pour elle un mensonge qui culpabilise sa soeur qui se déconnecter chaque jour un peu plus de la réalité.

Sexisme et validisme: une double violence

J’ai remarqué deux films qui soulignent qu’être une femme handicapée, c’est être victime aussi de sexisme.

Dans Hush, Maddie est une écrivaine sourde, vivant seule (encore). La 1ère partie accentue la vulnérabilité de la protagoniste. En effet, on voit le meurtrier entrer tranquillement derrière elle, ce qui déclenche chez lui l’envie de jouer avec cette proie qui lui semble encore plus fragile car inconsciente du danger imminent.
A ce propos, le film est très bien écrit selon moi, pour illustrer la misogynie et la manière dont les femmes ripostent plus efficacement avec leurs propres armes.
Voici comment le film structure en plusieurs étapes:

• Quand le tueur arrive et se rend compte de son handicap, il décide de jouer avec sa proie. Il cherche à jouir de sa domination et à la faire souffrir = illustration de la violence masculine. C’est le moment où Maddie est le + vulnérable.

• Dans la 1ère partie de la confrontation, elle réalise le danger et cherche à survivre, elle n’est pas prête à riposter, c’est cohérent.

• La misogynie donne tellement la confiance= le tueur n’hésite pas à enlever son masque pour lui montrer son visage: il est persuadé qu’il peut la tuer easy donc autant s’amuser. On lit souvent que c dommage que le masque soit enlevé si tôt, je trouve au contraire que c brillant.

• Le point de bascule c’est qu’au delà du danger, elle réalise la cruauté et la violence de l’intrus quand il utilise le corps de sa pote pour lui faire peur. Alors que la caméra était loin de Maddie, la cadrant sur les côtés, elle revient au centre et on assiste à sa terreur.

• C’est tentant de s’emparer de l’arbalète du tueur mais ce n’est pas son arme: elle n’arrive pas à la faire fonctionner. C’est rare pour le noter: les final girls reprennent très souvent l’arme du tueur pour la retourner contre lui signifiant sa reprise de pouvoir.

• Un autre aspect de la misogynie est montré. Quand un pote de Maddie arrive, le tueur le manipule pour détourner son attention = manipuler l’entourage permet de continuer les violences tranquille. (très souvent dans ce type de home invasion, le tueur irait direct au frontal)

• Après avoir vite fait touché finalement le tueur avec l’arbalète, Maddie utilise ensuite son autre arme: sa créativité narrative. Elle imagine tous les scénarios possibles pour savoir lequel lui permettra de s’en sortir (en + on sort du classic « mais naaaaan c’était un rêve »)

• Le tueur se croit toujours plus puissant; il parle derrière elle avant de l’attaquer. Mais elle sent son souffle et le poignarde: elle utilise ses autres sens, plus affutés que son adversaire. Elle utilise ensuite son alarme qu’elle sait très agressive pour les entendants.

• Le coup fatal est porté par le tire bouchon, qui est littéralement le 2e plan du film au tout début. L’ustensile lié à la cuisine, qui ne lui portait pas chance au début, qu’elle parvient à utiliser à son avantage.

Midnight Silence propose une écriture pertinente. Car le personnage féminin, Kyung-mi est caractérisée au delà de sa surdité. Finalement, il y a assez peu de ressorts scénaristiques sur son handicap, l’idée est de la faire exister à travers une sororité dans une société patriarcale:

• Dès le début, on nous montre qu’elle comprend les remarques sexistes de ses collègues et qu’elle se moque d’eux sans qu’eux, comprennent.
• Sa relation avec sa mère est riche: elles représentent une vraie force alliée,
• Alors qu’elle est poursuivie par le tueur dans la foule, il se fait passer pour son frère et les gens ne réagissent pas, trouvant normal qu’un homme contraigne sa soeur apparemment folle,
• Elle réalise que pour s’en sortir, le tueur doit la poignarder à la vue de tous pour être considérée comme victime.

7- Le handicap est présent depuis toujours dans le cinéma de genre

On remarque que de tout temps, le handicap est représenté à l’écran. Bien qu’il le soit beaucoup plus ces dernières années, le traitement des personnages handicapés n’a pas tellement évolué.
Si les personnages sont parfois plus complexes (Ropes, Run, Midnight silence…), il manque en revanche un traitement plus politique de la situation de ces personnes. La difficulté quotidienne d’évoluer dans une société validiste est finalement très peu abordée. Alors qu’elle représente pour le coup de véritables obstacles et angoisses au quotidien.

On notera que les personnes handicapées sont rarement des antagonistes. On en note quelqu’uns comme Don’t breathe, Fragile, Incassable ou Angoisse.
De même, la plupart des films cités dans cet article sont plus ou moins confidentiels. En tous cas, ils n’appartiennent pas à des films d’une grande popularité. Et quand ils le sont (comme Freddy 3), ce sont des personnages annexes. Les personnages principaux handicapés se retrouvent quasiment toujours dans des « petits » films.

Enfin, je note qu’il n’y a aucun film de mon corpus réalisé par une femme.

6- Le handicap invisible l’est tout autant à l’écran

Vous avez sans doute remarqué que tous ces handicaps sont visibles ou du moins rapidement identifiable comme la surdité.
Pourtant, la majorité des handicaps sont invisibles. Il n’est pas facile voire impossible de les caractériser rapidement, et dans ce cas ces handicaps ne sont pas réels. Pour les valides, un handicap doit se voir et être tangible car sinon ils n’ont aucun moyen de s’assurer que la personne ne ment pas et n’essaye pas t’en tirer profit.

Mais comme le cinéma est majoritairement pensé par et pour les valides, il est très rare voir quasi inexistant de voir au cinéma ces handicaps représentés.
C’est notamment le cas de l’autisme qui est très peu représenté. On peut noter Cube, dont la personne autiste s’avère être la plus futée et qui le seul qui s’en sort. Mais aussi le trop méconnu Come Play, où il s’agit d’un petit garçon autiste. Le film prend soin de contextualiser l’autisme au sein d’un cercle familial en rupture et amical. Il met en valeur l’utilité des écrans pour ces personnes, permettant de nuancer le discours souvent négatif et anxiogène envers les nouvelles technologies, très présent dans le cinéma de genre.

Cela me paraissait d’autant plus important d’évoquer cette question. Pour cela, je laisse la parole à des personnes concernées.
J’ai échangé avec Mylène, de la chaîne Welcome to prime time bitch ! et Nicolas.

Est-ce que tu peux décrire ton ou tes handicaps ? 

Mylène: Oui, bien sûr, je suis atteinte d’une malformation de Arnold Chiari. C’est une malformation rare qui touche le cervelet. Pour faire simple, le cervelet prend trop de place, ce qui augmente la pression sur la moelle épinière et le cerveau.

Cette malformation me cause des malaises réguliers, une fatigue chronique, un trouble de l’équilibre et de nombreux vertiges ainsi que l’incapacité de réaliser certains mouvements. J’ai aussi subit une décompression du cervelet, on m’a endommagé un nerf durant cette opération. Depuis, je souffre de douleurs chroniques et d’une névralgie d’Arnold. 

Nicolas: J’ai une maladie de Crohn, qui se résume par une inflammation du tube digestif, mais qui touche principalement les intestins. C’est une maladie auto-immune, qui agit différemment selon les personnes, mais qui se manifeste, sans rentrer dans les détails, par de soudaines envies d’aller aux toilettes, de fatigue, d’amaigrissement, de douleurs intestinales, voire de vomissements (et j’en passe). 

Peux-tu expliquer les conséquences que cela a concrètement dans ton quotidien, et dans le fait de vivre dans une société validiste ?

Mylène: Je suis très limitée dans mes mouvements et mes déplacements même dans mon propre appartement. Certains gestes du quotidien comme le fait de me baisser ou encore me laver les cheveux peuvent devenir un vrai challenge. 

Depuis peu, j’ai une béquille qui m’aide dans mes déplacements et me permet d’être un peu plus autonome mais tout devient une charge mentale supplémentaire quand il s’agit de me déplacer, car rien n’est vraiment adapté aux personnes en situation de handicap. 

Lorsque je n’ai pas ma béquille mon handicap est réellement invisible et il est parfois très compliqué de devoir justifier mon handicap avec le monde qui m’entoure. Bien souvent, on ne comprend pas vraiment mon handicap car je ne coche pas les cases de la personne handicapée lambda tel que l’entend la société. 

Nicolas: Pour ma part, je l’ai eu très jeune et j’ai appris à vivre avec. J’ai longtemps eu énormément de problèmes dans mon quotidien, notamment dans mes déplacements car j’ai grandi avec cette peur de toujours vouloir aller aux toilettes, et la peur de ne pas en trouver à temps.
De plus, il y a des moments où je n’ai pas la même énergie, de grosses fatigues dûes aux anémies (on peut perdre beaucoup de sang à la selle) et aux douleurs. Par conséquent, cela devient aussi difficile de gérer avec son entourage car tout le monde n’est pas forcément à même de comprendre les situations par lesquelles on passe. Surtout, ce n’est pas forcément une partie de plaisir que d’expliquer les causes et les effets de sa maladie aux autres, relations amoureuses incluses. 

Le cinéma de genre a pour essence de mettre en scène des personnages marginaux, oubliés, ignorés, discriminés par la société, dont les personnes ayant un handicap font parties. Est-ce que tu trouves que c’est plutôt une bonne chose ou tu aimerais au contraire que ces personnes soit plus « normalisées »?

Mylène: Heureusement que le cinéma de genre existe pour illustrer (pas toujours de manière pertinente) des personnages marginaux et oubliés sinon il n’y aurait pas vraiment de place pour leur représentation dans les autres genres. Le film Freaks est notamment un film qui a beaucoup parlé aux personnes en situation de handicap car ici, ce ne sont pas les Freaks la menace mais bel et bien les valides qui vont en avoir pour l’argent de Hans, un personnage atteint de nanisme.

Cependant, j’aimerai que les marginaux, les personnages discriminés ne soient plus les monstres cachés dans l’ombre comme dans Basket Case ou encore La colline à des yeux, la monstruosité peut prendre bien des formes, et il serait temps que la représentation change de ce point de vue-là. 

J’aimerai qu’un personnage en situation de handicap soit illustré sans que son handicap soit son seul arc narratif et qu’il ou elle évolue avec son handicap mais pas seulement à travers ça. Notre handicap nous définit et fait la personne que nous sommes en un sens, mais pas seulement. Pour changer cette vision erronée il faudrait bien plus de personnes en situation de handicap engagées en tant que scénaristes. 

Nicolas: Je crois que c’est un peu des deux. Ces personnes devraient êtres représentées pour ce qu’elles sont, dans l’humanité la plus absolue. De mon point de vue, je suis très attiré par les réalisateurs/réalisatrices qui parlent de ces « oubliés » comme des gens de tous les jours, car c’est ce qu’ils sont. J’aime énormément le cinéma de Ken Loach, entre autres, qui trouve avec justesse l’équilibre afin de parler de sujets sociétaux qui affectent la majeure partie de la population. Il n’est pas directement impacté par ses sujets, et pourtant, il arrive à puiser dans sa sensibilité, son humanité, pour parler des autres. 

Dernièrement j’ai regardé la mini-série de María Belén Poncio et Rosario Perazolo Masjoan, un mètre vingt sur Arte, qui traite du sujet de l’adolescence et du désir lorsque l’on est atteint d’un handicap (en l’occurrence dans la série l’héroïne est atteinte par un handicap moteur).  Rosario Perazolo Masjoan (qui a co-réalisé la série) parle de sa vie, et de son handicap à travers son œuvre, et à l’instar de Ken Loach, elle est directement liée à son sujet et en parle avec énormément de justesse et de sensibilité. 

Pour résumer, je crois que chacun devrait être libre de parler de toutes ces personnes comme des sujets normaux dans leurs œuvres, tant que cela est fait avec sensibilité et humanité. 

Quelles séries/films  de genre représente bien ton handicap selon toi?

Mylène: Ah ah, comme ça je dirai aucun, c’est la chance d’avoir une maladie rare que même les médecins ne maitrise pas vraiment. J’ai vu quelques épisodes de séries traitant (mal) directement de la malformation de Chiari tel que Dr House ou encore The resident mais je vous laisse imaginer le résultat. 

Cependant, je m’identifie souvent sur des petits éléments comme dans la série The 100 où les personnages subissent une opération au niveau du crâne afin de se faire implanter un nouvel esprit. Ou encore dans Invasion From Mars où les aliens s’implante dans le cou de leur victimes. 

Mais plus récemment c’est vraiment le film Malignant qui m’a beaucoup parlé. On suit une jeune femme qui suite à une blessure derrière la tête commence à avoir d’étranges visions (Spoiler). Très vite on va se rendre compte qu’elle a rouvert une énorme cicatrice où se logeait son jumeaux diabolique, Gabriel. J’ai moi-même une cicatrice de plus de 15 cm au niveau de mon crâne et j’avoue que suite au visionnage de ce film je me suis demandé si Gabriel n’allait pas sortir de mon crâne à tout moment.
Plus sérieusement suite à mon opération j’avais très peur que la cicatrice s’ouvre et que (rire) mon cerveau sorte de mon crâne, ce film m’a donc beaucoup parlé et je crois que c’est pour ça que je l’aime autant. De plus, je peux à présent faire de ma cicatrice un élément de cosplay badass. 

Nicolas:  Malheureusement aucun/aucune à mon grand regret. Mis à part quelques épisodes d’Urgence ou Dr House, qui mentionnent quasiment toutes les maladies qui existent, je n’ai jamais vu de personnages, aussi bien principaux que secondaires, parler de ce handicap ou en être atteint.

Dans le film Les Chèvres du Pentagone, George Clooney mentionne être atteint d’une maladie de Crohn, mais pourtant arrive à exister dans le film sans trace apparente de son handicap, ce qui m’avait énormément surpris à l’époque. Partant du principe que l’on mentionne la maladie du personnage, pourquoi ne pas avoir aussi représenté les problématiques que cela représente, au lieu de nous montrer quelqu’un qui est clairement en voie de rémission ?

Quelles séries/films de genre ont une représentation de ton handicap problématique selon toi? 

Mylène: Il n’y a pas de représentation de mon handicap dans le cinéma de genre malheureusement mais ça viendra peut-être un jour. Cependant, depuis que j’ai ma béquille (qui porte le nom de Janine) je me suis bien rendue compte que les personnages à canne ou à béquille sont presque toujours les méchants dans les films d’horreur et qu’il faut toujours se méfier de quelqu’un qui boite.
Dans le film The Mangler réalisé par Tobe Hopper, la canne est même un moyen sans détour d’identifier le ou la méchante. 

En quoi la représentation des personnes ayant des handicaps dans le cinéma est importante selon toi?

Mylène: La représentation est nécessaire parce qu’on a besoin de se sentir représenter, d’exister. Peu après mon opération, je me suis retrouvée dans une grande errance médicale et avec peu de témoignage sur ma maladie. Je suis alors partie en quête de représentation mais comme je l’ai évoqué un peu avant ça n’a pas été concluant. J’avais besoin de me sentir représentée, de pouvoir m’identifier à un personnage, à quelqu’un qui me ressemble même de loin mais ce n’était malheureusement pas possible. Le cinéma c’est une vraie catharsis pour moi, je digère et j’intègre les images que je vois et elles me font du bien. 

Nicolas: Pour moi cette représentation est primordiale. J’ai énormément appris du monde et des gens qui m’entourent grâce au cinéma ! Par conséquent, je crois qu’il est l’un des meilleurs exemples pour représenter ces personnes qui vivent de ces conditions, parfois même invivables, insurmontables.

L’idée n’étant pas de véhiculer de la pitié envers ces personnes, mais plutôt de la compassion, une prise de conscience. Donc oui, cette représentation est importante pour moi, essentielle même. 

Quel type de représentation de personnes ayant un handicap aimerais tu voir dans un film de genre?

Mylène: Je rêverai de voir une final girl ayant un handicap (un handicap qui me ressemble). La voir survivre, combattre le boogeyman et ce, en prenant en compte les symptômes qui pourront possiblement la ralentir, la mettre en danger mais aussi être une force mentale incroyable pour elle car son quotidien est déjà un combat même s’il prend une tout autre forme.
On a déjà vu des final girl qui ont subit des drames et en ont fait une force comme Sidney dans Scream. Mais pas de final girl ayant dû combattre pour son quotidien face à un handicap qui peut parfois être très lourd.
Exception faite de Nica dans Chucky 6 qui est une final girl en fauteuil roulant qui va devoir combattre Chucky et ce, durant plusieurs opus de la franchise et même dans la série. Chucky est un très bon exemple de représentation et surtout la série en cours qui fait suite aux films, je vous la conseille fortement. 

Dernièrement j’ai eu la chance de lire le scénario du court métrage d’Elsa Bouyeron, qui met en scène des personnes en situation de handicaps qui jouent tous les soirs dans un cabaret. C’est un court métrage de genre, je ne peux pas vous en dire plus pour ne pas vous spoiler car le court n’a pas encore été tourné. Mais ce que je peux vous dire c’est que lorsque que j’ai lu les dernières phrases du scénario, j’ai pleuré. Elsa est elle-même en situation de handicap, son scénario est un cri du cœur et il m’a profondément touchée. 

Penses-tu que les interprètes qui jouent un personnage handicapé doivent l’être aussi?

Mylène: Bien sûr, les personnes en situation de handicap sont bien souvent discriminées en raison de leur handicap. Mais lorsqu’il s’agit de les faire jouer un personnage en situation de handicap elles sont souvent considérées comme moins pertinentes que des personnes valides et c’est là tout le problème. 

Sont-elles vraiment moins douées pour représenter un handicap qu’ils ou elles vivent au quotidien ou sont elles moins pertinentes pour illustrer le handicap tel que les valides veulent le voir ? 

Nicolas:  Il fut un temps où je ne le pensais pas, car j’admirais les performances des acteurs/actrices capables d’interpréter de tels rôles (et c’est toujours le cas pour certain-es). C’est un sujet qui fait énormément débat, par conséquent, je ne peux me positionner pour les autres, donc je ne parlerais qu’en mon nom et mon handicap. 

Je n’aurais aucun souci à ce que cette maladie soit représentée par un acteur qui n’est pas atteint par Crohn. Premièrement, c’est un handicap quasi invisible, et il est sans difficulté de le représenter à cette échelle par quelqu’un de tout à fait « normalement constitué ».
Deuxièmement, si la personne qui est au commande est directement touchée par le sujet et est capable de représenter, à travers son comédien, l’essence même du sujet, je n’y vois encore aucun inconvénient. Il faudrait dans tous les cas que des personnes directement atteintes par le sujet soient en charge de beaucoup de choses autours de l’œuvre, afin de représenter avec beaucoup de véracité l’exactitude des conditions et de ce que cela représente. 

Connais tu des interprètes/réalisateur-rices/scénaristes ayant un handicap?

Mylène: Je mentionnerai Kiera Allen qui joue dans le film Run, elle joue une jeune femme en fauteuil roulant séquestrée par sa mère atteinte du syndrome de Munchhausen. Elle est incroyable dans ce long métrage. Ou encore Melanie Gaydos qui souffre d’une maladie génétique rare, une dysplasie ectodermique, elle est mannequin est à notamment joué dans Tous les dieux du ciel. 

Enfin pour terminer je nommerai Selma Blair qui est atteinte d’une sclérose en plaques, c’est véritable grâce à elle que j’ai passé le douloureux cap de la béquille. J’ai mis beaucoup de temps à me résoudre à prendre une béquille pas tant parce que je n’assume pas mon handicap mais parce que je ne pouvais pas me résoudre à accepter cette aide. La force de Selma Blair, sa classe avec sa nouvelle compagnonne de route, sa canne m’a vraiment donné la force nécessaire.

Nicolas: Malheureusement aucun-es ne me viennent à l’esprit. Je dois en connaître, mais rien ne me vient pour le coup… Ce qui est la preuve directe que, derrière la caméra (ou devant), les personnes atteintes de handicap ne sont clairement pas assez présentes. Ou alors je ne suis pas au courant. 

J’ai le sentiment que dans le milieu du cinéma les gens parlent rarement de leur handicap, alors que c’est évident qu’il y a des gens concernés. C’est tabou/pénalisant de parler de handicap?

Mylène: C’est un tabou bien sûr même si les mentalités changent c’est bien trop long à mon goût. Parler de son handicap c’est possiblement se faire ranger dans une petite case et se faire mettre de côté par une industrie qui à du mal à faire de la place à la différence. De même qu’une actrice en surpoids sera toujours plus discriminée qu’une actrice rentrant la « norme » du monde du cinéma.

D’ailleurs cette année, je n’ai pas le souvenir d’avoir vu une personne en situation de handicap sur le magnifique tapis rouge de Cannes. Je ne suis pas sûre que ces longues files d’attentes et ces nombreuses marches soient très accueillantes pour une personnes comme moi. Et ça ne sera malheureusement pas le dernier ni le premier festival de cinéma qui n’est pas du tout accessible pour les personnes en situation de handicap. Le cinéma a le pouvoir de changer les choses, mais faut-il encore le vouloir ! 

Un personnage de fiction ayant un handicap qui t’a marqué positivement?

Nicolas: Je suis un grand GRAND fan du cinéma d’Arthur Penn !  Pour le coup, je trouve qu’il parle vraiment bien, et justement, des classes marginales, des oubliés… Il a réalisé en 1962 l’un de mes films préférés Miracle en Alabama, qui raconte l’enfance de Helen Keller (qui était sourde, muette et aveugle) et de sa tutrice qui va tenter de l’ouvrir et la connecter au monde qui l’entoure.
C’est un film d’une puissance inouïe, porté par deux actrices absolument magistrales. Patty Duke y interprète le rôle de Helen, et je crois n’avoir jamais été autant touché par un rôle représentant un handicap que celui-ci (sachant qu’elle n’avait aucun handicap). Anne Bancroft vient, de par sa justesse et sa sensibilité de jeu, sublimer et cristalliser toute l’essence du sujet. 
Bref, c’est un film que je ne cesserai de recommander, pour son sujet et pour son intensité !

Films cités et/ou correspondant à la thématique:

L’article [Dossier] La représentation des handicaps dans le cinéma de genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

L’oeuvre originelle : The Stepford wives / Les femmes de Stepford 

Le livre d’Ira Levin sorti en 1972

Le livre écrit par Ira Levin (à qui on doit aussi Rosemary’s baby) illustre la paranoïa masculine envers le féminisme des années 60 et le ressentiment des hommes envers les femmes qui s’émancipent. Dans les Stepford wives, ces hommes nostalgiques d’une vie « plus simple »avec des épouses domestiquées remplacent leurs femmes par des robots sosies plus obéissants. Dénuées de pensée critique, elles dévouent leurs vies aux désirs de leurs maris.

L’acte de créer un corps féminin fait penser au mythe de Pygmalion, le sculpteur qui cisèle une statue de femme si belle qu’il en tombe amoureux.

Le film de Bryan Forbes sorti en 1975

Dans le film un mari pousse sa femme à quitter New York pour déménager la famille dans une petite ville des suburbs. Ce mari a été séduit par la promesse que sa carrière va bénéficier d’un boost et l’illusion que cette vie est plus heureuse pour la famille. Envieux des femmes « parfaites » de ses nouveaux voisins, il finit par trahir sa femme et complote avec les autres hommes de la ville dans le but de la remplacer par un robot. Pendant tout le film on assiste au gaslighting qu’elle subit pendant qu’elle se rend compte petit à petit du secret que cache la ville.

En plus d’être un film féministe ce petit bijou est aussi une critique anticapitaliste. Les Stepford wives ne parlent que de produits ménagers comme dans des publicités, et elles vivent leur meilleure vie au supermarché, qui est rempli de jolis rayons colorés et abondants. La production du film a d’ailleurs été confiée à un anglais (Bryan Forbes) pour pouvoir critiquer le concept du « rêve américain » ce qui n’aurait pas été possible par un studio US. 

Le trope de la Stepford wife s’articule autour de plusieurs éléments

On retrouve 4 notions essentielles dans le concept de stepfordisation : 

Domestication de la femme : 

La figure de parfaite housewife, épouse préoccupée avant tout par des soucis domestiques et son apparence, qui se conforme aux normes de genre dans le but de satisfaire son mari.

Pygmalion & Robot sexy :

Le corps féminin créé de toute pièce par un homme artiste ou savant et le corps féminin remplacé par une machine sexuelle, dans les deux cas l’homme exerce un contrôle sur le corps.

Dans la figure de parfaite housewife et du robot sexuel se croisent la notion que la femme doit faire plaisir à l’homme en étant facile, sexy et assumer les corvées domestiques.

Suburbia Life :

Notion de succès social et financier traduit par une vie en communauté avec des jolies maisons, des jolis jardins, etc. Dans cet environnement c’est le patriarche qui domine car il est le principal pourvoyeur financier. 

Assimilation / Body snatcher : 

Remplacement ou contrôle du soi par l’utilisation de l’enveloppe corporelle, par un groupe d’individus à des fins de conformité sociale. 

Dans les concepts de suburbia et de body snatcher  on retrouve la notion de pression sociale : des règles comportementales, avec beaucoup de pression de groupe.

Plongeons maintenant dans les déclinaisons du complexe de la Stepford wife. 

Suites et reboots

Revenge of the Stepford Wives – 1980 

Le téléfilm ne présente aucun intérêt par rapport au film original si ce n’est que cette fois pas de robots, les femmes sont contrôlées avec des pilules qu’elles prennent 4 fois par jour et qui les rendent dociles.

The Stepford children – 1987

Dans ce téléfilm, les hommes stepfordisent leurs femmes et remplacent leurs ados par des robots pour qu’ils soient plus obéissants. Il fait penser au film Comportements troublants de 1998, où les ados sont également remplacés par des gentils enfants des année 50.

The Stepford husbands – 1996

Cette fois ce sont les maris qui sont changés par le club des femmes, mais les rôles de genre ne sont pas pour autant inversés. On se demande quel est l’intérêt du twist car le patriarcat n’est pas remis en question, l’héroïne conforte son mari dans ses attitudes agressives, et ce sont toutes les autres femmes les antagonistes. 

The Stepford wives / Et l’homme créa la femme – 2004

Cette comédie ratée avec Nicole Kidman est un reboot bercé de féminisme washing des années 2000, qui ne dénonce pas le patriarcat comme l’oeuvre originale. Le film dit plus ou moins que les femmes carriéristes ne sont pas de bonnes mères et ne sont pas assez disponibles pour leurs maris, qui finissent donc par les tromper. Le méchant est aussi une femme, qui veut un retour aux valeurs traditionnelles de la famille nucléaire.Dans cette version, l’antagoniste et l’héroïne ont tort, et les personnages masculins sont très passifs. Si vous ne connaissez que cette version des Stepford wives je vous encourage à regarder la version de 1975 !

Voir la femme comme objet sexuel et ménager

Inspirés du mythe de Pygmalion et de Les femmes de Stepford, il existe plus d’une centaine de films sur des hommes qui créent des femmes robots. Dont voici une courte liste qui reprend les notions essentielles du trope.

Je ne cite pas dans cette liste les androïdes féminines qui n’ont pas vocation à servir d’épouses ou d’objet sexuel : Metropolis, Alita, Ghost in the shell, Battle Star Galactica, Blade Runner, Akta maniskor, M3gan.

La fiancé de Frankenstein – 1935

A la base Elizabeth à été adoptée par la famille Frankenstein pour devenir la femme de Victor Frankenstein. Comme cela se faisait à l’époque, toute sa vie a servie de préparation à devenir une épouse. Puis elle se fait tuer et ressusciter en créature pour servir de compagne au monstre de Frankenstein. Elle n’est pas une femme robot comme dans The stepford wives mais elle est sacrifiée et son corps est utilisé par et pour un homme. 

Weird science – 1985

Des incels boutonneux fabriquent «la femme parfaite» en scannant numériquement des morceaux de femmes découpés dans des magasines pornos (comme la camera découpe des morceaux du corps féminin pour l’objectifier). Le film normalise l’obsession sexuelle chez les ados et l’humour est lourd.

Code Lisa – 1998

Qui est la série dérivée de Weird science, Deux ados fabriquent «la femme parfaite» grâce à un ordinateur.

Simone – 2002

Un producteur sur le déclin décide de créer une fausse actrice grâce à la motion capture, afin de donner un boost à sa propre carrière. Simone n’existe pas dans notre réalité mais elle existe bien dans les écrans et le public pense qu’elle existe. Sa voix et ses attitudes sont contrôlées par le producteur.

Ex machina – 2014

Alex Garland expose des problématiques féministes dans ses films, on l’a vu aussi avec son dernier long métrage Men. Dans Ex Machina il critique le patriarcat via le concept de «mâle alpha*» : puissant économiquement, puissant physiquement, et sexiste. Opposé à son subordonné représenté par un jeune homme moins accompli (beta*). Au delà du discours sur le complexe de dieu, ce qui glace le sang c’est le traitement de la femme objet : la création de robots esclaves sexuels, à qui on a donné une conscience et qui donc savent qu’elles sont abusées.

Le film nous montre aussi comment un jeune homme peut se laisser séduire par une femme artificielle : 

• Elle est belle (son design facial est issu d’une compilation des recherches porno du mec). 
• Le contexte est propice à créer une dimension intime par le dialogue (il lui parle pendant 7 jours). 
• Elle se met en position de victime (mettant ainsi le jeune homme en position de sauveur). 
• Elle change physiquement, passant de robot au corps mécanique avec rouages apparents à une femme de chaire en petite robe d’été (fetish masculin de la petite robe d’été).

Ces réflexions sont trop souvent survolées dans les analyses et les interviews, où on parle surtout de la tech et de la photographie du film. 

*alpha/beta : termes utilisé pour illustrer des concepts mascu. Personnellement je ne crois pas en ces représentations. 

Her – 2013

Her est un film qui nous interroge sur la notion d’amour en faisant tomber son protagoniste amoureux d’une assistante vocale. On parle ici d’une IA vocale certes évoluée, mais qui reste artificielle et a été développée pour satisfaire et aider son acquéreur.

Elle fait penser aussi à l’IA domotique dans Blade Runner 2049 qui est en quelque sorte prisonnière de l’appartement. Ce modèle ayant besoin qu’on lui installe un programme pour pouvoir aller se promener dans les flux internet.

Wifelike – 2022

Dans cet univers, on commercialise des femmes androïdes appelées «compagnes» qui sont hyersexualisées et ont des hobbies de femmes comme faire le ménage et du crochet. Ce film n’est pas une satire mais plutôt un fantasme scfi-fi-action. Le scénario est inutilement complexe et toutes les actrices du film ont 30 ans de moins que les acteurs masculins en plus d’avoir le droit à très peu de temps de parole. C’est mal écrit et mal joué, j’irais même jusqu’a dire que le film s’adresse à des incels. En 2022 ça fait mal de voir un film comme ça.

Westworld – 2016

Dans cette série des gens riches se payent le luxe de partir jouer les cowboys dans un univers peuplé de robots qu’ils peuvent tuer et violer en toute impunité.

Il aura fallu attendre après 2010 pour que l’objectification du corps féminin ne soit plus considéré comme normal ou comme un sujet de comédie.

Suburbia, assimilation et conformité

La représentation du « rêve Américain » est un sujet exploité dans beaucoup de films et de séries. Elever un enfant dans une « famille nucléaire » dans une communauté avec de belles maisons, des jardins bien entretenus, et de bonnes écoles est considéré comme un gage de succès. Mais cela peut aussi devenir un sujet d’angoisse, illustré dans certains film et séries.

The X-Files – Arcadia (S6 ep 15) – 1999

Mulder et Scully enquêtent sur la disparition d’une famille dans une communauté privée. Pour pouvoir s’intégrer ils doivent se faire passer pour un couple dans cette communauté où les habitants sont angoissés et très à cheval sur les règles. Tout est réglementé, de la couleur des boites-aux-lettres à la hauteur du gazon, en passant par le jour où il faut sortir les poubelles. Dans la réalité aux Etats-Unis dans certaines communautés appartenant à des holdings si tu n’obéis pas à certaines règles ou si tu ne peux pas financer les travaux, tu peux te faire virer de ta maison.

La treizième Dimension – Evergreen (S1 ep 1) – 2002

Une famille aménage dans une communauté privée (et oui encore). Notre protagoniste une ado rebelle, subit des pressions de la part de ses parents et du président de la communauté pour retirer ses piercings, tatouages et cheveux colorés. On parle ici de contrôle du corps comme premier levier de lavage de cerveau. Ensuite viennent les tentative de contrôler la pureté de la pensée : port de l’uniforme, activités obligatoires pour les jeunes, pression de groupe et menaces d’exclusion «pour le bien de la communauté».

Get out – 2017 

Jordan Peele a clairement cité The Stepford wives comme une source d’inspiration à son thriller social. Il lui rend hommage avec une scène miroir où Georgina est mise en scène comme Mrs Van Sant. Le film qui se situe dans une petite banlieue bourgeoise et blanche, utilise aussi le principe de body snatcher : les noirs se voient privés de leur corps, investi par des blancs riches, qui veulent leur prendre leur jeunesse ou leur talent. 

Vivarium – 2019

Un jeune couple qui a pour projet d’acheter une maison se retrouve piégé dans une banlieue déserté où toutes les maisons sont les mêmes. Ils sont ensuite forcés d’élever un enfant qui n’est pas le leur dans cette vie où la nourriture n’a pas de goût. Vivarium joue avec nos angoisses de domestication en montrant un certain idéal de vie qui tourne au cauchemar à force de répétitions et illustre l’absurdité de nos vies dans une société consumériste.  

Le film met aussi le doigt sur l’angoisse de la maternité, avec une protagoniste qui ne voulait pas d’enfant mais qui se retrouve obligée de s’occuper d’un enfant démoniaque, à cause des pressions sociales qu’elle a subi en tant que femme. Son compagnon étant totalement démissionnaire, elle doit assumer seule la charge de l’enfant. Lui, préfère s’absenter pour aller creuser un trou (métaphore du travail probablement) pour fuir la situation et les obligations.

Blood ride (S1 ep 1) – 2020

Dans ce premier épisode de la série d’anthologie d’horreur, notre protagoniste et sa famille viennent tout juste d’aménager dans un village isolé. On sent une inspiration de The witches (1966) et comme dans Les femmes de Stepford on sent planer une menace par le comportement étrange des habitants : toutes les femmes du village se baladent avec leurs animaux de compagnie dans les bras. Elles agissent de la même manière et semblent partager un secret. 

Polite society – 2023

Polite society est une comédie d’action féministe (que je recommande chaudement), la plus jeune soeur veut empêcher sa cadette de faire un mariage arrangé. Elle ne comprend pas pourquoi sa grande soeur artiste punk se met à porter des cardigans aux couleurs pastels et va se marier avec un homme quelle connaît  à peine. Et l’accuse d’être devenue une Stepford wife. 

Dé-Stepfordisation : réapropriation du corps et de l’esprit 

Le féminisme a progressé à Hollywood, commercialement en tout cas, et les studios sont plus enclins à investir dans des oeuvres écrites et réalisées par des femmes. Ce qui permet d’offrir au public un nouveau point de vue. Mais rien n’est gagné car on fait quand même le constat qu’entre Les Femmes de Stepford (1975) et Gone Girl (2014) il ne s’est rien passé de significatif en terme de prise de position féministe dans le cinéma.

La fiancée de Chucky – 1998 

Comme dans La fiancé de Frankenstein, la motivation derrière ce film était de donner à Chucky une compagne. Mais Don Mancini a fait ça intelligemment. Tiffany est certes sexy mais elle possède sa sexualité elle ne sert pas d’objet. Elle veut faire plaisir à Chucky mais refuse la servitude. Et pour elle les taches domestiques se résument à éponger le sang après un meurtre. Non seulement il a donné à son personnage féminin un vrai arc narratif fort mais en plus il en à fait une icône.

Gone girl – 2014 

Gone girl c’est pour moi l’anti Stepford wife. Amy la protagoniste refuse d’incarner ce que les hommes attendent d’elle : être la «cool girl». La cool girl satisfait tous les fantasmes paradoxales de son mec : manger des pizza et boire des bières mais ne pas être grosse, être la bonne copine et être quand même sexy et disponible sexuellement, etc…Elle a beau être intelligente, forte et accomplie, son mari ne s’intéresse pas à elle à un niveau personnel, il n’est pas disponible émotionnellement, il n’assume pas la charge mentale des corvées domestiques. Il se plaint ensuite que sa femme n’est pas satisfaite et il fini par la tromper (alternative à la remplacer par un robot).

Amy utilise pour se venger les stéréotypes de genre et les attentes des hommes a son égard en jouant à tour de rôle femme fatale, femme battue, épouse dévouée, … C’est un personnage exutoire aux injonctions sociétales qui incarne le female rage. Sa vengeance est certes celle d’une sociopathe, mais quand on analyse pourquoi elle agit comme ça, en tant que femme c’est difficile de ne pas la voir comme une icône féministe.

The handmaid’s tale – 2017

Les extrémistes catholiques ont pris le pouvoir. Sous ce nouvel ordre, la conformité est de rigueur (conformité vestimentaire, de culte, et de pensée). Dieu est le maitre des hommes, et les hommes sont les maitres des femmes.

Leurs épouses doivent donc être respectables sous tout rapport : pieuses, belles, dévouées, et surtout obéissantes. Elle n’ont plus accès à l’éducation et lire leur est interdit. Comme elles sont stériles on utilise des «servantes écarlates» pour la reproduction. Ce sont les dernières femmes qui peuvent procréer et qui sont considérées comme inférieures par ce nouveau gouvernement religieux et patriarcal (non mariées, divorcées, homosexuelles, mères célibataires). June, l’héroïne de la série trouve par la rebellion, un moyen de garder sa santé mentale. Elle va tout faire pour récupérer sa liberté de corps et d’esprit. 

Don’t worry darling – 2022

Ce film s’inspire de Les femmes de Stepford pour le revisiter avec un twist moderne. Dans cette communauté on ne sait pas si on lave le cerveau des femmes ou si on les remplace par des robots. Spoiler, ni l’un ni l’autre les femmes ont été kidnappées dans la vraie vie puis uploadées dans une simulation en réalité virtuelle. Ainsi les hommes peuvent en abuser à leur convenance en leur faisant croire qu’elles ont choisi d’être là. 

Le film n’est pas aussi abouti que Les femmes de Stepford ou Gone girl, mais certains mécanismes d’emprise sont intéressants à analyser. Comme à Stepford il y a un leader charismatique à la tête d’un groupe d’hommes qui contrôlent des femmes. Et l’héroïne du film passe ses journée à faire le ménage et à cuisiner dans leur énorme maison, en attendant le retour du mari prodige.  

Companion – 2025

Ce film réalisé par Drew Hancock pourrait être une suite des Stepford wives, où la femme robot pète un cable et décide de se venger. L’exposition du personnage d’Iris fait miroir au film original de 75 en nous présentant Iris toute apprêtée qui se ballade avec son chariot dans une allée vide de supermarché.

Elle y rencontre Josh son petit ami, dont le personnage fait écho aux hommes de Stepford par des caractéristiques que les deux films mettent en exergue : le fait qu’ils pensent que les choses leurs sont dues (de part leur statut d’hommes blancs), leur désir d’une femme soumise (il la désactive quand il à fini de l’utiliser), agréable (il lui dit tu devrais sourire et faire comme si tu passais un bon moment) et disponible pour le sex (il la traite littéralement de « fuck-bot » quand il lui explique qu’elle est un robot, mettant en exergue son détachement émotionnel). Spoiler ça ne finit pas bien pour Josh.

Sirens – 2025

Devon est en mission pour libérer sa soeur Simone de l’emprise de Michaela Kell, une femme de tech billionnaire qui organise un weekend de gala pour la bonne société. Dans cette communauté d’ultra riches tout est ritualisé, des vêtements couleurs pastel aux ‘séances’ de philanthropie. Les références à Stepford sont évidentes.

Tout est mis en scène pour qu’on perçoive Kiki comme tyranique. Mais au fur et à mesure qu’on détricotte l’arc narratif des 3 personnages féminins, le récit n’est plus si manichéen. Le climax de la série nous montre qu’en fait la bonne société laisse Mr Kell dicter les règles, car sa fortune lui confère du pouvoir. Ce qui lui permet de changer de femmes sans que personne ne sourcille et met en exergue un système corrompu où les femmes comptent moins que les galas et les chemises pastel.

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Qu’est-ce que c’est la Hagsploitation ? 

La hagsploitation c’est un surgenre de l’horreur plus ou moins né dans les années 60 à la suite du succès du film Whatever happend to Baby Jane ? Cet archétype a proliféré jusqu’aux années 70 : Hush hush sweet Charlott, Whatever happend to aunt Alice ? What’s the Matter with Helen ? et Strait Jacket. La hagsploitation c’est d’utiliser les femmes âgées dans des films du genre thriller ou horrreur.

Hag est un terme dérivé de l’anglais hagge qui veut dire vieille femme, harpie, sorcière, démon, terme utilisé comme péjoratif contre les femmes âgées.

Il y a historiquement un rapport ambiguë entre la religion chrétienne, la figure de sorcière et le corps de la femme. Les femmes qui vieillissent sont de moins en moins fertiles (comme les hommes en réalité), elles sont perçues comme proches de la mort et donc moins désirables. Elles ont aussi plus d’expérience et sont moins dociles ce qui ne plaisait pas, comme en attestent les procès de sorcières qui ont eu lieu en Europe et en Amérique du nord au moyen âge et jusqu’a la renaissance.

Les représentations classiques de la hagsploitation

Vieille et méchante : la hag sorcière

Les corps de femmes âgées sont tabou. Ils dérangent et sont utilisés comme moyen horrifique pour inspirer le rejet et le dégoût comme Mrs Kersh qui se transforme en sorcière géante dans le IT chapitre 2, et la femme dans la baignoire de The shining qui dégoûte tant Jack Torrence. 

Elle sont souvent caricaturée en sorcière avec des pouvoirs magiques ou mystiques : Minie Castavet dans Rosemary baby, la sorcière du bois dans Sleepy hollow, Nana dans The visit, Ellen la grand mère dans Heredytary, la sorcière rouge dans GOT, les profs de danse dans Suspiria, la sorcière dans Merlin l’enchanteur, Ursula dans La petite sirène, Mary Shaw dans Dead silent, Ganush dans Drag me to hell, Le magicien d’Oz, Hansel & Gretel, Nanny mcPhee, Zugarramurdi, la saga Witchouse, The witches, Abuela, Baba yaga, et plus récemment dans The substance.

Les femmes âgées sont aussi représentée comme aigries et méchantes : Annie Wilks dans Misery, la belle mère dans Du venin dans les veines, la grand mère dans Flower in the attic, Mama Fratelli dans les Goonies, la mère dans Throw Momma from the train, Nurse Ratchet, la vieille dame dans The owners, Jamie Lee Curtis dans Everything everywhere all at once.

On parle rarement du problème de pauvreté dans la communauté des femmes âgées. Historiquement les femmes ne travaillaient pas, pour rester a la maison s’occuper des enfants et des taches domestiques. Donc si elles n’ont plus de mari pour subvenir aux besoins du foyer, elles finissent leur vie dans la pauvreté. Et même si elles ont travaillé, elles sont moins payées donc elles ont moins d’épargne et de plus petites retraites. Cela se ressent bien dans les redneck movies, genre qui met en exergue des familles très pauvres, sans éducation, un brin consanguines et très violentes. Dans ces familles il y a des femmes âgées souvent enclines à la violence : Massacre à la tronçonneuse, Dead Alive, Maniacs, 2001 maniacs. 

Vieille mais polie : la hag domestiquée

Plus aisée, la femme agée domestiquée est une sorte de figure glamour dramatique. Elle peut être vieille fille, ou veuve, ou quittée par son mari. Elle est considérée comme polie puisque contrairement à la sorcière elle n’offense pas les autres avec sa laideur et sa rudesse de caractère. 

Malgré tous ses efforts d’apparence elle est souvent décrite comme ridicule de vouloir rester jeune alors qu’elle ne l’est pas : Ms Lowry et son amie dans Brazil, les deux protagonistes de Death becomes her, les personnages incarnés par Jessica Lange dans American horror story, Baby Jane, Cruella d’enfer.

Elle est montrée comme pathétiques de vouloir flirter avec les hommes, alors que la majorité des personnages masculins de plus de 50 ans sont montrés comme séduisants, ayant au moins une conquête sexuelle (10% contre 6% pour les femmes). Ils sont quasiment systématiquement en couple avec des femmes de 20 ou 30 ans plus jeunes. Maggie Gyllenhaal s’est récemment vu refusé le rôle de la maitresse d’un homme de 55 car elle était « trop vielle », alors qu’elle a 18 ans de moins que lui.

Elle est souvent représentée en femme jalouse de la jeunesse des autres, comme la femme aux miroirs dans Grimm, la magicienne dans Stardust, Mrs Danvers dans Rebecca, la comtesse Lalaurie dans American horror story, Mme Battory dans Les lèvres rouges, la soeur dans 8 femmes, Maléfique, Le diable s’habille en Prada et encore une fois dans The substance.  

On retrouve aussi l’archétype de la méchante belle mère : la belle mère de Blanche neige, Baroness Rodmilla de Ghent dans Ever After, Lady Mary Van Tassel de Sleepy Hollow, The Uninvited, A tale of two sisters. Et celui de la matriarche pas vraiment sympa : Lady Olenna Tyrell dans Game of Thrones, Ruby dans Black-ish, Tatie Danielle, The crown, Downtown abbey.

Sorcière, mégère, jalouse, méchante belle mère… On constate que beaucoup de films et de séries utilisent ces représentations. La hagsploitation comme unique représentation des femmes âgées, est très répandue dans le cinéma Américain, mais il existe encore d’autres représentations comme la gentille grand mère et la cougar.

La cougar : figure hypersexualisée

Même si cela tend à changer, dans beaucoup de films et séries, le personnage de cougar était souvent mal écrit et dénué de personnalité. Le film insiste plus sur le fait que ce sont les hommes qui couchent avec elle, accomplissant une sorte d’exploit à rayer de la liste : American pie, Billie Madison, How I met your mother, Wedding crashers, Friends, The cougar. 

Il existe aussi des représentation très problématiques où on glamourise la pédophilie, en montrant des femmes de 30 ans ou plus qui « séduisent » des lycéens, en ne disant pas que c’est de la prédation sexuelle et émotionnelle : Billy Madisson, Mad men, The graduate, Licorice pizza, Unsatiable. Et encore pire parfois cette prédation est issue de la mère (inceste) : La luna, Ma mère, Murmur of the heart. Ces films sont tous réalisés par des hommes et on ne peut s’empêcher de se demander c’est quoi ce fantasme chelou qui a couté des millions ?! Est-ce qu’il n’y a pas mieux à faire avec tout ce pognon que de légitimer la pédophilie ?

La gentille grand mère : figure maternelle desexualisée

Dans quasiment toutes les cultures il est établi que la grand mère est une figure joviale, qui sert à s’occuper des petits enfants, de les gaver d’amour et de gâteaux. C’est une sorte de contrat  social où la femme âgée, pour rester utile prend en charge les petits enfants. C’est aussi malheureusement une suite logique de la dépossession d’identité vécue par certaines femmes ayant des enfants, qui passent du statut de femme à celui de mère, sans qu’un compromis soit accepté dans l’imaginaire commun. 

Elle a souvent une figure de bonhommie et elle ne sera plus jamais sexualisée, contrairement à la cougar. La figure maternelle remplace celle de l’amante. Il n’existe pas beaucoup de films commerciaux qui vont à l’encontre du cliché de la vielle mamie gentille. 

Il existe tout de même des grand-mères un peu «rebelles» : Laurie Strode dans le reboot de la saga Halloween, la grand mère de la famille Adddams, Thelma dans Thelma, Kathy Bates dans Disjointed, mamie Suze, Paulette la vendeuse de weed, Saving Grace, la grand mère dans la série Evil.

Il y aussi beaucoup représentation de sénilité et de faiblesse dans les rôles des femmes de plus de 50 ans. Elles sont 4 fois plus représentées séniles ou faibles que les hommes, et bien que ce soit intéressant de visibiliser les problèmes de santé physique et mentale qui frappent certaines personnes en prenant de l’âge, les arcs narratifs de ces personnages ne sont pas développés à part «mamie fragile». On parle aussi de plus en plus de la peur de la maladie mentale couplée avec la peur des vieux et cela fait de très bons sujets de films d’horreur : Deborah Logan, Relic, The visit, Old people.

Une meilleure représentation des quinquagénaires à la télévision

A la télévision les femmes de plus de 50 ont des représentation plus positive qu’au cinéma :

• la fabuleuse Patsy Stone dans Absolutely fabulous
• Kathy Bates dans Disjointed
• la préseidente dans Battlestar Galactica
• Carole de Great News
• Kate Winslet dans Mare of Easttown
• Julia Louis-Dreyfus dans Veep
• Grace & Frankie
• les Golden girls
• Angela Lansbury dans Murder she wrote (Arabesque)
• la fatale Miss marple
• Thelma, la plus BADASS des nonagénaires
• Débora Vance dans Hacks
• et bien sur Grand mère Yeta !

Le féminisme à la rescousse : des changements de mentalité dans l’industrie 

Un male gaze systémique dans l’industrie qui tend à s’atténuer

Dans l’industrie du cinéma il y à plus d’hommes que de femmes dans les métiers de production, réalisation, scénarisation, technique et distribution. Dans les écoles de cinéma 1 personne sur 2 est une femme, mais seulement 1 femme sur 4 réussira à faire un long métrage. Bien qu’ils soient plus nombreux, les acteurs sont payés 10% de plus en moyenne.

En France, alors que les femmes de plus de 40 ans représentent 51% de la population, seulement 8% des rôles leurs sont sont attribués, contre 16% pour les hommes.

Les Femmes jouent dans beaucoup moins de films passé 35 ans. Alors que pour les acteurs ce déclin arrive dans la cinquantaine.

Un rejet des injonctions de jeunesse et d’hypersexualisation

Les actrices sont plus employées entre 27 et 32 ans au cinéma. L’industrie et le public attendent des actrices de plus de 40 ans qu’elles aient l’air plus jeunes que leur âge pour continuer à jouer dans des films. Elles font donc beaucoup de chirurgie par pression du système : rhinoplastie, lifting, fillers, botox, blepharoplasty, bichectomie, liposuccion, cryolipolises, BBL, …

Quand on cherche une liste d’actrices de plus de 40 ans, on tombe systématiquement sur des articles du genre :

• la liste de plus belles femmes de 50 ans, 
• les quinqua qui ne font pas leur âge, 
• les stars encore irrésistibles après 40 ans, 
• la quarantaine et toujours sexy, 
• toujours jeunes et sublimes a 40+, 
• les actrices toujours attirantes après 40 ans, 

Il y a toujours une injonction à ne pas faire son âge. Par ce prisme, on impose aussi au public des standards intégrables puisque ils nécessitent des moyens financiers énormes.

Dans le monde, la répartition est : 32% de femmes, 21% de femmes de plus de 50 ans, 21% de gens racisés, 1,4% de non héteros, 5% de femmes rondes.

Heureusement il y a de plus en plus de rôles pour les femmes âgées et racisées. Et quelques actrices féministes rejettent ces injonctions et nous prouvent qu’il est possible de rester belle et d’obtenir des rôles en acceptant que son corps change : Glenn close, Julia Louis Drefus, Viola Davis, Drew Barrymore, Elisabeth Moss, Halle Berry, Jamie Lee Curtis, Andie McDowell, Julian Moore, Kate Winslett, Jennifer Coolidge, …

Plus d’intersectionnalité pour explorer de nouveaux points de vue

Depuis quelques années l’industrie est moins frileuse à produire des d’histoires créées par les femmes pour les femmes, comme l’atteste le nombre grandissant de séries proposées par des plateformes de streaming et le succès international de films féministes : Titane, L’événement, Portrait de la jeune fille en feu, The substance.

On a aussi plus de films et séries non hétéronormés, plus d’intersectionnalité, plus de shows racisées, plus de shows sur différentes religions : Unorthodox, Everything everywhere all at once, Unbelivable, How to get away with murder, Killing eve, I May destroy you, A League of their own.

Cela enrichit énormément le paysage audio-visuel, en proposant une richesses de diversité, de points de vue et donc d’histoires jamais vues jusqu’a présent.

On voit de plus en plus d’actrices engagées qui passent derrière la caméra ou à la production : Elisabeth Moss avec The handmaids tale, Olivia wild avec Don’t worry darling, Gretta gearing pour Lady Bird, Angela basset avec Whitney Houston, Drew Barrymore pour Bliss, Reese Witherspoon pour Big little lies et Gone girl, Halle Berry avec Bruised, Tracee Ellis Ross pour Girlfriends et Black-ish, Tina Fey avec Sisters, Mean girls, Kimmy Schmidt et Great News,  Amy Poehler avec Parks and Rec et Broad city.

Sources :

https://campuspress.uwl.ac.uk/krishnapriyashanti/2021/01/22/352/

https://www.kindredmagazine.co.uk/post/the-gender-gap-issue-in-the-uk-film-industry

Geena Davis Institute on Gender and Media étude de 2019

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Le rape and revenge, sous genre du cinéma de genre, est emblématique du cinéma d’exploitation. Utiliser les violences sexuelles ( qui sont les peurs les plus présentes et universelles chez les femmes) est une occasion de livrer un spectacle dérangeant voire voyeuriste, alliant nudité et sang, autrement dit eros et thanatos.
Comment définir le rape and revenge ? Ce sont des films dont la narration repose sur un seul élément déclencheur: le viol d’une femme. On retrouve généralement la même structure narrative, dont La Source (1960) a posé les bases:

• Contextualisation de ce qui va amener au viol,
• Le viol,
• La préparation de la vengeance,
• La vengeance (par la victime ou pas un tiers).

Le rape and revenge pose plusieurs questionnements:

• La représentation du viol,
• Le traitement du personnage féminin qui est à la fois victime et bourreau,
• La représentation de l’effet cathartique,
• Le traitement de la vengeance à travers le meurtre.

Le rape and revenge à l’heure #MeToo

Comme n’importe quel genre de cinéma, les hommes ont souvent été les réalisateurs de ces films. Si pendant longtemps personne (notamment la critique), en France ne s’était posé la question de la représentation du viol et des traitements du personnage féminin, aux USA comme souvent, on a un temps d’avance. Comme par exemple avec Carol J Clover son livre phare « Men, women and chainsaws, gender in the modern horror films« 
6 ans après #MeToo, la doctorante à l’université de Kingston à Londres, Bruna Foletto Lucas propose une conférence lors de la 8ème édition du Final Girl Berlin Film Festival intitulée « La révolution actuelle des réalisatrices et de la narration des rape and revenge ».
Son doctorat a pour titre « La reconquête de l’horreur: comprendre les paradigmes du trope de la représentation des femmes dans les films d’horreur« . Tout un programme qui m’enchanta.

L’analyse du rape and revenge par Bruna Foletto Lucas

Bruna Foletto introduit sa conférence en rappelant que le rape and revenge réalisé par des hommes, n’avait, paradoxalement, pas pour but de traiter ni la thématique du viol, ni des violences sexistes.
Mais plutôt de traumatismes vécus collectivement et s’inscrivant dans l’histoire des USA. Elle prend l’exemple de La dernière maison sur la gauche qui est une photographie d’une famille vivant à l’époque de la guerre du Vietnâm.
Par ailleurs, le violeur est souvent un homme de la campagne, s’inscrivant dans une représentation similaire de la figure du redneck, brillamment analysée par Le Coin du Bis.
Et si le viol n’est pas une question d’homme des villes ou des champs, il est toujours nécessaire de rappeler que les viols sont commis en majorité par des gens proches (amis ou famille), et non en raison d’une rencontre malheureuse. Sans compter que cette représentation répétée stigmatise évidemment cette population, mais c’est une autre sujet.

Bruna Foletto poursuit en notant que dans les films de rape and revenge réalisés par des hommes, la scène de viol est longue, et la victime est nue ou quasi nue. Ainsi elle est dans une position totalement vulnérable, propice à un regard voyeur sur son corps.
Contrairement aux films réalisés par les femmes. Il est intéressant de noter que dans Revenge, de Coralie Fargeat, c’est l’homme traqué qui est complètement nu.
Et si elle note des films réalisés par des hommes qui empruntent les codes du rape and revenge en s’intéressant aux violences sexuelles comme Teeth, elle constate que ce dernier reste focalisé sur la douleur de l’homme lorsqu’il se fait couper le pénis. On se concentre donc sur une problématique de castration avant tout et pas sur l’impact du viol.

Si on s’intéresse aux rape and revenge réalisés par les femmes, on note quelques différences.
Par exemple dans American Mary, le violeur est un homme éduqué. Tout comme dans Violation.
Ensuite, les scènes de viol sont plus courtes voire sous forme d’élipses (Revenge). Elles peuvent être également mises en scènes sous forme de flash back (Violation, MFA) permettant plus d’empathie. On privilégie les souvenirs de la victime. Etre au coeur de la vie des victimes et de l’entourage c’est précisément le sujet de Promising Young Woman.
Par ailleurs, elle explique que Violation s’approche de la réalité en plaçant les personnages dans une situation de she said/he said situation, à savoir que dans les affaires de viol, il s’agit souvent de « parole contre parole », qui porte préjudice aux femmes.
Je rajouterai que les films réalisés par les hommes sont souvent emprunts d’une culture du viol dans la mise en scène. Déjà en accentuant la nudité de la victime, mais aussi dans la manière de poser la caméra du point de vue de l’agresseur, mettant le public dans une position pour le moins malaisante.

Je compléterai en ajoutant que dans les rape and revenge réalisés par les femmes, la vengeance nait d’une forme d’injustice, d’un système mis en place qui pousse à bout les victimes. C’est le cas de la solidarité masculine dans Revenge, Promising Young Woman, MFA ou American Mary).

Bruna Foletto précise que dans les rape and revenge réalisés par les femmes, l’héroïne ne prend pas plaisir à se venger et ne fait pas preuve de sadisme. Dans Revenge, Jennifer est filmée comme une prédatrice qui traque, contrairement à l’autre Jennifer (coïncidence?) de I spit on your grave qui chercher particulièrement à faire souffrir ses bourreaux.
On constate précisément l’inverse dans Violation, où le meurtre, puis le fait de faire disparaître le cadavre est une épreuve pour l’héroïne. Elle s’arrête, s’épuise, pleure. Elle n’a pas eu plaisir à le tuer, et on voit que ça n’est pas une libération.

Nuances de la revanche

Ces constations sont des remarques globales que l’on peut faire, mais on sait que ce ne sont pas des règles. En effet, si on prend l’exemple de The Nightingale de Jennifer Kent, il reprend à peu près tous les travers cités dans les films réalisés par des hommes. Des scènes de viol longues et répétées, avec une relative distance par rapport à la victime, avec un plaisir certain pris dans la vengeance (finalement commise par un tiers).
A côté, le film s’inscrit dans un véritable propos politique, où le viol est une arme de guerre et d’asservissement. Les violeurs sont l’élite, et l’empathie pour la victime est développée au cours du film à l’aide de scènes oniriques tourmentées ou de détails réalistes (ses seins gorgés de lait). Une ambiguïté qui atteste de toute la complexité du film.

Dans tous les cas, on peut dire que l’arrivée des femmes sur ce sujet a fait beaucoup de bien pour diversifier les représentations et problématiques, et je pense qu’il y a encore des sujets à exploiter.

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