Sans spoil, pas d’analyse! Vous êtes prévenu-e!

SOMMAIRE

1-Le mythe du loup garou

2-Ginger Snaps de John Fawcett

3-Ginger Snaps: Resurrection de Brett Sullivan

4-Ginger Snaps, aux origines du mal de Grant Harvey 

1-Le mythe du loup garou

Un loup garou (ou lycanthrope donc), est un être humain qui se transforme totalement ou non, en loup. Il peut se transformer de manière non intentionnelle, (souvent à la pleine lune), ou intentionnelle. Il y a donc une version de la bête qui domine, et l’autre qui subit.
La 1ère trace écrite du mythe du loup garou date du V ème siècle. Autant dire que le lycanthrope a eu le temps de connaître plusieurs histoires. Je vous laisse apprécier la vidéo d’Occulture qui présente efficacement les grandes lignes du mythe.

Bien que le loup garou soit considéré comme une bête puissante, maligne, il est perçu négativement:

• C’est une punition de Zeus sur Lycaon (roi Grec),
• Il est associé à des meurtriers et mangeurs d’enfants. Comme par exemple Gilles Garnier en 1570. On notera ici le lien avec le Grand Méchant Loup,
• Devenir loup, c’est être lié à la bête qui tue le bétail (qui représente nourriture et vêtements),
• Il fut menée une chasse au loup garou comme une chasse aux sorcières,
• Se sentir loup garou peut être un symptôme de troubles mentaux.

Sexe and sang

Mais comme vous vous en doutez, le loup garou est aussi une métaphore d’une sexualité effrayante.
Le Petit Chaperon Rouge est suivi par un loup (qui se mélange à l’humain via la grand mère) représentant la menace sexuelle des hommes.
JK Rowling associe les loups garou dans Harry Potter au VIH. La transformation de l’homme en loup garou est symbole d’une puberté douloureuse.
Et enfin, on aimerait bien oublier l’expression « Elle a vu le loup! ».

Si on admet que le mythe du loup garou peut toucher autant les hommes que les femmes, celles-ci sont relativement absentes des diverses histoires, mythes et faits divers. Alors qu’à l’origine le loup garou est plutôt associée au féminin: ce sont des créatures associées à la sorcellerie et la lune est une référence directe aux règles, à l’accouchement, etc..
Et quand elles sont présentes, il est question de troubles mentaux et d’expériences sexuelles compliquées. En effet, les adolescentes connaissant davantage de transformations corporelles (règles, seins, hanches), la figure du loup est idéale pour représenter ces changements.

L’homme cet animal

La figure du loup garou m’a toujours fascinée.
Quand le lycanthrope apparaît, il n’a plus de souvenir de ses origines humaines, il agit à l’instinct. Il devient un prédateur féroce certes, mais d’abord un prédateur. Il n’a pas de conscience de bien ou de mal. Un point commun avec une autre figure animale qui me passionne: Alien. D’ailleurs le robot Ash, dans Alien, admire le xénomorphe. « Un parfait organisme…qui n’est pas souillé par les remords, la conscience et les illusions de la moralité ».

Mais là où le loup garou est d’autant plus intéressant selon moi, c’est que cette « pureté » est directement intégrée à un corps humain, contrairement à l’Alien. C’est la parfaite métaphore de l’éternelle dualité de l’Humain. Il doit à la fois subir et affronter son côté obscur.
Une fois que le loup garou redevient humain, il doit non seulement faire face à son amnésie, mais par la suite à ses actes, qui, pour lui, ne sont pas réalité. Il n’a ni souvenir, ni conscience, et surtout sur lesquels il n’a aucune prise.
J’y vois ainsi une illustration de notre part d’humain qui vit dans le déni, ou de maladies liées à l’addiction notamment.

Le loup garou est aussi la personnification de l’expression , « l’homme est un loup pour l’homme » (prétexte narratif courant au cinéma). D’ailleurs le philosophe Hobbes se basa sur ce précepte pour écrire Le Léviathan.
Le loup garou c’est l’illustration clair que l’Humain est animal comme les autres, ou presque.

2-Ginger Snaps de John Fawcett (2000)

Brigitte et Ginger sont 2 soeurs qui se positionnent en marginalité de tout. De leurs camarades, de leurs parents, et surtout de ce qu’on attend généralement de jeunes filles; douceur et gentillesse.
Une nuit, Ginger se fait mordre par un mystérieux loup, déclenchant des événements étranges…

Ginger Snaps a été écrit par Karen Walton, qui d’ailleurs reçue un prix Canadien pour ce scénario. Elle a par la suite, écrit principalement pour des séries Canadiennes inconnues par chez nous, excepté Orphan Black. Karen Walton est toujours aussi fière du film. Elle présente le film lors de nouvelles projections.
Katherine Isabelle (American Mary) tient le 1er rôle, celui de Ginger, suivie d’Emily Perkins alias Brigitte. Ce sont malheureusement des actrices qu’on a finalement peu vues par la suite.

Bienvenue dans l’âge ingrat

Le cinéma de genre utilise régulièrement la figure de l’adolescente. Carrie, Grave, Excision, Scream, Scream For Help, Teeth…Dans la plupart des cas, les règles sont d’ailleurs évoquées, plus rarement montrées. Encore aujourd’hui, on hérite du dégoût des règles, issu des religions. C’est donc un élément narratif idéal dans le cinéma d’horreur.
Par ailleurs, pour des raisons similaires que j’évoquais dans mon sur la représentation de la possession, les règles restent un phénomène physiologique fascinant. Symboles de vie (l’existence d’un ovule), et de mort (la destruction de celui-ci), les règles sont vécues de manière très différente selon les femmes.

Vous l’aurez deviné, Ginger Snaps n’échappe à pas la règle (sans mauvais jeu de mot). Le déclenchement de l’action se situe au moment où Ginger a ses 1ères règles. C’est à cet instant que le loup garou (dont la présence sert uniquement à contaminer Ginger) est attiré par le sang et attaque Ginger. On peut y voir une allégorie du cheminement du Petit Chaperon Rouge, avec donc la perte de l’innonce (d’ailleurs cette scène a lieu dans un jardin d’enfant). D’autant plus que le prénom Ginger et sa chevelure légèrement orange, sont signes de piquant, de feu, bref de vie. Désormais Ginger est une proie, au sens propre comme au figuré.
A noter que Ginger Snaps contient quelques scènes où les règles sont explicitement montrées, ce qui est rare pour l’époque.

Ce qui m’amène à évoquer l’un des thèmes de Ginger Snaps. Une adolescence noire vécu à travers une sororité.
La plupart des films de genre utilisent le thème de l’adolescence pour montrer le cheminement d’un personnage, de manière positive. Le-a protagoniste traverse des épreuves, pour mieux se comprendre, et affronter ses peurs, afin d’avancer.
Ici le cheminement est inverse. Plus le film avance, et plus la descente aux enfer approche.

L’un des 1ers plans du film et l’un des derniers plans sont représentatifs de l’état d’esprit du film. Il faut savoir que leur chambre est d’ailleurs située au sous sol, pour illustrer leur marginalité, leur désir d’isolement et surtout le fossé entre elles et leurs parents qui vivent au dessus. C’est presque un appartement qui leur est dédié.

1/ Début du film
Au début, on nous montre les 2 soeurs qui font le serment de mourir ensemble. Elles sont assises sur leur lit, qui ressemblent à des lits de détenues, tout comme les lampes.
Le décor indique clairement qu’elles ont une vision plutôt négative du monde qui les entoure. D’ailleurs la scène suivante, est le générique montrant les soeurs mettant en scène leurs morts.

Mais elles sont aussi entourées de violet, qui traduit le rêve, fantasme, et l’action. On distille l’idée qu’elles sont déterminées, mais que la réalité sera sans doute plus compliquée comme…l’adolescence.

Elles sont à égalité. Ca se traduit par leur place dans l’espace, et les positions symétriques de leurs corps.
Même si Ginger a le regard droit, donc dominant. Alors que Brigitte a la tête baissée.
De plus, le bras de Ginger est tendu, démontrant une force. Alors que celui de Brigitte est comme hésitant.
La scène se finit sur un travelling arrière.

2/ Scène finale.
Ginger, transformée, a été tuée par sa soeur dans leur propre chambre. Le corps de Ginger est devenu inexistant, et elle est cachée par le noir.
La photo est sombre et traduit la douleur de Brigitte. Elles sont cette fois, à terre. Leurs cheminements respectifs ne les ont pas élevées.

En plus du meurtre, la position de Brigitte montre qu’elle a pris le dessus sur cette soeur dominante.
Les lampes au dessus des lits rappellent leur lien d’autrefois, et leur rêve de mourir ensemble au début. Le violet a quasi disparu, les illusions aussi.
Elles se quittent à l’endroit où elles avaient démarré.
La scène se finit sur un travelling arrière.

Et si on avait encore un doute sur cette noirceur, il suffit de regarder le générique du début. A lui seul, il envoie les images les plus choc du film. Un défilé de simulations de suicides des 2 soeurs, qui sera finalement le moment le plus proche de leur désir initial: mourir ensemble. Une réalité qu’elles matérialisent, qu’elles créent elles mêmes, mais qui restera inaccessible. On sait qu’elles prennent ce sujet au sérieux car ce travail de photos morbides est présenté dans le cadre d’un devoir de classe.

La descente aux enfers est matérialisée également à travers le fait qu’à partir du moment où Ginger est mordue, on sait que le cheminement sera douloureux.
Est ce que Ginger va tuer sa soeur? Va t elle s’enfuir et briser le coeur de sa soeur? Sera-t-elle tuée? Cette question en suspens provoque beaucoup d’empathie à la fois pour le personnage condamné, mais aussi le personnage qui subit en étant démunie, Brigitte.

Le monde qui les entoure est menaçant. Ca se traduit par des plans de biais, ou en situant les personnages au dessus de Ginger et Brigitte.
Mais aussi par des plans du dessus, comme quand on sent Brigitte dépassée par un choix de serviettes hygiéniques. (Et comment ne pas voir les garçons comme les vrais prédateurs, qui guettent leur proie du haut de leur perchoir?).

Il faut noter que Ginger Snaps est un des rares teen movie à mettre en scène une relation de soeurs qui s’aiment, mais qui sont réellement solidaires. Et ce malgré leurs différences d’allures et physiques (on nous montre d’emblée que celle qui plait, est Ginger).
La contamination de Ginger met à mal leur relation, mais elles sont soudées du début à la fin. Elles veillent l’une sur l’autre, et l’objectif de Brigitte est de protéger sa soeur. Mais l’histoire de Ginger qui se transforme c’est aussi celle de Brigitte qui doit s’émanciper de sa soeur. On l’a vu, c’est Ginger qui domine, prend les décisions, et impose son point de vue. Brigitte doit mettre Ginger face à son comportement et ses réactions excessives, pour sauver Ginger au sens propre, et elle même au sens figuré.
Ginger Snaps propose donc la trajectoire différente de deux adolescentes qui grandissent. L’une perd son innocence d’enfant, l’autre s’émancipe d’une soeur trop présente.

T’as les crocs?

S’il n’y a pas de love interest, la sexualité n’est pas écartée pour autant. Ginger Snaps utilise le ressort narratif attendu, à savoir que la morsure de Ginger (et les règles), transforment celle-ci en bête assoiffée de séduction et sexe.
Avec l’emblématique scène au ralenti, le film nous montre clairement que l’appétit sexuel de Ginger est réveillé (d’ailleurs le nom Ginger fait référence à quelque chose d’épicé).
Mais cette scène se démarque par le fait que quand Ginger arrive au lycée, elle est très hésitante. Semblant heureuse, mais avec une certaine peur. Qui s’estompe au fur et à mesure de ses pas. C’est évidemment une métaphore de la manière dont on peut se sentir quand le corps et les sens changent à l’adolescence.
Mais on sait que Ginger va droit vers un destin qui ne sera plus humain. Pourtant elle avance, confiante. Une métamorphose qui annonce une tragédie de notre point de vue, mais pas de celui de Ginger.
Une transformation inévitable, à l’image de l’étape de l’adolescence est incontournable.

D’ailleurs cette question d’ouverture à la sexualité tourne court. Elle contamine un garçon niais de son lycée (on retrouve ici la métaphore du VIH), dont l’effet de transformation ne sera pas du tout le même que pour Ginger. Il devient moche, boutonneux, perdu. Il n’est ni prédateur, ni fort, ni intéressant. Bref, son état physique est pire qu’avant. Il n’est plus le mâle dominant du début.
L’éveil à la sexualité n’est pas concluant dans Ginger Snaps. Comme la plupart des 1ères expériences sexuelles non?
Pour continuer avec les personnages masculins, le seul positif est le dealer qui s’intéresse à Brigitte (et non pas à Ginger, fille identifiée comme jolie). A noter que la relation entre Brigitte et le dealer illustre une forme d’amitié amoureuse comme on en voit peu. Le dernier que j’ai en tête étant Vampire humaniste cherche suicidaire consentant.

Ginger prend contrôle sur son corps. Elle s’émancipe, s’assume.
Sa transformation lui donne la force de renverser la domination que les garçons, ou les filles populaires exerçaient sur elle et sa soeur.

Ginger Snaps exprime très bien qu’il est impossible d’avoir le bon comportement avec ses adolescents quand on est parents. Entre le père plus ou moins absent, avec des éclairs de lucidité et la mère trop présente, ils représentent aussi la conformité dont Ginger et Brigitte sont en rejet.
Le film prend un tournant inattendu quand la mère accepte ce qui arrive à Ginger avec la plus grande bienveillance (même si dans ce contexte précis, ça serait plutôt de la complicité de meurtre!). Car consciente du poids porté par les femmes, et notamment des mères. Elle y voit aussi l’occasion de s’émanciper de son mari.

Un 1er opus qui se démarque des autres films de loup garou en mettant au 1er plan des personnages d’adolescentes percutants. Le film pêche en revanche sur le design et la création de la créature qui vieillissent d’autant plus avec le temps.
Un teen movie de loup garou comme on en verra plus par la suite.

Avec ma collègue Leo de la S’Horrorité, nous avons été invitées dans le podcast Dead Horror Movie pour évoquer la saga (bon surtout le premier film):

3-Ginger Snaps: Resurrection de Brett Sullivan (2004)

Brigitte se retrouve prisonnière d’une future transformation, mais aussi d’un institut médical qui tente de la soigner…

Ginger Snaps ayant connu un modeste mais honorable succès, 2 suites ont été enclenchées. Si on peut s’interroger sur la démarche de lancer 2 suites à la même année, les propositions sont tout à fait différentes.

Avec un titre un peu pompeux dont la pertinence est à discuter, Ginger Snaps Resurrection raconte le parcours de Brigitte, qui est désormais seule. Sans Ginger, sans parents, sans ami-es.
Le film est écrit par la scénariste, Megan Martin (qui n’est pas connue pour grand chose de plus).

Requiem for a spliff

Le film fait fortement penser à Freddy 3, dont l’action se passe dans un centre médical pour adolescent-es à problèmes.
On utilise donc ici le thème du loup garou pour faire un parallèle avec un comportement addictif (notamment la drogue, avec la seringue dont Brigitte a besoin). Brigitte, qui a été contaminée à la fin du 1er opus, se bat contre les apparitions de sa métamorphose inéluctable.
Tourmentée par un loup garou qui semble la poursuivre, Brigitte est donc en proie à des pulsions sexuelles à travers le fait de dévorer l’autre.

Si Ginger embrasse les effets secondaires de sa contamination dans le 1er film, Brigitte est en rejet total contre l’inévitable transformation, et donc de grandir. Elle n’est pas sexualisée, au contraire. On assiste davantage à une déchéance physique; entre sa transformation et les blessures qu’elle s’inflige elle même. Elle est répugnée de son état physique qui change, et contre lequel elle ne peut rien.
Le loup rôdant représente ses doutes et ses répulsions envers la sexualité, qu’elle peine à appréhender (une étrange scène de masturbation collective rend les choses très claires si elles ne l’étaient pas déjà).
Sa transformation physique est beaucoup plus répugnante et graphique que celle de Ginger. Celle ci reste très féminisée, presque fétichisée « lionne » jusqu’à la fin.

Au delà de l’évident parallèle avec l’addiction qui abîme les corps, j’y vois surtout une illustration de la métamorphose du corps, qui nous amène presque toutes à ne pas nous aimer à un moment donné.
Et ce qui me semble particulièrement intéressant dans cette représentation, c’est que Brigitte n’est cette fois, pas lycéenne. Elle tente tant bien que mal de commencer à faire sa place en tant que jeune adulte.
Si on a tendance à beaucoup évoquer le corps de l’adolescente qui change, il est plus rarement évoqué des difficultés à aimer son corps de jeune adulte. Or, nous sommes nombreuses à constater qu’on se préfère autour de 30 ans, qu’entre 20 et 25 ans.

La femme est un loup pour la femme?

Le film a la bonne idée de matérialiser le loup garou comme un démon qui rôde dans les bas fonds de l’hôpital (qui peut renvoyer au sous sol de la maison des soeurs dans Ginger Snaps). Il représente le Mal de Brigitte, ses tourments matérialisés. D’ailleurs, c’est l’endroit des horreurs: l’infirmier corrompu qui la harcèle, y emmène des patientes qui se prostituent contre leur dose. C’est aussi un endroit désaffecté, qui offre à Ghost (l’amie de Brigitte), un semblant de refuge.

Le personnage de Ghost (car elle est transparente aux yeux des autres), s’apparente à une petite soeur. Ainsi, Brigitte trouve une nouvelle soeur, mais cette fois c’est elle qui joue le rôle de l’aîné. Si au départ elle se positionne en rejet par rapport à Ghost, elle finit par s’attacher à la seule personne qui lui montre de l’empathie.
Mais…là encore la relation de sororité est mise à mal. Déconnectée de la réalité (elle se plonge dans des comics, et veut aider Brigitte sans avoir conscience de ce que cela implique), Ghost est finalement à l’opposé de ce qu’on peut appeler un soutien pour Brigitte, qui a été manipulée.

On assiste dans Ginger Snaps Ressurection, une continuité du pessimisme ambiant sur l’adolescence (avec le parallèle de l’addiction), mais aussi dans une relation de sororité destructrice.
C’est accentué par le fait que la maison de la dernière partie du film se transforme (!) à celle d’Hensel & Gretel. A la différence qu’ici ce n’est pas la sorcière la menace, mais la jeune fille. L’habitat est perdue dans la forêt, qui semble accueillante pour d’éventuels visiteurs, mais qui se révèle mortelle.

Une suite qui aborde des nouveaux thèmes, mais qui manque de rythme et de finesse, avec le décor de l’hôpital déjà beaucoup vu et non revisité finalement. Le loup garou est nettement plus réussi, et une ambiance suffisamment poisseuse pour me faire passer un bon moment.

4-Ginger Snaps, aux origines du mal de Grant Harvey (2004)

Au 19ème siècle, Brigitte et Ginger parcourent une forêt enneigée, cernée par des loups. Elles intègrent un camp, peuplé d’hommes, où elles trouvent refuge. Le répit est de courte durée…

Si le lancement de 2 suites simultanément pose question, on peut avoir un début de réponse en visionnant Ginger Snaps, aux origines du mal. Il est écrit par Stephen Massicotte et Christina Ray.
C’est un opus complètement à part, qui pourrait même exister en dehors des 2 premiers films.
L’action transportée dans un autre siècle, c’est un vrai pari de situer les 2 soeurs emblématiques du cinéma de loup garou dans un contexte totalement différent. Mais c’est aussi une manière de faire revenir Katherine Isabel dans le rôle de Ginger, qui a plus de charisme que sa consoeur, et qui reste la figure emblématique de la saga.

Raconte-moi une histoire

C’est d’abord le décor qui tranche radicalement avec les précédents films. Les adolescentes errent dans une forêt dont l’hostilité se traduit d’abord par la neige. La pureté de la neige apporte une touche de conte de fées, aspect qui est renforcé par les costumes de Ginger et Brigitte. Enveloppées dans un manteau avec une capuche, on peut y voir une ressemblance avec la princesse Disney Belle de la Belle et la Bête, ou encore une fois Le Petit Chaperon Rouge (toutes 2 également sous la neige).
la fonction 1ère de ce manteau est évidemment de se protéger du froid. Autrement dit d’une menace. Mais j’ai toujours trouvé que la capuche renforçait cette impression de protection de manière plus globale. D’ailleurs Le Petit Chaperon Rouge se protège du loup, La Belle, de la Bête.

Le film suit le schéma narratif classique du conte de fée (voire de beaucoup de structures de films de manière générale):

• L’exposition: Ginger et Brigitte sont perdues dans une forêt enneigée. On sait déjà qu’un lien fort les lie et qu’elles n’ont pas peur d’affronter le danger.
• La double perturbation: Une femme Amérindienne leur annonce un mauvais présage, et Brigitte se blesse à cause d’un piège à loup (métaphore d’une morsure). Elles sont secourues par un Amérindien qui les amènent dans un fort.
  Ginger est mordue par un petit loup garou gardé secret par son père.
• La résolution: Brigitte qui défie le destin qu’un homme lui avait prédit.
• Le final qui ramène de la stabilité: Les 2 soeurs sont réunies, en dehors du fort (et donc du pouvoir qui était exercé par les hommes à l’intérieur de celui-ci). En arrière plan, le fort est en feu, signe évident d’un nouveau départ à construire.
  Et contrairement au 1er film, Ginger n’est pas totalement transformée. Sa forme mi humaine mi louve, lui permet d’avoir toujours un lien avec Brigitte. Ce final est beaucoup plus positif.

Par ailleurs cet aspect conte de fées se traduit par l’introduction en voix off de Brigitte qui raconte la légende de « la rousse et de la noire »; sous entendu, leur histoire. Une variante de « Il était une fois ». C’est également elle qui conclu le film.

Autre différence de taille avec le 1er, les soeurs ne sont plus vraiment adolescentes. Plus question de règles, de scolarité, ni même d’environnement familial ou amical. Ici elles sont seules, unies. Et les placer au 19ème siècle n’est pas anodin. C’est une période charnière pour le féminisme aux USA (et non pas le début du féminisme comme je le lis souvent. Le féminisme existe depuis toujours, sous différentes formes!).
Elle est marquée par la Convention de Seneca Falls en 1848, visant à améliorer le droit des femmes.
Le titre Ginger Snaps, aux origines du Mal prend donc tout son sens ici.

Alors que Ginger est sexuellement active dans le 1er film, suite à sa morsure, elle ne l’est pas du tout dans cet opus. Elle est même tout de suite tout à fait consciente de sa future dangerosité, et cherche à protéger Brigitte. Elle fait preuve d’une grande empathie pour le petit loup garou qui l’a mordu. Bref, elle prend en compte son entourage, ce qui n’est pas du tout le cas dans Ginger Snaps.
Ginger n’est pas faible pour autant. Elle utilise son pouvoir de manière plus raisonnée que dans le 1er, en montrant sa puissance pour libérer sa soeur.

La colonisation et la légende du Windingo

La présence de l’Amérindien et de l’évocation de la légende Canadienne, le Windingo, permet d’introduire la notion de colonisation. En effet, dans cet opus de Ginger Snaps, le loup garou représente le Mal colonisateur qui a introduit entre autres, les maladies, décimant les population Amérindiennes.
D’ailleurs, les transformations physiques font références à une maladie qui défigure, et on retrouve les mêmes schémas/problématiques que dans les films de zombie (par exemple le père qui refuse la transformation de son fils et qui le cache).

Ce sont les blancs qui sont transformés en loup garou, et la légende du Windigo évoque un animal transformé en raison de sa cupidité et/ou affaibli par la faim et le froid.
Le Windingo représente ainsi l’égoïste et le refus de partager et d’aider la communauté.
Les soeurs seraient donc la clé pour arrêter cette malédiction, mais Brigitte fait le choix (assez insensé je dois dire) de se comporter comme une blanche colonisatrice en tuant l’Amérindien (mais libérée des injonctions masculines), pour rester avec sa soeur coûte que coûte.

Brigitte, personnage principal

De son côté, le personnage de Brigitte est subtilement différente du 1er film. Elle reste en retrait par rapport à Ginger mais s’avère être une réelle coéquipière contrairement à Ginger Snaps. Malgré la condition de Ginger, à aucun moment elle ne flanche, et elle tient tête à sa soeur quand celle-ci veut l’écarter (et comme précisé au-dessus, c’est elle qui se charge de raconter leur histoire).
Alors qu’elle est considérée comme la fille moche dans le 1er, elle est ici coiffée et pouponnée comme une belle dame.
D’ailleurs sa posture est complètement différente. Dans le 1er elle est recroquevillée sur elle même, ses cheveux cachant son visage. Ici elle se tient droite et a le visage clair et dégagé. Cela traduit aussi une égalité dans les rapports avec sa soeur. Il n’y a plus de dominée.
Le personnage de Brigitte garde son background d’origine, tout en connaissance une légère évolution.

Le film reste très faiblard dans son écriture de personnages. On sent que l’effort a été concentré sur l’esthétique, et il faut dire que la photographie est plutôt réussie, reflétant une belle ambiance de conte horrifique.
Malheureusement, sans personnages solides (les antagonistes manquent cruellement de charisme dont on ne sent pas vraiment la menace, et le petit loup garou est vite expédié), on peine à avoir de l’empathie. Et donc un réel intérêt pour les enjeux des personnages).

La pureté du blanc de la neige, des soeurs qui déjouent le destin et restent ensemble, Ginger en empathie, Brigitte dénuée de complexes, cet opus vient contrebalancer la profonde noirceur du 1er.
Tous ces éléments racontent un conte de fées de sororité. Les hommes, qu’ils représentent une menace ou un salut, sont écartés. Les soeurs fonctionnent cette fois en équipe, et c’est avec la condition de loup garou qu’elles vécurent heureuses…
Une différence qui les isolent du monde (mais dépeint comme dangereux en tous points ici).

Alors la saga Ginger Snaps est-elle une bonne saga du cinéma de genre?

D’un point de vue cinématographique, les 2 derniers films surtout, peinent en termes de rythme et d’écriture des personnages. Ce qui limite l’impact émotionnel.
Les vraies forces de Ginger Snaps, sont évidemment ses 2 personnages féminins. A travers 3 films très différents, plusieurs thématiques sont abordées. Tantôt une vision de l’adolescence très noire, contrebalancée avec des versions plus positives.
Les 3 films ont été écrits par des femmes, et dans chaque film, la notion de love interest est complètement écartée. Et la présence des hommes qui rôdent autour des femmes n’est pas occultée pour autant. Mais à aucun moment, il n’y a un message qui vient contrebalancer ce constat. Ce qui n’est pas pour me déplaire.
Pour autant, chaque film n’appuie pas lourdement sur un message ou des références féministes. Ils présentent une sororité avec ses forces et ses faiblesses, dans un monde qu’elles peinent à comprendre et à les comprendre. Des jeunes femmes qui tentent d’exister pour ce qu’elles sont. Monstres ou pas.

Je suis intervenue dans le podcast Dear Horror Movie pour évoquer la saga Ginger Snaps, à écouter >>ICI<<.

L’article [Analyse saga] Ginger Snaps, louve garou est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

A l’image de ma démarche pour les sagas Candyman et Freddy, je commence cet article par une analyse des symboles qui entourent le film. Je vous conseille fortement de voir les films avant d’aller plus loin. Parce que ça spoil sévère.

SOMMAIRE

1-Les symboles

2-Willard de Daniel Mann (1972)

3-Ben de Phil Karlson (1972)

4-Willard de Glen Morgan (2003)

1-Les symboles

Ratatouille

18,6 milliards de rats en 2016. C’est dire si le rat prend de la place. Heureusement pour nous, plutôt dans les bas fond.
Il fait parti des rongeurs les plus détestés. Il est considéré (en parti à tort) responsable de la propagation de la peste noire au XIVème siècle.
Or on sait que si les rats était porteurs de la bactérie (jusqu’à 5 millions sous chaque patte!), la mauvaise hygiène, la mobilité croissante des échanges commerciaux ont joué un rôle déterminant dans cette pandémie. Par ailleurs, c’est aussi parce qu’on avait tué trop de chats noirs par superstition, que les rats ont pu proliféré. Quand le chat n’est pas là, les rats dansent!
Associé à la saleté, à la prolifération, il inquiète par sa capacité à se multiplier rapidement. Par ailleurs, il est aussi utilisé dans des expressions courantes, de manière négative: « fait comme un rat », « les rats quittent le navire », « s’ennuyer comme un rat mort »…
C’est un animal dont on a du mal à estimer la valeur individuelle, ses forces étant représentées à travers la synergie d’un groupe de rats. Il représente la foule.

Rat, animal des bas fonds et égouts, est la parfaite métaphore pour évoquer la population d’en bas. Celle qui est non seulement rejetée, mais invisible. Celle qui parait facilement maitrisable de par sa petite taille, mais qui s’avérera plus puissante grâce à son nombre.

Un animal intelligent

Pourtant, le rat est un animal doué d’une certaine intelligence. Ce n’est pas pour rien que malheureusement il est souvent utilisé pour tester des expériences. Par conséquent, on peut aussi faire un lien avec le fait que le rat représente un enfermement, une privation de liberté.
Dans la religion hindoue, il sert à transporter le dieu Ganesh qui représente la sagesse et l’intelligence.
Il a également servi de nourriture lors de famines.
Souvent, au cinéma, quand des personnages sont coincés, les rats symbolisent leur salut, du moins leur espoir de réussir à sortir vivant.

Le rat est un animal en rondeurs, souvent associés à un élément rassurant. Mais sa queue longue et poreuse accentue un effet de dégoût. Alors que la souris est similaire, elle est souvent mieux reçue, car plus petite. Il peut être de toutes les nuances de brun, noir, blanc. Des couleurs passe partout, qui se marient bien avec une notion de groupe.
Il est aussi difficile de discerner une émotion sur le rat. On ne voit pas de joues, de gueule, seulement des petits yeux sans expression, et parfois même rouges.

Le rat est un animal d’horreur par excellence. On ne compte plus le nombre de films mettant en scène un rat meurtrier: Les rats attaquent de Robert Clouse, La créature du cimetière de Ralph S. Singleton, The Rats de John Lafia ou même l’excellent documentaire horrifique Rats de Morgan Spurlock (réalisateur du documentaire Super Size Me).

Socrate

Socrate est le rat blanc de Willard. Par sa couleur, il est symboliquement mis en opposition avec le rat noir, Ben.
Je ne vous apprend rien, Socrate est un philosophe du Vème siècle avant JC. La particularité de Socrate est d’axer ses réflexions en lien avec une certaine éthique. Notion plutôt adéquate avec la blancheur du rat.

Socrate n’a laissé aucun écrit. On connait sa philosophie à travers Platon. C’était un homme qui conversait avec les habitant-es d’Athènes, qui était un simple citoyen. Cette dernière caractéristique est importante, car on le verra plus loin, mais c’est précisément la situation de Willard. Il est donc naturel que celui ci s’identifie à ce rat, qui plus est, qui représente le bien.

La philosophie de Socrate est connue pour l’idée que le mauvais en soi n’existe pas chez l’Homme. C’est son ignorance qui l’amène à être mauvais. Par conséquent, pour y remédier, il faut apprendre à se connaître. Et à se connaître bien. Ce qui n’est pas le goût de tout le monde. J’imagine que vous avez tous-tes connu la situation où une personne vous met face à vos contradictions. Ou vice versa.

Le procès de Socrate

Mais c’est le procès de Socrate qui reste sans doute le plus dans les mémoires. Accusé de corrompre la jeunesse de certains esprits (et oui déjà!), il sera condamné à mort. Lors de son procès, il démontera brillamment les arguments de ses accusateurs cependant. En pointant notamment le fait qu’il ne peut pas avoir corrompu volontairement les esprits, car ne voulait pas souffrir, il ne va pas commettre le mal sur autrui.
Par ailleurs, même si sa condamnation est injuste, il refusera les offres de fuite de ses amis. Estimant que les lois d’Athènes l’ont élevé et qu’elles sont justes. Ce sont les hommes qui sont injustes. Il devra faire sacrifice de sa vie pour prouver à l’Histoire l’injustice de sa condamnation.

Dans Willard, Socrate meurt, tué à coups de batte par le mauvais patron de Willard. Cet événement marquera également un point de rupture dans la vie de Willard avec ses rats. Une injustice qui ne fera qu’alimenter la haine de Ben, le rat noir. Le rat symbolisant le bien n’était plus là, c’est une fois de plus la force maléfique qui gagnera.

2-Willard de Daniel Mann (1971)

Willard (Bruce Davison) est un jeune homme qui tente de se faire une place dans l’entreprise familiale. Mal dans sa peau, il se prend d’affection pour un rat, puis deux, puis trois, puis…

Daniel Mann était loin d’être un réalisateur débutant quand il a dirigé Willard. Avec plus d’une quinzaine de longs métrages, et une quinzaine qui suivront Willard, avant sa mort en 1991, Daniel Mann a eu une carrière honorable. Sans éclat, il a réussit néanmoins à tourner régulièrement.

Take the power back

L’enjeu principal de Willard est clair. C’est un homme qui cherche à reprendre le contrôle sur sa vie, ses émotions. C’est un sujet que je trouve personnellement passionnant, car nous sommes tous-tes confronté-es à diverses contraintes, qu’elles soit professionnelles ou personnelles. Si les compromis sont nécessaires, à partir de quel moment les contraintes dépassent les limites? Et quelles limites? Sans oublier qu’il n’est pas toujours facile de se rendre compte qu’on nous brime.
Nos sociétés, et notamment le travail, sont basés sur des principes très contraignants: horaires, salaires, conditions de travail, sens de ce que l’on fait…

Tuer la mère

Et l’oppression du travail est au coeur de Willard. Engagé par défaut dans l’entreprise familiale à la mort de son père, il peine à se faire respecter. D’emblée catalogué comme boulet, il est régulièrement humilié par son patron malgré ses efforts. C’est une tragique mais classique manière de développer de l’empathie pour un personnage, très claire pour le-a spectateur-rice.

L’oppression continue dans un univers que l’on ne peut pas choisir en revanche; la famille. Celle de Willard est composée de sa mère, et de quelques ami-es de celle ci. Cette famille ne manque pas d’amour, mais de respect de zone d’intimité. On lui dit quoi faire, quoi dire, quoi penser.
La mère est particulièrement invasive, pratiquant une certaine violence psychologique en le culpabilisant ou le rabaissant. Elle est d’ailleurs toujours filmée comme dominante.
Mais malade, elle est aussi très faible et dépendante de Willard. Cette dépendance, elle tente de la contrebalancer en faisant pression sur son fils.

Le basculement

Au hasard d’une balade dans son jardin (qui a fait office de jardin légèrement onirique rappelant le point de départ d’Alice au pays des merveilles), Willard repère un rat qu’il commence à nourrir. Il en découvre d’autres, et alors qu’il s’apprête à les tuer en les noyant dans un bassin (qui sera donc notre fusil de tchekhov), il découvre son pouvoir de vie et de mort sur ces bêtes, en les épargnant.
Dès lors, il se sent plus fort. Et c’est montré simplement par ces plans en opposition:

La faiblesse de la mère est montrée à travers sa pénible montée de l’escalier grâce à son fauteuil. Plus loin, Willard utilise ce même fauteuil pour monter alors que sa mère l’appelle sans relâche. Non seulement il remplace symboliquement cette mère pour le moins pénible, mais en plus il est devenu détendu et confiant, tenant entre ses mains son rat, Socrate.
Ce pouvoir enivrant de contrôler qu’on exerce fortement sur lui, il en ressent les effets très rapidement. Comme une drogue. Parce que très vite, il développe une armée de rats, dans sa cave. Comme une envie irrépressible d’aller toujours plus loin, et d’accroître son pouvoir à mesure que son groupe de rats grandit.

L’enfer c’est les autres

On ne peut qu’être en empathie avec Willard. Son patron est un type qui prend plaisir à manipuler et rabaisser ses employé-es. On a évidemment sa mère envahissante, mais aussi une amie de celle ci. A la mort de la mère de Willard, cette femme ne cesse de s’immiscer dans la vie de Willard sous prétexte de lui rendre service. Sans tenir compte de ses besoins, elle ne comprendra même pas ses torts quand Willard se montrera plus ferme. L’illustration parfaite de la personne qui parce qu’elle se rend serviable avant même d’avoir été sollicitée, ne se rend pas compte qu’elle ne respecte pas l’autre.
Il faut voir comme le cadrage en contre plongée accentue un effet presque diabolique.

Et à ce propos, je vous conseille d’écouter cet épisode d’Affaires sensibles. Sur un sujet complètement différent (l’infanticide), il est expliqué que dans l’enfance de la mère meurtrière, elle était gavée. Jamais elle n’a pu exprimer ses besoins, ses envies de manger ou pas. Pour avoir la paix, elle était nourrie constamment. Et il est expliqué qu’un enfant à qui on ne donne pas l’opportunité d’exprimer ses besoins, peut créer des névroses.

La domination entre blancs

Willard n’a pas d’ami-es, il est profondément seul et haï. On comprend aisément sa passion pour les rats, animaux rejetés.
Ceci dit, c’est son entourage qui sont mis en scène pour rappeler les rats. Alors que l’enterrement a à peine eu lieu, ils se jettent sur la nourriture.
Par ailleurs, au début, quand ils accueillent Willard pour son anniversaire, ils se pressent autour de lui. Leurs têtes occupent le devant de la caméra.

Enfin, la notion de domination de l’autre passe par le personnage du patron. Evidemment à travers les diverses humiliations et rabaissements. Mais aussi à travers le fait que le patron se doit d’être respecté et admiré pour garder son pouvoir. Ainsi, le rapport de domination vacille quand la fête du patron est gâchée par les rats. A son tour, il est l’objet de moqueries. Son statut se modifie.
Il ne remontera dans l’estime sociale que quand il fera preuve de force physique en tuant Socrate. Une manière de montrer que la domination ne va pas forcément de paire avec le statut. Et qu’il faut régulièrement s’imposer pour conserver son pouvoir.

Le créateur dépassé par la créature

Il est inévitable de rapprocher Willard avec l’histoire de Frankenstein créé par Mary Shelley.

Tout d’abord parce que c’est Willard qui donne véritablement vie et pouvoir aux rats, et en particulier à Ben. Tout comme Victor Frankenstein, Willard utilise les rats à ses fins personnelles, pour se revaloriser.
Sans se soucier des conséquences, ni de la manière dont cette situation peut durer dans le temps, il est concentré sur ce que les rats lui apportent sur l’instant. Comme Frankenstein, qui se dépasse pour réussir à donner vie à la créature.
Et tout comme le héros de Mary Shelley, il pense avoir un réel contrôle sur sa création. A plusieurs reprises, on le voit interagir avec ses rats, les informant de règles de vie à suivre. Tout comme Victor, qui pense avoir le dessus sur son monstre, quand celui ci montre sa dangerosité.
De plus, les rats et la créature sont considérés comme répugnants.
Enfin, la rébellion des rats contre Willard est évidemment similaire à celle de la créature envers Frankenstein. Les deux bêtes sont blessées de la trahison de leurs créateurs. Et cherchent à se venger.

Frankenstein sur la planète des singes

Mais l’analogie peut aussi se poursuivre concernant la situation de classe de Willard. Je vous invite à lire mon article sur une conférences donnée aux Utopiales, à propos du lien entre le livre de Shelley et Marx. Pour faire court, Frankenstein renvoie au corps du travailleur qu’on utilise.
Comme nous l’avons vu précédemment, Willard est en bas de l’échelle. Il est en plus méprisé et humilié. Il est clairement vu comme un objet à utiliser par son patron. Que ça soit concernant son travail, mais aussi en lui arrachant sa maison, par intérêt immobilier.

On peut également faire un parallèle entre Willard et La Planète des Singes. Cette manière d’utiliser les animaux (les rats et les singes étant intelligents), pour servir ses intérêts, et sans se soucier véritablement d’eux est un thème en commun entre les deux films. Tout comme leur soulèvement.
Une manière de montrer aussi que l’Homme, en voulant tout s’approprier et tout contrôler, finit par le payer.
Ce rapprochement se fera d’autant plus dans la suite de Willard, Ben.

Créateurs face à leurs créatures…Encore une belle illustration de l’Homme qui se prend pour Dieu.

Un beau personnage féminin

Mais mon coup de coeur pour Willard est aussi dû à ce personnage féminin bien écrit. Pas assez important, mais très positif, surtout pour l’époque.

Joan (Sondra Locke), est la collègue embauchée en renfort pour aider Willard. Willard étant vu comme un incapable par son patron, Joan, est embauchée temporairement en renfort pour aider Willard. C’est un personnage en position de force par rapport à lui: elle n’a pas d’attaches à l’entreprise, et elle sait qu’elle est là car Willard est considéré comme incompétent. Celui ci occupe la place la plus déconsidérée dans l’entreprise. Il est mal payé, moqué, humilié, écarté des festivités de l’entreprise…Joan a donc forcément une image de looser de Willard. Et pourtant elle fait preuve constamment de bienveillance. Même si c’est une caractéristique habituellement attribuée aux femmes, ici ça ne fait pas d’elle une nunuche pour autant. On sent qu’elle est touchée par Willard, sans aller jusqu’à l’infantilisation. Elle est la seule qui l’écoute, l’encourage et surtout lui fait prendre conscience qu’il n’est pas traité correctement.
Ce personnage de femme est attirée par le looser de l’histoire, non par pitié, mais par réelle considération de sa personne.

Un vrai soutien

Elle est aussi le symbole d’un basculement de Willard en lui offrant un chat. C’est la prise de conscience que sa situation au milieu des rats n’est pas tenable. Et son comportement bienveillant envers lui, ne peut que l’encourager à aller de l’avant et à envisager des relations humaines saines.
Par ailleurs, elle fait preuve d’éthique, en tenant tête sans éclat mais fermement, au patron qui tente de la liguer contre Willard.
Sa distinction par rapport à l’entourage de Willard se traduit aussi par ses vêtements. Elle est toujours habillée non seulement avec des vêtements à motif renvoyant à une jovialité, mais ils sont surtout en opposition avec ceux de l’entourage de Willard, qui sont eux, unis.
Elle est également blonde, et c’est souvent une couleur de cheveux associée à la pureté au cinéma.

Willard s’avère être un très bon thriller horrifique, qui prend son propos au sérieux. Notamment au travers du traitement des rats, qui sont filmés tel quels, sans artifices. Une belle peinture d’une comédie humaine.

3-Ben de Phil Karlson (1972)

Ben, le leader des rats, et sa meute terrorisent la ville. Ils sont recherchés par la police. Parrallèlement il fait la rencontre avec un petit garçon David, se lie d’amitié avec Ben.

A peine les résultats du box office sont connus, que la suite est dans les tuyaux. Les producteurs ont besoin de sortir Ben rapidement. Il faut donc un réalisateur efficace, à l’heure, et connu pour ne pas dépasser le budget. C’est le cas de Phil Karlson qui réalise plutôt des westerns, ou des films de gangsters. Il co réalise également Roger Corman, producteur qu’on ne présente plus, connu pour boucler des films à petits budgets.
Ben est plutôt un film de commande pour Phil Karlson. Il est écrit par le même scénariste que Willard.

David au pays des rats

Le point commun entre David, le petit garçon, et Willard est leur isolement et leur sentiment de solitude. Mais je dirais que la comparaison s’arrête là.
David est un enfant, il a donc une véritable part de naïveté qui est la bienvenue (contrairement à Willard qui est handicapante). Par ailleurs, il est gravement malade. Atteint d’un problème au coeur, il doit faire attention à ne pas trop s’agiter. Compliqué pour un enfant. Il a également perdu son père récemment. Et l’amour de sa mère et de sa grande soeur ne suffisent pas à son épanouissement.
C’est dans ce contexte, qu’il voit en Ben, un compagnon idéal.

Viens jouer avec moi

La mise en scène de la rencontre est très astucieuse. On voit David, qui joue aux marionnettes laissées par son père. En un plan, on nous montre la solitude que ressent le petit garçon. Mais on peut aussi y voir la notion de manipulation et de contrôle grâce à la marionnette. Et le plan d’après, on voit Ben arriver, en premier plan, qui nous semble deux fois plus gros que David. On sait ainsi, qui va véritablement prendre le contrôle.

Si Ben est venu sauver David de la solitude, celui ci viendra à son tour sauver le rat d’une mort certaine. Le petit garçon se savant en danger, tente également de protéger son ami. C’est en fait lui même qui tente de se battre contre la fatalité.

Par ailleurs c’est un personnage de petit garçon assez inhabituel au cinéma. Bien sûr, pour les besoins de l’intrigue il est normal qu’il soit marginalisé. Mais des détails ne font qu’apporter épaisseur au personnage.
Par exemple il chante et joue divinement bien du piano. Il fait preuve de maturité en étant capable d’entendre des vérités brutales sa possible mort.

Distinguer le bien et le mal

Il est aussi très lié avec sa mère et surtout sa soeur. Celle ci lui tient un discours particulièrement honnête sur le fait que la maladie de David peut le tuer. Cette relation basée sur la pure vérité entre entre eux, procure un vrai dilemme à David. Comment peut il continuer de mentir alors que dès qu’il dévoilera la présence de Ben, il en sera privé?
De plus, il ment régulièrement pour protéger son rat. Tout en étant conscient de l’abus de Ben, qui fait peur à une partie de Los Angeles.
A mon sens, David fait aussi là, l’apprentissage du bien et du mal.
C’est par ailleurs, symbolisé par le fait qu’il se plonge dans l’univers des rats, comme Alice au pays des merveilles. A travers un tunnel, il cherche à comprendre comment ses amis vivent. Tout comme à la fin, lorsqu’il se surpasse en venant aider Ben.

Des rats pas si diaboliques

Le traitement à l’image des rats est particulièrement réussi. Bien mieux que dans Willard à mon sens. Il faut noter qu’il faut être particulièrement habile de montrer des rats agressifs, mais d’en faire un compagnon de jeu mignon.
Phil Karlson parvient à montrer Ben comme véritable chef, avec des gros plans, et des contre plongées. Mais c’est surtout qu’il capte une certaine noirceur dans son regard. On a vraiment le sentiment qu’on va se faire attaquer.
Le reste des rats sont filmés uniquement de manière à montrer une meute. Toute la concentration est portée sur Ben.
Et le lien entre David et Ben permet au spectateur d’être en empathie avec les personnages. On sait que cette curieuse amitié est bénéfique pour David, malgré les actes de terreur de Ben. Par ailleurs, Ben possède de belles scènes qui illustrent ce lien amical, comme la chanson de David qu’il utilise en manipulant une marionnette à l’effigie de Ben.

Le rat philanthrope

Ben s’avère être un personnage plus complexe que dans beaucoup de films d’horreur. Il tue quand il se sent menacé: par Willard, le policier. Il est responsable de sa meute et il faut la nourrir, donc les rats vont dévaliser un supermarché. Au passage, on peut voir cette séquence comme le saccage de grande consommation, par un symbole underground et sale, les rats. C’est appuyé par la réplique d’un journaliste qui répond « On dira que c’est une action écolo » quand un des flics demandent ce qu’on pourra en dire. Une des scènes les plus impressionnantes du film.
Enfin, Ben attaque aussi les personnages qui s’en prennent à son ami. Bref, en vrai, il est loin d’être un être diabolique. Il cherche juste sa place. Comme David, comme tout le monde.

Mais même si cette violence est modérée, on voit à quel point cette marginalité peut poser problème.

Los Angeles infesté

Entre toutes les scènes avec David, on assiste à la terreur répandue par les rats. Ils touchent des lieux emblématiques d’une ville: les hôpitaux, les supermarchés. Mais aussi des lieux spécialisés qui s’adressent à une clientèle plus haut de gamme: une belle fromagerie, et un spa.
Ces lieux ne sont pas choisis au hasard, ils renvoient au fait que les rats, créatures d’en bas, veulent viser plus haut. Du bon fromage de qualité, par exemple. Ou reprendre une certaine forme de pouvoir sur des dominants se croyant à l’abri.

Par ailleurs, Ben insiste fortement sur l’attraction de la population pour le fait divers. Il y a plusieurs plans généraux montrant la foule (qui fait aussi référence à la meute des rats). Mais on peut aussi noter un détail sur chaque visage par la suite. L’idée est de montrer que c’est le comportement individuel qui finit par former un comportement de groupe.
On constate également leur passivité extrême face à l’horreur de meurtres ou de saccages. On les sent comme hypnotisés face à quelque chose qui devrait les révolter ou les faire fuir.

A feu et à rats

Même s’il a un peu vieilli, le final avec la tentative d’exterminer les rats dans les égouts est prenante. On a bien assimilé l’intelligence et la capacité des rats à se défendre, alors on se demande bien comment l’affrontement va se dérouler. Cette fin fait directement référence au film Les monstres attaquent la ville (1954) de Gordon Douglas. Dans ce dernier, ce sont des fourmis géantes qui sont détruites au lance flamme à Los Angeles également.

Ben s’avère être une suite très pertinente car elle utilise des sujets similaires à Willard, tout en renouvelant son traitement. Même si le film dépasse un peu plus de quoi rembourser le film, les recettes s’avèrent décevantes et le troisième opus est annulé.

Détails amusants: le rat incarnant Ben a été récompensé deux fois de l’équivalent des Oscars des animaux, les PATSY awards. Et la chanson originale du film est interprétée par…Mickaël Jackson.

4-Willard de Glen Morgan (2003)

Willard (Crispin Glover) est un homme taciturne et isolé avec sa mère dans la grande maison familiale. Il se lie d’amitié avec un rat blanc, Socrate, et s’entoure de rats pour tenter de prendre sa revanche face à cette société qui le méprise.

Je vous avouerai que j’étais moyennement emballée devant ce remake du premier opus. Et même s’il s’avère moins percutant, il n’est pas dénué de qualités.

Le duel Ben/Willard

Willard a l’intelligence de se démarquer sur un point principal: la relation du personnage avec Ben, le rat noir. D’emblée, on comprend que Ben est et sera toujours le vrai chef. Et surtout, à aucun moment Willard n’a de sympathie pour lui. Contrairement au film original, où la relation se dégrade petit à petit. Le film est donc centré sur le duel permanent entre Willard et Ben.
Le premier problème c’est que ça en fait un film très prévisible. Malgré les quelques tentatives de Willard de faire barrage à Ben, on sait que le rat prendra le dessus. Et nous montrant Ben qui désobéit dès les premières minutes du film, le cadre est posé. Il aurait été plus pertinent de se pencher sur les raisons du rat à se comporter ainsi . Pourquoi et comment se distingue t il de Socrate, qui s’avère être un ami protecteur de Willard.

Le deuxième problème c’est que ça empêche le film de déployer le processus de marginalisation de Willard. Finalement, il y a peu de scènes avec le patron de Willard. Et globalement Willard est même filmé majoritairement chez lui, coupé du monde extérieur.
A tel point que les personnages secondaires sont tellement négligés qu’ils en deviennent insignifiants, voire gênants. Comme le patron, et surtout Cathryn incarnée par Laura Harring, qui incarne la collègue sympa. Un personnage féminin qui n’a aucun intérêt.

La mise en scène et le scénario s’appliquent à mettre en lumière le poids de la famille, qui ont fait de lui un marginal. Plus que le monde extérieur.

Le pingouin au pays des rats

A mon sens, Willard a beaucoup de points communs avec le pingouin dans Batman le défi de Tim Burton.
Ainsi on peut remarquer que Willard est:

• considéré comme répugnant,
• se lie d’amitié avec des bêtes du bas fond,
• a une attitude corporelle assez proche,
• n’est pas aimé par sa famille. Sa mère va jusqu’à lui faire perdre son identité en l’appelant par un autre prénom car elle juge celui de Willard comme laid,
• vient d’une famille riche mais finit pauvre.

Par ailleurs, en termes visuel, le générique m’a fortement fait pensé à l’univers de Tim Burton. Cette typo gothique, ces cadres étranges, et tous ces élément sortis d’un rêve qui penche vers le cauchemar.

Par conséquent, à mon sens, il est davantage en quête d’amour, que de pouvoir, contrairement au film original.
On voit qu’il est très attaché à Socrate, la relation avec le rat blanc est plus significative. Le rat le sauve de sa tentative de suicide par exemple.

Le poids de la famille

Au contraire, Ben est associé à l’héritage financier et entreprenarial perdus du père, au poids de la famille. Willard a peur d’avancer, de faire face à cette catastrophe qu’il ne peut pas éviter. Cette famille qui l’empêche d’avancer et d’être lui même. La mise en scène le dit clairement en liant Ben au portrait du père.

Par ailleurs, contrairement au premier film où la mère est dépeinte comme envahissante et dominante, ici elle fait peur. C’est presque le fantôme qui hante la maison. La mise en scène le traduit avec des séquences de dialogue avec Willard où on la voit pas. On entend juste sa voix inquiétante.
Et la scène où elle crache du sang en vociférant n’est pas sans rappeler L’Exorciste.

Fait comme un rat

Cette peur s’exprime aussi à travers le fait que Willard est enfermé dans cet héritage, dans son travail. Toute la mise en scène est basée sur cette notion d’enfermement, beaucoup plus que sur marginalisation. Et ce de manière différente. On le classique du grillage sous toutes ses formes:

Mais la notion de piège se traduit aussi par les décors. L’entreprise ressemble à une prison. Sa chambre est quadrillée. Les plans du dessus dans sa maison donne l’impression qu’il est dominé.
Sans compter qu’il termine par être véritable enfermé, en asile.

Cette peur de tout, lié à l’enfermement, traduit un besoin d’appeler à l’aide. Et cette aide se traduit à travers sa tentative de suicide devant Socrate, les 911 que l’on voit régulièrement dans le film. Aussi bien sûr via le final, qui apporte une note d’espoir pour Willard, avec ce rat blanc qui vient lui rendre visite dans sa chambre.

Dommage que le personnage manque de cohérences. Sa rencontre et surtout sa maitrise des rats apparait soudainement, sans un quelconque lien. On ne comprend pas non plus pourquoi il veut tuer tous les rats après avoir attaqué son patron. Il n’a aucune raison de s’en prendre à eux. Ici le personnage féminin ne peut pas être une raison.

Les rats contre attaquent

Mais Willard se distingue surtout par ses séquences emblématiques de la masse de rats qui attaquent. Je pense à la scène de l’ascenseur (avec ce débordement de rats qui fait penser à la vague de sang dans Shining). Mais surtout à celle avec le chat qui tente désespérément d’échapper à la horde de rats. Une très belle séquence.
Par ailleurs, le film montre les toilettes comme conduit pour les rats. Et le documentaire Rats nous prouve que c’est une porte d’entrée pour les rats pour s’introduire dans les maisons.

Willard est un remake qui apporte une dimension nouvelle au personnage mais qui pêche par la négligence de ses personnages secondaires. Cela ne fait que renforcer les incohérences qui traversent le film. Et l’empêche d’être aussi percutant que l’original. Mais c’est un thriller efficace, à découvrir.

Une saga tristement méconnue

Si Willard ne marquera pas par sa dimension horrifique, les thèmes abordés sont divers et passionnants: rapports de domination entre blancs, isolement, poids familial. En cela, les films se distinguent nettement malgré une intrigue similaire. Il est dommage qu’elle ne soit pas plus évoquée et restée dans les mémoires.
Et vous? Aimez vous cette saga?

Pour naviguer sur l’article:

1-Les symboles

2-Willard de Daniel Mann (1972)

3-Ben de Phil Karlson (1972)

4-Willard de Glen Morgan (2003)

Vous pouvez me suivre sur:

• Twitter
• Instagram

Je mets en story à la une sur Instagram tous les films visionnés chaque mois.

L’article [Analyse saga] Willard: ratatouille du diable est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Dans un premier temps je reviens sur les légendes et signification autour de l’histoire du personnage de Candyman. Je propose par la suite mes critiques des films.
Le sommaire est cliquable.

1-Les légendes

2-Candyman

3-Candyman 2

4-Candyman 3

5-Candyman

Les légendes

Qui est Candyman?

Candyman est adapté de la nouvelle écrite par Clive Baker (papa de Hellraiser). A l’origine, le personnage n’est pas noir, mais jaune (oui, oui), et il est habillé à la manière d’un clown. Son histoire personnelle reste floue.

Dans le film, Candyman était le fils d’un ancien esclave qui a fait fortune grâce à un système de fabrication de chaussures. Devenu artiste peintre talentueux, il est engagé par un riche blanc pour créer le portrait de sa fille. A la manière de Roméo et Juliette, Candyman et la jeune femme tombent amoureux, ce qui déclenche la haine raciste du père de celle ci.
Candyman finira massacré à coups de crochet, achevé par des abeilles dont le miel de leur ruche a été étalé sur son corps. Comme s’il cela ne suffisait pas, il sera brûlé et ses cendres seront éparpillées à Cabrini Green. C’est une cité qui existe vraiment à Chicago, dont la majorité des résident-es sont noir-es.

Par ailleurs, le fait que le film précise que le père de Candyman a fait fortune après sa condition d’esclave.
C’est un détail qui me semble-t-il, renforce la dimension du crime racial dont Candyman est victime. En effet, alors que la famille de Candyman s’est extraite de sa condition, elle change aussi de classe sociale. Est-ce ce changement qui déclenche d’autant plus la colère des blancs? On a à la fois, la dimension sexiste (le père qui veut contrôler le corps et la vie de sa fille), et raciste.

Le miel et les abeilles

Dans la religion judéo chrétienne ou même le Coran, l‘abeille tient une place importante. Elle symbolise la renaissance de l’esprit après la mort. La Sainte Ludivine par exemple a vu son corps malade de la peste, faire couler du miel de ses plaies. Saint Antoine de Padoue décrit la Vierge comme « la chaste abeille ».
On peut aussi reprendre le mythe d’Aristée, fils d’Appollon et de Cyrène lié à l’agriculture. Pour réparer une faute (dont la punition sera la perte de ses abeilles), il brûla dans les bois huit bovins, qui se transformèrent en abeilles. Tiens, ça me rappelle une histoire…

Par ailleurs, on sait que les abeilles ont un profond sens du travail en équipe et de la précision. Elles sont capables de créer et d’évoluer dans des structures géométriques. Dans Candyman, cette notion de géométrie est fortement rappelée lors du générique grâce à la typographie, la manière dont le texte est animé, et bien sûr les routes. On retrouve aussi cette notion dans les plans d’ensemble de la cité Cabrini Green.
Par ailleurs, l’opposition entre les quartiers où vivent légendes et inégalités est mise en opposition avec l’aspect circulaire de l’environnement d’Helen. Le cercle renvoie à une notion de boucle répétitive, dont on ne sort pas. Autrement dit, les privilégié-es sont amené-es à rester en entre soi.

Miroir mon beau miroir

Est ce nécessaire que je rappelle à quoi fait référence le miroir?
Le miroir de l’âme, le reflet de son autre soi, l’objet qui permet de dévoiler une vérité.
Mais c’est aussi un vecteur couramment utilisé dans le cinéma de genre pour communiquer avec les morts, ou les faire apparaître. Plus rarement les faire disparaître comme dans Les larmes de la malédiction de Rafael Baledón.
C’est aussi un outil massivement utilisé dans diverses légendes pour enfermer des âmes, les posséder.
Une des légendes urbaines les plus connues étant celle de la La Plantation des Myrtles.
C’est aussi un objet qui peut déformer les visages, les corps et donc la perception.
Mais le miroir peut aussi s’avérer être une arme redoutable quand il se brise.
Le miroir est l’objet de prédilection du cinéma de genre.

1-Candyman de Bernard Rose (1992)

Helen (la grandiose Virginia Madsen) et Anne Marie (Vanessa Williams) effectuent des recherches sur la légende de Candyman. Les habitant-es d’une cité continuent d’avoir peur de ce croquemitaine. On dit que si on l’appelle 5 fois devant un miroir, il viendra t’éventrer de son crochet…

Raconte moi une histoire

Candyman nous le dit d’emblée: son histoire s’inscrit dans un conte. On n’a pas encore fait connaissance avec la protagoniste, qu’on nous raconte le mythe de Candyman. Et il démarre comme un slasher des plus classiques. Avec du sexisme. Un croquemitaine vient punir une vierge qui compte avoir sa première relation sexuelle en étant infidèle.
Le film prend ensuite à contrepied la légende, en proposant des héroïnes (dont l’une est racisée et du même niveau de classe sociale qu’Helen) adultes. L’une est même mariée à un professeur. Plutôt inhabituel pour un slasher.

Le reflet d’un système raciste…

Si l’histoire de Candyman illustre un crime racial, le film montre aussi les inégalités qui persistent entre les blanc-hes et les noir-es. Entendons nous bien, Candyman n’est pas un film ouvrant des portes complexes politique. En revanche, il est toujours appréciable qu’un produit de studio, destiné à un public plutôt jeune aborde ces thématiques, avec un vrai effort de mise en scène.

Ainsi, cette différence est montrée à travers l’échange d’Helen avec les femmes de ménage qui sont noires. On comprend à travers la mise en scène qu’Helen est supérieure. Elle est assise à un bureau, et les femmes lâchent leurs tâches pour répondre à ses questions. Mais on comprend qu’Helen est personnellement dans une autre démarche, quand le personnage de la femme de ménage s’assoit à son niveau.

Par ailleurs, c’est bien un système oppressif qui nous ai montré. Une habitante de la cité précise que les policiers ne sont pas venus quand elle les a appelé pour signaler l’agression de sa voisine par Candyman. C’est un policier noir qui explique à Helen que son témoignage est suffisant concernant son agression. Qu’il n’a pas besoin du garçon noir et témoin, qui accompagnait Helen. Et au cas où on aurait pas compris, le film risque une lourdeur en faisant expliciter par Helen que quand c’est une blanche qui crie on vient, pas quand ce sont des personnes noires.

Mais aussi sexiste

Si elle n’est pas la bienvenue dans un quartier qui ne correspond pas à sa classe sociale, son monde n’est pas plus accueillant. Candyman introduit intelligemment le fait qu’Helen est elle aussi victime d’une oppression systémique: le sexisme. Son travail n’est pas pris au sérieux et on comprend ainsi sa détermination à aller au bout de sa démarche. Pour prouver ses compétences, elle a besoin de fournir un travail qui va au delà de ce qui a été déjà été dit sur la légende de Candyman. Une détermination qui la mènera pourtant à sa perte.
Par ailleurs, on comprend (trop facilement) que son mari ne sera pas d’un grand soutien.
Enfin, si l’obstacle principal d’Helen est Candyman, c’est bien son incapacité à prouver qu’elle est innocente des crimes commis par l’homme aux abeilles qui la met à terre. Piégée par ce dernier, elle est aussi menacée dans son propre monde. Elle n’est pas prise au sérieux, puis internée ce qui la contraint à se tourner vers la cité et ses légendes.

On est d’ailleurs complètement dans un female gaze. Toute l’histoire nous est montrée du point de vue d’Helen. Ses recherches, ses douleurs, ses sensations. Par exemple, lors de son réveil, où elle est ensanglantée. On découvre avec elle son effroi, son incompréhension, avec la même peur qu’elle de comprendre un horrible dénouement. C’est d’ailleurs une des scènes les plus efficaces du film. Une plongée brutale dans un monde où règne l‘urgence: sang, chien décapité, lit de bébé plein de sang et son occupant inexistant, et une mère terrifiée. On comprend qu’elle doit appréhender rapidement un environnement hostile, et se protéger.

Mangez moi

Candyman nous rappelle tout le long, que les personnages font partis du monde du croquemitaine. C’est particulièrement frappant quand Helen explique à Anne Marie que son immeuble est en fait bâti sur les mêmes bases que l’immeuble de la cité où la légende de Candyman perdure. On retrouve ici l’image du miroir. Le quartier de Cabrini Green se reflète dans celui d’Helen.
Elle ouvre son rideau donnant sur une grande fenêtre qui donne vue sur l’autre côté du pont (autrement dit la séparation entre favorisé-es et défavorisé-es). Cela m’a fait penser à un rideau de cinéma qu’on dévoile.
Par ailleurs, quand Helen est à Cabrini Green, elle rentre dans un ancien miroir pour continuer d’explorer les lieux.
Plus tard, la caméra filme Helen qui sort d’un trou…s’avérant être la bouche de Candyman, dessinée sur un mur.
Enfin, il y a évidemment le miroir qui possède le reflet d’Helen (femme blonde blanche, comme la bien aimée de Candyman).

Les faiblesse du capitaine crochet

Il faut admettre que la cité a des allures de carton pâte. Théâtre d’horreur, territoire d’inégalités et de violences, Helen et son amie paraissent comme des brebis égarées dans Cabrini Green. Et sa démarche rappellerait presque celle d’un-e reporter de guerre, qui malgré le danger, continue de s’aventurer dans un lieu où elle n’est pas la bienvenue.

Candyman s’avère être un slasher prenant grâce à sa légende rattachée à une vérité historique (la loi légalisant les unions mixtes date de 1967! Ne manquez Loving de Jeff Nichols à ce sujet), et à un croquemitaine dont le visage n’est pas caché. On sait donc que la terreur se situe ailleurs, dans son incarnation de la violence qu’il a subi. Mais on peut aussi l’interpréter comme personnage d’emblée dangereux, car noir.
L’interprétation de Virginia Madsen est saisissante, et elle est aidée par une personnage bien écrit, qui a des enjeux.
Un classique de l’horreur à voir et revoir.

2-Candyman 2 de Bill Condon

Annie (Kelly Rowan), jeune femme blanche et blonde coule de jours heureux avec son mari. Elle commence à s’intéresser à la légende de Candyman, quand son frère convaincu de son existence semble sombrer dans la folie.

La suite de Candyman est réalisée par Bill Condon (Twilight 4 et 5, La Belle et la Bête). Après nous avoir fait un bref mais efficace rappel de la légende de Candyman (tout en pointant la force du capitalisme), Candyman 2 nous offre une scène d’ouverture bien rythmée, même si prévisible.

Candyman 2 a aussi le mérite de fournir plus d’explications sur le mythe. Ainsi on apprend que s’il s’appelle Candyman c’est en raison du miel étalé sur le corps. On en connait aussi plus sur ses origines familiales, grâce au parcours d’Annie.

Ce deuxième opus décide lui aussi d’ancrer son récit dans le format d’un conte. Mais d’une manière différente, en utilisant le fil rouge du carnaval de la Nouvelle Orléans, associé à une voix off, qui accompagne régulièrement la narration.
Un décor joyeux qui permet d’accentuer l’aspect dérangeant, quand il est lié à un dénouement stressant. Dommage qu’il ne soit pas exploité et reste un élément artificiel.

Festen

Dans Candyman 2, le thème principal n’est plus l’exclusion ou l’injustice mais plutôt la famille. Ces parcours aussi joyeux que tristes.
Mais surtout, au delà d’une histoire classique de secret de famille, Candyman 2 soulève plutôt les ravages que causent ces mensonges: l’alcoolisme, l’obsession, et dans ce cas précis, la mort. J’ai trouvé particulièrement intelligente la conclusion finale d’Annie, qui ira au bout de sa démarche, et ne cachera pas la vérité à sa fille, quant au lien biologique les unissant à Candyman. Une manière de montre qu’on peut tous-tes avoir des monstres dans notre famille mais que l’occulter ne fait qu’enfler sa toxicité.
Un final d’autant plus réussi, qu’alors qu’on s’attend au traditionnel jumpscare, Annie vient pile au moment du climax pour couper court.

Le couple formé par Kelly Rowan et William O’Leary fonctionne parfaitement. On ressent vraiment une belle complicité qui créé une forte empathie alors que l’on sait que leur bonheur sera de courte durée. A noter la présence de Veronica Cartwright (Lambert dans Alien!) qui joue à merveille la mère d’Annie, dépressive. A la fois cynique et drôle, elle offre un personnage nuancé malgré une présence à l’écran relativement faible (et c’est bien dommage!).

Une abeille en demi teinte

Si Candyman 2 possède d’indéniables qualités, il se perd dans un scénario, et ne sait plus trop comment avancer l’intrigue. Ainsi on a droit à une flopée d’introduction de personnages qu’on verra peu par la suite (le frère du début, le révérend, le vendeur de glace, l’élève d’Annie…). Ce ne sont que des personnages artificiels, placés pour faire avancer l’intrigue.
Sans parler des effets spéciaux douteux pixellisés.
Mais le plus gros problème reste le manque de tension lors des meurtres ou des apparitions de Candyman. Mise à part l’introduction, le croquemitaine peine à effrayer. L’inexistence de mise en scène plombe la portée du film.

Candyman 2 reste un film d’horreur qui est plaisant à suivre. Un effort d’écriture des personnages principaux bien joués, associé à un thème riche qu’est la famille, permettent d’en faire un slasher insolite.

3-Candyman 3: le jour des morts de Turi Meyer

Caroline (Donna D’Errico), descendante de Candyman se retrouve à mener l’enquête quand son entourage commence à tomber comme des mouches (abeilles).

Un condensé de sexisme

Là c’est le drame. Candyman 3 fait parti des plus mauvais films d’horreur que j’ai pu voir. Le naufrage est total.

Commençons par le pire. Donna D’Errico (Alerte à Malibu) livre une prestation consternante. Elle n’est pas aidée par un personnage écrit avec les pieds, débordant de sexisme. Et ça commence dès l’introduction.
Caroline arrive à moitié nue, dans une salle de bain, intriguée par le bruit de la baignoire. Rien ne justifie qu’elle soit nue.
Son personnage est constamment rappelé à son physique. Autant par les flics ripoux mais aussi par l’ensemble des personnages, sans raison scénaristique.
Le sexisme est aussi au rendez vous avec une scène digne d’un téléfilm érotique d’M6. On a doit à l’étalage de miel sur le corps, une sexualisation à outrance tape à l’oeil, dans le but d’exciter l’adolescent moyen.
En parlant de téléfilm érotique, la scène de flash back de Candyman avec sa dulcinée est dotée d’une photographie immonde.
Les femmes sont régulièrement nues (comme la mère de Caroline), alors que ça ne sert jamais l’histoire.

Des abeilles en perdition

Dans Candyman 3 on sort le décor du Jour des Morts, fête emblématique du Mexique. Une appropriation culturelle qui n’a ni queue, ni tête. Et je ne sais pas si c’est le festival des morts, mais c’est en tous cas le festival des incohérences. Dans le désordre: comment les protagonistes peuvent se douter que c’est un gang qui a volé les tableaux? Pourquoi le personnage de Jsu Garcia qui se fait choper par Candyman n’est pas tué? Quel est le fuck d’introduire comme un cheveu sur la soupe des adorateurs de Candyman? Personne ne cherche l’arme du crime de Caroline? Pourquoi le flic ripoux agresse le compère de Caroline sorti de nulle part?
Mais on peut aussi noter des répliques de Candyman qui n’ont aucun sens « je ne peux pas t’obliger à mourir » Ah bon?

Rien à se mettre sous la dent pour la mise en scène. Des ralentis inutiles (quand Caroline se fait arrêtée), ou une escalade ridicule de Caroline d’une mini falaise, on se retient de rire.
Aucune nouvelle idée (Caroline se laisse amadouer par Candyman comme sa mère puis se remémore le mal que Candyman a fait…).
On peut noter que Candyman 3 évoque le racisme envers les hispaniques, et non pas les noir-es cette fois. Mais ni la mise en scène, ni les dialogues, ni le propos général du film ne vient épaissir cette idée.

Enfin Candyman 3 commence à souffrir d’un élément scénaristique présent dans le 1 (mais pas dans le 2) qui doit être pris en compte pour un 3ème opus. A savoir l’entourage qui ne croit pas le personnage principal de la réalité de Candyman. On perd notre temps, les personnages aussi, le film s’alourdit.
Une bien triste manière de clôturer la saga.

5- Candyman de Nia Da Costa

Anthony McCoy est un artiste en mal de reconnaissance qui tente de trouver l’inspiration à travers l’histoire de la cité Cabrini Green, qui vit toujours à travers la légende de Candyman…

Candyman est le 2ème film de la réalisatrice afro américaine, Nia Da Costa. Son 1er long, Little Woods, est un touchant portrait d’une sororité, ancré dans une réalité terrifiante (et il s’avèrera bien plus angoissant que son Candyman).
Le films est co écrit et produit par Jordan Peele (dont j’aime particulièrement le travail). Deux artistes noirs qui s’empare d’un film d’horreur emblématique autour de la question raciale, (et réalisé par une femme), tout était là pour attiser ma curiosité.

Malheureusement la transformation de l’essai tourne court. La faute à un scénario décousu, troué, incohérent dans le déroulé de sa narration. Entre arrivée maladroite de personnages fonction (les adolescentes dans les toilettes, prétextes à une scène sanglante), et message politique surexplicatifs mais jamais retranscris à l’écran (la gentrification citée des dizaines de fois, alors que la classe populaire est complètement absente du récit), Candyman sombre.
Et pourtant, contrairement à beaucoup de critiques qui n’aiment pas quand un film est explicatif (plutôt que démonstratif, je ne pense pas que cet aspect nuit nécessairement aux films. En revanche, quand celui-ci est incapable de représenter ce qu’il explique, c’est qu’il n‘a pas compris son propre propos, ou qu’il n’a pas réussi à le traduire en image et en sensibilité.

Les personnages souffrent en écriture. Le trope de l’artiste en mal d’inspiration qui se met en danger pour la trouver a été éculé, et calquer la légende de Candyman n’est, là aussi, pas suffisante.
Le personnage féminin, Cartwright n’est pas caractérisé, et est utilisé artificiellement pour expliquer au public (pourquoi l’antagoniste à la fin, a besoin qu’elle écoute ses confessions?) ou pour révéler le statut diabolique d’Anthony.
Quant aux autres personnages, la paresse de l’écriture les dépeints comme des méchants idiots, les réduisant à du bodycount.

Malgré tout, je dois avouer que Candyman brille par des idées esthétiques (plus que de mises en scène, car celle-ci n’existe pas réellement, puisque qu’elle n’est pas pensée au global pour servir le propos du film).
Les ombres chinoises, les scènes de meurtre (mention spéciale à celle qui a lieu dans la galerie d’art magistralement orchestrée), et l’utilisation dans presque chaque plan d’un miroir ou d’une réplique (vitre, fenêtre, encadrement de portes…).

Par ailleurs, l’idée que la légende de Candyman ne s’incarne pas à travers une unique personne est brillante. Bien exploitée, elle aurait permis de déployer une réflexion sur l’aspect systémique du racisme, qui se transmet d’une génération à l’autre. Mais elle est noyée dans un récit visiblement perdu sur ce qu’il doit rapporter (pourquoi évoquer le suicide du père de Cartwright?).
Tout cela transmet une sincérité de la démarche, qui ne peut que me toucher. Ce qui m’a permis de rester accrochée au film, malgré ma frustration.

Pour naviguer sur l’article:

1-Les légendes

2-Candyman

3-Candyman 2

4-Candyman 3

L’article [Analyse saga] Candyman, l’horreur et les abeilles est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Freddy Krueger fait parti de ces symboles pop incontournables du cinéma de genre.
Est ce lié à la thématique du rêve se confondant avec la réalité qui nous fascine? Est ce le visage défiguré de Freddy qui fait de lui un des croquemitaine des plus effrayants?
La saga s’étale sur presque 30 ans. Elle a forcément des choses à dire non?

SOMMAIRE

1-A Nightmare On Elm Street (Les griffes de la nuit)

2-Freddy’s Revenge (La Revanche de Freddy)

3-A Nightmare On Elm Street 3, Dreams warriors (Les Griffes du cauchemar)

4-A Nightmare On Elm Street 4, The Dream Master (Le cauchemar de Freddy) 

5-A Nightmare On Elm Street 5, The Dream Child (L’enfant du cauchemar)

6-Freddy’s dead: The final nightmare (La Fin de Freddy, l’ultime cauchemar)

7-New Nightmare (Freddy sort de la nuit)

8-Freddy VS Jason

9-A Nightmare On Elm Street (remake)

Bilan de la saga

1-A Nightmare On Elm Street (Les griffes de la nuit)

Nancy, est une adolescente poursuivie dans ses cauchemars par un croquemitaine au visage brûlé, Freddy. Armé d’une main gantée de griffes acérées, celui-ci s’attaque également à ses ami-es. Nancy est contrainte de lutter à la fois contre le sommeil, et contre les griffes de Freddy.

Horreur, gloire et saignée

En 1984, Wes Craven fait déjà sensation avec des oeuvres radicales. Il a fait une entrée tonitruante avec son premier film La Dernière Maison sur la Gauche, et récolté des récompenses avec La Colline a des Yeux. Son univers brutal devra forcément rencontrer un succès digne d’un Halloween.
Wes Craven s’inspire du monde réel en reprenant une anecdote d’une personne morte dans son sommeil qui refusait de dormir par peur. Il puise dans un traumatisme d’enfant d’avoir vu une vieille personne par la fenêtre le fixant. Et Craven associe le nom d’un ancien de ses bourreaux portant le nom de Freddy, et voilà Nightmare On Elm Street prend forme sous le nom de Freddy Krueger.

Elm veut dire « orme », qui est un arbre avec des feuilles dentelées. Mais c’est aussi un arbre qui était considéré avoir des vertus guérisseuses.

Dans Les Griffes de la Nuit, Wes Craven manie à la fois des scènes graphiques où l’on retient son souffle, avec un ton potache. Même si Nightmare On Elm Street ne contient pas d’humour à proprement parler comme dans Scream, on sent en revanche un amusement certain à jouer. La notion de jeu se retrouve dans les comptines chantées pendant le jeu de cordes à sauter, lorsque que le petit ami de Tina s’amuse à faire peur, ou encore les parties de cache cache avec Freddy.

Saint Freddy

En revoyant Nightmare On Elm Street, j’ai été particulièrement frappée de la place de la religion (que l’on retrouve de manière encore plus marquée dans les épisodes suivants). En plus de la comptine où le crucifix est explicitement cité comme outil de rempart contre Freddy Krueger, on le retrouve dans les chambres des jeunes filles uniquement. Nancy le saisit également le tenant comme une amulette.
Et si on se penche sur les significations données par les cauchemars à travers les époques, la religion tient une grande place. En effet, dans la première partie du Moyen Âge, l’Eglise n’acceptait pas que les morts (sauf les saint-es évidemment!) puissent communiquer avec les vivants. Par conséquent, les cauchemars étaient expliqués par les démons venant tourmenter le sommeil (en utilisant les légendes païennes, responsables de tous les maux).

Nightmare gaze

Comme souvent chez Craven, si la jeune fille est en fleur, elle s’avère surtout déterminée. Et dans Nightmare On Elm Street, Nancy évolue de cette manière. Douce et attentive au début, elle redouble d’ingéniosité et de rage pour en finir avec son démon. Par ailleurs, on assiste également à sa plongée dans une folie, nourrie par le manque de sommeil. Un état que l’on pourrait qualifier d’hystérie. Et l’hystérie c’est aussi une notion liée aux cauchemars. Grâce à Freud (non), l’hystérie des femmes, victimes de cauchemars violents, serait liée à une frustration sexuelle. Et ces désirs frustrés se masquent à travers les cauchemars.
Or, Nancy est vierge, et refuse les avances de son copain joué par Johnny Depp (avec qui on a toujours plaisir de voir la coupe de cheveux). Ca serait donc la métaphore ici du désir sexuel refoulé, réprimé par l’Amérique puritaine.
D’ailleurs, comme dans Halloween, c’est la copine qui couche et qui jouit qui en prend pour son grade.

La scène du meurtre de Tina fait d’ailleurs aussi en cela écho à l’Exorciste. Les exorcismes qui sont aussi liés à cette notion d’hystérie (qualificatif uniquement féminin je le rappelle). On assiste à la souffrance de Tina, sans voir Freddy. On est aux côtés de son copain, qui subit lui aussi, impuissant, la scène.
D’ailleurs, même si les personnages masculins sont aussi tués, ils ne sont jamais montrés dans un état second. Ils sont surpris dans leur sommeil et aussitôt exécutés par Freddy (l’un en étant pendu dans sa cellule, l’autre servant à refaire la peinture du plafond).
Contrairement avec Nancy où on est en plein female gaze. On vit avec elle sa lutte acharnée (contrairement aux autres personnages où on ne peut que constater la mort de loin). Pour autant, le personnage de Nancy manque cruellement d’incarnation. Elle est un personnage proche de Laurie Strode, calibré pour répondre aux besoin du scénario (à savoir être faible quand il le faut, forte quand l’action doit avancer).

Alice au pays des horreurs

La notion d’enfermement est aussi prépondérante dans Nightmare On Elm Street. Nancy et ses amis sont prisonniers dans leurs cauchemars évidemment, et donc par Freddy. Ils se retrouvent régulièrement dans des culs de sac. La mise en scène use de procédés pour illustrer ce piège (personnages entre deux poteaux, filmés à travers une grille…). Mais les protagonistes sont aussi piégés par leur sommeil, qui vient inévitablement les cueillir. Et Nancy finit même par être enfermée par sa propre mère. Ainsi, sa maison, symbole de sécurité, devient son piège mortel.
Une sorte d’Alice, piégée dans un monde hostile, sans fin, qui reviendra inévitablement.
Ce qui m’amène à dire aussi que ce que j’aime bien chez Wes Craven c’est que malgré la bonne volonté des adultes, ils sont défaillants. Ils tentent de bien faire mais ils sont soit tourmentés par leurs propres traumatismes, soit limités par leurs propres certitudes. Ainsi, en plus de la mère de Nancy qui court à la perte de sa fille mais aussi de la sienne, le père de Nancy s’avère incapable de comprendre, vissé dans son rôle de policier.

Le film coûte à peine 2 millions d’euros (une misère) et en rapporte 25,5 millions. Wes Craven tient son premier succès populaire, grâce à Freddy Krueger.

L’article [Analyse saga] Freddy Krueger, cauchemar éveillé est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

C’est une sage idéale pour passer sa soirée d’Halloween évidemment, tant elle propose des histoires différentes, et devient parfois des histoires d’Halloween indépendantes des unes des autres.
En effet, la particularité de cette saga (en dehors du fait qu’elle n’a pas de suite logique dans la chronologie des sorties), est que Laurie Strode a plusieurs histoires qui ne sont pas toutes liées.
Tantôt « simple » victime de Myers, elle est parfois sa demi-soeur. Elle est aussi parfois mère mais d’enfants qui disparaissent au gré des films. C’est aussi un personnage tué, mais finalement de retour dans d’autres films…
Voici une time line qui regroupe les films et les liens entre eux:

Halloween de John Carpenter (1978)

Après avoir tué sa soeur à l’âge de 6 ans, Mickaël Myers est interné. 20 ans plus tard, il parvient à s’échapper et revient dans sa ville d’enfance où il sème la terreur auprès de baby sitter…

Film culte, qui lança la mode du slasher (le premier étant Black Christmas de Bob Clark en 1974), John Carpenter, réalisateur underground, fait une entrée fracassante.

C’est un tueur qui fera date, caractérisé par un masque blanc qui prend ses origines dans Star Trek. Carpenter dira qu’il s’est également inspiré des Yeux sans visage.
D’un pas lent et assuré, Mickaël Myers avance assurément vers ses prochaines victimes, armé de son couteau de cuisine.

Après avoir massacré sa sœur étant enfant à Halloween, Mikaël Myers passe 20 ans en hôpital psychiatrique. Cette ellipse est le premier mystère qui entourera pendant longtemps le concept même de ce croquemitaine.
Suivi par le Dr Loomis qui l’a suivi toutes ces années, il soulève la question du Mal qui habite Mickaël Myers. Élément narratif clef, dont les scénaristes useront et abuseront par la suite, pour expliquer moultes rebondissements.

Malgré les années, Halloween a gardé une atmosphère particulièrement oppressante et malsaine. L’aspect implacable de Mickaël Myers fait toujours son effet. Sans parler de la bande son, composée par Carpenter, qui nous dit de presser le pas au son des notes de piano qui martèlent l’arrivée des malheurs.
Signe que le film reste un incontournable du genre, est qu’il a été maintes fois analysé, même sous le prisme des notes de musique.
Je reste profondément marquée par ce croquemitaine impénétrable, qui incarne à merveille une muraille de noirceur qui se dresse devant ses victimes. Rares sont les tueurs qui malgré une qualité plus que discutable des films, parviennent à susciter une angoisse aussi présente.

Le film a toujours interrogé sur son caractère qui peut apparaître réactionnaire. Laurie Strode incarne le puritanisme américain, le modèle à suivre (à l’inverse de ce que représente John Carpenter à Hollywood). Ce sont ses amies, faisant des folies de leurs corps, qui auront affaire à la lame de Myers.
Pourtant, Carpenter a toujours précisé que le film représentait plutôt l’attaque de cette partie de l’Amérique en quête de liberté.

Je vous conseille d’écouter cette émission de France Inter sur Carpenter, très instructive sur la démarche du réalisateur.

Halloween a coûté 300 000$ pour en rapporter 70 millions. La belle affaire!

Halloween 2 de Rick Rosenthal (1981)

Laurie Strode est emmenée à l’hôpital suite à son agression par Myers. Mais celui-ci est bien déterminée à la suivre jusque là.

Rick Rosenthal (Bad Boys) démarre sa carrière en réalisant la suite directe, Halloween 2. Toujours écrit par Carpenter et Hill, le film situe l’action directement après la fin du premier. Le Dr Loomis poursuit toujours Myers, qui poursuit Laurie Strode, transférée à l’hôpital.
C’est dans cet épisode qu’il a été décidé de présenter Laurie Strode comme la demi-soeur de Myers, et donc de trouver une justification quant à la détermination de celui-ci à la poursuivre.
Une idée qui aurait pu être bonne, si le personnage de Strode n’aurait pas été autant sacrifié par la suite.

Halloween 2 perd évidemment en idées de mises en scène, mais il est grandement aidé par son lieu d’action. Un hôpital comme décor est du pain béni pour un film d’horreur. Des couloirs interminables, du sang, du blanc, des outils coupants pour ne pas dire tranchants, Mickaël Myers se sent comme à la maison.
Certaines mises à mort sont marquantes, comme l’infirmière qui se vide de son sang grâce aux soins de transfusion en sens inverse, mis en place par notre croquemitaine.

Le film marchera moins bien que son prédécesseur mais sera tout de même un grand succès. Mais il est vrai que le film s’avère bien fade et les interprètes donnent le sentiment d’être en roue libre.
On est vraiment dans la base de la base d’un slasher honnête.

A noter que Rosenthal n’en aura pas fini avec Halloween, puisqu’il prendre les manettes d’Halloween Resurrection que j’évoque plus loin.

Halloween 3, le sang du sorcier de Tommy Lee Wallace (1982)

Un fabricant de jouets met au point des masques très spéciaux pour Halloween. Un docteur se met à enquêter après avoir tenté de soigner un homme tué par ce fabricant.

Quasiment dans la foulée du second opus sort Halloween 3, mon chouchou. Mal aimé à tout points de vue (histoire, réalisation…), c’est le vilain petit canard de la saga.

Au placard le croquemitaine, Mickaël Myers est supprimé du scénario.
Il était question ici de faire partir la saga sur une toute autre direction. De faire exister le concept d’Halloween sous plusieurs thématiques diaboliques.
Halloween 3 se penche sur un fabricant de masque voulant éradiquer les enfants en leur faisant regarder la télé, tout en portant un masque. En voilà un projet politiquement incorrect!

Piètre réalisation? Certes. Jeu des interprètes approximatif? Certes. Scénario à grosses ficelles? Ok. N’empêche, il se dégage d’Halloween 3 un charme fou avec son concept cynique à souhait.
Il faut savoir que la télévision couleur aux USA est arrivée au milieu des années 50, et qu’à l’époque de la sortie du film, la télévision câblée existe avec 27 chaînes basiques et déjà des chaînes payantes. C’est dire si ce media a eu très tôt une force massive.
Halloween 3 a donc le mérite de s’inscrire dans cette série de films démontrant les dangers addictifs de la télévision (Vidéodrome de Cronenberg, mais aussi Poltergeist dans une moindre mesure.) A savoir la force des images, des écrans, sur nos vies et comportements (ou si la télévision nous mangera tout cru?).

On passe au dessus de la ridicule histoire d’amour, et de l’enquête poussive pour savourer des moments glaçants.
Les inoubliables scènes de télé avec les masques, qui laissent place à de la vermine, symbolisant ces cerveaux ramollis. Ce contrôle de la population avec un organisme sectaire est un élément narratif présent dans Halloween 6. A noter que les masques des enfants, sont présents dans Halloweens Kills. Ils sont d’ailleurs particulièrement réussis, car toute la magie ludique et enfantine d’Halloween n’existe plus. On saisit d’emblée à travers leur design, qu’ils ne sont pas adaptés à des enfants.

L’échec cuisant public et critique feront repartir les producteurs sur la piste de Myers. Il restera à jamais l’opus étranger, mais témoin d’une tentative créative audacieuse.

Halloween 4 de Dwight H. Little (1988)

Mickaël Myers revient hanter sa nièce Jamie, après la mort accidentelle de sa mère, Laurie Strode.

Six ans plus tard sort Halloween 4, ou le début des complications. Le temps d’écrire une nouvelle chasse à l’Homme de Myers en tous cas.
Dwight H. Little se distinguera par la réalisation de mauvais films par la suite (Sauvez Willy 2, Anacondas…). Il sera surtout aux manettes de séries (Prison Break ou Bones).

Jamie Lee Curtis ne voulait plus jouer dans des films d’horreur (après Fog et Le Bal de l’horreur), son personnage est tué dans un accident de voiture (détail mentionné très rapidement).
Dans les pas d’Aliens le retour de James Cameron sorti en 1986, les scénaristes créent le personnage d’une petite fille, Jamie (coïncidence?), fille de Laurie Strode.
Myers se réveille d’un coup, après un coma dû à ses blessures de la fin du second opus. Le Dr Loomis, toujours aux trousses de Mickaël, doit être sacrément fatigué.

Zéro mise en scène, photo immonde, meurtres tous aussi plats les uns que les autres, Halloween 4 est un ratage.
Mais Danielle Harris qui interprète Jamie, tire son épingle du jeu, tout comme Ellie Cornell qui joue sa soeur adoptive. Le duo est touchant, et leur justesse de jeu permet de créer une réelle empathie.
On la retrouvera d’ailleurs des années plus tard dans les Halloween de Rob Zombie.
On retrouve les

Le final fait écho au premier film, en rejouant la scène de l’enfant tueur, démarrant ainsi l’idée d’une malédiction planante de Myers. La scène est marquante, tant la violence associée à un enfant reste rare et tabou. Cela assoit aussi l’aspect maléfique et non humaine de Myers, comme une entité, plus qu’une personne.

En termes de box office, même si les résultats ne sont pas aussi florissants que pour les deux premiers opus, ils permettront de relancer la saga. En revanche en France, il passe quasi inaperçu. C’est le début d’une longue traversée du désert pour la saga dans l’Hexagone.

Halloween 5 de Dominique Othenin-Girard (1989)

Jamie est hospitalisée et est toujours sous emprise de Myers. Le Dr Loomis, de plus en plus obsédé par Myers, pousse la petite fille à se surpasser pour l’arrêter.

Pour la seconde fois, un nouveau Halloween suit de près le précédent. Halloween 5 continue de narrer les mésaventures de la pauvre nièce de Myers. De possession de Jamie par son oncle, les scénaristes nous amènent doucement sur bientôt une toute autre thématique. On laisse en fait complètement de côté l’amorce de la fin d’Halloween 4. Jamie n’est pas une tueuse, mais plutôt liée par l’esprit à Myers, et ressent tout quand il agit.

Le personnage de Rachel est tué rapidement, et on se concentre cette fois sur le duo formé par Loomis et Jamie. Ici le duo est l’exact reflet inverse de celui formé par Jamie et Rachel dans Halloween 4. Le Dr Loomis, obsédé par Myers, ne voit pas Jamie comme une enfant, voire un être humain, mais plutôt un objet nécessaire à l’arrêt des massacres. Pour soigner sa propre culpabilité de ne pas avoir su protéger sa ville de son patient, il se repose sur Jamie.
Danielle Harris est la seule raison qui nous permet de rester éveillé-e face à tant de laideurs (il faut voir le masque de Myers!), d’incohérences. Par exemple, alors que Loomis ne cesse de répéter que le vide occupe les yeux de Myers, il tente de jouer sur l’affect (!) de Myers en expliquant que sa nièce peut l’aider.
Sans compter qu’à moins d’être sensible aux jumpscares, la frayeur reste toute relative (les scènes de meurtres en plein acte sexuel dans la grange est risible).

On amorce ici l’idée d’un dominant sur Myers, en introduisant un personnage avec un chapeau, évoluant dans le noir. Il vient délivrer Myers, prisonnier du commissariat.

Le film est un échec aux USA, et passe inaperçu en France. Il fera les beaux jours d’amateur-rice-s de genre comme moi, qui chercheront à se forger une cinéphile d’horreur dans les vidéo clubs.

Halloween 6, la malédiction, de Joe Chappelle (1995)

Jamie, enceinte, est retenue captive par la secte qui contrôle Myers. Elle s’échappe mais est assassinée finalement par son oncle.
Tommy Doyle qui était gardé par une babysitter tuée par Myers en 1978, doit affronter Myers avec l’aide de Kara Strode.

Le public attendra (vraiment?), six ans pour retrouver notre croquemitaine préféré. C’est Joe Chappelle qui s’y colle, et il ne fera plus grand chose à partir des années 2000.
Le film sortira un an avant Scream, un poil trop tôt pour proposer un bon scénario.

Le film reprend l’idée du précédent, en assumant la thématique de la secte.
Et ils ne feront pas dans la dentelle. Myers n’aurait été réveillé que par une malédiction invoquée par la secte. Par ailleurs, Jamie accouche mais on ne comprend pas de qui est l’enfant. Le chef? Myers? Et surtout…ce que ça apporte au film d’un point de vue narratif.

Tommy Doyle (joué par Paul Rudd!) refait surface, le petit garçon que gardait Laurie Strode dans le premier film. Il prendra en charge l’enfant de Jamie pour la grande fureur du croquemitaine.
Halloween 6 a tous les défauts des deux précédents opus. Mais le personnage de Jamie n’est pas présente, et l’histoire de la secte est ridicule, sans queue ni tête. Et rien de risible à se mettre sous la dent.
D’ailleurs plusieurs versions ont circulé en salle, en vidéo, en fonction des pays. Un joyeux bordel.

Ce résultat, au delà d’une catastrophe, est la fin de la 1ère time line.

Halloween 20 ans après, de Steve Miner (1998)

Laurie Strode, mère d’un garçon, a changé d’identité et est directrice d’une école. Toujours traumatisée par l’agression de son frère en 1978, elle peine à avoir une vie équilibrée. C’est sans compter sur Myers qui la retrouve enfin.

La saga semblait morte et enterrée, mais c’est sans compter sur Scream de Wes Craven, qui redonnera un coup de fouet au slasher en 1996.

Jamie Lee Curtis dans une période un peu creuse, accepte de reprendre le flambeau. L’occasion de relancer la saga. C’est le début d’une nouvelle time line car le film reprend la suite d’Halloween 2 et occulte tous les autres.

On commence à bifurquer sérieusement. Laurie Strode est sensée être morte, vous vous rappelez? Exit. Elle est sensée avoir eu une fille? Exit. Donald Pleasence qui jouait le Dr Loomis est mort en 1995 donc la question ne se pose pas.
Laurie Strode a maintenant 40 ans, est mère d’un adolescent joué par Josh Harnett, qui tient ici son premier rôle. Sa copine est jouée par Michelle Williams, qui est encore inconnue.

Mise en scène classique pour un slasher mais soignée, on respire enfin. Qui plus est, le décor de l’établissement scolaire est une très bonne idée. Elle permet de mêler lieu sécurisant et connu, mais qui devient petit à petit le théâtre du piège qui se referme sur les personnages.

Les acteur-rice-s sont convaincant-e-s, les personnages travaillés pour qu’on ressente de l’empathie. Et la drôlerie de Scream étant passé par là, on a aussi droit à des passages plus légers qui permettent un ensemble relativement harmonieux. D’ailleurs c’est le même scénariste aux manettes, Kevin Williamson. Et c’est peu dire que Scream et Halloween 20 ans après se ressemblent.

La musique est ce qu’il y a de plus choquant, car on note un copié collé pour certaines séquences (moments de suspens avec le garde, ou de course poursuites). Pour les fans de Scream, on se trouverait presque plongé-e dedans à certains moments. C’est Marco Beltrami qui compose la musique des deux films.

Ensuite on note des reflets presque exacts de certaines scènes. Voyez plutôt:

Je trouve aussi des similitudes entre Laurie et Sidney qui doivent affronter les démons du passé, à savoir, ceux qui ont détruit une partie de leur famille. Et si H20 reste faiblard par rapport à Scream, l’écriture de Laurie Strode est enfin réussi. D’ailleurs je trouve que c’est uniquement dans cet opus qu’on note une écriture aussi pertinente et fine de Laurie Strode. Son traumatisme est très bien traité à travers ses difficultés sociales, d’alcool et Jamie Lee Curtis livre une interprétation juste.

Loin d’être un grand film, Halloween 20 ans après donne un coup de sang à la saga, et offre quelques beaux moments de frayeur honorables. Steve Miner sortira par la suite l’honorable Day of The Dead.

En plein boom du slasher, il fait parti de ceux qui sortent du lot. Le film bénéficie d’une belle sortie aux USA et en France et fait un score honorable.

Halloween Résurrection de Rick Rosenthal (2002)

Après avoir réglé le compte de Laurie Strode, Myers revient dans sa maison qu’il voit investit d’une émission de télé réalité.

Je crois que le résumé en dit déjà beaucoup sur les intentions du film.
La saga retrouve Rick Rosenthal, réalisateur du second opus! Autant il s’en était tiré honorablement pour Halloween 2, autant il se vautre dans la médiocrité pour ce Halloween Resurrection.
Pourtant, le film essaye d’être cohérent avec son époque en proposant de situer l’action dans une télé réalité.

Après avoir assister à l’exécution rapide de Laurie Strode (alors que ça fait déjà 3 films où elle l’affronte sans trop de dommages), on assiste à une émission dont le but est de balancer des candidat-es dans l’ancienne maison de Myers. Et c’est tout. Un scénario complètement idiot, et creux. Aucune réflexion sur la puissance des images de la télé réalité et de ses artifices. Donc on s’ennuie. Mortellement si j’ose dire.

L’idée du retour de Myers dans sa maison sera reprise dans Halloween Kills.

Halloween de Rob Zombie (2007)

Le petit Mickaël Myers évolue dans une famille pour le moins toxique et a quelques problèmes à l’école. Après avoir assassiné une partie de sa famille, il est interné. Mais c’est sans compter sur la soirée d’Halloween où il compte retrouver sa soeur, Laurie Strode.

Cinq plus tard, Rob Zombie, un des maîtres de l’horreur, adulé par les autres, tantôt détesté par les autres. Auteur de La maison des 1000 morts, The Devil’s Rejects, l’annonce de sa présence à la réalisation d’un Halloween émoustille.
On démarre avec Halloween, une toute nouvelle time line.

Et il y a de quoi. Rob Zombie a l’ambition de faire d’Halloween un mélange de reboot et remake. Reboot car la première partie du film se porte sur la genèse de Mickaël Myers. On le voit enfant, évoluant entre mère paumée mais volontaire et beau père violent, sœur ignorante.
Remake car la seconde partie du film reprend les éléments du premier Halloween: la traque de Laurie Strode par Myers. Un ambitieux programme donc.
C’est l’occasion d’assister à un point de vue sur le personnage que représente Myers. Un démon? Le Mal en personne? Un être humain doué d’une force inconnue?
En tous cas, Zombie prend le parti de mettre un visage humain sur un croquemitaine légendaire. Et donc introduit forcément une espèce d’humanité.

Zombie utilise la famille comme point de départ à un comportement déviant.
Il y a la figure classique du beau père violent, ou de la soeur qui n’est d’aucun soutien. Mais ces antagonistes sont contrebalancés par le personnage éculé de la mère douce et aimante (incarnée par Sheri Moon Zombie).
Le film montre que malgré cet amour, un enfant qui a des fragilités, peut basculer du côté obscur quand il reste entouré de violence et d’humiliations.

On peut aimer Rob Zombie pour les mêmes raisons qu’on peut ne pas l’aimer. Son cinéma est brutal, à l’opposé de la subtilité. Aucune respiration, aucune légèreté, ça tranche, ça saigne, et ça ne donne aucune chance.
Et ça fait sens avec la brutalité de Myers.
Par contre, on a droit au traditionnel male gaze sur Sheri Moon Zombie et surtout sur la soeur de Myers incarnée par Hanna R. Hall (Cecilia dans Virgin Suicides). Cette manière de sexualiser à outrance les personnages féminins chez Zombie est non seulement redondantes (en plus de perpétuer des clichés sur la culture du viol), mais en plus n’apporte rien au scénario. Ici l’hypersexualisation justifie le fait que le beau père ait des gestes inappropriés sur sa belle fille…
Par ailleurs, on peut regretter que le personnage de Laurie Strode n’est absolument pas renouveler. On reste sur la jeune femme sage, prude, qui n’a surtout pas de vie sexuelle, elle.

Scout Taylor-Compton fait le job en Laurie Strode sans étinceler particulièrement. Mais on note surtout la présence de Danielle Harris, qui jouait la fille de Laurie Strode dans Halloween 4, 5 et 6. Elle incarne ici Annie, une amie de Laurie Strode (qui était aussi un personnage présent dans le film de 1978). Vous suivez toujours?
Malcolm McDowell, qui joue Alex dans Orange Mécanique.

Halloween sera un succès avec 80 millions de $ au box office US, mais sera un échec en France comparé à Halloween Resurrection.

Halloween 2 de Rob Zombie (2010)

Après son agression, Laurie Strode habite avec son amie Annie et son père. Traumatisée, elle appréhende Halloween qui arrive…

Il faudra 3 ans à Rob Zombie pour proposer la suite directe de son Halloween. A l’origine, les Français Alexandre Bustillo et Julien Maury devaient le réaliser. Ils ont expliqué que Zombie a dû finalement réaliser le 2ème volet pour se libérer des frères Weinstein.

Laurie Strode, la fille modèle s’est transformée en métalleuse afin d’exprimer son mal être (cliché quand tu nous tiens). Elle est hantée par son frère, et tente de se reconstruire, alors qu’elle apprend enfin être la sœur de Myers…Mickaël Myers est comme à son habitude, bien décidé à achever son œuvre.
Rob Zombie introduit la notion de rêves, de basculement dans le désespoir le plus total. Sans issue. Mais le scénario l’intrigue tourne rapidement dans le vide, avec des séquences oniriques plates.

Malgré des représentations sexistes, Halloween 2 brille par certains moments de mises en scène de génie comme Zombie sait le faire. Comme le meurtre d’Annie.
La confrontation avec Myers est d’une force dramatique rarement vue dans le slasher. Le meurtre est divisé en deux parties. La première est l’attaque. Nous sommes à la place de Myers, et confronté-es au regard d’Annie qui se tourne, et qui, via un ralenti, sort progressivement du champ, comme pour annoncer que sa mort est déjà là. Ensuite, le ralenti continu et accentue la terreur d’Annie. Un désespoir noir s’en dégage.
Alors qu’on pense que la scène est finie, la séquence suivante s’ouvre sur Laurie et une amie rentrant d’une soirée. Elles se posent tranquillement autour d’un thé. Au moment où Laurie pénètre dans la chambre d’Annie, elle constate le désordre. Et les flash back de l’agression commencent, qui traduisent la compréhension instantanée par Laurie de l’horreur que son amie a vécu. Et encore une fois, comme rarement, on a l’opportunité de ressentir une réelle émotion à la mort d’un personnage. A la fois via le prisme de l’amitié avec Laurie, et via l’amour paternel. Un vrai tour de force à mon sens.

Rob Zombie clôture cette nouvelle time line avec deux opus très différents du reste de la saga. Qu’on aime ou pas, Zombie a eu l’audace de s’approprier cette saga tout en apportant un vent de fraîcheur. Et vous l’aurez deviner, c’est ce cinéma de genre que j’aime, même avec ses défauts.

Halloween de David Gordon Green (2018)

Deux journalistes enquêtent sur le personnage de Mickaël Myers. Laurie Strode vit recluse depuis l’agression dont elle a été victime par Myers. Elle a peu de contacts avec sa fille et sa petite-fille, mais elle sera bientôt obligée de les protéger.

Alors que l’on croyait en avoir fini, le croquemitaine revient 8 ans après le dernier film.
Réalisé par le quasi inconnu David Gordon Green, Halloween rebat de nouveau les cartes. On repart ici après le premier Halloween en 1978. Je précise que dans le 1er film, Laurie Strode n’est pas la soeur de Myers. C’est une idée introduite dans la suite (pas celle de Zombie, hein, faut suivre!)

Cette fois, Laurie Strode (de nouveau vivante pour la 2ème fois), retrouve les traits de Jamie Lee Curtis. Elle n’a donc pas de fils, comme dans Halloween 20 ans après, mais une fille (mais pas Jamie), nommée Karen. Celle-ci considère sa mère comme paranoïaque et tente de protéger sa fille de sa grand mère.

A l’ère de me too, Halloween met à l’honneur les femmes. Et élément notable, toutes les générations sont réunies pour faire face. Les personnages masculins sont pour ainsi dire insignifiants (le père inutile, le petit copain volage, le nice guy toxique qui sera d’ailleurs puni par Myers).
Jamie Lee Curtis ressemble un peu à une caricature de Linda Hamilton dans Terminator. Le personnage a donc ici un traitement très différent des autres, présentant Strode comme presque la traqueuse.
Judy Greer dans le rôle de la fille, et l’inconnue Andi Matichak dans celui de la petite fille de Laurie Strode complètent ce trio.

Si le film brasse des thématiques déjà vues et ne les traitent pas vraiment (le cynisme des journalistes en quête de scoop, le stress post traumatique), on s’approche d’une brutalité du Myers de Rob Zombie.
Halloween prend soin de proposer un spectacle divertissant et carré, en flattant les fans de la saga.

Halloween Kills de David Gordon Green (2021)

Laurie Strode est transférée à l’hôpital suite à ses blessures. Pendant ce temps, Myers est sauvé des flammes par des pompiers et sème la terreur dans la petite ville en proie à la paranoïa.

David Gordon Green continue sa trilogie avec ce 2ème opus qui était très attendu après la réussite de son prédécesseur.
Malheureusement la déception fut à la hauteur de l’attente.

Halloween Kills se perd dans des hommages en tous genres à la saga, et dans des thématiques intéressantes sur le papier, mais complètement sous exploitées.
Le film est une suite direct de son prédécesseur et qui se déroule en partie à l’hôpital, comme dans Halloween 2. On retrouve les masques d’Halloween 3 sur ceux des adolescents insupportables. On a l’infirmière d’Halloween 2 également, mais aussi Tommy Doyle (cette fois sous les traits d’Anthony Michael Hall et pas de Paul Rudd comme dans Halloween 6). Sans compter l’introduction qui rejoue des scènes qui se passent dans le film de 1978, mais tournées spécialement pour Halloween Kills. Vous suivez toujours?
Mais Halloween Kills reprend deux éléments pertinents, déjà évoqués plus tôt dans la saga:

• La notion de malédiction à l’origine de Myers dans Halloween 4 et 5 qui se traduisait à travers le personnage de la petite fille, Jamie,
• Le retour de Myers dans sa maison dans Halloween Resurrection.

La 1ère idée est exploitée à travers les habitants d’Haddonfield devenant paranoïaques, et agressifs. Ce n’est pas sans rappeler des violences de foules récemment observées aux USA, comme l’assaut du Capitole. Pour autant, le sujet est aussi vite évacué qu’il a été introduit. Cet aspect est bien mieux traité dans Assassination Nation, dont ce n’est pourtant pas non plus, la thématique principale.

Halloween Kills aborde le fait que Myers n’est en fait obsédé ni par Laurie Strode, ni par le meurtre. Mais il aspire simplement à regagner son foyer. L’idée aurait pu être intéressante si elle avait été évoquée dans le 1er film. Là…on met la suspension d’incrédulité du public à rude épreuve, surtout si on s’adresse à des férus de la saga. Après tant de représentations de meurtres de Myers, il ne serait en fait qu’animé par habiter dans sa maison?
Et si c’est le cas, pourquoi ne pas le laisser faire…? On assiste à des incohérences plus grosses les unes que les autres, avec des adultes et des adolescents non entrainés, qui vont à l’affrontement avec une armoire à glace?

Par ailleurs, le film se perd dans sa narration avec des allers retours de scènes à l’hôpital et dans la ville, qu’il peine à lier.
La brutalité de Myers monte d’un cran pour atteindre le Myers de Zombie cette fois. Halloween Kills a l’ambition de faire passer un moment agréable entre ami-es, et fans de la saga. Dommage car les idées étaient prometteuses.

Halloween Ends de David Gordon Green (2022)

Quelques années après les derniers événements, Laurie Strode vit avec sa petite fille. Allyson pleine à trouver sa place dans cette société qui la rejette. Elle trouve refuge auprès Corey, lui aussi rejeté après un événement tragique. Ce rapprochement viendra challenger Allyson sur son rapport au bien et au mal.

David Gordon Green clôture cette nouvelle trilogie dans cette saga improbable en faisant prendre un nouveau virage à Mickaël Myers. Un peu trop serré le virage, tant le tout manque de cohérence.
Et pourtant, le film démarre avec une introduction des plus réussies. En quelques minutes, le film parvient à montrer comment une situation des plus banales (un babysitter en difficulté avec un gamin insupportable), peut basculer dans l’horreur. En raison d’un hasard (le fait que Corey ne savait pas que le gamin était derrière la porte), mais aussi par faille humaine. Dès lors, mon attention était retenue, en attente de découvrir ce que ce Halloween Ends allait proposer.

De la même manière, la problématique abordée par le biais du personnage d’Allyson est pertinente. A savoir questionner le rapprochement de deux personnes rejetées: vont-elles s’aider ou s’enfoncer mutuellement?
Malheureusement, le film lâche vite le fil de cette thématique, et s’embarque dans une représentation de Myers abordée sous un autre angle dans Halloween 6. Myers ne fonctionne finalement pas seul, et s’attache à transmettre son Mal à une personne idéal pour cela: un adolescent rempli de mal être.
Ainsi, Myers est faible, presque penaud, si bien que la scène finale d’affrontement avec Laurie Strode sort de nulle part, malgré son efficacité. Ce sentiment est renforcé par le fait que Strode est également presque en back stage durant tout le film.
Le final est malgré tout puissant, tentant de mettre un point final à cette entité maléfique de Myers, mais est représentative du film dans son ensemble. Des scènes isolées réussies, mais qui ne parviennent pas à donner une structure solide et pertinente à l’ensemble.
Mieux que Halloween Kills, bien en dessous de Halloween, une trilogie qui finie en mi figue-mi raisin.

Mickaël Myers: ce croquemitaine mystérieux

Après avoir visionné tous ces films, on voit comme il est compliqué de définir Mickaël Myers. Pour des raisons mercantiles (pour le faire revenir), ou artistiques, sa représentation varie énormément. Tantôt enfant tueur, croquemitaine de chair et d’os, entité maléfique increvable, frère psychopathe…On ne connait pas vraiment les intentions de Myers. Le point commun est que sa démarche lente et son visage fantomatique est terrifiant.
De mon point de vue, l’explication la plus probable qui correspond globalement à la saga dans son ensemble, est qu’il est une représentation du Mal dans sa forme la plus simple. Même quand il est humanisé à travers les films de Rob Zombie, c’est pour se transformer en spectre incarnant la cruauté.

Azz l’Epouvantail traite du personnage de Mickaël Myers et passe en revue ses caractéristiques:

Une saga inégale mais audacieuse

Le principal problème de la saga (en dehors de ses opus de qualité variable), est qu’il est difficile de s’attacher à ce personnage de Laurie Strode qui n’a pas vraiment d’identité. Elle est à la fois soeur ou pas, mère d’enfants qui existent ou pas.

Malgré des gros ratés, la saga Halloween a eu le mérite de regorger d’idées. Bonnes, mauvaises, inabouties, balbutiantes, tout ou presque a été testé. C’est aussi ce qui fait son charme.
Dans tous les cas, cela a permis de fixer durablement dans le temps, la silhouette du croquemitaine, « the shape » sans doute le plus connu et le plus marquant du cinéma de genre.
Avec un simple masque blanc et une démarche lente donc terrifiante, ce n’est pas étonnant qu’il ait marqué à la fois ses auteurs, et son public.

Et vous, quel est votre film préféré de la saga?

L’article [Analyse saga] Halloween, le Mal Myers est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Premier constat, commun aux quatre films : le viol n’est pas un crime.
Mieux, il ne fait pas parti des actes de violence illégaux de quelle que nature que ce soit, puisqu’à aucun moment dans chaque film de la saga, un viol est commis pendant les purges. Il n’est pas même pas évoqué, mentionné, sous-entendu (tout juste dans le 2ème quand le cliché du gros dégueulasse s’attaque à sa voisine qui l’ignore tous les jours). Rien. Étonnant quand on sait que c’est le crime le plus largement répandu. Surprenant quand on sait à quel point la domination masculine pourrait prendre toute son ampleur, sans limites, lors de cette purge.
Les violences sexuelles : voilà un angle à aborder qui aurait pu être intéressant.

American Nightmare; la chance du débutant.

Le premier film, un home invasion réalisé par James DeMonaco (2013), bénéficie de la révélation de l’intrigue pour le moins captivante. American Nightmare (The Purge en VO, merci pour cette traduction d’anglais à anglais avec toujours moins de pertinence), met en scène la nuit d’horreur vécue par une famille, lors de la purge annuelle. Son principe ? 12h par an, tout crime est légal, et les services de secours ne fonctionnent pas.

Le principal défaut que les critiques relevaient, était que l’action se concentrait uniquement en huis clos. Ainsi, le spectateur n’avait aucune information sur le déroulé des évènements à l’extérieur. Mais avec un tel sujet, à multiples angles de points de vue, American Nightmare avait de quoi envoyer du bois:

-Si le crime est légal, sommes-nous malgré tout, des criminels le reste de l’année ?
-Comment s’organise une résistance ?
-La relation des USA avec les autres pays sur ce sujet ?
-Les répercussions psychologiques/matérielles sur le reste de l’année ?
-Peut-on continuer à faire confiance à son médecin qui purge ?
-La violence libératrice règle-t-elle le quotidien du reste de l’année ? -Combat-on le mal par le mal ?
-Comment se comporter à l’année avec son entourage pour ne pas risquer de se faire tuer la nuit de la purge?, etc..

Il est connu que le producteur Jason Blum, de la société BlumHouse Productions n’investit guère plus de 5 millions de dollars par films. Mais il serait opportun de mettre le paquet de temps à autre dans le scénario.

American Nightmare 2 : Anarchy; ou le début d’une anarchie.

Dans le 2ème volet (sorti en 2014 !), toujours mis en scène par James DeMonaco, intitulé American Nightmare : Anarchy, on suit toujours une famille lors de cette nuit d’enfer, mais à l’extérieur. La différence (notable) étant qu’il s’agit d’une famille modeste issue d’une minorité, et non plus une famille aisée blanche.
C’est donc l’occasion donc de découvrir la situation en ville. Malheureusement, plusieurs pistes sont évoquées, sans qu’elles soient exploitées : les riches qui paient les pauvres pour purger, la mise en place d’une résistance, les gentils qui cèdent à la violence par vengeance (du coup est-ce toujours des gentils ?), etc…
Le film est efficace sur son aspect thriller, chasse à l’homme. La mise en scène est turbulente et les personnages sont plutôt attachants, même si pas très bien écrits. Malgré tout, cela reste soft comme anarchie…

American Nightmare 3 : Élections; ou le début de la résistance.

James DeMonaco rempile en 2016 pour American Nightmare : Elections. Il est question de suivre le parcours d’une femme politique, qui milite contre la purge.
Évidemment, elle est grandement menacée lors de cette nuit. Et évidemment, le film prend une tournure inattendue (non), à savoir que tout ne se passe pas comme prévu.

Des quatre films, c’est celui qui essaye de tenir au mieux son sujet de départ : la politique et son adversité. Quand on sait à quel point cela peut être éprouvant, voire dangereux, même sans purge, on devine que la volonté de se lancer contre le parti en place est déterminée.
American Nightmare : Elections, présente succinctement les enjeux d’une stratégie politique. Par exemple la sénatrice ne peut se cacher le soir de la purge comme les riches. Ou encore, le pouvoir en place voyant que la purge perd en popularité, décide qu’aucun-e citoyen-ne n’est intouchable, etc.. Il y a même une dénonciation du lien entre les conservateurs et la folie bigote. La notion de purge est liée à l’expiation des péchés, et où finalement tout se mélange : violence, fanatisme…

Enjeux bâclés

Malheureusement, d’autres pistes sont lancées à la va vite comme par exemple le tourisme de meurtre, le fait que des purgeur-ses soient déstabilisé-es pensant que tuer soulagera leur conscience…. Tandis que d’autres éléments narratifs ne sont pas expliqués (pourquoi la purge perd en popularité, pourquoi finir le film en affirmant que des émeutes après l’élection de la sénatrice empêcheraient l’arrêt de la purge ?…).
Dans la mesure où les enjeux politiques sont abordés de façon superficielle, le fait d’ajouter des sujets ayant un potentiel, plombe le propos du film. Sans compter qu’on retrouve une fois de plus des personnages caricaturaux toujours peu écrits (l’ancienne délinquante qui a bon cœur, la sénatrice marqué par une purge qui veut la supprimer, etc…).

Point positif : casting en grande majorité non blanc, et une fois n’est pas coutume, les méchants sont blancs.
Mention spéciale également à l’attaque féminine de toute folie qui braque l’épicerie. Lumières, sang, robes, flingue, caméra déstabilisée, la scène nous plonge bien dans un délire complètement électrique.
En somme, American Nightmare : Elections est divertissant, mais classique.

A noter que l’affiche fait référence à la célèbre photographie de Joe Rosenthal. La photo représente des soldats américains plantant leur drapeau sur l’Ile Iwo Jima, prise aux Japonais.

American Nightmare 4 : les origines; dont on ne sait toujours rien.

Le dernier opus, American Nightmare : les origines, est confié à Gerard McMurray. Il est censé retracer les origines de l’idée et de la mise en place de cette purge. Rappelons que ce mot est très fort, parce qu’il fait appel à la notion de purifier. C’est sans doute l’opus qui manque davantage son sujet.

Le prologue du film, qui sont des images d’informations, évoquant la pauvreté toujours plus grande, les minorités qui galèrent plus que les autres, font écho à l’actualité, entendue tous les jours. Sans compter la question des armes en libre-service aux USA. Ou encore le lancement actuel d’une imprimante réalisant des armes en 3D en toute facilité, et validé par Trump…

Et pourtant, là encore tout est bâclé. L’arrivée au pouvoir du parti NFFA, le travail effectué avec la sociologue, la sélection des participant-es. Mais aussi la stratégie du gouvernement pour créer artificiellement ce besoin de purger (qui pourtant est a priori bien réel au regard des précédents films), les minorités pauvres sacrifiées en premier, etc…

Des personnages insignifiants

American Nightmare : les origines est par ailleurs alourdi par des personnages clichés (la belle ancienne délinquante qui milite pour la paix dans le monde VS son ex, dealer qui l’aime mais qui ne sait pas faire autre chose, le petit frère qui, au lieu de se préparer à affronter des évènements qu’on sait déjà trop compliqués pour lui, fonce tête baissée dans le pétrin, la gentille voisine énervante..). On assiste aussi avec consternation les répliques dignes des meilleurs nanars (« les secours sont arrivés »…).
Le film est bourrin, se permet plus d’aller dans le saignant, et on note des efforts dans la mise en scène (notamment dans la scène finale, dans l’immeuble, particulièrement réussie, traduisant l’urgence et le malaise). Mais on se perd totalement dans le propos.

Pour conclure, la saga American Nightmare est pleine de promesses et de pistes abordées, mais vite abandonnées. D’autant plus que le casting ne sert jamais aux films. Dommage, le cinéma de genre a perdu une occasion de montrer de quelle façon il peut être nécessaire pour amorcer des réflexions et des prises de conscience…Un rattrapage avec un possible 5ème volet ? Wait and see.

L’article [Analyse saga] American Nightmare passe à côté de son sujet est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).