L’ANNÉE DES RÉALISATRICES À L’ÉTRANGE FESTIVAL

Les réalisatrices s’imposent progressivement dans le champ du cinéma de genre, du cinéma du bizarre. Et il était temps. La S’Horrorité (dont Jessica, fondatrice du site, et moi-même, Léo, sommes membres et cofondatrices) œuvre à recenser les films de réalisatrices programmés en festivals, un travail disponible sur le compte Instagram de l’association.
Si leur présence s’accroît d’année en année, l’Étrange Festival accusait jusqu’ici un certain retard en matière de représentation féminine.
L’édition 2025 rompt heureusement avec cette tendance : plusieurs réalisatrices passionnantes y ont présenté leur travail sur grand écran :

• l’Américaine Annapurna Sriram et son excentrique et jubilatoire Fucktoys ;
  
• la Grecque Evi Kalogiropoulou avec Gorgona, relecture du mythe de la gorgone ;
  
• le duo canadien Madeleine Sims-Fewer et Dusty Mancinelli, révélé par Violation (2020). De retour avec Honey Bunch, variation autour du  gaslighting ;
  
• la Française Julia Kowalski et son film sensible Que ma volonté soit faite ;
  
• les Australiennes Emma Hough Hobbs et Leela Varghese, autrices du délirant space opera Lesbian Space Princess ;
  
• Julie Pacino, fille d’Al Pacino, venue présenter son cauchemar fiévreux I Live Here Now ;
  
• la Canadienne Grace Glowicki et son déjanté Dead Lover ;
  
• et, Lucile Hadžihalilović, incontournable du festival, avec La tour de glace, réécriture du conte d’Hans Andersen La Reine des neiges.
  

Cette sélection est riche, variée, et traversée d’un souffle politique. Elle ne saurait toutefois masquer l’ampleur du chemin restant encore à parcourir.

IL Y A FLUIDE ET FLUIDITÉ

L’Étrange Festival n’a jamais ménagé sa générosité en matière de fluides corporels. Cette édition se distingue toutefois par une générosité en termes de représentation de fluidité dans le genre. La forte présence de réalisatrices n’est certainement pas étrangère à ce phénomène.

Deux œuvres dépeignent avec finesse l’éveil amoureux et sensuel lesbien de jeunes héroïnes :
– la protagoniste, un peu sorcière, de Que ma volonté soit faite (Julia Kowalski), fascinée par sa voisine ;
– l’orpheline de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović), entraînée dans un univers glacial dominé par une Marion Cotillard inquiétante.

Fucktoys (Annapurna Sriram)célèbre, par un casting vitaminé et inclusif, la joie d’exister envers et contre tout ; Dead Lover (Grace Glowicki) met en scène un amour qui dépasse la mort et l’enveloppe corporelle. Quant à Lesbian Space Princess (Emma Hough Hobbs et  Leela Varghese), véritable space opera à la Rick et Morty, il propose une aventure déjantée, résolument queer mais accessible à tous.

Dans un registre très différent, Cadet interroge avec acuité la masculinité rigide et toxique au sein d’une école militaire. Il s’agit du premier film d’horreur du Kazakh Adilkhan Yerzhanov

EXPERTS EN EXPÉRIMENTATION

En termes de genre, certaines années font la part belle à l’horreur, d’autres au polar et d’autres encore au fantastique. 2025 se targue d’une programmation particulièrement expérimentale. Au programme, l’avant-première complète de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović) qui reçoit un accueil particulièrement chaleureux (pun intended). La réalisatrice continue de nous régaler avec son style aussi fascinant qu’énigmatique. 

Parmi les “grands” noms, le retour du réalisateur Ben Wheatley en terre nerdique. Après une poignée de films (très) grand public, le joyeux barbu semble ravi de venir présenter Bulk. Il s’agit d’un objet filmique non identifié qui fut projeté devant une audience de cinéphiles invétérés.

2025 signe également la conclusion de la trilogie souterraine du cinéaste autrichien Norbert Pfaffenbichler. Comme chaque année, de jeunes réalisateurs se risquent à l’expérimental. Et pas toujours pour le meilleur. On pense notamment à Exit Medea ou Girl America. 

DES REGARDS SUR LE MONDE

UN REGARD SUR LE MONDE : LA MENACE RUSSE

L’Étrange Festival s’intéresse à toutes cinématographies, peu importe son origine. Il prend ainsi le poul du cinéma à l’international et effleure aussi les préoccupations du moment. 

L’événement marquant de cette année demeure la venue à Paris du prodige Kazakh Adilkhan Yerzhanov. Ce dernier étant particulièrement apprécié du public du festival. Il présentait trois œuvres – deux films et une série:
– Kadet, son premier film d’horreur, antimilitariste et critique de la virilité toxique ;
– Moor, un polar sombre ;
– Kazakh Scary Tales, série fantastique inspirée des contes traditionnels.

Sa présence a également permis l’organisation d’une carte blanche. Au cours de laquelle il a choisi de projeter Heathers (ou Fatal Games), teen movie à l’humour noir explosif.

Toute l’œuvre de Yerzhanov porte la marque diffuse de la menace russe. Cette thématique apparaît également dans Girl America de l’auteur tchèque Viktor Tauš, plongée saisissante dans le psyché d’une orpheline vivant sous la Tchécoslovaquie totalitaire.

UN REGARD SUR LE MONDE : LE COMPLOTISME ANGLOPHONE

Côté anglophone, une thématique s’impose nettement : celle du complotisme. Elle irrigue A Scanner Darkly de Richard Linklater, proposé dans le cadre de la carte blanche au média électronique francophone La Spirale. On y suit la lente dissolution psychique d’un policier enquêtant sur la mystérieuse substance M, qu’il finit par consommer lui-même. Un brûlot anticapitaliste, plus actuel que jamais à l’heure des réalités alternatives.

Dans la même veine, Bulk de Ben Wheatley déploie un univers aux vérités multiples, où la réalité semble se dérober. Le film s’inscrit dans la lignée des œuvres cultes et anxiogènes des années soixante et soixante-dix, notamment la série Le Prisonnier (1967- Patrick McGoohan), reflet d’une Angleterre instable en pleine guerre froide.

UN REGARD SUR LE MONDE : QUID DE L’ASIE DE L’EST ?

Fidèle à son histoire, l’Étrange Festival poursuit son rôle de défenseur des cinématographies est -asiatiques. Cette année, un focus est consacré à la figure de Lady Yakuza, héroïne vengeresse ayant inspiré Lady Snowblood puis l’héroïne de Kill Bill. L’intégralité des huit films (1968-1972) était ainsi projetée.

Après des années très fastes pour le cinéma coréen, parfois jusqu’à saturation, 2025 laisse entrevoir une période de disette.
Seuls trois films sud-coréens sont programmés : The Old Woman with the Knife (thriller mâtiné d’action), The Curse : Insatiable Desires (anthologie horrifique) et The Last Woman on Earth (comédie de science-fiction). 

Quand on pense à certaines années où pratiquement la moitié des films en compétition étaient coréens, la question se pose. Après des années de politique de productions cinématographique assez agressive, la Corée du Sud semble se tourner vers une autre stratégie, par obligation ou par choix.

LE RÉCIT GOTHIQUE : UN RETOUR EN FORCE

Le récit gothique n’a jamais véritablement quitté nos écrans, mais il connaît ces dernières années un renouveau manifeste – du Frankenstein de Guillermo del Toro à The Bride de Maggie Gyllenhaal, en passant par les Hauts de Hurlevent revisité par Emerald Fennell ou encore la série Mercredi supervisée par Tim Burton.

L’Étrange Festival s’inscrit dans cette tendance avec :
– le superbe film d’animation Je suis Frankelda des frères Ambriz, protégés de Del Toro, qui proposent un univers fantasmagorique et une réflexion sur la peur en elle-même ;
– Dead Lover de Grace Glowicki, comédie potache nourrie d’imaginaire gothique ;
– Honey Bunch, dont l’héroïne se voit gaslightée dans une grande et belle demeure labyrinthique.

Si le genre du gothique a toujours été très proche du féminin avec ses nombreuses héroïnes complexes, on observe actuellement une hyper féminisation du genre avec de nombreuses réalisatrices qui s’emparent de ces histoires d’amours maudits, de fantômes et de maisons inquiétantes.

L’invitation de l’icône du cinéma gothique italien Barbara Steele, venue présenter Le Spectre du professeur Hichcock (Riccardo Freda – 1964) et donner une masterclass, a couronné cette mise en avant du gothique.

NO COUNTRY FOR OLD WOMEN

L’âgisme fait débat dans le cinéma actuellement. On se questionne particulièrement sur la disparition des actrices passé un certain âge, mais aussi sur l’omniprésence de la chirurgie esthétique dans une industrie où il est pourtant indispensable d’être expressif. 

La coïncidence a voulu que la programmation propose deux films sur cette thématique : le coréen The Old Woman with the Knife (Min Kyu-dong) qui suit une tueuse à gage vieillissante dont le quotidien se verra bouleversé dans une profession où il ne fait pas bon vieillir. Bel écrin pour son actrice, Lee Hye-young, le film bien que pas exceptionnel propose de jolis moments notamment à propos du vieillissement de son personnage. 

Dans un tout autre registre, le scénariste Stephen Sayadian est venu présenter Lady in a Cage (Walter Grauman – 1965), fleuron de l’hagsploitation étatsunienne qui montre une Olivia de Havilland handicapée bloquée dans l’ascenseur privé de sa belle résidence pillée par de jeunes malfrats.

REVISITER LES MYTHES GRECS

Trois réappropriations de la mythologie gréco-romaine étaient présentées :
– Exit Medea (Tony Paraskeva), road movie expérimental et trash revisitant l’histoire d’amour entre Médée et Jason ;
– Odyssey (Gerard Johnson), qui évoque succinctement l’Odyssée d’Homère par l’idée de parcours complexe de son héroïne pour retrouver ses racines ;
– Gorgonà, remarquable premier film d’Evi Kalogiropoulou, portrait d’une société patriarcale réduisant la femme à une monnaie d’échange. La figure de la gorgone avait déjà été remise en avant dans le film Medusa (Anita Rocha da Silveira – 2021) qui montrait une révolution féminine au Brésil parmi des jeunes femmes conservatrices.

Ces relectures féminines de figures monstrueuses s’inscrivent dans un mouvement littéraire féministe actuel, porté notamment par Murielle Szac et Madeline Miller, qui réhabilitent les héroïnes antiques dans toute leur complexité.

LE LAUREAT DE LA FIN DE L’EDITION DE L’ÉTRANGE FESTIVAL

Pour conclure ce panorama (presque) succinct de l’édition 2025 de l’Étrange Festival, arrêtons-nous sur le grand lauréat de la compétition : The Forbidden City de l’Italien Gabriele Mainetti. Ce film d’action mêle clichés chinois et italiens dans un chaos soigneusement orchestré.
À Rome, une jeune femme chinoise cherche désespérément sa sœur disparue. Elle croise le chemin d’un jeune homme, fils d’un restaurateur endetté lui aussi porté disparu. Malgré la barrière linguistique et culturelle, tous deux s’unissent pour affronter la pègre. Moins politique que Freaks Out, le film séduit néanmoins par ses qualités plastiques et sa mise en scène fluide.

Son sacre interroge toutefois : nombre d’œuvres plus audacieuses, plus singulières, semblaient plus conformes à l’esprit traditionnellement anticonformiste de l’Étrange Festival. Est-ce qu’un festival qui se veut l’étendard d’une certaine contre-culture peut rester fidèle à son identité, tout en attirant un public de plus en plus nombreux et divers ? Mon avis est que malgré tout, l’Etrange a trouvé un équilibre entre ces deux concepts antinomiques.

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Planète B est un film de genre français réalisé par Aude Léa Rapin, avec dans les rôles principaux, deux femmes, Adèle Exarchopoulos et Souheila Yacoub.

Un futur fasciste et eco-anxieux

La mise en scène visuelle et sonore de Planète B lui confère un caractère très huis clos, qui n’est pas sans rappeler Les fils de l’Homme dans son côté froid mais intimiste. Et comme pour ce dernier, on parle d’un film d’anticipation plutôt que de science-fiction car le film se déroule dans un futur très proche, et tous les motifs du film sont déjà à l’œuvre, comme la montée du fascisme et l’effondrement climatique. 

La surveillance : thème cher à la droite dure et à l’extreme droite

Dans Planète B, la technologie est au service d’un système de répression sécuritaire. Les civiles ont accès à des technologies obsolètes alors que l’état est équipé en matériel numérique de pointe pour la surveillance. La vidéosurveillance algorithmique est normalisée (pratique largement critiquée par Amnesty International suite à son déploiement pendant les JO de Paris 2024). Les essaims de drones policiers surveillent tous les quartiers (mode se surveillance normalisé en France depuis 2023). Chaque citoyen doit porter des lentilles de contact à QR codes et se soumettre à des contrôles d’identité systématiques. Les étrangers sont restreints à des zones selon leur statut (comme dans les Centres de Rétention Administrative).

Des exilés déshumanisés

Souheila Yacoub interprète une journaliste exilée qui a dû fuir son pays pour opposition politique. Comme beaucoup de migrants, même diplômés, elle se retrouve cantonnée aux métiers les plus subalternes sur l’échelle sociale. Elle survit en clandestinité, sous la menace permanente de l’expulsion. L’administration et la police ne la voient que comme une «migrante» qu’il faut faire sortir du pays. 

La criminalisation des mouvements d’opposition

Aude Léa Rapin voulait mettre en lumière à travers Planète B les dérives des affrontements idéologiques entre société civile et force de l’ordre. Elle a été inspirée par des manifestations récentes aux quatre coins du globe, violemment réprimées par les forces de l’ordre qui n’ont pas hésité à blesser et mutiler : les manifestations étudiantes à Hong Kong, à Santiago ou à Beyrouth, les gilets Jaunes, Notre Dame des Landes… Dans Planète B toute désobéissance à la bonne marche de l’état reçoit une réponse policière et judiciaire violente. Les civiles qui s’expriment contre l’état et pour la survie de la planète sont criminalisés.

La manipulation médiatique 

Dans la France de Planète B, les médias ne parlent pas des opposants politiques. La R n’existe pas, le mouvement est censuré pour ne pas encourager les gens à le rejoindre. Ce tabou médiatique est aussi un excellent moyen de nier l’implication du gouvernement : les opposants ne sont pas enfermés dans des prisons inhumaines, ils se cachent car ils sont criminels. C’est facile quand quelqu’un possède plusieurs médias de contrôler la ligne éditoriale et donc l’information.

Pendant la présentation du film aux Utopiales, Aude Léa Rapin nous explique qu’elle voulait aussi faire un lien avec les disparitions récentes et inquiétantes de personnalités connues en Chine. Des femmes célèbres à l’international qui ont critiqué le pouvoir : Fan Bingbing, Peng Shuai et Zhao Wei. Mais aussi certains membres du gouvernement, notamment le ministre de la défense. 

La prison virtuelle, un futur possible ?  

Le personnage d’Adèle Exarchopoulos et les autres résistants sont à la merci de l’armée, qui pratique sur eux de la torture psychologique sous forme de cauchemars, et de privation de sommeil afin d’obtenir des renseignements sur la R. Dans ce futur la prison virtuelle serait aussi un moyen de lutter contre les prisons surpeuplées. Dans ces prisons, les corps peuvent être empilés, il n’y a pas besoin d’espace, pas besoin d’exercice physique, pas besoin de soins, cela coûte moins cher.

L’enfermement dans un système informatique est une allégorie intéressante de la dictature : un système informatique est par définition totalitaire. Binaire, il ne permet d’agir que dans certaines fonctions définies. Il n’offre pas de possibilité hors de ce qui a été cadré, choisi, imposé. Il est sans nuance, inhumain. 

Polarisation des extrêmes et désobéissance civile 

Planète B nous interroge sur un possible futur dystopique. Que doit faire la société face à l’inaction politique sur les enjeux écologiques ? La désobéissance civile (qualifiée de terrorisme par l’état – coucou Sainte Soline) est-elle le dernier levier pour forcer les états à respecter leurs engagements environnementaux ? Quand faut il intervenir ? Les gouvernements criminalisent les opposants, les migrants, les pauvres, bientôt ça pourrait-être vous ?

Planète B sort au cinéma le 25 décembre.

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Le PIFFF se déroule au cinéma Max Linder qui a une salle unique, sur deux étages qui visiblement impressionne plus d’un cinéaste, car le réalisateur de The Wailing l’a qualifiée de « cathédrale du cinéma ».
C’est effectivement une très belle salle, prestigieuse mais aussi confortable, point qui est presque le plus important quand on festivale !

Toujours est-il que je débarque de mon train pour sauter littéralement sur la première séance Blood Star (USA) de Lawrence Jacomelli issu de la pub. Il signe ici son premier long métrage sur un road trip sur fond d’ ACAB (jamais pour me déplaire on va pas se mentir), en filmant la traque d’une jeune femme par le shérif du coin. Il s’avère que le film est divertissant, bien rythmé avec une actrice convaincante, Britni Camacho. Le film pêche en revanche avec son antagoniste qui ne fait pas bien peur, et dont on peine à percevoir la cruauté. Blood Star manque par ailleurs de séquences impactante (surtout avec ce type de pitch vu et revu), avec un personnage féminin qui met du temps à démarrer franchement l’offensive ou la défensive, malgré le harcèlement constant. Tout cela n’a pas pu me procurer beaucoup de tensions, mais je n’ai pas boudé mon plaisir pour autant et c’était une parfaite mise en bouche (yeux).

Blood Star n’est que le début d’une liste de films dont la thématique commune est suivre/poursuivre une jeune femme. Car on retrouve cette similarité avec Strange Darling (USA) de JT Mollner. Dans le cadre d’un montage en plusieurs chapitres mélangés, le public reconstruit peu à peu une histoire plus « complexe » que ce que la première séquence laisse présager. Parfois très drôle, brillant dans sa manière d’accompagner le public dans son univers, Strange Darling gâche tout en utilisant la culture du viol pour sans doute faire la démonstration qu’il ne faut pas se fier aux apparences. Le problème c’est que quand on se trompe de cible en se moquant ouvertement des femmes (entre le personnage principale féminin, et une flic qui pour une fois prend les violences sexuelles au sérieux), non seulement on tape à côté, mais en plus on participe au problème.

On reste dans le médiocre (sexiste mais au moins pas misogyne) avec Daniela Forever, une sorte de croisement entre Eternal sunshine pour le concept fantastique, et 300 jours ensemble pour l’illustration emblématique du trope de la manic pixie dream girl. Suite à la mort accidentel de sa compagne, un homme teste un traitement lui permettant de naviguer avec elle dans ses rêves. Le problème c’est que toute l’intrigue est centrée sur cet homme qui profite surtout de ses rêves pour s’auto kiffer et contrôler sa Daniela, qui ressemble plus à un vague robot, que l’incarnation de l’amour de sa vie.

On passe à une autre recherche de femme et d’amour mais cette fois de manière beaucoup plus réussie avec le film Ukrainien U are the universe. C’est peu vous dire que c’était une projection particulière entre le mot en vidéo du réalisateur Pavlo Ostrikov avant la séance, le fait de savoir que la moitié de l’équipe est au front (dont l’acteur), et que le responsable des effets spéciaux a été tué. Le film a d’autant plus de résonance avec cette guerre, qu’il raconte un ouvrier de l’espace qui commence à communiquer avec une femme, après l’explosion purement et simplement de la Terre. U are the universe (qui a raflé tous les prix), arrive à capter tout du long malgré qu’on soit confronté uniquement à un homme et son robot déambulant dans un vaisseau. On assiste à leurs questionnements, difficultés, espoirs, et comment est-ce qu’on exerce son libre arbitre quand on est le dernier humain. C’est très doux et mignon car cela évoque l’amour à travers des voix et un feeling qui ne s’explique pas, mais qui se ressent.

Changement d’ambiance avec Sew Torn de Freddy Macdonald, jeune réalisateur de 23 ans qui adapte ici son court en long. On y retrouve toujours une femme traquée mais pas des moindres: une couturière blasée et introvertie qui se mêle à une histoire de drogue et donc d’argent. Le réalisateur explore 3 possibilités que l’héroïne vit selon des choix différents et je dois avouer que je suis particulièrement friande de ce genre de format. Car oui j’aimerais pouvoir voir les conséquences de mes choix, donc là encore le cinéma m’aide à comprendre. Toujours est-il que le film se démarque surtout par les compétences en couture de notre héroïne et la photo splendide qui permettent de rendre le film assez divertissant malgré des redondances.

Plusieurs films ont exploré la thématique des violences des dynamiques de pouvoir. The Wailing utilise la figure du fantôme qui passe de génération en génération pour hanter et violenter des femmes mais également leur entourage. Ce film Espagnol de Pedre Martin Calero (venu présenté le film), m’a procuré de grands frissons en évitant les jumpscares et en utilisant de manière très maligne son décor. Le fil entre les différentes époques est tenu par les personnages, mais aussi par des objets, comme les écrans. Malgré quelques passages un peu mous, l’ensemble est solide et la banalisation des violences intrafamiliales qui se suit est encore trop peu traitée.
Le pouvoir d’une communauté sur l’une des leurs, est également le sujet d’Heresy, film Néerlandais de Didier Konings (venu présenter le film avec une certaine timidité par ailleurs). Ce moyen métrage qui puise son inspiration dans The Witch, fourni un travail très réussi sur sa direction artistique avec des créatures charismatiques, une forêt envoutante. Dommage que l’histoire nous serve une énième association de femme et dame nature reproductrice (réduisant totalement le propos politique de l’éco féminisme en passant), et une écriture faiblarde des personnages.

On parle du pouvoir d’une autre communauté, celle de l’audience du web avec Dead Talents Society (Taiwann) de John Hsu. Des fantômes doivent effrayer les vivants pour ne pas être oubliés et gagner en popularité. Le film est brillant d’inventivités, très très drôle, et n’oublie pas d’être intelligent pour autant en ayant plein d’amour pour des personnages de « loosers » qui n’en sont pas. Le film évoque les pressions extérieures, le collectif et est mine de rien un réquisitoire contre la pression capitaliste qui nous pousse à penser qu’il nous faut être talentueux pour avoir une raison d’exister.
Pour traiter ces messages, les fantômes sont ici presque faits de chair et de sang (qui les rapproche des humains); le film n’est en plus pas avare en effet gory.
Autre pression mais pas des moindres: celle des dynamiques de pouvoir au sein des maisons de retraite avec The rule of Jenny Pen. Ou comment les vieux sont infantilisés, agressés. Le film souffre d’une écriture maladroite qui lance plusieurs axes sans les exploiter (je pense notamment à la poupée qui s’avère peu flippante et surtout superflue). Mais le duo d’acteur au sommet (John Listhgow et Geoffrey Rush) nous offre un spectacle tout à fait appréciable.

On finit en beauté avec Desert Road qui est un peu un mix de toutes ces thématiques, de l’Américaine Shannon Triplett, qui est venue présenter son film avec un grand enthousiasme. Elle propose un nouveau récit de la boucle temporelle (et ça faut quand même réussir à le faire), en s’appuyant sur l’histoire d’une femme coincée sur une route dans le désert. Le film repose sur la performance bluffante de Kristen Froseth (vue dans How to blow a pipe line), et une écriture très fine qui permet d’être accroché à la quête du personnage et à ses rebondissements. Impossible de prédire comment le film va finir, ça en fait donc une bonne raison pour le voir.

On ne fait pas un festival sans une séance de courts métrages; je suis donc allée à la séance des courts internationaux. Là encore on peut noter une grande qualité sur la forme de tous les courts, dont les styles et les histoires étaient très variées. On a eu une créature sous un lit, un voyage mélancolique dans l’espace, un dieu de la pizza étrange, une aire de jeux maléfique (mon pref), et une marionnette qui a fait rire toute la salle. Un beau moment de cinéma.
J’avais interviewé Véro qui fait parti du comité de sélection de courts métrages, qui partage son point de vue notamment sur la place des femmes dans le cinéma de genre !

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Vieux festival de 40 ans, le BIFFF dure une dizaines de jours. Une temporalité qui permet de diffuser de nombreux longs et courts métrages. Les projections ont lieu dans 2 salles donc c’est assez pratique de s’y retrouver et d’enchaîner les films.
Le hall propose des expositions, des concours de peintures, de maquillage, un bar/snack, et comme tout festival de cinéma qui se respecte, des boutiques d’affiches de DVD/BR. Ambiance détendue.
Nous voilà donc armées de bières (de festival donc coupées à l’eau), et de grosses envies de s’en mettre plein les yeux et les oreilles.

On s’installe pour notre première séance et le générique du festival s’ouvre, ce qui donne lieu à des cris et des commentaires assez déstabilisants quand tu démarres. Je suis coutumière de ce genre d’ambiance pour avoir assisté à plusieurs séance de L’Absurde Séance à Nantes. Clairement, on ne va pas au BIFFF pour être au calme, et je comprends l’idée de convivialité qui semble aller de soi avec ce genre d’ambiance. Seulement si cette convivialité est certainement perçue et recherchée par certains, elle l’est aussi beaucoup moins par d’autres, mais j’y reviendrai plus loin.

Les divertissements efficaces

Your lucky day de Dan Brown (USA) sera donc notre premier film. Angus Cloud joue le rôle d’un braqueur du dimanche, qui tente de récupérer le ticket de loto gagnant d’un vieux cadre dynamique. Sans prétention et sans idée de mise en scène, le film s’avère être un joyeux divertissement avec son lot de rebondissements permettant de garder notre attention. Avec un petit parfum ACAB qui n’est jamais pour me déplaire, soyons honnête.
On reste aux USA avec The last straw d’Alan Scott Neal qui propose un home invasion dans un diner. L’actrice Jessica Belkin apporte une fraîcheur à ce personnage féminin à la fois punk mais fille à papa voulant faire ses preuves, manquant de maturité tout en ayant conscience de réalités. Les 3/4 du film sont efficaces mais la dernière partie tombe dans des flashbacks surexplicatifs d’une intrigue beaucoup moins captivante.

On atterrit dans du n’importe quoi mais on aime avec le coréen Devils de Kim Jae-Hoon. Un thriller brutal à la Freaky Friday version tueur et flic qui échangent leurs corps. La 1ère partie se tient plutôt bien et ensuite on a le sentiment que le réalisateur lâche les chevaux pour se faire plaisir. Et je me suis éclatée.

Mais la star c’est bien sûr Abigail des réalisateurs Matt Bettinelli et Tylet Gillett (Scream 5 et 6 mais surtout Ready or Not) présenté en avant première. Le festival met le paquet entre performance artistique (une petite fille en tutu enfermée dans une cage qui se balade dans le festival), et surtout un superbe mini spectacle de danse avec des danseuses ensanglantées. C’était vraiment un plaisir à regarder et une manière à la fois ludique et belle d’ancrer le film dans la réalité.
Abigail s’avère être une comédie qui reprend des marques de Ready or Not: c’est finement drôle en poussant les potards saignants à fond. Le film a aussi l’intelligence d’utiliser les différentes caractéristiques et représentations du vampire (capitalisme, manipulation…) en les liant avec une vraie cohérence. La jeune Alicia Weir est parfaite et on en redemande.

Dans un genre beaucoup plus sérieux, Baghead d’Alberto Corredor (UK) avec Freya Allan de The Witcher est un vrai bonbon d’horreur. On part sur une base très classique (sorcellerie et possession), avec une pointe d’originalité (on pose un sac sur la tête d’une sorcière pour faire apparaitre un défunt). C’est exécuté avec brio permettant d’avoir sa dose de frayeur. On passe sur quelques incohérences et des thématiques traitées à la truelle (deuil, origines…) et on savoure.
Unspoken de Chen Daming (Chine) est un thriller très conventionnel sur un ancien flic à la recherche du tueur de sa fille, à l’aide d’une étudiante. Le duo fonctionne bien et le film propose une dernière séquence de course poursuite rondement menée, mais l’ensemble est assez balourd (arrêtez les flashbacks) et long. Le film a le mérite de traiter du racisme anti asiatique et surtout du racisme intra communautaire.

Gueules Noires du français Mathieu Turi était également projeté. Une histoire de monstre qui prend forme à l’époque dans une mine, pourchassant des mineurs déjà bien abîmés de par leur activité (le monstre matérialisant ce métier mortel). Le monstre est particulièrement réussi (moins dans les effets de mouvements). Il m’a fait penser à des films doudou comme The Thing, avec des créatures fait main sublimé avec une très belle photo.

Ca propose mais ça me laisse sur le carreau

On enchaîne le lendemain avec Kryptic de la réalisatrice Kourtney Roy (Canada/UK) qui était également présente pour présenter le film. Malheureusement on apprendra pas grand chose car le but est plutôt de mettre de l’ambiance que vraiment s’intéresser au film. Visuellement le film n’hésite pas à proposer dans le visqueux et l’organique, pour illuster une énième lecture du Petit chaperon rouge qui n’est ici très lourdingue. Limite parfois réac’ avec son association de la sexualité à la monstruosité, le film se perd et nous perd. Dommage, il parvenait tout de même à créer une ambiance singulière.
Changement d’ambiance avec Steppenwolf d’Adilklan Yerzhanov (Kazakhstan), connu notamment pour Assaut que je n’ai pas vu. Une mise en scène ultra maitrisée, magnifiée par une gestion une lumière crépusculaire comme je les aime, le film est plombé par deux protagonistes insupportables dont on aimerait vite qu’ils se taisent à jamais. Le film est également froid et mécanique dans son approche de la violence ce qui créé un malaise car on balance entre la banalité et la monstruosité de cette approche systémique.

La comédie américaine Krasy House des réalisateurs Flip Van Der Kull et Steffen Haars et avec Alicia Silverstone, est précédée d’un clip des réalisateurs pour faire un coucou au festival. Ce clip « pénis dance » fait appel à un humour des années 90 et je ne comprends pas que ça fonctionne toujours.
Le film s’amuse à tordre les feuilletons type Madame est servie et on assiste à la déchéance d’une famille américaine à cause de Russes (évidemment). Je trouve la première partie assez lourdingue et longue mais quand le film embrasse son discours anti clérical et sa violence, on s’amuse. En revanche, le final est gâché par une scène de viol ancrée dans la culture du viol qui a beaucoup fait rire la salle (et oui un Jésus dans l’anus ça fait encore toujours rire).

Les films en sortie de route

Je ne m’étendrai pas sur les films que je n’ai pas aimé car par principe j’évite. On attendait beaucoup d’une histoire de fantôme qui s’annonçait terrifiante avec Canceled d’Oskar Mellander (Suède). On a plutôt oscillé entre rires involontaires et ennui qui a rallongé le temps. Rien ne va: acteurs aux fraises, scènes de « tension » très looooongues, incohérences de réaction, de situations, photographie immonde.

J’attendais Le mangeur d’âmes de Julien Maury et Alexandre Bustillo; l’incontournable duo français qui a coeur de faire vivre le cinéma de genre francophone. Point qu’ils ont d’ailleurs rappelé juste avant la projection du film. J’ai beaucoup d’affection pour eux, et j’aime certains de leurs films mais alors celui-ci est le plus raté. Le potentiel de l’histoire est grand, mais on se retrouve devant un téléfilm mal joué, mal écrit, avec un mangeur d’âmes finalement quasi absent. Dommage.

La séance de Love Lies Bleeding: le rire est politique

Venons-en à la séance de toutes les polémiques: Love Lies Bleeding, le nouveau film de Rose Glass (Saint Maud) avec Kristen Stewart. C’est la première fois qu’une séance se passe aussi mal au festival d’après ce que j’ai compris. Mais il était évident que dans le contexte actuel (#metoo, une prise de conscience sur les représentations au cinéma et une production de films avec des problématiques féministes actuels), une ambiance comme le BIFFF allait se fracasser face à un public féminin et lesbien venu exprès de Paris.

Pour partager les faits de mon point de vue, la salle a fait du bruit et des commentaires comme à toutes les séances. Il a été dit par les féministes que des rires ont fusé lors d’une scène de viol, réfutés ensuite par des défenseurs du festival. La scène en question montre l’un des personnages principaux avoir une relation sexuelle pour obtenir un boulot. Pour certains mouvements féministes la prostitution est un viol. Ce n’est pas mon cas, je ne suis pas une féministe abolitionniste. En revanche, les rires pendant cette scène restent inappropriés. Ce n’est pas une scène drôle, le ton du film en l’est pas, on sait qu’on est en présence d’un personnage masculin problématique. Donc vraiment applaudir ou rire pendant cette scène, qu’est-ce que ça veut dire? Qu’est-ce qui fait rire? De qui rit on? Qu’est-ce qu’on félicite? Il serait temps de questionner ces réactions pour prendre un peu de hauteur et arrêter de se contenter d’un « c’est l’ambiance, on rigole ». Le rire est politique (et oui). Et il a dérangé certaines personnes lors de la séance de Krazy House lors d’un viol, que je mentionne plus haut.

De manière générale, mettre de l’ambiance pendant un film qui s’y prête oui, pendant un film sérieux (et un minimum de qualité, qui ne prête pas de rires involontaires), c’est tout de suite plus pénible en plus d’être touchy.
Par ailleurs, il ne faut pas oublier que même pendant un film qui s’y prête, tous ces cris/commentaires peuvent être anxiogènes pour des personnes mal à l’aise socialement voire rendre carrément impossible l’accès de ces séances à des personnes ayant des particularité, comme l’autisme par exemple. C’est une question qui n’a jamais été soulevée lors de cette polémique.

A environ la moitié du film, une dizaine de femmes descendent en hurlant « c’est la pire séance de ma vie, allez vous faire foutre etc.. ». Une deuxième vague quelques minutes plus tard. Puis on entend le happening démarrer à la porte, les féministes scandant « coupez le film ». Là dessus des zones de tensions se fait sentir un peu partout, notamment devant moi et derrière moi. J’ai même fini par dire au gars derrière moi d’arrêter d’en rajouter compte tenu des diverses frictions. Je vois un coup partir devant moi et on décide de quitter la salle avec Bloody Elfy. A la sortie on est confrontées aux femmes qui continuent de crier et on s’écarte. Puis les flics ont été appelés car l’escalade de la violence a été rapide.
Après la séance, les féministes ont continué de faire un happening dans le hall d’entrée.

Je comprends le besoin de faire appel à une aide extérieure pour éviter que les choses dérapent encore plus, ce que je comprends moins c’est qu’on place systématiquement la violence physique au dessus des morales. Or, les injures discriminantes sont aussi punies par la loi et tout autant blessantes. La preuve, les féministes ont témoigné d’un sentiment d’insécurité et d’attaques très fort. Les témoignages relatent des commentaires sexistes et lesbophobes, doublés d’insultes quand les féministes ont demandé le silence. Là, les victimes initiales ont été doublement punies.

La première chose que je n’explique pas malgré les retours du BIFFF depuis: pourquoi la séance n’a pas été arrêtée. Compte tenu des réactions violentes, il aurait été bienvenue de couper, pour essayer de comprendre ce qui se passe. Et c’est là où je veux en venir. Depuis toujours, le BIFFF tolère des commentaires discriminants. Alors oui, on m’a dit que certains se font remettre à leur place. Pourtant, pour en avoir discuté avec des personnes venues précédemment au festival, l’ambiance misogyne a souvent été ressentie et communiquée au festival, qui ont fait des rappels. Mais il n’y a jamais eu de mesures concrètes prises. Donc effectivement quand les commentaires discriminants pendant Love Lies Bleeding ont été dits, puis dénoncés, le staff du BIFFF n’avait aucune raison d’agir plus que pendant les autres séances.
Le lendemain de cette séance catastrophique, pendant la projection de Your Monster, un mec a lancé derrière moi un « salope! » adressée au personnage féminin. Bon.

L’autre constat que je peux faire est que cet événement illustre parfaitement à quel point la représentation de lesbiennes (notamment filmées par une femme) au cinéma manque cruellement. Si les représentations étaient plus diversifiées, le film n’aurait pas été autant attendu par une communauté qui cherche à se voir et se reconnaître, notamment à travers une actrice devenue icône queer, Kristen Stewart. Love lies bleeding a cristallisé une attente très forte, légitime, avec un vrai espoir de passer un moment qui fait du bien. Car se voir bien représenté ça soulage et ça aide.
Par ailleurs, le film est très explicite sexuellement. Nous ne sommes pas habitué-es à voir des scènes d’amour lesbien (dénuées de fantasmes masculins), donc face un public (notamment masculin) qui n’est pas sensible aux questions politiques des films, des sentiments de surprise et de gêne doivent se mêler ce qui provoque le rire et/ou des réactions.

Je comprends que ça soit complexe pour le BIFFF de gérer ces questions nouvelles, que c’est compliqué de bousculer des traditions. Mais le cinéma de genre a toujours été le porte parole de minorités, et un genre très politique de manière frontale ou pas, en sous texte ou pas et qu’on l’admette ou pas. C’est un fait indiscutable, même si certains ont l’air de le découvrir.
Donc on ne peut pas se contenter d’un « ça va on peut rigoler », « ça va on a le droit de se détendre, le cinéma d’horreur c’est fun ». Et on ne peut pas non plus rester ancrer dans des traditions, le propre même du cinéma de genre c’est de ne pas se conformer aux traditions, aux conventions. Être irrévérencieux ce n’est pas (plus) être discriminant.
L’idée n’est pas de pointer le BIFFF, d’autant que cette ambiance ne se retrouve pas que là bas, mais de ne pas occulter un problème présent depuis longtemps et surtout de faire grandir le public du festival présent et à venir.

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A la découverte de lieux abandonnés, l’équipe de vulgarisation scientifique Explorers questionne le parallèle entre nos connexions neuronales et les chemins créés par l’homme. 

Explorers est un collectif de vulgarisateurs qui met l’exploration au service du partage des sciences. Le trio est composé de Terence & Renaud (ex-chercheurs) & Youenn (réalisateur et compositeur). Explorers a notamment réalisé le projet plusieurs fois nominé Cell Worlds, reconnu par la communauté scientifique internationale.

Dans le premier épisode, l’équipe de Méandres explore un château abandonné pour nous parler des mécanismes cognitifs de la mémoire. Par une simple expérience réalisée dans l’une des pièces du château abandonné, ils illustrent comment nos 5 sens stimulent les neurones et font appel à notre «bibliothèque mémorielle». 

Dans le second épisode, l’équipe se rend dans un sanatorium abandonné pour nous parler de la peur du noir et des raccourcis cognitifs qui créent la superstition. En effet, quand nous sommes plongés dans un environnement inconnu et dans le noir complet, chaque bruit entendu peut être interprété et amplifié. Il envoie ainsi un signal d’alerte au cerveau, qui l’interprète alors souvent comme un danger provenant d’une personne, plutôt que comme une simple branche qui craque ou un animal nocturne. 

La série documentaire Méandres sort des sentiers battus et des labos pour nous faire vivre la science autrement. Je ne peux que vous conseiller de la regarder car c’est très intéressant et ludique. On a hâté de voir la suite !

Retrouvez la série le 8 novembre sur Youtube.

Pour en savoir plus : https://www.explorersfr.com/m%C3%A9andres

Explorers est partenaire de L’Exploratoire, l’association de réflexion et d’action autour du partage des sciences, et est membre du Café des Sciences. Explorers collabore avec Jamy Gourmaud et son média Epicurieux, et a été 2 fois lauréat de la bourse CNC Savoirs & Cultures.

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Jeanne, 2e rédactrice du blog, était déjà allée 2 fois au Final Girls Berlin Film Festival, et avait rédigé des articles sur son passage.
Cette année nous sommes donc allées à 2 et c’est avec un grand plaisir que j’ai découvert ce tout petit festival méconnu même à Berlin. Cultivant son côté underground, le festival programme l’ensemble des séances se déroulent dans le même petit cinéma de quartier, le City Kino.

Une ambiance en toute s’horrorité

Le festival a clairement une démarche féministe. Par sa programmation évidemment, mais aussi par son staff lui même. Créé par des femmes, l’équipe est également intégralement féminine.
Par ailleurs, toutes les conférences s’assument pleinement comme féministes. Là où en France, les intitulés de conférence tournent souvent autour du pot à base de « le wokisme existe-il vraiment? » ou « les rôles féminins ont-ils changés après #metoo? », ici on ne se pose pas la question. Ainsi, on parle de « sexualité dissidente dans le cinéma d’horreur mexicain » ou encore de l’âgisme et de la représentation des vieilles femmes dans le cinéma de genre, ou encore la différence entre les rape and revenge réalisés par les hommes et les femmes.
On retrouve la même ambiance avec un atelier de danse du sabbat et un autre de self defense où l’on apprend à maitriser du zombie agressif (ou des hommes).

Une programmation féministe?

Maintenant est-ce que les films de la programmation sont féministes? Evidemment que non. Certains utilisent toujours les mêmes clichés sexistes, d’autres proposent de nouvelles représentations mais avec un message qui laisse à désirer. On ne le dira jamais assez, non seulement une femme n’est pas forcément féministe (Catherine Deneuve et Maiwenn vous le diront), mais même si elle l’est, nous sommes tous et toutes emprunt-es de constructions patriarcales dont il n’est pas facile de se défaire.
Dans tous les cas, c’est une démarche on ne peut plus nécessaire de visibiliser le travail de femmes ou de personnes non binaires, qui méritent autant que les hommes de voir leur travail diffusé.

Car il est intéressant d’observer que si tous les films ne parlent pas nécessairement de problèmes spécifiques aux femmes (même si cela revient souvent), tous les personnages principaux sont des femmes. Blanches en majorité, mais il y a également beaucoup de femmes racisées. Les hommes n’existent quasiment pas et quand ils sont là, les personnages sont dépeints comme mauvais, ou négligés par le scénario. C’est sans doute là, un élément regrettable car il y aurait beaucoup à dire sur le rôle des hommes dans la vie des femmes en toute complexité.
Mais, avec tous ces films présentés, une palette riche et nuancée de personnages féminins principaux émerge forcément, quelle que soit la qualité des films. Et rien que pour cela, c’est un vrai bénéfice qu’un tel festival existe.

Encore plus de visibilité !

Un prix du public est communiqué quelques jours après le festival pour les courts métrages. Il y a un gagnant par thématique de courts. Ce qui est un peu juste à mon sens, surtout quand le but est de mettre en lumière le travail des femmes.
Le festival n’a pas de jury et aucun long n’est récompensé. Cela ne permet pas d’avoir un minimum de communication sur des longs ou courts métrages, et surtout sur leurs réalisatrices. Sans parler d’un « vrai » jury classique comme sur la plupart des festivals, avoir une séance de remise de quelques prix permettrait de célébrer à la fois la démarche du festival et le travail de femmes.

La danse du sabbat

Qui dit festival de films d’horreur féministes dit sorcières !
Le festival proposait un atelier de danse du sabbat, emblématique rituel attribué aux sorcières.
Nous étions une quinzaine de personnes a assisté à l’atelier, dans une petite salle, sans chaises. Il était animé par Carrie Mcilwain, performeuse et danseuse.
Nous avons démarré par une rapide présentation en précisant nos attentes quant à l’atelier, puis l’animatrice a diffusé des extraits des films qui mettent en scène un sabbat.
Ainsi, il a été projeté le rituel dans le sous estimé Lord of salem de Rob Zombie, la danse agressive de dernière lutte dans les Sorcières d’Akelarre, et le final de The Witch.
L’idée était de commenter les extraits, en précisant les différences entre les mouvements, les protagonistes, et le but recherché.
Par exemple, dans Lord of salem il est question de vieilles femmes nues qui rient de leurs pouvoirs, avec un corps statiques et des membres qui bougent.
Dans les Sorcières d’Akelarre, la sororité est davantage présente, car les jeunes filles font bloc pour défier les institutions religieuses. Les corps sont ancrés dans le sol, avec une démarche primitive.
Quant à The Witch on est dans une forme d’aboutissement qui amène à une certaine élévation des corps vers les cieux.

Ensuite, place à l’action ! Nous avons fait des exercices simples pour bouger corps, bras, jambes. Puis, elle nous a demandé de circuler de manière rapide à travers la pièce en évitant de se cogner les unes aux autres. Une fois de manière naturelle, une autre fois en fixant quelqu’un du regard. Très étrange !
La 2e partie s’est avérée plus compliquée car nous devions nous mettre en groupe de 2 ou 3, et fonctionner en miroir. L’une était leadeuse et devait effectuer des mouvements divers, quand l’autre devait reproduire ces mouvements.
Pour la dernière partie, nous étions en cercle, debout, en nous tenant la main. On comptait pour se regrouper vers le centre, puis se décentrer.
Nous devions tourner, faire des bruits, toutes ensembles.
C’était une expérience de sororité très bénéfique qui a reboosté. C’est la partie que j’ai préféré car on sent véritablement la force du collectif. Etre en face à face avec des personnes inconnues me met déjà beaucoup moins à l’aise…

Final Cut Film Festival

Le final girls berlin FF est un petit festival qui mérite qu’on s’y intéresse, surtout pour la démarche très politique assumée.
Cela permet de découvrir des réalisatrices dont on peine à voir le travail par ailleurs.
C’est un petite bulle safe qui fait du bien, dans un pays où on peut tranquillement prendre l’apéro en salle, sans débordement.
Le public est très respectueux que ça soit en salle ou dans les espaces communs.
Cela manque peut être un peu de fun, de délires entre cinéphiles de genres.
Ne manquez pas d’y faire un tour si vous avez l’occasion !

Vous trouverez des articles consacrés:

• aux courts métrages,
• à la conférence sur la représentation du rape and revenge par les réalisateurs/réalisatrices,
• à la conférence sur la hagsploitation (l’âgisme dans le cinéma de genre),
• aux longs métrages: Huesera et Watcher,
• à l’interview de Kam Duv, réalisatrice du court métrage Unes.

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Qu’est-ce que c’est la Hagsploitation ? 

La hagsploitation c’est un surgenre de l’horreur plus ou moins né dans les années 60 à la suite du succès du film Whatever happend to Baby Jane ? Cet archétype a proliféré jusqu’aux années 70 : Hush hush sweet Charlott, Whatever happend to aunt Alice ? What’s the Matter with Helen ? et Strait Jacket. La hagsploitation c’est d’utiliser les femmes âgées dans des films du genre thriller ou horrreur.

Hag est un terme dérivé de l’anglais hagge qui veut dire vieille femme, harpie, sorcière, démon, terme utilisé comme péjoratif contre les femmes âgées.

Il y a historiquement un rapport ambiguë entre la religion chrétienne, la figure de sorcière et le corps de la femme. Les femmes qui vieillissent sont de moins en moins fertiles (comme les hommes en réalité), elles sont perçues comme proches de la mort et donc moins désirables. Elles ont aussi plus d’expérience et sont moins dociles ce qui ne plaisait pas, comme en attestent les procès de sorcières qui ont eu lieu en Europe et en Amérique du nord au moyen âge et jusqu’a la renaissance.

Les représentations classiques de la hagsploitation

Vieille et méchante : la hag sorcière

Les corps de femmes âgées sont tabou. Ils dérangent et sont utilisés comme moyen horrifique pour inspirer le rejet et le dégoût comme Mrs Kersh qui se transforme en sorcière géante dans le IT chapitre 2, et la femme dans la baignoire de The shining qui dégoûte tant Jack Torrence. 

Elle sont souvent caricaturée en sorcière avec des pouvoirs magiques ou mystiques : Minie Castavet dans Rosemary baby, la sorcière du bois dans Sleepy hollow, Nana dans The visit, Ellen la grand mère dans Heredytary, la sorcière rouge dans GOT, les profs de danse dans Suspiria, la sorcière dans Merlin l’enchanteur, Ursula dans La petite sirène, Mary Shaw dans Dead silent, Ganush dans Drag me to hell, Le magicien d’Oz, Hansel & Gretel, Nanny mcPhee, Zugarramurdi, la saga Witchouse, The witches, Abuela, Baba yaga, et plus récemment dans The substance.

Les femmes âgées sont aussi représentée comme aigries et méchantes : Annie Wilks dans Misery, la belle mère dans Du venin dans les veines, la grand mère dans Flower in the attic, Mama Fratelli dans les Goonies, la mère dans Throw Momma from the train, Nurse Ratchet, la vieille dame dans The owners, Jamie Lee Curtis dans Everything everywhere all at once.

On parle rarement du problème de pauvreté dans la communauté des femmes âgées. Historiquement les femmes ne travaillaient pas, pour rester a la maison s’occuper des enfants et des taches domestiques. Donc si elles n’ont plus de mari pour subvenir aux besoins du foyer, elles finissent leur vie dans la pauvreté. Et même si elles ont travaillé, elles sont moins payées donc elles ont moins d’épargne et de plus petites retraites. Cela se ressent bien dans les redneck movies, genre qui met en exergue des familles très pauvres, sans éducation, un brin consanguines et très violentes. Dans ces familles il y a des femmes âgées souvent enclines à la violence : Massacre à la tronçonneuse, Dead Alive, Maniacs, 2001 maniacs. 

Vieille mais polie : la hag domestiquée

Plus aisée, la femme agée domestiquée est une sorte de figure glamour dramatique. Elle peut être vieille fille, ou veuve, ou quittée par son mari. Elle est considérée comme polie puisque contrairement à la sorcière elle n’offense pas les autres avec sa laideur et sa rudesse de caractère. 

Malgré tous ses efforts d’apparence elle est souvent décrite comme ridicule de vouloir rester jeune alors qu’elle ne l’est pas : Ms Lowry et son amie dans Brazil, les deux protagonistes de Death becomes her, les personnages incarnés par Jessica Lange dans American horror story, Baby Jane, Cruella d’enfer.

Elle est montrée comme pathétiques de vouloir flirter avec les hommes, alors que la majorité des personnages masculins de plus de 50 ans sont montrés comme séduisants, ayant au moins une conquête sexuelle (10% contre 6% pour les femmes). Ils sont quasiment systématiquement en couple avec des femmes de 20 ou 30 ans plus jeunes. Maggie Gyllenhaal s’est récemment vu refusé le rôle de la maitresse d’un homme de 55 car elle était « trop vielle », alors qu’elle a 18 ans de moins que lui.

Elle est souvent représentée en femme jalouse de la jeunesse des autres, comme la femme aux miroirs dans Grimm, la magicienne dans Stardust, Mrs Danvers dans Rebecca, la comtesse Lalaurie dans American horror story, Mme Battory dans Les lèvres rouges, la soeur dans 8 femmes, Maléfique, Le diable s’habille en Prada et encore une fois dans The substance.  

On retrouve aussi l’archétype de la méchante belle mère : la belle mère de Blanche neige, Baroness Rodmilla de Ghent dans Ever After, Lady Mary Van Tassel de Sleepy Hollow, The Uninvited, A tale of two sisters. Et celui de la matriarche pas vraiment sympa : Lady Olenna Tyrell dans Game of Thrones, Ruby dans Black-ish, Tatie Danielle, The crown, Downtown abbey.

Sorcière, mégère, jalouse, méchante belle mère… On constate que beaucoup de films et de séries utilisent ces représentations. La hagsploitation comme unique représentation des femmes âgées, est très répandue dans le cinéma Américain, mais il existe encore d’autres représentations comme la gentille grand mère et la cougar.

La cougar : figure hypersexualisée

Même si cela tend à changer, dans beaucoup de films et séries, le personnage de cougar était souvent mal écrit et dénué de personnalité. Le film insiste plus sur le fait que ce sont les hommes qui couchent avec elle, accomplissant une sorte d’exploit à rayer de la liste : American pie, Billie Madison, How I met your mother, Wedding crashers, Friends, The cougar. 

Il existe aussi des représentation très problématiques où on glamourise la pédophilie, en montrant des femmes de 30 ans ou plus qui « séduisent » des lycéens, en ne disant pas que c’est de la prédation sexuelle et émotionnelle : Billy Madisson, Mad men, The graduate, Licorice pizza, Unsatiable. Et encore pire parfois cette prédation est issue de la mère (inceste) : La luna, Ma mère, Murmur of the heart. Ces films sont tous réalisés par des hommes et on ne peut s’empêcher de se demander c’est quoi ce fantasme chelou qui a couté des millions ?! Est-ce qu’il n’y a pas mieux à faire avec tout ce pognon que de légitimer la pédophilie ?

La gentille grand mère : figure maternelle desexualisée

Dans quasiment toutes les cultures il est établi que la grand mère est une figure joviale, qui sert à s’occuper des petits enfants, de les gaver d’amour et de gâteaux. C’est une sorte de contrat  social où la femme âgée, pour rester utile prend en charge les petits enfants. C’est aussi malheureusement une suite logique de la dépossession d’identité vécue par certaines femmes ayant des enfants, qui passent du statut de femme à celui de mère, sans qu’un compromis soit accepté dans l’imaginaire commun. 

Elle a souvent une figure de bonhommie et elle ne sera plus jamais sexualisée, contrairement à la cougar. La figure maternelle remplace celle de l’amante. Il n’existe pas beaucoup de films commerciaux qui vont à l’encontre du cliché de la vielle mamie gentille. 

Il existe tout de même des grand-mères un peu «rebelles» : Laurie Strode dans le reboot de la saga Halloween, la grand mère de la famille Adddams, Thelma dans Thelma, Kathy Bates dans Disjointed, mamie Suze, Paulette la vendeuse de weed, Saving Grace, la grand mère dans la série Evil.

Il y aussi beaucoup représentation de sénilité et de faiblesse dans les rôles des femmes de plus de 50 ans. Elles sont 4 fois plus représentées séniles ou faibles que les hommes, et bien que ce soit intéressant de visibiliser les problèmes de santé physique et mentale qui frappent certaines personnes en prenant de l’âge, les arcs narratifs de ces personnages ne sont pas développés à part «mamie fragile». On parle aussi de plus en plus de la peur de la maladie mentale couplée avec la peur des vieux et cela fait de très bons sujets de films d’horreur : Deborah Logan, Relic, The visit, Old people.

Une meilleure représentation des quinquagénaires à la télévision

A la télévision les femmes de plus de 50 ont des représentation plus positive qu’au cinéma :

• la fabuleuse Patsy Stone dans Absolutely fabulous
• Kathy Bates dans Disjointed
• la préseidente dans Battlestar Galactica
• Carole de Great News
• Kate Winslet dans Mare of Easttown
• Julia Louis-Dreyfus dans Veep
• Grace & Frankie
• les Golden girls
• Angela Lansbury dans Murder she wrote (Arabesque)
• la fatale Miss marple
• Thelma, la plus BADASS des nonagénaires
• Débora Vance dans Hacks
• et bien sur Grand mère Yeta !

Le féminisme à la rescousse : des changements de mentalité dans l’industrie 

Un male gaze systémique dans l’industrie qui tend à s’atténuer

Dans l’industrie du cinéma il y à plus d’hommes que de femmes dans les métiers de production, réalisation, scénarisation, technique et distribution. Dans les écoles de cinéma 1 personne sur 2 est une femme, mais seulement 1 femme sur 4 réussira à faire un long métrage. Bien qu’ils soient plus nombreux, les acteurs sont payés 10% de plus en moyenne.

En France, alors que les femmes de plus de 40 ans représentent 51% de la population, seulement 8% des rôles leurs sont sont attribués, contre 16% pour les hommes.

Les Femmes jouent dans beaucoup moins de films passé 35 ans. Alors que pour les acteurs ce déclin arrive dans la cinquantaine.

Un rejet des injonctions de jeunesse et d’hypersexualisation

Les actrices sont plus employées entre 27 et 32 ans au cinéma. L’industrie et le public attendent des actrices de plus de 40 ans qu’elles aient l’air plus jeunes que leur âge pour continuer à jouer dans des films. Elles font donc beaucoup de chirurgie par pression du système : rhinoplastie, lifting, fillers, botox, blepharoplasty, bichectomie, liposuccion, cryolipolises, BBL, …

Quand on cherche une liste d’actrices de plus de 40 ans, on tombe systématiquement sur des articles du genre :

• la liste de plus belles femmes de 50 ans, 
• les quinqua qui ne font pas leur âge, 
• les stars encore irrésistibles après 40 ans, 
• la quarantaine et toujours sexy, 
• toujours jeunes et sublimes a 40+, 
• les actrices toujours attirantes après 40 ans, 

Il y a toujours une injonction à ne pas faire son âge. Par ce prisme, on impose aussi au public des standards intégrables puisque ils nécessitent des moyens financiers énormes.

Dans le monde, la répartition est : 32% de femmes, 21% de femmes de plus de 50 ans, 21% de gens racisés, 1,4% de non héteros, 5% de femmes rondes.

Heureusement il y a de plus en plus de rôles pour les femmes âgées et racisées. Et quelques actrices féministes rejettent ces injonctions et nous prouvent qu’il est possible de rester belle et d’obtenir des rôles en acceptant que son corps change : Glenn close, Julia Louis Drefus, Viola Davis, Drew Barrymore, Elisabeth Moss, Halle Berry, Jamie Lee Curtis, Andie McDowell, Julian Moore, Kate Winslett, Jennifer Coolidge, …

Plus d’intersectionnalité pour explorer de nouveaux points de vue

Depuis quelques années l’industrie est moins frileuse à produire des d’histoires créées par les femmes pour les femmes, comme l’atteste le nombre grandissant de séries proposées par des plateformes de streaming et le succès international de films féministes : Titane, L’événement, Portrait de la jeune fille en feu, The substance.

On a aussi plus de films et séries non hétéronormés, plus d’intersectionnalité, plus de shows racisées, plus de shows sur différentes religions : Unorthodox, Everything everywhere all at once, Unbelivable, How to get away with murder, Killing eve, I May destroy you, A League of their own.

Cela enrichit énormément le paysage audio-visuel, en proposant une richesses de diversité, de points de vue et donc d’histoires jamais vues jusqu’a présent.

On voit de plus en plus d’actrices engagées qui passent derrière la caméra ou à la production : Elisabeth Moss avec The handmaids tale, Olivia wild avec Don’t worry darling, Gretta gearing pour Lady Bird, Angela basset avec Whitney Houston, Drew Barrymore pour Bliss, Reese Witherspoon pour Big little lies et Gone girl, Halle Berry avec Bruised, Tracee Ellis Ross pour Girlfriends et Black-ish, Tina Fey avec Sisters, Mean girls, Kimmy Schmidt et Great News,  Amy Poehler avec Parks and Rec et Broad city.

Sources :

https://campuspress.uwl.ac.uk/krishnapriyashanti/2021/01/22/352/

https://www.kindredmagazine.co.uk/post/the-gender-gap-issue-in-the-uk-film-industry

Geena Davis Institute on Gender and Media étude de 2019

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Quand Valeria tombe enfin enceinte c’est le bonheur. Pourtant, cette nouvelle étape s’accompagne d’une présence de plus en plus inquiétant qu’elle peine à comprendre.
Plus la grossesse avance et plus les repères de Valeria sont confus. Jusqu’à l’accouchement..

Le cinéma de genre regorge de films sur la maternité, que ça soit sur la grossesse ou le quotidien plus ou moins effrayant d’être mère.
Force est de constater que ces dernières années, de nombreuses réalisatrices ont émergé dans le cinéma d’horreur. On remarque évidemment les plus célèbres comme Julia Ducournau, Coralie Fargeat, Jennifer Kent. Mais il ne faudrait pas oublier les Rose Glass, Charlotte Colbert, Corinna Faith ou encore Anita Rocha da Silveira. Ces femmes se réapproprient leurs histoires et proposent donc de nouvelles narrations.
Et c’est particulièrement pertinent quand il s’agit de la maternité comme le fait Michelle Garza Cervera, diplômée d’un MFA au Royaume Uni. Car on voit que des films comme Babadock ou Prevenge permettent de proposer une nouvelle manière de filmer et de traiter de la maternité.

Huesera ou la dépression post partum

Dans Huesera (=osssaire), la réalisatrice s’attache à matérialiser les angoisses d’une naissance à venir.
L’arrivée d’un nouvel être humain, qui plus est, fabriqué par nous même, amènent à des questionnements sur nos propres origines et désirs de vie. C’est ce qui amène Valeria à se demander si finalement elle veut être mère, alors qu’elle a attendu ce moment depuis longtemps, avec son compagnon.
Dans Huesera, le sujet n’est pas le corps de la femme enceinte (souvent objet de fascination dans le cinéma d’horreur, notamment à travers le body horror).
La réalisatrice se concentre sur son personnage féminin. Pour cela elle l’étoffe: Valeria est bricoleuse, tient tête à son compagnon et est plutôt à l’opposé d’une fleur bleue, tout en dégageant beaucoup de douceur.
L’horreur c’est l’environnement (le voisinage inquiétant, la famille moqueuse et symbolisant la pression sur la maternité, le compagnon qui ne fait plus l’effort de comprendre Valeria une fois enceinte).

Mère ou femme libre il faut choisir

On comprend que l’angoisse vécue par Valeria prend source dans son changement de vie survenu quelques années plus tôt. Punk, amoureuse d’une femme, elle a finalement cédé aux injonctions de la société, pensant certainement trouver bonheur et stabilité. Huesera démontre donc que de refouler ses besoins amène au malheur.
Là où le film manque de subtilité et de nuances, c’est qu’il appuie une fois de plus sur le fait qu’il n’y a qu’un schéma de mère. Celui d’être aimante, douce, ne sortant pas, ne buvant pas, bref ne faisant pas d’excès ni de fantaisie. Comme si on ne pouvait pas aller à un concert de rock et boire de la bière tout en donnant un biberon le lendemain.
Or, des mères punks, avec des cheveux couleur flashy, buvant, fumant des joints à l’occasion, partant en vacances sans enfants…il y en a. Ce ne sont certainement pas les majoritaires, tant justement la société a du mal à concevoir ce schéma. Pourtant elles sont bien là (et d’autres aimeraient sans doute voir que l’on peut être une « autre » mère).

C’est d’autant plus paradoxal que la mise en scène de Huesera ne cesse d’utiliser le motif du reflet (à travers des miroirs, des vitres, du frigo pour symboliser l’ambivalence et les deux aspects de sa vie que Valeria doit gérer.

Par ailleurs, on retrouve également le motif de l’araignée (qui symbolise la mère) qui cohabite avec celui de l’os (=ce qui nous structure). On retrouve l’insecte évidemment mais aussi une toile d’araignée le décor de vie de Valeria. L’os est présent principalement à travers ceux de Valeria qu’elle se fait régulièrement craquer (on aurait dit moi). Mais aussi à travers ce décor qui la structure.
Lors du final, ces corps et ces os forment une araignée (=l’élément final qui achève de terroriser Valeria).

Malgré une structure narrative déjà vue (introduire la séance de dark spiritisme que l’on sait inévitable, le compagnon démissionnaire), le film ose un final qui fera grincer plus d’un mascu adepte de Johnny Depp. Et ça…on aime.
Il faut admettre que le rituel apporte une dose de fantastique bienvenue, particulièrement anxiogène, qui permet également d’asseoir la patte « mexicaine » du film, s’écartant d’une oeuvre formatée calquée sur les USA.
Les scènes d’horreur sont simples et efficaces mais trop en pointillé pour maintenir une tension continue. Ceci dit Huesera se suit avec grand plaisir, grâce à l’empathie que l’on a envers Valeria.

Huesera de Michelle Garza Cervera
Ecrit par Michelle Garza Cervera et Abia Castillo
Avec Natalia Solian, Alfonso Dosal, Mayra Batalla
Produit par Machete/Disruptiva Films/Maligno Gorehouse/ Senor Z
Photographie: Nur Rubio Sherwell

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Le Final Girls Berlin Film Festival a proposé 11 sessions de courts métrages pour cette année 2023, tous réalisés par des femmes ou des personnes non binaires. J’en ai fait 9.
Nous avons assisté à presque toutes les séances. Les sessions de courts métrages sont classées par thématique. On vous propose de revenir globalement sur ces thématiques.

1-Body horror

>>7 courts métrages dont 4 provenant des USA.

Ce sous genre horrifique, dont le représentant emblématique est David Cronenberg est passionnant pour aborder le corps, ses changements, ses maladies, son intérieur.
Cette sélection manque sérieusement d’éléments propres au body horror. La chair n’est globalement pas au coeur de l’image, sans effets dérangeants. Mais ce qui n’empêche pas d’aborder des thématiques riches.

Les courts métrages abordent la sexualité avec l’expérimental Shlop réalisé par des Suédoises, et de Love is a fire de Sofie Somoroff qui évoque la détérioration d’un couple symbolisé par une infection.
On évoque sexualité et règles dans First blood d’Olivia Loccisano et il faudra m’expliquer pourquoi souvent, on fait boire ou manger les résidus de règles aux héroïnes. Une vision très classique de l’adolescente qui a ses 1ères règles et qui n’apporte rien.
Il est également question de rituels. Que ça soit pour garder la ligne pour une actrice qui se retrouve confrontée à une secte dans l’inabouti Swallow de Mai Nakanishi. Ou pour garder une amie près de soi en s’unifiant au 1er sens du terme, corporellement dans le rigolo Violet Daze de Marisa Martin.
On évoque la souffrance psychologique et corporelle à la suite de traumatismes dans le joli Legs de Celine Cotran reprend le symbole de l’araignée qui représente la mère, pour évoquer la fausse couche. Quant à In the flesh de Daphne Gardner, il est question de gestion du trauma du viol à travers une eau sale qui envahie la baignoire de son héroïne. Ce dernier est un peu maladroit dans sa structure pour faire percuter son propos.

2-Menacing presences

>> 9 courts métrages dont 5 provenant des USA

Les présences menaçantes, quelles sont-elles? Cette session de courts métrage aurait tendance à répondre les écrans et la nuit.
Ainsi, Sleep Study de Nathalie Metzger aborde la paralysie du sommeil pour punir une femme indépendante qui a un mari au foyer. Le film d’animation Deshabitada de Camila Donoso nous plonge dans le superbe cauchemar éveillé d’une vieille femme tourmentée par ses souvenirs.
Le sympathique Night Work de Savannah Hunter Reeves emprunte les codes du home invasion pour torturer mentalement une jeune mère isolée le soir pour travailler.
Mudmonster de O.B de Alessi traîne en longueur et en maniérisme pour donner vie à un monstre de boue, plus ou moins maîtrisée par une adolescente gothique.
Enfin, l’horreur se matérialise à travers le téléphone dans l’efficace It’s not real de Tina Carbone, qui a l’intelligence d’allier téléphone, ombre et lumière pour convoquer nos peurs primaires du noir. Le grossier Glitch de Rebecca Berrih utilise également le téléphone mais avec moins de finesse et donc d’efficacité.

Complètement à part dans la sélection, le passionnant Knit one stab two d’Alison Peirse est un documentaire qui se penche sur la représentation de l’utilisation du tricot dans les films de genre. Ce court m’a fait réalisée que de nombreux films mettent en scène des personnages féminins qui tricotent. Pour symboliser leur folie latente, leur dangerosité insoupçonnée ou encore pour transformer cet objet paraissant innofensif en arme (Laurie Strode dans Halloween).

3-Close to home

>>7 courts métrages dont 4 provenant des USA

Comme son nom l’indique il est question de proximité dans cette session de courts métrages. Ainsi, la 1ère source d’angoisse est la famille.
Dans le poignant Everybody goes to the hospital de Tiffany Kimmel, on suit en stop motion le calvaire d’une petite fille dans un hôpital à la suite d’une appendicite. Elle est mal aimée par ses parents et ignorée des médecins. La réalisatrice met en image ici l’histoire de sa mère en 1963.
Le calvaire d’avoir une famille pesante continue avec le maladroit Merah Bawang Putih d’Andrea Nirmala Widjajanto qui évoque superficiellement la grossophobie.
Le rigolo The Forfeit vous fera passer joyeusement une party de Time’s up parmi une belle famille déviante.
Quant au poétique film d’animation Ethel de Beatrice Jäggi, il convoque l’univers de Mr Jack pour évoquer le deuil d’une petite fille qui admirait sa mère patineuse, mais cabossée par ce sport exigeant.
Seafoam d’Izzy Stevens manque cruellement de maitrise pour traiter le sujet de la peur de vieillir, à la It Follows.
On ne peut pas évoquer la maison, sans parler des violences conjugales. Ainsi le jouissif Scooter de Chelsea Lupkin invente une démone punissant les hommes violents verbalement et physiquement.
On s’approche de ce qu’on appelle « cinéma d’auteur » avec White devil de Mariama Diallo et Benjamin Dickinson qui mettent en scène un couple avec une femme noir et un homme blanc. Le court métrage illustre comment un homme blanc peut s’approprier la lutte anti raciste, et ses effets toxiques. Certainement le court dont la fin m’a le plus glaçée.

4- Creatures

>> 7 courts métrages dont 4 provenant des USA

Une session de courts métrages plutôt réjouissante qui met au centre de l’attention une créature.
Les démons symbolisent ici un côté intérieur négatif que les personnages doivent dompter. La jalousie en amitié dans le fun Hell Gig d’Ella Gale, la dépression affrontée par deux soeurs dans Sucker d’Alix Austin, le syndrome de l’imposteur dans le génial Appendage d’Anna Zlokovic, la culpabilité d’une mère qui passe un week sans ses enfants dans le superficiel Kid free weekend de Rozalyn Mattocks.
On découvre un cafard rigolo mais qui finalement perpétue des clichés sexistes dans You’re my best friend de Chell Stephen. Le sexisme continue avec Mantra de Stef Meyer qui fait un parallèle grossier et déjà vu entre mante religieuse et femme tueuse.
Fishwife traite de violences masculines dans une nature maritime somptueuse du 18e siècle.

5- Bodily autonomy

>>6 courts métrages dont 2 provenant des USA

On s’approche du body horror avec cette sélection donc le but est de mettre en lumière des courts métrages traitant de la perte de l’autonomie de son corps.
Finalement, le body horror est plus perceptible dans cette sélection.
On découvre avec cette session une grande diversité dans ce que représente la perte de la propriété d’un corps.
La thématique des migrants est évoquée à travers de la SF dans La Antesala d’Elisa Puerto Aubel qui fait froid dans le dos.
L’appropriation du corps des femmes est évident au centre avec le corps de la femme enceinte dans le bordélique mais crispant Yummy Mummy de Gabriela Staniszewska, la contraception imposée qui finira dans le sang dans le sympathique Marked de Catherine Bonny. Et enfin le viol dans Sleep d’Alexandra Pechman et Sangue Nero (qui a une pointe de loup garou qui n’est pas pour me déplaire).

6-Queer horror

>>8 courts métrages dont 4 provenant des USA

Ce choix de sélection dit « queer » me laisse toujours dubitative car je pense qu’il serait plus opportun d’intégrer des personnages queer dans des intrigues sans en faire un sujet. Sauf quand il s’agit de parler d’un problème spécifique à la queerphobie.
On peut dire que la session se divise en deux ambiances. L’une regroupe des courts expérimentaux et barrés auxquels j’ai assez peu accroché (Ricochet de Daviel Shy et Valerie Whitehawk, It takes a village de Glam Hag, Plastic Touch d’Aitana Ahrens).
Violet butterfield: makeup artist for the dead de Brooke Edler est certainement le plus fun, en mettant en scène une maquilleuse pour morts qui est subliment interprétée.
L’autre creuse un propos plus politique. Apostasy de Siobhan Paterson traite trop simplement d’une adolescent coincée dans la religion qui découvre son homosexualité, le très touchant Don’t go where I can’t find you de Rioghnach Ni Ghruioghair évoque la confrontation d’une lesbienne quinquagénaire face à sa culpabilité de ne pas avoir pu sauver sa compagne. Enfin Hundefreund de Maissa Lihedheb fait écho au court métrage White devil évoqué plus haut en mettant en scène un couple gay mixte. Après une belle 1ère partie fun et portée par des comédiens talentueux qui apportent une vraie touche de naturel, la 2e partie désarme en assumant un propos politique fort. Le blanc commence maladroitement une discussion autour du racisme, face à son compagne noir qui accueille ces propos avec un cynisme et humour noir tout à fait jouissif.

7-Midnight

>>9 courts métrages dont 8 provenant des USA

Cette séance de minuit est sensée proposer des oeuvres fun, décalées, gores bref, le fameux amusement de minuit que tout fan de genre attend. Le concept est né dans les années 50 aux USA donc pas étonnant que quasi tous les films de la sessions soient américains.
Non seulement la sélection répond peu à ces attentes, mais en plus la qualité des films laissent à désirer.

Il y a d’abord ceux qui tentent de s’appuyer vaguement sur des problématiques féministes qui tapent à côté (l’image de la femme au foyer dans Wild Bitch de Kate Nash et Rebekka Johnson et un homme dont le pénis rétrécit à chaque phrase sexiste qu’il prononce dans Inch by Inch de Karolina Esqueda). La 1ère partie de Chicks qui raconte l’intégration d’une adolescente sage chez les filles populaires, était prometteuse mais le film se perd ensuite dans un rite de passage en mode sabbat un peu ridicule.
Viennent ensuite les courts dont on ne comprend pas l’intérêt, avec une vampire qui boit le sang de ses règles (encore!) pendant la minute du court, dans Vampire Straw de Marianne Chase et Emily Taylor. Big Weekend Plans de Tesha Kondrat, tourne en dérision les pulsions suicidaires d’une femme, qui finit par réaliser qu’elle veut vivre en arrivant presque à se tuer accidentellement ?
Meat Friends d’Izzy Lee parodie le format de série télé américaine cheesy, met en scène un monstre rose fait de steaks dans un micro onde, et devient l’ami d’une petite fille. Cela aurait pu être le moment vraiment fun de la soirée, mais les séquences s’enchaînent trop rapidement sans explorer le potentiel comique de ce qui s’apparente à une marionnette de show. Idem pour The Promotion de Kate Espada, qui tourne vite en rond en filmant un homme et une femme en confrontation verbale pour obtenir un nouveau poste.

Finalement, les 2 courts métrages les plus intéressants sont ceux qui utilisent une thématique bien connue dans le cinéma de genre: les apparences ne sont pas celles que l’on croit. She’s killing it de Jamie Rice et Nicole Machon raconte la descente aux enfers de l’égo d’une one woman show dont les blagues sont issues d’une sorte de necronomicon. Malgré une fin bâclée, le reste est plutôt divertissant.
Le plus réussi reste Maybe you should be careful de Megan Robinson qui résonne étrangement avec A girl walks home alone at night (avec un ton plus léger), car il s’agit d’une femme en apparence inoffensive, qui s’avère dangereuse la nuit. Un homme soupçonne sa petite amie d’être une tueuse simplement car elle ressemble à une suspecte. L’ensemble est un peu long, mais le concept relativement bien maitrisé et j’aimerais bien ce que cela pourrait donner en long.

8-Young n deadly

>>5 courts métrages dont 1 provenant des USA

La session la plus décevante du festival. Alors que la thématique me passionne (les enfants tueurs/dangereux), aucun ne s’est avéré qualitatif, à part La verrue de Sarah Lasry que j’avais déjà vu Court Métrange et Hiama de Matasila Freshwater qui revisite Carrie du point de vue d’une adolescente noire. Elle utilise les rites d’une gardienne spirituelle de ses origines pour se venger. Le court est trop simple et un peu long dans son approche mais propre et malgré tout prenant.
Je vous passe donc le laborieux Lalanna’s song de Megha Ramaswamy qui enchaîne les séquences inutiles, The Christening de Molly Scotti qui part d’une idée intéressante (la mauvaise influence de la religion sur une gamine), mais qui en fait un objet moche, mal joué et au final sans intérêt.
(Ne demandez pas pour le 5e, je l ‘ai loupé).

9-High tension

>>6 courts métrages dont 1 provenant des USA

Cette dernière session était programmée à 22H45 un dimanche soir, autant dire la pire heure pour avoir du monde dans la salle. D’autant qu’elle clôturait également le festival.

Un cru de courts globalement assez pauvres tant en idées, qu’en tension.
L’image et le visage étaient au centre de You will see de Kathleen Bu et Face not recognized des Also Sisters. L’un utilisant le motif de l’appareil photo pour faire ressortir l’horreur, l’autre filmant une femme dont le visage est recouvert de ciment. On s’ennuie ferme.
On passe ensuite à Nia Sol Nia Sombra de Talia Hernando qui tente de mettre en scène la violence conjugale et de ce qu’elle peut avoir de soudain. Mais le traitement est tellement lourdingue, que le personnage féminin ne suscite aucune empathie.
Kickstart my heart de Kelsey Bolling fait le parallèle grossier mais fun, entre être entre la vie et la mort, et une bataille imaginaire à coups de poings contre des méchants à la Kick Ass. Le fun retombe aussi sec au générique, quand on nous sert des images personnelles de la réalisatrice qui a réellement eu un accident et qui raconte ici son histoire. Une image ou deux avec le contexte aurait suffit. Cela en dévient gênant de voir tant d’intimité dévoilée.

Les 2 derniers courts traitent de la violence masculine. Unes de Kam Duv (avec Aloïse Sauvage, coeurs sur elle), met en scène une femme qui fait appel à son ex petite amie car son compagnon se transforme en monstre. Le court a été tourné à Rungis, dans un abattoir, décor idéal pour représenter l’horreur et le patriarcat. Une vraie sororité des personnages féminins se dégagent tout de suite, et la traque dans l’abattoir est prometteuse, on aurait aimé en voir plus!
Phantasmagorie d’Alejandro Mathe bénéficie d’une photographie magnifique, à la Witch permettant une immersion dans cette ambiance inquiétant où le diable (l’homme) entre dans la bergerie.

C’était un vrai plaisir de découvrir autant de courts, d’autant que dans presque toutes les sessions j’ai été séduite par 2 ou 3 courts.
Des univers, thématiques riches où les personnages masculins hétéro sont quasi inexistants. On peut également noter que quelle que soit la qualité des courts métrages, il est rarement question d’histoires d’amour. Au mieux de sexe, au pire le couple est posé comme contexte, pas comme sujet.

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Le rape and revenge, sous genre du cinéma de genre, est emblématique du cinéma d’exploitation. Utiliser les violences sexuelles ( qui sont les peurs les plus présentes et universelles chez les femmes) est une occasion de livrer un spectacle dérangeant voire voyeuriste, alliant nudité et sang, autrement dit eros et thanatos.
Comment définir le rape and revenge ? Ce sont des films dont la narration repose sur un seul élément déclencheur: le viol d’une femme. On retrouve généralement la même structure narrative, dont La Source (1960) a posé les bases:

• Contextualisation de ce qui va amener au viol,
• Le viol,
• La préparation de la vengeance,
• La vengeance (par la victime ou pas un tiers).

Le rape and revenge pose plusieurs questionnements:

• La représentation du viol,
• Le traitement du personnage féminin qui est à la fois victime et bourreau,
• La représentation de l’effet cathartique,
• Le traitement de la vengeance à travers le meurtre.

Le rape and revenge à l’heure #MeToo

Comme n’importe quel genre de cinéma, les hommes ont souvent été les réalisateurs de ces films. Si pendant longtemps personne (notamment la critique), en France ne s’était posé la question de la représentation du viol et des traitements du personnage féminin, aux USA comme souvent, on a un temps d’avance. Comme par exemple avec Carol J Clover son livre phare « Men, women and chainsaws, gender in the modern horror films« 
6 ans après #MeToo, la doctorante à l’université de Kingston à Londres, Bruna Foletto Lucas propose une conférence lors de la 8ème édition du Final Girl Berlin Film Festival intitulée « La révolution actuelle des réalisatrices et de la narration des rape and revenge ».
Son doctorat a pour titre « La reconquête de l’horreur: comprendre les paradigmes du trope de la représentation des femmes dans les films d’horreur« . Tout un programme qui m’enchanta.

L’analyse du rape and revenge par Bruna Foletto Lucas

Bruna Foletto introduit sa conférence en rappelant que le rape and revenge réalisé par des hommes, n’avait, paradoxalement, pas pour but de traiter ni la thématique du viol, ni des violences sexistes.
Mais plutôt de traumatismes vécus collectivement et s’inscrivant dans l’histoire des USA. Elle prend l’exemple de La dernière maison sur la gauche qui est une photographie d’une famille vivant à l’époque de la guerre du Vietnâm.
Par ailleurs, le violeur est souvent un homme de la campagne, s’inscrivant dans une représentation similaire de la figure du redneck, brillamment analysée par Le Coin du Bis.
Et si le viol n’est pas une question d’homme des villes ou des champs, il est toujours nécessaire de rappeler que les viols sont commis en majorité par des gens proches (amis ou famille), et non en raison d’une rencontre malheureuse. Sans compter que cette représentation répétée stigmatise évidemment cette population, mais c’est une autre sujet.

Bruna Foletto poursuit en notant que dans les films de rape and revenge réalisés par des hommes, la scène de viol est longue, et la victime est nue ou quasi nue. Ainsi elle est dans une position totalement vulnérable, propice à un regard voyeur sur son corps.
Contrairement aux films réalisés par les femmes. Il est intéressant de noter que dans Revenge, de Coralie Fargeat, c’est l’homme traqué qui est complètement nu.
Et si elle note des films réalisés par des hommes qui empruntent les codes du rape and revenge en s’intéressant aux violences sexuelles comme Teeth, elle constate que ce dernier reste focalisé sur la douleur de l’homme lorsqu’il se fait couper le pénis. On se concentre donc sur une problématique de castration avant tout et pas sur l’impact du viol.

Si on s’intéresse aux rape and revenge réalisés par les femmes, on note quelques différences.
Par exemple dans American Mary, le violeur est un homme éduqué. Tout comme dans Violation.
Ensuite, les scènes de viol sont plus courtes voire sous forme d’élipses (Revenge). Elles peuvent être également mises en scènes sous forme de flash back (Violation, MFA) permettant plus d’empathie. On privilégie les souvenirs de la victime. Etre au coeur de la vie des victimes et de l’entourage c’est précisément le sujet de Promising Young Woman.
Par ailleurs, elle explique que Violation s’approche de la réalité en plaçant les personnages dans une situation de she said/he said situation, à savoir que dans les affaires de viol, il s’agit souvent de « parole contre parole », qui porte préjudice aux femmes.
Je rajouterai que les films réalisés par les hommes sont souvent emprunts d’une culture du viol dans la mise en scène. Déjà en accentuant la nudité de la victime, mais aussi dans la manière de poser la caméra du point de vue de l’agresseur, mettant le public dans une position pour le moins malaisante.

Je compléterai en ajoutant que dans les rape and revenge réalisés par les femmes, la vengeance nait d’une forme d’injustice, d’un système mis en place qui pousse à bout les victimes. C’est le cas de la solidarité masculine dans Revenge, Promising Young Woman, MFA ou American Mary).

Bruna Foletto précise que dans les rape and revenge réalisés par les femmes, l’héroïne ne prend pas plaisir à se venger et ne fait pas preuve de sadisme. Dans Revenge, Jennifer est filmée comme une prédatrice qui traque, contrairement à l’autre Jennifer (coïncidence?) de I spit on your grave qui chercher particulièrement à faire souffrir ses bourreaux.
On constate précisément l’inverse dans Violation, où le meurtre, puis le fait de faire disparaître le cadavre est une épreuve pour l’héroïne. Elle s’arrête, s’épuise, pleure. Elle n’a pas eu plaisir à le tuer, et on voit que ça n’est pas une libération.

Nuances de la revanche

Ces constations sont des remarques globales que l’on peut faire, mais on sait que ce ne sont pas des règles. En effet, si on prend l’exemple de The Nightingale de Jennifer Kent, il reprend à peu près tous les travers cités dans les films réalisés par des hommes. Des scènes de viol longues et répétées, avec une relative distance par rapport à la victime, avec un plaisir certain pris dans la vengeance (finalement commise par un tiers).
A côté, le film s’inscrit dans un véritable propos politique, où le viol est une arme de guerre et d’asservissement. Les violeurs sont l’élite, et l’empathie pour la victime est développée au cours du film à l’aide de scènes oniriques tourmentées ou de détails réalistes (ses seins gorgés de lait). Une ambiguïté qui atteste de toute la complexité du film.

Dans tous les cas, on peut dire que l’arrivée des femmes sur ce sujet a fait beaucoup de bien pour diversifier les représentations et problématiques, et je pense qu’il y a encore des sujets à exploiter.

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