Jeanne, 2e rédactrice du blog, était déjà allée 2 fois au Final Girls Berlin Film Festival, et avait rédigé des articles sur son passage.
Cette année nous sommes donc allées à 2 et c’est avec un grand plaisir que j’ai découvert ce tout petit festival méconnu même à Berlin. Cultivant son côté underground, le festival programme l’ensemble des séances se déroulent dans le même petit cinéma de quartier, le City Kino.

Une ambiance en toute s’horrorité

Le festival a clairement une démarche féministe. Par sa programmation évidemment, mais aussi par son staff lui même. Créé par des femmes, l’équipe est également intégralement féminine.
Par ailleurs, toutes les conférences s’assument pleinement comme féministes. Là où en France, les intitulés de conférence tournent souvent autour du pot à base de « le wokisme existe-il vraiment? » ou « les rôles féminins ont-ils changés après #metoo? », ici on ne se pose pas la question. Ainsi, on parle de « sexualité dissidente dans le cinéma d’horreur mexicain » ou encore de l’âgisme et de la représentation des vieilles femmes dans le cinéma de genre, ou encore la différence entre les rape and revenge réalisés par les hommes et les femmes.
On retrouve la même ambiance avec un atelier de danse du sabbat et un autre de self defense où l’on apprend à maitriser du zombie agressif (ou des hommes).

Une programmation féministe?

Maintenant est-ce que les films de la programmation sont féministes? Evidemment que non. Certains utilisent toujours les mêmes clichés sexistes, d’autres proposent de nouvelles représentations mais avec un message qui laisse à désirer. On ne le dira jamais assez, non seulement une femme n’est pas forcément féministe (Catherine Deneuve et Maiwenn vous le diront), mais même si elle l’est, nous sommes tous et toutes emprunt-es de constructions patriarcales dont il n’est pas facile de se défaire.
Dans tous les cas, c’est une démarche on ne peut plus nécessaire de visibiliser le travail de femmes ou de personnes non binaires, qui méritent autant que les hommes de voir leur travail diffusé.

Car il est intéressant d’observer que si tous les films ne parlent pas nécessairement de problèmes spécifiques aux femmes (même si cela revient souvent), tous les personnages principaux sont des femmes. Blanches en majorité, mais il y a également beaucoup de femmes racisées. Les hommes n’existent quasiment pas et quand ils sont là, les personnages sont dépeints comme mauvais, ou négligés par le scénario. C’est sans doute là, un élément regrettable car il y aurait beaucoup à dire sur le rôle des hommes dans la vie des femmes en toute complexité.
Mais, avec tous ces films présentés, une palette riche et nuancée de personnages féminins principaux émerge forcément, quelle que soit la qualité des films. Et rien que pour cela, c’est un vrai bénéfice qu’un tel festival existe.

Encore plus de visibilité !

Un prix du public est communiqué quelques jours après le festival pour les courts métrages. Il y a un gagnant par thématique de courts. Ce qui est un peu juste à mon sens, surtout quand le but est de mettre en lumière le travail des femmes.
Le festival n’a pas de jury et aucun long n’est récompensé. Cela ne permet pas d’avoir un minimum de communication sur des longs ou courts métrages, et surtout sur leurs réalisatrices. Sans parler d’un « vrai » jury classique comme sur la plupart des festivals, avoir une séance de remise de quelques prix permettrait de célébrer à la fois la démarche du festival et le travail de femmes.

La danse du sabbat

Qui dit festival de films d’horreur féministes dit sorcières !
Le festival proposait un atelier de danse du sabbat, emblématique rituel attribué aux sorcières.
Nous étions une quinzaine de personnes a assisté à l’atelier, dans une petite salle, sans chaises. Il était animé par Carrie Mcilwain, performeuse et danseuse.
Nous avons démarré par une rapide présentation en précisant nos attentes quant à l’atelier, puis l’animatrice a diffusé des extraits des films qui mettent en scène un sabbat.
Ainsi, il a été projeté le rituel dans le sous estimé Lord of salem de Rob Zombie, la danse agressive de dernière lutte dans les Sorcières d’Akelarre, et le final de The Witch.
L’idée était de commenter les extraits, en précisant les différences entre les mouvements, les protagonistes, et le but recherché.
Par exemple, dans Lord of salem il est question de vieilles femmes nues qui rient de leurs pouvoirs, avec un corps statiques et des membres qui bougent.
Dans les Sorcières d’Akelarre, la sororité est davantage présente, car les jeunes filles font bloc pour défier les institutions religieuses. Les corps sont ancrés dans le sol, avec une démarche primitive.
Quant à The Witch on est dans une forme d’aboutissement qui amène à une certaine élévation des corps vers les cieux.

Ensuite, place à l’action ! Nous avons fait des exercices simples pour bouger corps, bras, jambes. Puis, elle nous a demandé de circuler de manière rapide à travers la pièce en évitant de se cogner les unes aux autres. Une fois de manière naturelle, une autre fois en fixant quelqu’un du regard. Très étrange !
La 2e partie s’est avérée plus compliquée car nous devions nous mettre en groupe de 2 ou 3, et fonctionner en miroir. L’une était leadeuse et devait effectuer des mouvements divers, quand l’autre devait reproduire ces mouvements.
Pour la dernière partie, nous étions en cercle, debout, en nous tenant la main. On comptait pour se regrouper vers le centre, puis se décentrer.
Nous devions tourner, faire des bruits, toutes ensembles.
C’était une expérience de sororité très bénéfique qui a reboosté. C’est la partie que j’ai préféré car on sent véritablement la force du collectif. Etre en face à face avec des personnes inconnues me met déjà beaucoup moins à l’aise…

Final Cut Film Festival

Le final girls berlin FF est un petit festival qui mérite qu’on s’y intéresse, surtout pour la démarche très politique assumée.
Cela permet de découvrir des réalisatrices dont on peine à voir le travail par ailleurs.
C’est un petite bulle safe qui fait du bien, dans un pays où on peut tranquillement prendre l’apéro en salle, sans débordement.
Le public est très respectueux que ça soit en salle ou dans les espaces communs.
Cela manque peut être un peu de fun, de délires entre cinéphiles de genres.
Ne manquez pas d’y faire un tour si vous avez l’occasion !

Vous trouverez des articles consacrés:

• aux courts métrages,
• à la conférence sur la représentation du rape and revenge par les réalisateurs/réalisatrices,
• à la conférence sur la hagsploitation (l’âgisme dans le cinéma de genre),
• aux longs métrages: Huesera et Watcher,
• à l’interview de Kam Duv, réalisatrice du court métrage Unes.

L’article [Festival] Final Girls Berlin FF #8 – Bilan et danse du sabbat est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Qu’est-ce que c’est la Hagsploitation ? 

La hagsploitation c’est un surgenre de l’horreur plus ou moins né dans les années 60 à la suite du succès du film Whatever happend to Baby Jane ? Cet archétype a proliféré jusqu’aux années 70 : Hush hush sweet Charlott, Whatever happend to aunt Alice ? What’s the Matter with Helen ? et Strait Jacket. La hagsploitation c’est d’utiliser les femmes âgées dans des films du genre thriller ou horrreur.

Hag est un terme dérivé de l’anglais hagge qui veut dire vieille femme, harpie, sorcière, démon, terme utilisé comme péjoratif contre les femmes âgées.

Il y a historiquement un rapport ambiguë entre la religion chrétienne, la figure de sorcière et le corps de la femme. Les femmes qui vieillissent sont de moins en moins fertiles (comme les hommes en réalité), elles sont perçues comme proches de la mort et donc moins désirables. Elles ont aussi plus d’expérience et sont moins dociles ce qui ne plaisait pas, comme en attestent les procès de sorcières qui ont eu lieu en Europe et en Amérique du nord au moyen âge et jusqu’a la renaissance.

Les représentations classiques de la hagsploitation

Vieille et méchante : la hag sorcière

Les corps de femmes âgées sont tabou. Ils dérangent et sont utilisés comme moyen horrifique pour inspirer le rejet et le dégoût comme Mrs Kersh qui se transforme en sorcière géante dans le IT chapitre 2, et la femme dans la baignoire de The shining qui dégoûte tant Jack Torrence. 

Elle sont souvent caricaturée en sorcière avec des pouvoirs magiques ou mystiques : Minie Castavet dans Rosemary baby, la sorcière du bois dans Sleepy hollow, Nana dans The visit, Ellen la grand mère dans Heredytary, la sorcière rouge dans GOT, les profs de danse dans Suspiria, la sorcière dans Merlin l’enchanteur, Ursula dans La petite sirène, Mary Shaw dans Dead silent, Ganush dans Drag me to hell, Le magicien d’Oz, Hansel & Gretel, Nanny mcPhee, Zugarramurdi, la saga Witchouse, The witches, Abuela, Baba yaga, et plus récemment dans The substance.

Les femmes âgées sont aussi représentée comme aigries et méchantes : Annie Wilks dans Misery, la belle mère dans Du venin dans les veines, la grand mère dans Flower in the attic, Mama Fratelli dans les Goonies, la mère dans Throw Momma from the train, Nurse Ratchet, la vieille dame dans The owners, Jamie Lee Curtis dans Everything everywhere all at once.

On parle rarement du problème de pauvreté dans la communauté des femmes âgées. Historiquement les femmes ne travaillaient pas, pour rester a la maison s’occuper des enfants et des taches domestiques. Donc si elles n’ont plus de mari pour subvenir aux besoins du foyer, elles finissent leur vie dans la pauvreté. Et même si elles ont travaillé, elles sont moins payées donc elles ont moins d’épargne et de plus petites retraites. Cela se ressent bien dans les redneck movies, genre qui met en exergue des familles très pauvres, sans éducation, un brin consanguines et très violentes. Dans ces familles il y a des femmes âgées souvent enclines à la violence : Massacre à la tronçonneuse, Dead Alive, Maniacs, 2001 maniacs. 

Vieille mais polie : la hag domestiquée

Plus aisée, la femme agée domestiquée est une sorte de figure glamour dramatique. Elle peut être vieille fille, ou veuve, ou quittée par son mari. Elle est considérée comme polie puisque contrairement à la sorcière elle n’offense pas les autres avec sa laideur et sa rudesse de caractère. 

Malgré tous ses efforts d’apparence elle est souvent décrite comme ridicule de vouloir rester jeune alors qu’elle ne l’est pas : Ms Lowry et son amie dans Brazil, les deux protagonistes de Death becomes her, les personnages incarnés par Jessica Lange dans American horror story, Baby Jane, Cruella d’enfer.

Elle est montrée comme pathétiques de vouloir flirter avec les hommes, alors que la majorité des personnages masculins de plus de 50 ans sont montrés comme séduisants, ayant au moins une conquête sexuelle (10% contre 6% pour les femmes). Ils sont quasiment systématiquement en couple avec des femmes de 20 ou 30 ans plus jeunes. Maggie Gyllenhaal s’est récemment vu refusé le rôle de la maitresse d’un homme de 55 car elle était « trop vielle », alors qu’elle a 18 ans de moins que lui.

Elle est souvent représentée en femme jalouse de la jeunesse des autres, comme la femme aux miroirs dans Grimm, la magicienne dans Stardust, Mrs Danvers dans Rebecca, la comtesse Lalaurie dans American horror story, Mme Battory dans Les lèvres rouges, la soeur dans 8 femmes, Maléfique, Le diable s’habille en Prada et encore une fois dans The substance.  

On retrouve aussi l’archétype de la méchante belle mère : la belle mère de Blanche neige, Baroness Rodmilla de Ghent dans Ever After, Lady Mary Van Tassel de Sleepy Hollow, The Uninvited, A tale of two sisters. Et celui de la matriarche pas vraiment sympa : Lady Olenna Tyrell dans Game of Thrones, Ruby dans Black-ish, Tatie Danielle, The crown, Downtown abbey.

Sorcière, mégère, jalouse, méchante belle mère… On constate que beaucoup de films et de séries utilisent ces représentations. La hagsploitation comme unique représentation des femmes âgées, est très répandue dans le cinéma Américain, mais il existe encore d’autres représentations comme la gentille grand mère et la cougar.

La cougar : figure hypersexualisée

Même si cela tend à changer, dans beaucoup de films et séries, le personnage de cougar était souvent mal écrit et dénué de personnalité. Le film insiste plus sur le fait que ce sont les hommes qui couchent avec elle, accomplissant une sorte d’exploit à rayer de la liste : American pie, Billie Madison, How I met your mother, Wedding crashers, Friends, The cougar. 

Il existe aussi des représentation très problématiques où on glamourise la pédophilie, en montrant des femmes de 30 ans ou plus qui « séduisent » des lycéens, en ne disant pas que c’est de la prédation sexuelle et émotionnelle : Billy Madisson, Mad men, The graduate, Licorice pizza, Unsatiable. Et encore pire parfois cette prédation est issue de la mère (inceste) : La luna, Ma mère, Murmur of the heart. Ces films sont tous réalisés par des hommes et on ne peut s’empêcher de se demander c’est quoi ce fantasme chelou qui a couté des millions ?! Est-ce qu’il n’y a pas mieux à faire avec tout ce pognon que de légitimer la pédophilie ?

La gentille grand mère : figure maternelle desexualisée

Dans quasiment toutes les cultures il est établi que la grand mère est une figure joviale, qui sert à s’occuper des petits enfants, de les gaver d’amour et de gâteaux. C’est une sorte de contrat  social où la femme âgée, pour rester utile prend en charge les petits enfants. C’est aussi malheureusement une suite logique de la dépossession d’identité vécue par certaines femmes ayant des enfants, qui passent du statut de femme à celui de mère, sans qu’un compromis soit accepté dans l’imaginaire commun. 

Elle a souvent une figure de bonhommie et elle ne sera plus jamais sexualisée, contrairement à la cougar. La figure maternelle remplace celle de l’amante. Il n’existe pas beaucoup de films commerciaux qui vont à l’encontre du cliché de la vielle mamie gentille. 

Il existe tout de même des grand-mères un peu «rebelles» : Laurie Strode dans le reboot de la saga Halloween, la grand mère de la famille Adddams, Thelma dans Thelma, Kathy Bates dans Disjointed, mamie Suze, Paulette la vendeuse de weed, Saving Grace, la grand mère dans la série Evil.

Il y aussi beaucoup représentation de sénilité et de faiblesse dans les rôles des femmes de plus de 50 ans. Elles sont 4 fois plus représentées séniles ou faibles que les hommes, et bien que ce soit intéressant de visibiliser les problèmes de santé physique et mentale qui frappent certaines personnes en prenant de l’âge, les arcs narratifs de ces personnages ne sont pas développés à part «mamie fragile». On parle aussi de plus en plus de la peur de la maladie mentale couplée avec la peur des vieux et cela fait de très bons sujets de films d’horreur : Deborah Logan, Relic, The visit, Old people.

Une meilleure représentation des quinquagénaires à la télévision

A la télévision les femmes de plus de 50 ont des représentation plus positive qu’au cinéma :

• la fabuleuse Patsy Stone dans Absolutely fabulous
• Kathy Bates dans Disjointed
• la préseidente dans Battlestar Galactica
• Carole de Great News
• Kate Winslet dans Mare of Easttown
• Julia Louis-Dreyfus dans Veep
• Grace & Frankie
• les Golden girls
• Angela Lansbury dans Murder she wrote (Arabesque)
• la fatale Miss marple
• Thelma, la plus BADASS des nonagénaires
• Débora Vance dans Hacks
• et bien sur Grand mère Yeta !

Le féminisme à la rescousse : des changements de mentalité dans l’industrie 

Un male gaze systémique dans l’industrie qui tend à s’atténuer

Dans l’industrie du cinéma il y à plus d’hommes que de femmes dans les métiers de production, réalisation, scénarisation, technique et distribution. Dans les écoles de cinéma 1 personne sur 2 est une femme, mais seulement 1 femme sur 4 réussira à faire un long métrage. Bien qu’ils soient plus nombreux, les acteurs sont payés 10% de plus en moyenne.

En France, alors que les femmes de plus de 40 ans représentent 51% de la population, seulement 8% des rôles leurs sont sont attribués, contre 16% pour les hommes.

Les Femmes jouent dans beaucoup moins de films passé 35 ans. Alors que pour les acteurs ce déclin arrive dans la cinquantaine.

Un rejet des injonctions de jeunesse et d’hypersexualisation

Les actrices sont plus employées entre 27 et 32 ans au cinéma. L’industrie et le public attendent des actrices de plus de 40 ans qu’elles aient l’air plus jeunes que leur âge pour continuer à jouer dans des films. Elles font donc beaucoup de chirurgie par pression du système : rhinoplastie, lifting, fillers, botox, blepharoplasty, bichectomie, liposuccion, cryolipolises, BBL, …

Quand on cherche une liste d’actrices de plus de 40 ans, on tombe systématiquement sur des articles du genre :

• la liste de plus belles femmes de 50 ans, 
• les quinqua qui ne font pas leur âge, 
• les stars encore irrésistibles après 40 ans, 
• la quarantaine et toujours sexy, 
• toujours jeunes et sublimes a 40+, 
• les actrices toujours attirantes après 40 ans, 

Il y a toujours une injonction à ne pas faire son âge. Par ce prisme, on impose aussi au public des standards intégrables puisque ils nécessitent des moyens financiers énormes.

Dans le monde, la répartition est : 32% de femmes, 21% de femmes de plus de 50 ans, 21% de gens racisés, 1,4% de non héteros, 5% de femmes rondes.

Heureusement il y a de plus en plus de rôles pour les femmes âgées et racisées. Et quelques actrices féministes rejettent ces injonctions et nous prouvent qu’il est possible de rester belle et d’obtenir des rôles en acceptant que son corps change : Glenn close, Julia Louis Drefus, Viola Davis, Drew Barrymore, Elisabeth Moss, Halle Berry, Jamie Lee Curtis, Andie McDowell, Julian Moore, Kate Winslett, Jennifer Coolidge, …

Plus d’intersectionnalité pour explorer de nouveaux points de vue

Depuis quelques années l’industrie est moins frileuse à produire des d’histoires créées par les femmes pour les femmes, comme l’atteste le nombre grandissant de séries proposées par des plateformes de streaming et le succès international de films féministes : Titane, L’événement, Portrait de la jeune fille en feu, The substance.

On a aussi plus de films et séries non hétéronormés, plus d’intersectionnalité, plus de shows racisées, plus de shows sur différentes religions : Unorthodox, Everything everywhere all at once, Unbelivable, How to get away with murder, Killing eve, I May destroy you, A League of their own.

Cela enrichit énormément le paysage audio-visuel, en proposant une richesses de diversité, de points de vue et donc d’histoires jamais vues jusqu’a présent.

On voit de plus en plus d’actrices engagées qui passent derrière la caméra ou à la production : Elisabeth Moss avec The handmaids tale, Olivia wild avec Don’t worry darling, Gretta gearing pour Lady Bird, Angela basset avec Whitney Houston, Drew Barrymore pour Bliss, Reese Witherspoon pour Big little lies et Gone girl, Halle Berry avec Bruised, Tracee Ellis Ross pour Girlfriends et Black-ish, Tina Fey avec Sisters, Mean girls, Kimmy Schmidt et Great News,  Amy Poehler avec Parks and Rec et Broad city.

Sources :

https://campuspress.uwl.ac.uk/krishnapriyashanti/2021/01/22/352/

https://www.kindredmagazine.co.uk/post/the-gender-gap-issue-in-the-uk-film-industry

Geena Davis Institute on Gender and Media étude de 2019

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Quand Valeria tombe enfin enceinte c’est le bonheur. Pourtant, cette nouvelle étape s’accompagne d’une présence de plus en plus inquiétant qu’elle peine à comprendre.
Plus la grossesse avance et plus les repères de Valeria sont confus. Jusqu’à l’accouchement..

Le cinéma de genre regorge de films sur la maternité, que ça soit sur la grossesse ou le quotidien plus ou moins effrayant d’être mère.
Force est de constater que ces dernières années, de nombreuses réalisatrices ont émergé dans le cinéma d’horreur. On remarque évidemment les plus célèbres comme Julia Ducournau, Coralie Fargeat, Jennifer Kent. Mais il ne faudrait pas oublier les Rose Glass, Charlotte Colbert, Corinna Faith ou encore Anita Rocha da Silveira. Ces femmes se réapproprient leurs histoires et proposent donc de nouvelles narrations.
Et c’est particulièrement pertinent quand il s’agit de la maternité comme le fait Michelle Garza Cervera, diplômée d’un MFA au Royaume Uni. Car on voit que des films comme Babadock ou Prevenge permettent de proposer une nouvelle manière de filmer et de traiter de la maternité.

Huesera ou la dépression post partum

Dans Huesera (=osssaire), la réalisatrice s’attache à matérialiser les angoisses d’une naissance à venir.
L’arrivée d’un nouvel être humain, qui plus est, fabriqué par nous même, amènent à des questionnements sur nos propres origines et désirs de vie. C’est ce qui amène Valeria à se demander si finalement elle veut être mère, alors qu’elle a attendu ce moment depuis longtemps, avec son compagnon.
Dans Huesera, le sujet n’est pas le corps de la femme enceinte (souvent objet de fascination dans le cinéma d’horreur, notamment à travers le body horror).
La réalisatrice se concentre sur son personnage féminin. Pour cela elle l’étoffe: Valeria est bricoleuse, tient tête à son compagnon et est plutôt à l’opposé d’une fleur bleue, tout en dégageant beaucoup de douceur.
L’horreur c’est l’environnement (le voisinage inquiétant, la famille moqueuse et symbolisant la pression sur la maternité, le compagnon qui ne fait plus l’effort de comprendre Valeria une fois enceinte).

Mère ou femme libre il faut choisir

On comprend que l’angoisse vécue par Valeria prend source dans son changement de vie survenu quelques années plus tôt. Punk, amoureuse d’une femme, elle a finalement cédé aux injonctions de la société, pensant certainement trouver bonheur et stabilité. Huesera démontre donc que de refouler ses besoins amène au malheur.
Là où le film manque de subtilité et de nuances, c’est qu’il appuie une fois de plus sur le fait qu’il n’y a qu’un schéma de mère. Celui d’être aimante, douce, ne sortant pas, ne buvant pas, bref ne faisant pas d’excès ni de fantaisie. Comme si on ne pouvait pas aller à un concert de rock et boire de la bière tout en donnant un biberon le lendemain.
Or, des mères punks, avec des cheveux couleur flashy, buvant, fumant des joints à l’occasion, partant en vacances sans enfants…il y en a. Ce ne sont certainement pas les majoritaires, tant justement la société a du mal à concevoir ce schéma. Pourtant elles sont bien là (et d’autres aimeraient sans doute voir que l’on peut être une « autre » mère).

C’est d’autant plus paradoxal que la mise en scène de Huesera ne cesse d’utiliser le motif du reflet (à travers des miroirs, des vitres, du frigo pour symboliser l’ambivalence et les deux aspects de sa vie que Valeria doit gérer.

Par ailleurs, on retrouve également le motif de l’araignée (qui symbolise la mère) qui cohabite avec celui de l’os (=ce qui nous structure). On retrouve l’insecte évidemment mais aussi une toile d’araignée le décor de vie de Valeria. L’os est présent principalement à travers ceux de Valeria qu’elle se fait régulièrement craquer (on aurait dit moi). Mais aussi à travers ce décor qui la structure.
Lors du final, ces corps et ces os forment une araignée (=l’élément final qui achève de terroriser Valeria).

Malgré une structure narrative déjà vue (introduire la séance de dark spiritisme que l’on sait inévitable, le compagnon démissionnaire), le film ose un final qui fera grincer plus d’un mascu adepte de Johnny Depp. Et ça…on aime.
Il faut admettre que le rituel apporte une dose de fantastique bienvenue, particulièrement anxiogène, qui permet également d’asseoir la patte « mexicaine » du film, s’écartant d’une oeuvre formatée calquée sur les USA.
Les scènes d’horreur sont simples et efficaces mais trop en pointillé pour maintenir une tension continue. Ceci dit Huesera se suit avec grand plaisir, grâce à l’empathie que l’on a envers Valeria.

Huesera de Michelle Garza Cervera
Ecrit par Michelle Garza Cervera et Abia Castillo
Avec Natalia Solian, Alfonso Dosal, Mayra Batalla
Produit par Machete/Disruptiva Films/Maligno Gorehouse/ Senor Z
Photographie: Nur Rubio Sherwell

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Le Final Girls Berlin Film Festival a proposé 11 sessions de courts métrages pour cette année 2023, tous réalisés par des femmes ou des personnes non binaires. J’en ai fait 9.
Nous avons assisté à presque toutes les séances. Les sessions de courts métrages sont classées par thématique. On vous propose de revenir globalement sur ces thématiques.

1-Body horror

>>7 courts métrages dont 4 provenant des USA.

Ce sous genre horrifique, dont le représentant emblématique est David Cronenberg est passionnant pour aborder le corps, ses changements, ses maladies, son intérieur.
Cette sélection manque sérieusement d’éléments propres au body horror. La chair n’est globalement pas au coeur de l’image, sans effets dérangeants. Mais ce qui n’empêche pas d’aborder des thématiques riches.

Les courts métrages abordent la sexualité avec l’expérimental Shlop réalisé par des Suédoises, et de Love is a fire de Sofie Somoroff qui évoque la détérioration d’un couple symbolisé par une infection.
On évoque sexualité et règles dans First blood d’Olivia Loccisano et il faudra m’expliquer pourquoi souvent, on fait boire ou manger les résidus de règles aux héroïnes. Une vision très classique de l’adolescente qui a ses 1ères règles et qui n’apporte rien.
Il est également question de rituels. Que ça soit pour garder la ligne pour une actrice qui se retrouve confrontée à une secte dans l’inabouti Swallow de Mai Nakanishi. Ou pour garder une amie près de soi en s’unifiant au 1er sens du terme, corporellement dans le rigolo Violet Daze de Marisa Martin.
On évoque la souffrance psychologique et corporelle à la suite de traumatismes dans le joli Legs de Celine Cotran reprend le symbole de l’araignée qui représente la mère, pour évoquer la fausse couche. Quant à In the flesh de Daphne Gardner, il est question de gestion du trauma du viol à travers une eau sale qui envahie la baignoire de son héroïne. Ce dernier est un peu maladroit dans sa structure pour faire percuter son propos.

2-Menacing presences

>> 9 courts métrages dont 5 provenant des USA

Les présences menaçantes, quelles sont-elles? Cette session de courts métrage aurait tendance à répondre les écrans et la nuit.
Ainsi, Sleep Study de Nathalie Metzger aborde la paralysie du sommeil pour punir une femme indépendante qui a un mari au foyer. Le film d’animation Deshabitada de Camila Donoso nous plonge dans le superbe cauchemar éveillé d’une vieille femme tourmentée par ses souvenirs.
Le sympathique Night Work de Savannah Hunter Reeves emprunte les codes du home invasion pour torturer mentalement une jeune mère isolée le soir pour travailler.
Mudmonster de O.B de Alessi traîne en longueur et en maniérisme pour donner vie à un monstre de boue, plus ou moins maîtrisée par une adolescente gothique.
Enfin, l’horreur se matérialise à travers le téléphone dans l’efficace It’s not real de Tina Carbone, qui a l’intelligence d’allier téléphone, ombre et lumière pour convoquer nos peurs primaires du noir. Le grossier Glitch de Rebecca Berrih utilise également le téléphone mais avec moins de finesse et donc d’efficacité.

Complètement à part dans la sélection, le passionnant Knit one stab two d’Alison Peirse est un documentaire qui se penche sur la représentation de l’utilisation du tricot dans les films de genre. Ce court m’a fait réalisée que de nombreux films mettent en scène des personnages féminins qui tricotent. Pour symboliser leur folie latente, leur dangerosité insoupçonnée ou encore pour transformer cet objet paraissant innofensif en arme (Laurie Strode dans Halloween).

3-Close to home

>>7 courts métrages dont 4 provenant des USA

Comme son nom l’indique il est question de proximité dans cette session de courts métrages. Ainsi, la 1ère source d’angoisse est la famille.
Dans le poignant Everybody goes to the hospital de Tiffany Kimmel, on suit en stop motion le calvaire d’une petite fille dans un hôpital à la suite d’une appendicite. Elle est mal aimée par ses parents et ignorée des médecins. La réalisatrice met en image ici l’histoire de sa mère en 1963.
Le calvaire d’avoir une famille pesante continue avec le maladroit Merah Bawang Putih d’Andrea Nirmala Widjajanto qui évoque superficiellement la grossophobie.
Le rigolo The Forfeit vous fera passer joyeusement une party de Time’s up parmi une belle famille déviante.
Quant au poétique film d’animation Ethel de Beatrice Jäggi, il convoque l’univers de Mr Jack pour évoquer le deuil d’une petite fille qui admirait sa mère patineuse, mais cabossée par ce sport exigeant.
Seafoam d’Izzy Stevens manque cruellement de maitrise pour traiter le sujet de la peur de vieillir, à la It Follows.
On ne peut pas évoquer la maison, sans parler des violences conjugales. Ainsi le jouissif Scooter de Chelsea Lupkin invente une démone punissant les hommes violents verbalement et physiquement.
On s’approche de ce qu’on appelle « cinéma d’auteur » avec White devil de Mariama Diallo et Benjamin Dickinson qui mettent en scène un couple avec une femme noir et un homme blanc. Le court métrage illustre comment un homme blanc peut s’approprier la lutte anti raciste, et ses effets toxiques. Certainement le court dont la fin m’a le plus glaçée.

4- Creatures

>> 7 courts métrages dont 4 provenant des USA

Une session de courts métrages plutôt réjouissante qui met au centre de l’attention une créature.
Les démons symbolisent ici un côté intérieur négatif que les personnages doivent dompter. La jalousie en amitié dans le fun Hell Gig d’Ella Gale, la dépression affrontée par deux soeurs dans Sucker d’Alix Austin, le syndrome de l’imposteur dans le génial Appendage d’Anna Zlokovic, la culpabilité d’une mère qui passe un week sans ses enfants dans le superficiel Kid free weekend de Rozalyn Mattocks.
On découvre un cafard rigolo mais qui finalement perpétue des clichés sexistes dans You’re my best friend de Chell Stephen. Le sexisme continue avec Mantra de Stef Meyer qui fait un parallèle grossier et déjà vu entre mante religieuse et femme tueuse.
Fishwife traite de violences masculines dans une nature maritime somptueuse du 18e siècle.

5- Bodily autonomy

>>6 courts métrages dont 2 provenant des USA

On s’approche du body horror avec cette sélection donc le but est de mettre en lumière des courts métrages traitant de la perte de l’autonomie de son corps.
Finalement, le body horror est plus perceptible dans cette sélection.
On découvre avec cette session une grande diversité dans ce que représente la perte de la propriété d’un corps.
La thématique des migrants est évoquée à travers de la SF dans La Antesala d’Elisa Puerto Aubel qui fait froid dans le dos.
L’appropriation du corps des femmes est évident au centre avec le corps de la femme enceinte dans le bordélique mais crispant Yummy Mummy de Gabriela Staniszewska, la contraception imposée qui finira dans le sang dans le sympathique Marked de Catherine Bonny. Et enfin le viol dans Sleep d’Alexandra Pechman et Sangue Nero (qui a une pointe de loup garou qui n’est pas pour me déplaire).

6-Queer horror

>>8 courts métrages dont 4 provenant des USA

Ce choix de sélection dit « queer » me laisse toujours dubitative car je pense qu’il serait plus opportun d’intégrer des personnages queer dans des intrigues sans en faire un sujet. Sauf quand il s’agit de parler d’un problème spécifique à la queerphobie.
On peut dire que la session se divise en deux ambiances. L’une regroupe des courts expérimentaux et barrés auxquels j’ai assez peu accroché (Ricochet de Daviel Shy et Valerie Whitehawk, It takes a village de Glam Hag, Plastic Touch d’Aitana Ahrens).
Violet butterfield: makeup artist for the dead de Brooke Edler est certainement le plus fun, en mettant en scène une maquilleuse pour morts qui est subliment interprétée.
L’autre creuse un propos plus politique. Apostasy de Siobhan Paterson traite trop simplement d’une adolescent coincée dans la religion qui découvre son homosexualité, le très touchant Don’t go where I can’t find you de Rioghnach Ni Ghruioghair évoque la confrontation d’une lesbienne quinquagénaire face à sa culpabilité de ne pas avoir pu sauver sa compagne. Enfin Hundefreund de Maissa Lihedheb fait écho au court métrage White devil évoqué plus haut en mettant en scène un couple gay mixte. Après une belle 1ère partie fun et portée par des comédiens talentueux qui apportent une vraie touche de naturel, la 2e partie désarme en assumant un propos politique fort. Le blanc commence maladroitement une discussion autour du racisme, face à son compagne noir qui accueille ces propos avec un cynisme et humour noir tout à fait jouissif.

7-Midnight

>>9 courts métrages dont 8 provenant des USA

Cette séance de minuit est sensée proposer des oeuvres fun, décalées, gores bref, le fameux amusement de minuit que tout fan de genre attend. Le concept est né dans les années 50 aux USA donc pas étonnant que quasi tous les films de la sessions soient américains.
Non seulement la sélection répond peu à ces attentes, mais en plus la qualité des films laissent à désirer.

Il y a d’abord ceux qui tentent de s’appuyer vaguement sur des problématiques féministes qui tapent à côté (l’image de la femme au foyer dans Wild Bitch de Kate Nash et Rebekka Johnson et un homme dont le pénis rétrécit à chaque phrase sexiste qu’il prononce dans Inch by Inch de Karolina Esqueda). La 1ère partie de Chicks qui raconte l’intégration d’une adolescente sage chez les filles populaires, était prometteuse mais le film se perd ensuite dans un rite de passage en mode sabbat un peu ridicule.
Viennent ensuite les courts dont on ne comprend pas l’intérêt, avec une vampire qui boit le sang de ses règles (encore!) pendant la minute du court, dans Vampire Straw de Marianne Chase et Emily Taylor. Big Weekend Plans de Tesha Kondrat, tourne en dérision les pulsions suicidaires d’une femme, qui finit par réaliser qu’elle veut vivre en arrivant presque à se tuer accidentellement ?
Meat Friends d’Izzy Lee parodie le format de série télé américaine cheesy, met en scène un monstre rose fait de steaks dans un micro onde, et devient l’ami d’une petite fille. Cela aurait pu être le moment vraiment fun de la soirée, mais les séquences s’enchaînent trop rapidement sans explorer le potentiel comique de ce qui s’apparente à une marionnette de show. Idem pour The Promotion de Kate Espada, qui tourne vite en rond en filmant un homme et une femme en confrontation verbale pour obtenir un nouveau poste.

Finalement, les 2 courts métrages les plus intéressants sont ceux qui utilisent une thématique bien connue dans le cinéma de genre: les apparences ne sont pas celles que l’on croit. She’s killing it de Jamie Rice et Nicole Machon raconte la descente aux enfers de l’égo d’une one woman show dont les blagues sont issues d’une sorte de necronomicon. Malgré une fin bâclée, le reste est plutôt divertissant.
Le plus réussi reste Maybe you should be careful de Megan Robinson qui résonne étrangement avec A girl walks home alone at night (avec un ton plus léger), car il s’agit d’une femme en apparence inoffensive, qui s’avère dangereuse la nuit. Un homme soupçonne sa petite amie d’être une tueuse simplement car elle ressemble à une suspecte. L’ensemble est un peu long, mais le concept relativement bien maitrisé et j’aimerais bien ce que cela pourrait donner en long.

8-Young n deadly

>>5 courts métrages dont 1 provenant des USA

La session la plus décevante du festival. Alors que la thématique me passionne (les enfants tueurs/dangereux), aucun ne s’est avéré qualitatif, à part La verrue de Sarah Lasry que j’avais déjà vu Court Métrange et Hiama de Matasila Freshwater qui revisite Carrie du point de vue d’une adolescente noire. Elle utilise les rites d’une gardienne spirituelle de ses origines pour se venger. Le court est trop simple et un peu long dans son approche mais propre et malgré tout prenant.
Je vous passe donc le laborieux Lalanna’s song de Megha Ramaswamy qui enchaîne les séquences inutiles, The Christening de Molly Scotti qui part d’une idée intéressante (la mauvaise influence de la religion sur une gamine), mais qui en fait un objet moche, mal joué et au final sans intérêt.
(Ne demandez pas pour le 5e, je l ‘ai loupé).

9-High tension

>>6 courts métrages dont 1 provenant des USA

Cette dernière session était programmée à 22H45 un dimanche soir, autant dire la pire heure pour avoir du monde dans la salle. D’autant qu’elle clôturait également le festival.

Un cru de courts globalement assez pauvres tant en idées, qu’en tension.
L’image et le visage étaient au centre de You will see de Kathleen Bu et Face not recognized des Also Sisters. L’un utilisant le motif de l’appareil photo pour faire ressortir l’horreur, l’autre filmant une femme dont le visage est recouvert de ciment. On s’ennuie ferme.
On passe ensuite à Nia Sol Nia Sombra de Talia Hernando qui tente de mettre en scène la violence conjugale et de ce qu’elle peut avoir de soudain. Mais le traitement est tellement lourdingue, que le personnage féminin ne suscite aucune empathie.
Kickstart my heart de Kelsey Bolling fait le parallèle grossier mais fun, entre être entre la vie et la mort, et une bataille imaginaire à coups de poings contre des méchants à la Kick Ass. Le fun retombe aussi sec au générique, quand on nous sert des images personnelles de la réalisatrice qui a réellement eu un accident et qui raconte ici son histoire. Une image ou deux avec le contexte aurait suffit. Cela en dévient gênant de voir tant d’intimité dévoilée.

Les 2 derniers courts traitent de la violence masculine. Unes de Kam Duv (avec Aloïse Sauvage, coeurs sur elle), met en scène une femme qui fait appel à son ex petite amie car son compagnon se transforme en monstre. Le court a été tourné à Rungis, dans un abattoir, décor idéal pour représenter l’horreur et le patriarcat. Une vraie sororité des personnages féminins se dégagent tout de suite, et la traque dans l’abattoir est prometteuse, on aurait aimé en voir plus!
Phantasmagorie d’Alejandro Mathe bénéficie d’une photographie magnifique, à la Witch permettant une immersion dans cette ambiance inquiétant où le diable (l’homme) entre dans la bergerie.

C’était un vrai plaisir de découvrir autant de courts, d’autant que dans presque toutes les sessions j’ai été séduite par 2 ou 3 courts.
Des univers, thématiques riches où les personnages masculins hétéro sont quasi inexistants. On peut également noter que quelle que soit la qualité des courts métrages, il est rarement question d’histoires d’amour. Au mieux de sexe, au pire le couple est posé comme contexte, pas comme sujet.

L’article [Festival] Final Girls Berlin FF #8 – Courts métrages est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Le rape and revenge, sous genre du cinéma de genre, est emblématique du cinéma d’exploitation. Utiliser les violences sexuelles ( qui sont les peurs les plus présentes et universelles chez les femmes) est une occasion de livrer un spectacle dérangeant voire voyeuriste, alliant nudité et sang, autrement dit eros et thanatos.
Comment définir le rape and revenge ? Ce sont des films dont la narration repose sur un seul élément déclencheur: le viol d’une femme. On retrouve généralement la même structure narrative, dont La Source (1960) a posé les bases:

• Contextualisation de ce qui va amener au viol,
• Le viol,
• La préparation de la vengeance,
• La vengeance (par la victime ou pas un tiers).

Le rape and revenge pose plusieurs questionnements:

• La représentation du viol,
• Le traitement du personnage féminin qui est à la fois victime et bourreau,
• La représentation de l’effet cathartique,
• Le traitement de la vengeance à travers le meurtre.

Le rape and revenge à l’heure #MeToo

Comme n’importe quel genre de cinéma, les hommes ont souvent été les réalisateurs de ces films. Si pendant longtemps personne (notamment la critique), en France ne s’était posé la question de la représentation du viol et des traitements du personnage féminin, aux USA comme souvent, on a un temps d’avance. Comme par exemple avec Carol J Clover son livre phare « Men, women and chainsaws, gender in the modern horror films« 
6 ans après #MeToo, la doctorante à l’université de Kingston à Londres, Bruna Foletto Lucas propose une conférence lors de la 8ème édition du Final Girl Berlin Film Festival intitulée « La révolution actuelle des réalisatrices et de la narration des rape and revenge ».
Son doctorat a pour titre « La reconquête de l’horreur: comprendre les paradigmes du trope de la représentation des femmes dans les films d’horreur« . Tout un programme qui m’enchanta.

L’analyse du rape and revenge par Bruna Foletto Lucas

Bruna Foletto introduit sa conférence en rappelant que le rape and revenge réalisé par des hommes, n’avait, paradoxalement, pas pour but de traiter ni la thématique du viol, ni des violences sexistes.
Mais plutôt de traumatismes vécus collectivement et s’inscrivant dans l’histoire des USA. Elle prend l’exemple de La dernière maison sur la gauche qui est une photographie d’une famille vivant à l’époque de la guerre du Vietnâm.
Par ailleurs, le violeur est souvent un homme de la campagne, s’inscrivant dans une représentation similaire de la figure du redneck, brillamment analysée par Le Coin du Bis.
Et si le viol n’est pas une question d’homme des villes ou des champs, il est toujours nécessaire de rappeler que les viols sont commis en majorité par des gens proches (amis ou famille), et non en raison d’une rencontre malheureuse. Sans compter que cette représentation répétée stigmatise évidemment cette population, mais c’est une autre sujet.

Bruna Foletto poursuit en notant que dans les films de rape and revenge réalisés par des hommes, la scène de viol est longue, et la victime est nue ou quasi nue. Ainsi elle est dans une position totalement vulnérable, propice à un regard voyeur sur son corps.
Contrairement aux films réalisés par les femmes. Il est intéressant de noter que dans Revenge, de Coralie Fargeat, c’est l’homme traqué qui est complètement nu.
Et si elle note des films réalisés par des hommes qui empruntent les codes du rape and revenge en s’intéressant aux violences sexuelles comme Teeth, elle constate que ce dernier reste focalisé sur la douleur de l’homme lorsqu’il se fait couper le pénis. On se concentre donc sur une problématique de castration avant tout et pas sur l’impact du viol.

Si on s’intéresse aux rape and revenge réalisés par les femmes, on note quelques différences.
Par exemple dans American Mary, le violeur est un homme éduqué. Tout comme dans Violation.
Ensuite, les scènes de viol sont plus courtes voire sous forme d’élipses (Revenge). Elles peuvent être également mises en scènes sous forme de flash back (Violation, MFA) permettant plus d’empathie. On privilégie les souvenirs de la victime. Etre au coeur de la vie des victimes et de l’entourage c’est précisément le sujet de Promising Young Woman.
Par ailleurs, elle explique que Violation s’approche de la réalité en plaçant les personnages dans une situation de she said/he said situation, à savoir que dans les affaires de viol, il s’agit souvent de « parole contre parole », qui porte préjudice aux femmes.
Je rajouterai que les films réalisés par les hommes sont souvent emprunts d’une culture du viol dans la mise en scène. Déjà en accentuant la nudité de la victime, mais aussi dans la manière de poser la caméra du point de vue de l’agresseur, mettant le public dans une position pour le moins malaisante.

Je compléterai en ajoutant que dans les rape and revenge réalisés par les femmes, la vengeance nait d’une forme d’injustice, d’un système mis en place qui pousse à bout les victimes. C’est le cas de la solidarité masculine dans Revenge, Promising Young Woman, MFA ou American Mary).

Bruna Foletto précise que dans les rape and revenge réalisés par les femmes, l’héroïne ne prend pas plaisir à se venger et ne fait pas preuve de sadisme. Dans Revenge, Jennifer est filmée comme une prédatrice qui traque, contrairement à l’autre Jennifer (coïncidence?) de I spit on your grave qui chercher particulièrement à faire souffrir ses bourreaux.
On constate précisément l’inverse dans Violation, où le meurtre, puis le fait de faire disparaître le cadavre est une épreuve pour l’héroïne. Elle s’arrête, s’épuise, pleure. Elle n’a pas eu plaisir à le tuer, et on voit que ça n’est pas une libération.

Nuances de la revanche

Ces constations sont des remarques globales que l’on peut faire, mais on sait que ce ne sont pas des règles. En effet, si on prend l’exemple de The Nightingale de Jennifer Kent, il reprend à peu près tous les travers cités dans les films réalisés par des hommes. Des scènes de viol longues et répétées, avec une relative distance par rapport à la victime, avec un plaisir certain pris dans la vengeance (finalement commise par un tiers).
A côté, le film s’inscrit dans un véritable propos politique, où le viol est une arme de guerre et d’asservissement. Les violeurs sont l’élite, et l’empathie pour la victime est développée au cours du film à l’aide de scènes oniriques tourmentées ou de détails réalistes (ses seins gorgés de lait). Une ambiguïté qui atteste de toute la complexité du film.

Dans tous les cas, on peut dire que l’arrivée des femmes sur ce sujet a fait beaucoup de bien pour diversifier les représentations et problématiques, et je pense qu’il y a encore des sujets à exploiter.

L’article [Festival] Final Girls Berlin FF #8 – La représentation du rape and revenge est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Beaucoup de courts métrages et films présentés ne sont malheureusement pas trouvables, mais le festival à un partenariat avec Vimeo qui vous permettra de les voir. Donc ça vaut le coup de prendre un ‘pass vidéo’ si vous ne pouvez pas vous rendre sur place, et que vous voulez découvrir de petites pépites.

Pénétrons à présent dans un monde merveilleux, un monde où on ne vous dira pas « calmez-vous madame, ça va bien se passer ». Un monde de créativité et de critique sociale. Bienvenue au Final Girls Berlin Film Festival.

1- You are not my mother (Samhain)

de Kate Dolan (2021) 

Charlotte, une adolescente isolée, habite dans un quartier résidentiel modeste avec sa mère et sa grand mère. Peu avant Halloween, sa mère disparait plusieurs jours et revient à la maison en refusant de donner des explications à ses comportements de plus en plus étranges. 

You are not my mother est un film Irlandais que je classerai dans le « Family horror ». Genre qui dissèque les dynamiques complexes de la famille, généralement dysfonctionnelle. Les problèmes soulevés dans ces films sont souvent plus profonds et psychologiques que dans les autres genres de l’horreur. 

Au croisement de Babadook et de Relic, You are not my mother parle à travers ces 3 générations de femmes, de la fragilité mentale et du poids de la maternité, sous le prisme des « Changelings ». Dans ces contes du folklore Irlandais, les fées et les trolls volent les bébés des humains et les échangent avec des copies vides : les Changelings. Qui se nourrissent de l’énergie vitale des mères pendant des semaines avant que ces dernières ne finissent par mourir. 

Une petite bande annonce pour se mettre en appétit ?

Et une chouette interview de la réalisatrice Kate Dolan à retrouver sur le blog fais pas genre

2- Knocking

de Frida Kempff (2021)

Molly aménage dans un nouvel appartement après un petit séjour en institut. Un nouveau départ qui devrait bien se passer, mais elle commence à entendre des bruits étranges dans son immeuble…  

Knoking est un film Suédois à la fois très doux dans la caractérisation du personnage principal, et très dur dans le propos. A travers la mise en scène, le film parle de la charge mentale du trauma et comment celui-ci ne nous quitte plus, en s’imposant dans nos pensées, nous interrompant dans les petits moments de tous les jours.
Plus largement, le film pose la question de la santé mentale et de la résilience : si on sait qu’on ne va pas bien, à quel point peut-on se faire confiance ?

Le film est très beau, très intense. J’ai personnellement été touchée par le jeu subtile des couleurs rouge et vert, qui racontent une histoire plus émotionnelle, venant rajouter une couche narrative à l’histoire que la réalisatrice est en train de nous montrer. 

Le film parfait à regarder seul.e dans ton nouvel appart …

3- Mlungu Wam (The good madam)

de Jenna Cato Bass (2021) 

Suite au décès de sa grand mère, Tsidi refuse de se soumettre à son oncle, qui a décidé d’investir la maison de la grand mère. Mère célibataire, ne pouvant pas compter sur le père de sa fille, Tsidi fait le sacrifice de retourner habiter quelques temps avec sa mère, Mavis, une domestique vieillissante qui ne veut pas quitter sa maitresse de maison. 

Mlungu Wam est un film psychologique qui propose plusieurs couches de réflexion autour des dynamiques raciales et sociétales spécifiques à l’Afrique du Sud, dans un contexte post-apartheid. Le rêve d’une société prospère, sans classes, multi ethnique et égalitaire a-t-il vraiment abouti ? Les blancs ont-ils maintenu un système qu’ils dominent financièrement ? Essaient-ils d’atténuer l’impression de domination par des discours paternalistes, sans avoir totalement renoncé à leurs privilèges?

Les noirs exercent en majorité des métiers de service. Sont-ils encore réduits à des sujets, au même titre que l’artisanat Africain qui peuple la maison des maitres ? Dans ce contexte de maison hantée, où les fantômes représentent le(s) trauma(s) hérité(s), Tsidi incarne la lutte contre le déterminisme et la domination des corps.

Pas de trailer disponible malheureusement pour ce film, en tout cas je n’en ai pas trouvé. Mais c’est vraiment un film à voir et bonne nouvelle, le film a été acheté par la plate-forme Shudder et devrait être accessible d’ici la fin de l’année 2022.

Vous pouvez aussi lire notre compte rendu de la conférence passionnante organisée au Final Girls Berlin Film Festival, sur la représentation des femmes noires dans le cinéma de genre.

On retournera en février 2023 participer à la 8ème édition du Final Girls Berlin Film Festival, en attendant vous pouvez les suivre ici : 

https://www.finalgirlsberlin.com/

https://www.facebook.com/finalgirlsberlin/

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Conférence –Figures et représentations des femmes noires dans le cinéma de genre et d’horreur

Présenté Adia Cullors, Rhonda Jackson Joseph et Tira Adams

1 – L’archétype de la prêtresse dans le cinéma d’horreur : 

Tira Adams est écrivaine et youtubeuse – Mistress of the imaginarium

Cette conférence parlait des représentations de la femme noire dans les médias, vaisseau par lequel l’archétype de la « prêtresse vaudou », femme forte, indépendante et dangereuse, à été entretenu et diffusé pendant des décennies.

1900 – 1920

Popularisation de la figure de « Voodoo mama », figure de prêtresse indissociable à l’époque de la musique blues et des négro spirituals. Ces chants sont l’héritage des religions Africaines revendiqué par les esclaves comme un moyen de garder contact avec les esprits de leurs ancêtres.

Aujourd’hui quand on pense blues, on pense Muddy Waters, BB King, John Lee Hooker. On pense à la légende de Robert Johnson qui aurait pactisé avec le diable pour devenir le meilleur bluesman. On ne pense pas (ou plus) aux femmes du blues, et pourtant elles étaient nombreuses à l’époque. Comme Ma Rainey, considérée comme « la mère oubliée du blues », qu’elle à rendu populaire dans tous les Etats-Unis. A l’époque la meuf ose revendiquer le même salaire que les hommes et assume sa bisexualité publiquement. Elle à même été mentor de Bessie Smith et a donné des cours de chant à Louis Armstrong, rien que ça… 

Les 70’s 

Emergence de la « blaxploitation », terme polémique considéré par certains comme l’opportunité de représenter le public Afro-Américain, jusque là relayé à des caricatures. Mais considéré par d’autres comme l’exploitation de la culture noire par des producteurs blancs à des fins purement commerciales. Il existe tout de même un consensus sur le fait que la blaxploitation à ouvert la porte à plus de représentation de la diversité, et a donné à la communauté noire-américaine ses premières grandes héroïnes. Comme Pam Grier, actrice iconique du film Scream Blacula Scream !  Qui incarne la femme noire, non pas comme une vaudou mama ou un objet sexuel, mais une femme intelligente et forte, une figure de final girl.

Les années 80

Les années 80 sont un peu problématiques, on revient au cliché du vaudou diabolique. Le vaudou Un exemple très populaire est Chucky. Dans ce film, le tueur Charles Lee Ray utilise un sort vaudou « Ade due Damballa » pour transférer son âme dans une poupée tueuse. Fun fact : Damballa est aussi le dieu de la fécondité, Chuck aurait pu juste tomber enceinte et le film aurait pris une tournure très différente…

Cette décennie popularise l’esthétique « southern-gothic » illustré par un Bayou à l’ambiance sinistre. Dans Angel heart, un thriller horrifique, un détective est piégé par une prestesse, conçue lors d’une cérémonie vaudou par un démon. Elle incarne les pêchés et les mensonges qu’il à généré. Le film contrairement au livre se passe à la Nouvelle Orléans pour rajouter une couche de southern-gothic et en faire un film plus sombre.

L’Emprise des ténèbres, va relancer la figure du zombie. Et l’industrie du cinéma va la sur-exploiter. Bien que les films de zombies existent depuis les années 30, plus de 60 films de zombies ont été produits dans les années 80. Depuis, le zombie est dépossédé de son contexte historique et religieux (à la base le zombie est une figure de la religion Haïtienne), et replacé dans un contexte occidental de contamination et de virus mortel, trope par lequel on identifie le genre aujourd’hui.

Les 90’s 

On assiste à l’émergence de films Afro-Américains indépendants, avec une réapropriaton du discours hors du prisme des représentation blanches. Scénarisé et réalisé par Kasi Lemmons, Eve’s Bayou est un film sur le poids du secret familial et la vengeance par le vaudou. Le film comporte un casting entièrement noir et remporte un succès commercial et critique sans précédent, ce qui va ouvrir la voie pour d’autres réalisateurs racisés.

La décennie est propice au cinéma indépendant Afro-Américain, avec des films comme Boyz n the hood, Menace 2 Society etc mais n’étant pas de films horrifiques ou féministes je ne m’attarderai pas dessus.

Les années 2010-2020 : un changement de paradigme ?

Les violences policières et systémiques envers les communautés Afro-Américaines explosent. La France n’est pas épargnée par ce problème d’interpellations policières violentes et les inégalités de traitement ne sont plus tolérées par la jeunesse. Le mouvement Black Lives Matter résonne partout dans le monde. 

C’est dans ce contexte que les créateur.ices racisés vont enfin pouvoir prendre une place légitime dans le cinéma mainstream et horrifique pour faire entendre leurs voix. Le genre de l’horreur bénéficie d’un nouveau souffle, que certains appellent « elevated horror », genre qui mélange l’horreur psychologique, politique et sociale.

On voit avec plaisir apparaitre de nouveaux discours dans les films d’horreur, qui viennent enrichir notre perception du monde et mettre la lumière sur des problèmes actuels. Je vous conseille cette liste de films : His house de Remi Weekes, Get Out qu’il n’est plus nécéssaire de présenter, Candyman 2021 de Nia da Costa, The good madam de Jenna Cato Bass et Babalwa Baartman.

Et bonne nouvelle ! En 2020 est sorti le film Le blues de Ma Rainey avec Viola Davis. 

a-one, a-two, a-you know what to do

2 – La figure de la final girl noire dans le cinéma de genre

Adia Cullors – Historienne, écrivaine et activiste, Adia a travaillé pour le musée Smithsonian, le musée de la culture Africaine-Américaine et l’université médicale John Hopkins.  

Dans sa conférence, elle aborde les représentations de la final girl noire et ses implications socio-politiques. Malgré quelques succès cinématographiques cités dans cet article, on constate tout de même le manque de représentation des femmes racisées dans le cinéma, et donc le manque de considération pour ce même public, qui ne se voit pas représenté.

Toutes les protagonistes citées dans sa conférence, ne sont pas considérées comme des final girls tel que le cinéma blanc à pu le populariser :

La final girl blanche : 

• Elle est souvent blonde, issue de la classe moyenne
• Elle est jeune et virginale (par opposition aux victimes souvent sexuées)
• Elle représente l’innocence et est frappée par un danger qu’elle ne soupçonnait pas
• Elle survit souvent de manière individuelle (tous ses amis sont morts avant elle car ils ont péché de sexe, de drogue ou de stupidité)
• Elle devient adulte en tuant le méchant.

La final girl noire est différente car son contexte socio-politique est différent :

La final girl noire : 

• Elle est déjà adulte, dans le sens ou elle n’est plus innocente car elle est consciente du racisme et donc des injustices et des danger préexistants,
• Elles et souvent « urbaine » ayant eu une vie « difficile »
• Elle peut être déjà mère, ou incarner un personnage protecteur de sa communauté
• Elle revendique sa féminité et sa sexualité
• Elle doit assumer le poids de la féminité ET celui d’être racisée, dans un environnement où les inégalités sont systémiques et quotidiennes.

Parmis les final girls noires citées on retrouve :

Lisa Fortier (Pam Grier – Scream Dracula Scream!), Ganja Meda (Marlene Clark – Ganja & Hess), Selena (Naomi Harrris – 28 jours plus tard), Melanie (Sennia Nanua – The girl with all the gifts), Brianna (Teyonah Parris – Candyman 2021)

3 – La figure maternelle noire dans le cinéma d’horreur

Rhonda Jackson Joseph – écrivaine nominée au Stoker Award, prix littéraire récompensant les œuvres d’horreur et décerné par la Horror Writers Association.

Il existe un certain nombre de films d’horreur sur la maternité, (Psychose, the Omen, le sixième sens, les autres, …) mais ils sont souvent produits par des hommes blancs et on y représente souvent la femme comme une mère au foyer un peu reloue avec ses problèmes de dépression. Certains de ces films peuvent manquer d’une réelle réflexion sur la charge mentale de la maternité et le poids écrasant de la pression sociale. 

Deux films selon moi ne font pas cette erreur : Mother ! de Darren Aronofsky, qui illustre tellement bien son propos que ça en devient douloureux. Et Rosemary’s baby écrit par Ira Levin, auteur féministe selon moi car on lui doit aussi Les femmes de Stepford. Ira Levin signe deux livres cultes sur le poids de la féminité dans un monde patriarcale, avec des personnages féminins nuancés, forts et dotés d’humour. 

Depuis peu, on peut voir des (très bons) films sur le sujet, réalisés par des femmes : The Babadook de Jennifer Kent, Prevenge de Alice Lowe, et You are not my mother de Kate Dolan. Et bien qu’on ait laissé la place à des réalisatrices, on déplore encore le manque de diversité dans le cinéma d’horreur et le manque de place accordé à des créateurs non blancs. Pourtant le cinéma d’horreur à besoin de diversité s’il veut rester un genre pertinent. 

Dans cette conférence, R.J nous parle des (rares) nuances de représentation de la figure maternelle noire dans le cinéma d’horreur. 

Un des clichés largement répandu prend racine dans l’esclavage. C’est le stéréotype de « la grosse mama noire », la « mammy » en anglais.  Domestique obèse et asexuée, elle est contente de prendre soin des petits blancs. Elle incarne une figure maternelle joviale (mais asservie) qui donne confiance. Rhonda Jackson rappelle qu’en réalité les domestiques de maison étaient souvent petites et chétives car mal nourries et souvent agressées sexuellement, donc mères elles-mêmes.

/!\  Cette partie contient du SPOIL /!\ 

Dans le film Ma avec Octavia Spencer, ce stéréotype est utilisé et detrourné pour devenir la figure de l’agresseur. Pourtant on ne peut pas nier que Ma est en réalité une victime, ayant été harcelée à cause de sa couleur de peau par les blancs de son lycée, et même agressée sexuellement. Ma se venge et devient alors une figure d’empowerment.  

Dans le film US Jordan Peele nous propose un portrait contrasté. La mère «Red » est un clone mais elle aime profondément ses enfants. Tandis que la mère « Adelaid » est humaine mais ayant été forcée à avoir des enfants, elle les utilise plutôt comme des instruments de revanche. En explorant le concept de consentement et de maternité forcée, Jordan Peele exprime plusieurs couches de réflexion autour des dynamiques de domination raciale et sexuelle. 

Si ces sujets vous intéressent, le documentaire A History Of Black Horror est disponible sur Youtube

Il reste quand même encore du chemin à parcourir, car en cherchant des photos des protagonistes de Candyman 2021 je suis navrée de constater qu’il n’y en a que pour les acteurs masculins : 

Saura tu retrouver la seule photo d’un personnage féminin ? 

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Le week-end du 31 Octobre 2021, était organisé à Berlin la seconde partie (spéciale Halloween) du festival de films d’horreur féministe le FINAL GIRLS BERLIN FILM FESTIVAL.

Le principe du festival est de diffuser des films écrits, produits et réalisés par des femmes et des personnes LGBTQ+, pour offrir de la visibilité à leurs messages. Et de montrer que des femmes peuvent aussi faire des films d’horreur et de genre.
Car ce n’est pas encore une évidence pour tout le monde. Julia Ducournau, réalisatrice des excellents Grave et Titane (gagnant de la Palme d’or à Cannes 2021), relate que plusieurs journalistes masculins étaient étonnés qu’une femme, jolie de surcroît, soit capable de produire des œuvres d’horreur aussi intense. Comme si avoir une opinion sur la violence dans la société était réservé aux hommes ou aux moches.

Ce genre de festival est important car les femmes sont toujours sous-représentées dans les métiers du cinéma. « En 2019, 67% des films n’avaient qu’entre 0 et 4 femmes impliquées derrière la caméra ». « Entre 2015 et 2018, seuls 22 % des réalisateurs de longs-métrages européens étaient des femmes ». Soit à peine un point de plus que la proportion constatée entre 2003 et 2017.
En lisant des articles sur le sujet, on s’aperçoit que chaque année le système s’auto congratule d’avoir plus de femmes actives dans le milieu du cinéma, mais il y en a toujours très peu à la réalisation, à la production et dans des postes à responsabilité.

Je ne parlerais pas dans l’article de tous les films diffusés pendant ces 3 jours de festival, mais uniquement de ceux qui m’ont vraiment marquée. Si vous souhaitez connaître le palmarès complet vous pouvez retrouver des infos sur le site web et la page Facebook du festival.

À présent, pénétrons dans un monde merveilleux, un monde sans Eric Zemmour, un monde de critique sociale, de créativité et de catharsis.

1-Les courts métrages : 

#1. Social ills (Les maux sociaux – parce que la société est aussi violente qu’un film d’horreur)

The tree men you meet at night

Une jeune femme (qui a visiblement déjà passé une mauvaise soirée) rentre à pied seule dans la nuit. Sur le chemin elle croise trois hommes… 
The tree men you meet at night joue sur cette peur qu’on a un peu tous.te vécue d’être seul.e et de subir un moment déplaisant voir carrément une agression. Le film illustre la variété de prédateurs auxquels on peut faire face au quotidien. C’est pertinent et terrifiant.
Si vous avez l’occasion regardez-le, montrez-le à vos ami.e.s et engagez la discussion.

Vidéo à découvrir ici

Hexatic phase

Le court métrage nous présente quelques heures de la vie d’une femme après un événement traumatique.
Hexatic phase exprime à la fois le sentiment vécu après une agression sexuelle et l’effet d’érosion que peut avoir la culture du viol. Il engage la réflexion : qu’est-ce que la société considère comme un viol ? 
Froid, poisseux, aliénant, ce très court métrage va vous marquer par sa justesse et sa finesse. 

Trailer à découvrir ici

#2.  All them witches (Toutes ces sorcières)

Diabla

Le court métrage aborde la thématique du trauma partagé par les femmes : l’agression, l’isolement, l’injustice. Mais Diabla parle aussi de la résilience dans la solidarité féminine, la réappropriation de son corps et de sa santé mentale par la vengeance.

Mini interview de la réalisatrice à découvrir ici

The wick 

Ce qui m’a surprise dans ce film à l’esthétique des « sorcières de Samlesbury » (Angleterre XVIIème), c’est d’apprendre qu’il y a encore de nos jours des pays où les femmes sont tuées car on les accuse de sorcellerie (Somalie, Inde, Arabie saoudite, mais aussi les USA et l’Angleterre). 

Un article du New York Times en parle ici

#3. Queer horror (segment spécial dédié aux créateurs LGBTQ+)

Coming out

Coming out est une petite pépite en stop motion qui parle de la trans-identité (dans la famille Godzilla). La mise en scène est vraiment excellente. C’est touchant, c’est drôle, ça a fait fondre le cœur de tout le public dans la salle. D’ailleurs le short a remporté la palme du festival !

Vidéo à découvrir ici

2-Les films : 

The Velvet vampire 

The velvet vampire est le premier film de sexploitation réalisé par une femme : Stéphanie Rothman. C’était la première femme à intégrer l’équipe du très connu Roger Corman, à qui l’on doit un paquet de films d’exploitation à la limite du nanard comme L’attaque des crabes géants et Le vampire de l’espace, mais à qui on doit aussi la découverte de réalisateurs comme Martin Scorsese, Ron Howard, Joe Dante, James Cameron. 

Dans ce film la nudité féminine est abordée sans « male gaze ». La réalisatrice nous montre le corps nu sans découper la femme, sans l’objectifier. Pas de longs plans sur des culs, des seins, des lèvres. Les femmes sont nues mais entières et ont des lignes de dialogue qui ne servent pas les desseins du personnage masculin. Ce sont des êtres désirables et désirants qui s’expriment et agissent pour elles-mêmes.

Trailer (old school) à découvrir ici

Violation 

Violation est un rape and revenge vraiment différent. Pas de jouissance dans la vengeance, pas de guérison miraculeuse du trauma, pas de fantasme sexy-sadique-maso souvent perpétré par les réalisateurs du genre. 

Le film nous pousse à nous interroger sur la notion de consentement. La projection du désir de l’agresseur envers la victime, le nombre de fois où l’homme est sincèrement persuadé de ne pas avoir violé… On touche aussi au phénomène de « gaslighting », du trauma vécu par la femme qui engendre la volatilité de sa propre pensée face à un agresseur qui nie avec conviction.

Violation aborde ces sujets mais sans jamais être lourd, c’est un film très dur intellectuellement mais très doux dans la narration. Montrez-le à vos potes, à votre frère, à votre mec, lancez la discussion sur le consentement.

Trailer à découvrir ici

Relic

Petite pépite passée trop inaperçue, Relic est un film maîtrisé dans le fond et la forme, qui aborde la thématique de la vieillesse, de la sénilité, du trauma familial générationnel. 

Je ne vais pas m’attarder car il y a eu déjà beaucoup de critiques et analyses de ce film, je dirais juste que Relic aborde frontalement la thématique « family horror ». Le film peut te toucher au plus profond de toi, que tu aimes ta famille ou pas. Un film intelligent, rythmé, beau, à voir absolument !

Trailer à découvrir ici

3-Conférence : 

Douleurs « féminines » : les seins, le sang et les crocs

Discussion très intéressante autour de la figure vampirique inhérente à la douleur et au trauma intrinsèque de la vie de femme.
Que ce soit sous le prisme physique de l’entrée dans l’âge adulte : la transformation douloureuse du corps, la perte de la tranquillité de l’enfance, les menstruations donc le sang omniprésent dans la vie de femme. 
Mais aussi sous le prisme psychique : symptôme de la violence psychologique et des frustrations subies par les femmes dans la société patriarcale. Qu’on peut illustrer par exemple par la violence des femmes envers les femmes à cause des hommes et de leur rejet des femmes vieillissantes : être envieuse des femmes plus jeunes et vouloir s’approprier en quelque sorte cette jeunesse.

Professeur Patricia Pisters, a aussi écrit les ouvrages suivants :
« The neuro-image » – ouvrage qui parle du lien entre cinéma et neurosciences cognitives, philosophie et politique.
“The matrix of visual culture » – ou comment l’image dans le cinéma est toujours liée à un assemblage d’affects et de perceptions de nous-mêmes.
« New Blood in Contemporary Cinema » – qui parle des thèmes du genre horrifique du point de vue des réalisatrices.

Si vous voulez en savoir plus sur le FINAL GIRLS BERLIN FILM FESTIVAL, que vous voulez frissonner et vous amuser dans un environnement intelligent et inclusif, je vous invite à soutenir l’initiative. Et pour celles et ceux qui n’ont pas les moyens (car soyons réalistes c’est pas donné d’aller à Berlin), les organisatrices proposent aussi le contenu en streaming sur Vimeo ! Pas d’excuse pour ne pas se culturer ! 

La prochaine édition a lieu en février 2022, n’hésitez pas à vous renseigner !

Bonus musique
Si comme moi vous aimez un bon metal stoner, l’une des organisatrices du festival est batteuse dans le groupe APTERA, un groupe 100% féminin. Bonne écoute ! Youtube / BandCamp

Enjoy !

Sources :
https://www.finalgirlsberlin.com/
https://mediastudies.nl/
https://www.cineserie.com/
https://www.obs.coe.int/
https://business.lesechos.fr/

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