Planète B est un film de genre français réalisé par Aude Léa Rapin, avec dans les rôles principaux, deux femmes, Adèle Exarchopoulos et Souheila Yacoub.

Un futur fasciste et eco-anxieux

La mise en scène visuelle et sonore de Planète B lui confère un caractère très huis clos, qui n’est pas sans rappeler Les fils de l’Homme dans son côté froid mais intimiste. Et comme pour ce dernier, on parle d’un film d’anticipation plutôt que de science-fiction car le film se déroule dans un futur très proche, et tous les motifs du film sont déjà à l’œuvre, comme la montée du fascisme et l’effondrement climatique. 

La surveillance : thème cher à la droite dure et à l’extreme droite

Dans Planète B, la technologie est au service d’un système de répression sécuritaire. Les civiles ont accès à des technologies obsolètes alors que l’état est équipé en matériel numérique de pointe pour la surveillance. La vidéosurveillance algorithmique est normalisée (pratique largement critiquée par Amnesty International suite à son déploiement pendant les JO de Paris 2024). Les essaims de drones policiers surveillent tous les quartiers (mode se surveillance normalisé en France depuis 2023). Chaque citoyen doit porter des lentilles de contact à QR codes et se soumettre à des contrôles d’identité systématiques. Les étrangers sont restreints à des zones selon leur statut (comme dans les Centres de Rétention Administrative).

Des exilés déshumanisés

Souheila Yacoub interprète une journaliste exilée qui a dû fuir son pays pour opposition politique. Comme beaucoup de migrants, même diplômés, elle se retrouve cantonnée aux métiers les plus subalternes sur l’échelle sociale. Elle survit en clandestinité, sous la menace permanente de l’expulsion. L’administration et la police ne la voient que comme une «migrante» qu’il faut faire sortir du pays. 

La criminalisation des mouvements d’opposition

Aude Léa Rapin voulait mettre en lumière à travers Planète B les dérives des affrontements idéologiques entre société civile et force de l’ordre. Elle a été inspirée par des manifestations récentes aux quatre coins du globe, violemment réprimées par les forces de l’ordre qui n’ont pas hésité à blesser et mutiler : les manifestations étudiantes à Hong Kong, à Santiago ou à Beyrouth, les gilets Jaunes, Notre Dame des Landes… Dans Planète B toute désobéissance à la bonne marche de l’état reçoit une réponse policière et judiciaire violente. Les civiles qui s’expriment contre l’état et pour la survie de la planète sont criminalisés.

La manipulation médiatique 

Dans la France de Planète B, les médias ne parlent pas des opposants politiques. La R n’existe pas, le mouvement est censuré pour ne pas encourager les gens à le rejoindre. Ce tabou médiatique est aussi un excellent moyen de nier l’implication du gouvernement : les opposants ne sont pas enfermés dans des prisons inhumaines, ils se cachent car ils sont criminels. C’est facile quand quelqu’un possède plusieurs médias de contrôler la ligne éditoriale et donc l’information.

Pendant la présentation du film aux Utopiales, Aude Léa Rapin nous explique qu’elle voulait aussi faire un lien avec les disparitions récentes et inquiétantes de personnalités connues en Chine. Des femmes célèbres à l’international qui ont critiqué le pouvoir : Fan Bingbing, Peng Shuai et Zhao Wei. Mais aussi certains membres du gouvernement, notamment le ministre de la défense. 

La prison virtuelle, un futur possible ?  

Le personnage d’Adèle Exarchopoulos et les autres résistants sont à la merci de l’armée, qui pratique sur eux de la torture psychologique sous forme de cauchemars, et de privation de sommeil afin d’obtenir des renseignements sur la R. Dans ce futur la prison virtuelle serait aussi un moyen de lutter contre les prisons surpeuplées. Dans ces prisons, les corps peuvent être empilés, il n’y a pas besoin d’espace, pas besoin d’exercice physique, pas besoin de soins, cela coûte moins cher.

L’enfermement dans un système informatique est une allégorie intéressante de la dictature : un système informatique est par définition totalitaire. Binaire, il ne permet d’agir que dans certaines fonctions définies. Il n’offre pas de possibilité hors de ce qui a été cadré, choisi, imposé. Il est sans nuance, inhumain. 

Polarisation des extrêmes et désobéissance civile 

Planète B nous interroge sur un possible futur dystopique. Que doit faire la société face à l’inaction politique sur les enjeux écologiques ? La désobéissance civile (qualifiée de terrorisme par l’état – coucou Sainte Soline) est-elle le dernier levier pour forcer les états à respecter leurs engagements environnementaux ? Quand faut il intervenir ? Les gouvernements criminalisent les opposants, les migrants, les pauvres, bientôt ça pourrait-être vous ?

Planète B sort au cinéma le 25 décembre.

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A la découverte de lieux abandonnés, l’équipe de vulgarisation scientifique Explorers questionne le parallèle entre nos connexions neuronales et les chemins créés par l’homme. 

Explorers est un collectif de vulgarisateurs qui met l’exploration au service du partage des sciences. Le trio est composé de Terence & Renaud (ex-chercheurs) & Youenn (réalisateur et compositeur). Explorers a notamment réalisé le projet plusieurs fois nominé Cell Worlds, reconnu par la communauté scientifique internationale.

Dans le premier épisode, l’équipe de Méandres explore un château abandonné pour nous parler des mécanismes cognitifs de la mémoire. Par une simple expérience réalisée dans l’une des pièces du château abandonné, ils illustrent comment nos 5 sens stimulent les neurones et font appel à notre «bibliothèque mémorielle». 

Dans le second épisode, l’équipe se rend dans un sanatorium abandonné pour nous parler de la peur du noir et des raccourcis cognitifs qui créent la superstition. En effet, quand nous sommes plongés dans un environnement inconnu et dans le noir complet, chaque bruit entendu peut être interprété et amplifié. Il envoie ainsi un signal d’alerte au cerveau, qui l’interprète alors souvent comme un danger provenant d’une personne, plutôt que comme une simple branche qui craque ou un animal nocturne. 

La série documentaire Méandres sort des sentiers battus et des labos pour nous faire vivre la science autrement. Je ne peux que vous conseiller de la regarder car c’est très intéressant et ludique. On a hâté de voir la suite !

Retrouvez la série le 8 novembre sur Youtube.

Pour en savoir plus : https://www.explorersfr.com/m%C3%A9andres

Explorers est partenaire de L’Exploratoire, l’association de réflexion et d’action autour du partage des sciences, et est membre du Café des Sciences. Explorers collabore avec Jamy Gourmaud et son média Epicurieux, et a été 2 fois lauréat de la bourse CNC Savoirs & Cultures.

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1-The Great Yokaï War guardians de Takashi Miike

A travers un périple semé de représentations de références Japonaises, The Great Yokaï war guardians, raconte la traditionnelle quête de soi et de l’autre, à travers un personnage de frère voulant retrouver le sien.

C’était clairement en bas de ma liste, tant le film dégageait déjà un aspect enfantin par le biais de son pitch et de son affiche.
Celle-ci représente parfaitement l’idée du film; à savoir un pêle mêle de personnages iconiques (bien que nous Occidentaux, ne pouvons pas tout saisir), et une narration éclatée.
Pas de caractérisation des personnages, pas de narration précise et ficelée, ici on doit décider si on se laisse porter.
Je dois bien admettre que la générosité des décors, des costumes et des effets est telle, que j’ai parfois pris du plaisir à les admirer. Mais bien au détriment de l’intérêt pour le reste; la séance a donc été longue.

On est donc bien loin des univers d’Audition et de Ichi the killer, la cible étant clairement enfantine.

2-Minor Premise de Eric Schultz

La projection de Minor Premise a été précédée d’une rapide présentation par son réalisateur via un message enregistré. Celui-ci nous prévenait qu’il ne fallait pas s’inquiéter en cas de perte de repères pendant le visionnage du film. Un teaser appétissant donc.
Minor Premise raconte les déboires d’un jeune scientifique, qui a séparé les différents aspects de sa personnalité (libido, colère, travailleur…), et qui, à l’aide de son ex doit les fusionner avant que le côté psychotique gagne la partie.

Malheureusement, Minor Premise souffre d’une écriture faiblarde, complètement dépassée par son concept. Il est question ici de rejouer les bases de Split, la maladie mentale en moins.
Par ailleurs, on retrouve des tropes de l’artiste maudit maintes fois éculées, ici transposés à un scientifiques. Le film se concentre sur son égo mal placé, qui a besoin de dépasser le père pour s’apaiser. Et même si l’idée du film est de condamner cette attitude, cela apparait beaucoup trop tard dans le film pour compenser.
On constate aussi l’utilisation d’un personnage féminin caractérisée de pas loin par le syndrome Trinity. Elle est présentée comme compétente, voire plus compétente que son ex, mais elle n’agit quasiment jamais. Son rôle est là en soutien au personnage masculin uniquement.
De plus, Minor Premise n’a pas d’enjeux. L’aspect psychopathe du personnage est présenté à travers le fait de fumer une cigarette, et de tuer une souris. Un peu trop léger pour susciter une urgence.
Sans compter un twist final que l’on voit arriver de très très loin.

En somme, on aurait préféré se perdre dans l’esprit du personnage plutôt que dans l’ennui.

3-Tin Can de Seth A. Smith

Tin Can est la vraie bonne surprise de ce festival. Le film ose mélanger des concepts très différents (dystopie, huis clos, SF contemplative…) pour former une oeuvre déconcertante.
Dans un pays ravagé par une épidémie, une scientifique est piégée dans un cube.

Tin Can est une véritable curiosité comme on en voit peu. Convoquant des références diverses (Contagion, Matrix, Buried…), le film n’est jamais ce qu’on attend. Même quand on est subitement plongé dans un huis clos, la protagoniste suit un chemin différent que celui prévu; à savoir trouver une sortie.
Par la suite, le public est immergé dans une photographie faite de rouge et de noir qui forment parfois de véritables tableaux, pour accompagner justement un nouveau tableau narratif. Un autre piège, enfermant ses personnages dans une destinée de plus en plus sombre.

Tin Can souffre parfois de lenteurs, et de costumes un peu cheap, mais la proposition est vraiment séduisante, si on se laisse porter par un concept assez inédit.

4-Prisoners of the Ghostland de Sion Sono

Le réalisateur prolifique de Why don’t you play in hell, revient après une gros burn out, avec Nicolas Cage prêt à faire des nouvelles folies de son corps.
Prisoners of the Ghostland raconte l’aventure d’un braqueur, piégé par un malfrat qui le contraint à aller sauver sa nièce.

Visuellement, le film est vraiment un plaisir à regarder. C’est tantôt coloré, tantôt sépia quand il s’agit de filmer les errants. Si les scènes de combats ne sont pas d’une grande ingéniosité tant en termes de chorégraphies, que de mise en scène, Prisoners of the Ghostland promet des séquences jouissives.
Malheureusement, l’aspect délirant et foutraque du film reste finalement très sage. Les blagues plus ou moins graveleuses tombent vite à plat manquant cruellement d’acidité et de culot.
Pas de personnages haut en couleur, de rebondissement improbables ou d’objets fascinants.
Nicolas Cage est en service minimum alors qu’il attendant apriori depuis un moment de tourner avec Sion Sono.
Quant à Sofia Boutella que j’apprécie beaucoup (vue dans Climax), son personnage est réduit à être muette, sans que ça soit véritablement utilisé dans la narration.

Un moment sympathique et agréable, mais qui retombe un peu comme un soufflet.

5-Mondocane de Alessandro Celli 

Mondocane est la proposition « cinéma de genre social » de la sélection. Nous sommes dans une dystopie, et deux adolescents laissés à leur sort, intègre un gang mené par un adulte sachant tirer profit de ses proies.

Le film pourrait se passer du terme dystopie, puisque c’est la situation déjà actuelle de beaucoup d’enfants, notamment au Mexique, comme le montre Tigers are not afraid. D’autant que le film ne contient aucun élément de SF à proprement parler.
La force de Mondocane est la qualité des interprétations des deux enfants, et du leader diabolique. Le reste des personnages étant complètement mis de côté, d’autant plus les personnages féminins. On a l’antagoniste qui est là surtout pour être sexy, la femme flic repentie assez inutile, et l’adolescente dont le rôle est d’éveiller l’un des protagoniste à l’amour. Avouez que c’est pauvre.

Mondocane fait l’économie des scènes d’actions, qui sont bien rythmées, et se concentre davantage sur les enjeux relationnels. Le travail du chef opérateur est soigné.
Malheureusement, la narration déroule tous les événements attendus: la manipulation de l’un puis de l’autre, le basculement de l’un vers le mal et l’autre vers le bien qui du coup s’affrontent…
Ce qui m’amène à conclure que le film aurait largement pu tenir sur 1H30 au lieu de 2H. Mondocane semble parfois interminable.

Les films des Utopiales de l’édition 2021 que j’ai pu voir, m’ont globalement déçue, même si chacun est force de propositions.
La claque de l’édition 2018 avec Assassination Nation n’aura donc pas eu lieu.
Vivement l’année prochaine!

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Après une édition annulée en 2020 au dernier moment, pour cause de Covid, Les Utopiales sont revenues déployées. Investissant traditionnellement La Cité des Congrès, la capacité d’accueil a été augmentée grâce à des salles supplémentaires.
Me voilà donc partie en compagnie entre autres, de ma consoeur Leo Lurillo du collectif de La S’horrorité, à l’assaut d’innombrables conférences plus intéressantes les unes que les autres (il y en a même peut être un peu trop, qui créé parfois une frustration!). Tout en sélectionnant les films à voir en compétition.

Il me semble pertinent de revenir spécifiquement sur les conférences, car rares sont les festivals qui proposent autant de tables rondes, réflexions pour décrypter à la fois notre environnement, mais aussi la manière dont il est articulé au sein de formes d’arts.

J’ai suivi la conférence sur les managers du futur, la cancel culture, la suspension d’incrédulité et la politique du loup garou.

1-Les managers du futur

Intervenant-es:
Jean Laurent Del Socorro/ Catherine Larrère/ Romain Lucazeau

Les intervenant-es sont des écrivains et une philosophe.
La conférence était ponctuée d’humour ce qui a permis une vraie inclusion du public dans l’échange.

Le sujet de cette conférence était des plus actuels. Nous arrivons dans un monde où les entreprises se divisent en 2 catégories: celles qui rendent toujours plus compliqué le train de vie de ses salariés, en les mettant sous pression. Et celles qui bichonnent leurs salariés afin d’obtenir le meilleur d’eux mêmes.

Les 3 intervenant-es non sans un certain sarcasme, remarquent que l’entreprise est parfois devenue un concept plus ou moins abstrait. On ne vend plus forcément une fiche de poste technique, mais un quotidien au travail qui permettra à l’individu de s’accomplir, de s’épanouir.
Ils ont rappelé que le mot travail vient du mot torture, et que l’essence même de l’entreprise est de faire du bénéfice. Dans ce contexte, il ne faudrait pas détourner le sens premier de l’entreprise.

Ils ont convenu que si l’entreprise met tout en oeuvre pour respecter le bien être de ses salarié-es, cela ne peut qu’être positif. Simplement, garder en tête ce pourquoi on est là, est essentiel.

2-La cancel culture?

Intervenant-es:
Olivier Bruneau / Sara Doke / Olivier Caruso

La conférence que j’attendais le plus, vous vous en doutez! J’ai moi même évoqué le sujet dans une conférence à Court Métrange, aux côtés de mes consoeurs Leo Lurillo et Demoiselles D’Horreur, que vous pouvez visionner ici:

Pour en revenir à la conférence qui nous intéresse, les 3 intervenant-es sont revenus sur leur propre définition de la cancel culture. Sara Doke et Olivier Bruneau étaient d’accord pour dire que la cancel n’existe pas, dans la mesure où rien n’est véritablement censuré. Il s’agit plus de pointer des aspects problématiques dans des oeuvres, chose que les réseaux sociaux ont permis. Olivier Bruneau a même souligné que le problème vient plutôt de la classe dominante (blanche, masculine, hétéro), qui n’est pas habituée à ce qu’on ose critiquer ses libertés de parole.

Olivier Caruso représentait la contradiction (même s’il était d’accord en partie), en énumérant les traditionnels reproches, à savoir les excès des réseaux sociaux par exemple.
D’ailleurs, selon lui, la cancel culture existe pour la simple raison que les appels au boycott existent.
Il a en revanche proposé des axes intéressants comme le fait de retourner une oeuvre raciste de Lovecraft en nouvelle création contre le racisme, comme la série Lovecraft Country. Mais Olivier Bruneau lui fait remarquer que sortir une série en réponse, n’est pas à la portée de tout le monde.
En revanche, il a loué le travail d’une afro féministe qui fait le tour des USA pour déconstruire les fascistes, en soulignant que c’est une vraie démarche productive. Sauf que c’est surtout oublier qu’une fois de plus, on fait reposer la charge de régler les oppressions, par les oppressé-es.

J’ai particulièrement apprécié les interventions d’Olivier Bruneau, qui assume de dire qu’il fait partie de la classe dominante, et que par conséquent, il a forcément des biais racistes, sexistes.
Il fait la démarche de lire des écrits sur le féminisme, les approches décoloniales, et ça s’entend clairement.
De plus, il n’a aucun problème à admettre sur ses premiers écrits contenaient certainement du sexisme ou de l’homophobie et qu’il fait attention dans ses nouvelles créations.
Ce qui a suscité une question de la part du public, la personne pointant qu’elle trouvait ça dérangeant qu’il s’auto censure. Il a très bien su expliquer qu’il ne s’agissait pas de se censurer, mais de ne pas (re)produire des clichés oppressifs qui n’apportent rien à l’oeuvre. Et ainsi éviter que des minorités déjà lésées au quotidien soient attaquées gratuitement.
Il a également souligné que c’est à chacun de jauger ses propres limites de ce qu’on a envie d’accepter/soutenir ou pas.

Sara Doke a évoqué un point très pertinent en évoquant les raisons pour lesquelles des gens (notamment de gauche) sont heurtés par ces dénonciations. Selon elle, ils confondent chemin et destination. A savoir que les universalistes et les intersectionnels sont d’accord sur la destination. Mais là où les universalistes pensent que cela suffit de dire que les êtres humains sont égaux (en théorie), les intersectionnels interpellent sur le fait que oui, mais qu’il faudra emprunter des chemins différents pour y parvenir. Il ne peut pas y avoir un seul chemin non?

Il a été évoqué la notion de « call out culture » dont le but est de dénoncer les aspects oppressifs d’oeuvre (et les afficher sur les réseaux).
La conclusion principale que j’en tire est que le terme « woke » ou « cancel culture » sont utilisés pour tenter de faire peur. Ce sont des abus de langage qui traduisent un manque d’arguments, pour discréditer.

J’aurai trouvé pertinent d’avoir un-e intervenant-e davantage en opposition avec des arguments de Sara Doke et Olivier Bruneau. Il est rare dans les grand media de donner la parole aux personnes qui ne pensent pas que la cancel culture existe. Alors dans une telle conférence, c’était l’occasion idéale de valoriser ces arguments et de les confronter enfin avec ceux qu’on entend tous les jours (même si « on ne peut plus rien dire »).
Mais il faut bien avouer que cela m’a fait grand bien d’entendre des propos véritablement progressistes finalement (et j’ai hâte de lire Olivier Bruneau!).

3-La suspension d’incrédulité

Intervenant-es:
Benoit Peeters/ Xavier Maumégean/ Joseph Béhé

Une conférence très axée sur la littérature, avec des intervenants habitués des Utopiales.
Avant d’aller plus loin, je rappelle rapidement que la suspension d’incrédulité en littérature ou cinéma, est le fait de convoquer chez le public une capacité à croire un élément ou un événement qui n’appartient pas à la réalité.
Mais alors qu’est ce que la réalité?

L’introduction consistait à évoquer le sens que on peut donner à la suspension d’incrédulité. Il est évoqué que cela provoque un abandon de la part des lecteur, et donc potentiellement de la perte de son esprit critique.
Pourtant, l’essence même de la Science Fiction implique un engagement critique.
L’ identification des enjeux des les oeuvres dystopiques ou autre, implique un réajustement; une transformation plausible qui demande une activité d’interprétation. En cela, on ne peut pas parler d’abandon du lecteur, mais plutôt d’une participation avec une activité mentale effective.

Un autre intervenant indique que les éléments fantastiques ou inexistants à notre époque, doit avoir du sens dans l’histoire. Si c’est uniquement un gadget, cela perd en intérêt et l’incrédulité est dominante.

Il est aussi évoqué que c’est pertinent quand un-e auteur-e joue avec la différence entre le vrai et le réel.
Le vrai est une part du réel, c’est à dire que le vrai l’est, quand il est conforme à sa définition.
Alors que le réel est beaucoup plus vaste. La fiction raconte ainsi quelque chose de faux, tout en créant un effet de réalité. Bienvenue dans l’inception!

Par ailleurs, la suspension d’incrédulité fonctionne d’autant mieux quand l’objet a une fonction précise, notamment pour donner du sens comme on l’a vu. Mais la simplicité est nécessaire, et ce qui n’est pas forcément évident. Par exemple, on peut accorder une catégorie inhabituelle à un object.
Ou introduire un détail anodin qui va s’avérer de plus en plus étrange selon l’évolution des situations.

4-La politique du loup garou

Intervenant-es:
Alex Nikolavitch/ Ophélie Bruneau/ Morgane Caussarieu

Après mon article sur la sage Ginger Snaps et la représentation du loup garou, je ne pouvais passer à côté de cette conférence des Utopiales!

Après être revenus sur la définition du loup garou, les 3 intervenant-es évoquent cette figure à travers légendes et romans.
Très vite, les vampires sont évoqués car ce sont des monstres souvent liés au loup garou. En effet, ce sont des créatures identifiées comme monstrueuses, mais on peut noter que dans les 2 cas, les morsures impliquent une contamination.

Ensuite il est évoqué évidemment la représentation de la pulsion (sous toutes ses formes) à travers le loup garou. Une métaphore du refoulé, et notamment, de la libido.
Morgane Caussarieu indique qu’elle a utilisé le loup garou dans ses écrits, pour parler de transidentité avec la métamorphose du corps, de manière positive.

On peut aussi noter le rapprochement du loup garou avec l’aspect prolétaire. En effet, le loup garou est généralement associé à la notion de brute, une bête douée de forces pour exécuter des missions. On peut d’ailleurs penser à la conférence en 2019 qui faisait le lien entre Frankenstein et Marx.
Morgane Caussarieu note ainsi que dans Underworld, les vampires représentent traditionnellement la population qui suce le sang et donc qui oppresse, contre les loups garou.
Elle remarque par ailleurs, que le vampire est le fruit de son époque (dont la représentation évolue au fil du temps), contrairement au loup garou. Les incarnations du loup garou restent plus figées, expliquées en partie par Alex Nikolavitch par le fait que c’est un monstre renvoyé à son animalité, à quelque chose de plus primaire.

Ophélie Bruneau évoque la place de la meute chez le loup garou, et elle s’agace de voir qu’elle ne correspond jamais à la réalité d’une meute de loup. Il n’y a pas de mâle alpha (comme dans Blood Chocolate par exemple), c’est toujours un couple de loup qui gère la troupe.

Alex Nikolavitch note le loup garou, symbole du mis à l’écart, qui échappe aux catégorie mentales. C’est précisément ce qui est évoqué dans Teddy par exemple.

Je n’ai pu assisté qu’à 4 conférences, mais il y en avait des dizaines sur des sujets très divers: SF, biologie, féminisme, complotisme..Je constate avec plaisir que Les Utopiales s’impliquent de plus en plus dans les questions féministes. Il manque des thématiques axées sur la place des autres minorités dans la SF et la littérature, mais force est de constater que le festival assume de plus en plus son aspect progressiste.

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Avant d’évoquer les conférences, je souhaite faire un zoom sur l’exposition de l’auteur de la (magnifique) affiche des Utopiales 2019: Mathieu Bablet.
Traditionnellement, l’exposition du travail de l’auteur-e de l’affiche est exposée au début du parcours de chaque festivalier-ère.
J’aime beaucoup son travail, avec une précision extrême sur la perspective, qui donne vraiment une impression à la fois d’immensité des bâtiments, et de vertige.

« Âmes et thèmes de la Science Fiction chinoise »/ Wang. N et Zhang R.

Loin des yeux, près du cœur

Je ne sais pas pour vous, mais quand je pense à la science fiction, j’associe rarement des auteur-rices chinois-es. Alors quand j’ai vu sur le programme cette conférence, elle m’a de suite intriguée.
Et je n’ai pas été la seule. Une foule incroyable s’est agglutinée.

S’il y a une chose que l’on peut retenir c’est que malgré l’éloignement culturel de la Chine, les deux auteur-es disent que les problématiques qu’ils abordent ne sont pas loin de la culture occidentale. Les différences se situent davantage sur les éléments du quotidien (on utilise plus du bois,soie, bambou, et le pétrole est plus utilisé pour allumer le feu). Mais aussi dans la manière d’exprimer les sentiments, et surtout les relations avec les ancêtres/ainés. L’autrice conclue que finalement leur génération (20/30 ans) est plus proche de la culture occidentale que celle de leurs propres parents.

Ils ont grandi avec Jules Verne, mais aussi de la science fiction soviétique, mais peu de SF contemporaine.

J’ai noté également que la cyber littérature apparue plus dans les années 2000 est un véritable biais pour lire de la littérature SF. Les auteur-es écrivent des chapitres qui peuvent être commentés directement par les internautes. La rémunération se fait au nombre de vues.

La censure et la SF

Les Chinoi-se-s lisent beaucoup de littérature SF, sur leur téléphone et dans le métro. Il existe plusieurs conventions SF en Chine mais ils constatent que les personnes viennent pour faire dédicacer des ouvrages, pas pour écouter des conférences, comme aux Utopiales.

La question de la censure n’a pas été éludée. Mais la réponse a été attendue. Tous les deux disent que les auteur-es savent ce qu’ils peuvent dire ou pas, et comment les contourner au mieux, si besoin. De plus, la censure évolue au fil du temps, et rapidement. Elle est fluctuante. A un instant T, tel élément peut ne pas être un problème, mais peut le devenir 3 mois plus tard. Par ailleurs, il est possible de s’attaquer aux personnes politiques les plus basses au niveau hiérarchique. Plus on monte, plus c’est problématique.

Enfin, j’ai noté quelques ouvrages qui m’ont semblé intéressants à lire:
-Le problème à trois corps,
-L’insondable profondeur de la solitude,
et la plupart des livres écrits par Hansong.

J’ai enregistré une partie de la conférence. Le son n’est pas toujours terrible mais vous aurez le plaisir d’entendre les auteur-es Wang. N et Zhang R. parler leur langue.

Rencontre avec Agnès Florin, la femme qui fait parler les enfants

Agnès Florin, psychologue le précise d’emblée: le titre de la conférence ne lui correspond pas. En effet, elle dit qu’elle parle avec les enfants, mais les faire parler, non.
Compliqué d’aborder la communication des enfants en 1H. Le principe de la conférence a été de balayer l’évolution de la communication et de la compréhension du bébé et de l’enfant.
Petite pensée pour la personne pour posait des questions à Agnès Florin. Celle ci a pris un malin plaisir à ne pas être toujours très sympathique, ce qui a donné lieu à quelques moments un peu gênants.

Les bases

Elle commence par tenter de définir le langage. C’est une forme de communication. Le langage peut se manifester de différentes manière: physique, orale, via une langue. La langue renvoie à un code, une culture, une façon spécifique de se faire comprendre.

L’appareil auditif est quasi formé à la 25ème semaine de vie fœtale et à la 27ème semaine, il est similaire à celui des adultes. Agnès Florin nous apprend que si le fœtus peut déjà différencier les sons, il ne peut évidemment pas les associer à un sens.

L’évolution de la communication

Ainsi le regard est le premier élément de communication entre l’adulte et le bébé. Car l’adulte va parler au bébé tant que celui le regarde. En général, il s’arrête si le bébé détourne le regard.
A partir de 3/4 mois, l’apprentissage de la règle du dialogue s’instaure. Le bébé se tait pour laisser l’adulte lui répondre et vice versa.
Puis à 7/10 mois, c’est le début de la compréhension dans un contexte. C’est à dire que le mot chaussure n’est pas compréhensible. Mais associé à des actes (se préparer pour une promenade, avec un manteau), oui.
Ensuite, à 12 mois, 30 mots sont compréhensibles dans leur contexte et quelques uns hors contexte.
Enfin, vers 18 mois, on peut noter environ 50 mots dans un contexte.

Les 50 premiers mots des enfants varieront aussi en fonction des pays, et de leur culture.
Aux USA on a plus retrouvé des termes liés à l’argent, dans les pays du Nord c’est davantage des mots évoquant la maison. Et les petits français-es…la nourriture.

Le langage et sa culture

Elle indique que les mois qui précédent la parole sont primordiaux pour le développement de celui ci. L’écrit s’ancre dans l’apprentissage de l’oral.
D’ailleurs, à ce sujet, Agnès Florin soulève un point très intéressant concernant l’évaluation des enfants. Le système éducatif s’attache à juger la production, et non la compréhension des enfants. Parce que c’est plus simple à évaluer car factuel. Or, la production reflète-t-elle forcément la compréhension que nous avons d’un problème ou d’une situation?

Les nouveaux nés/bébés ont besoin de comprendre et d’apprendre. Mais aussi d’être reconnus pour leurs compétences. Il n’y a pas d’enfant compétent, si aucun adulte ne lui reconnait des compétences. Tout cela s’inscrit dans une relation avec les adultes où les bébés se sentent en sécurité pour explorer.

Enfin, elle indique qu’il ne faut pas oublier que pendant les 6 premières années de vie, l’extérieur de la vie familiale joue un rôle important (assistantes maternelles, écoles, crèches, etc…).
La question des écrans a été évidemment abordée, et sans surprise, Agnès Florin confirme leur nocivité. Surtout en termes de passivité. Car on apprend en faisant.
Par contre elle soulève un point peu entendu: le digital est mauvais d’abord pour les enfants qui ne sont pas favorisés (que l’on parle de relations sociales ou d’initiation à la culture).

Une conférence très intéressante pour aborder les bases du langages.

Rencontre avec Virginie Raisson Victor, la femme qui scrute le futur

Pour commencer, Virginie Raisson Victor est une géopolitologue. Elle est en charge du Laboratoire d’études prospectives et d’analyses cartographiques, qu’elle a créé avec son mari, Jean Christophe Victor.

Ensuite, il faut avoir en tête que le but de la conférence était d’apporter un regard sur comment aborder les changements futurs du climat de notre planète, mais aussi des comportements sociaux. Les deux étant intimement liés.

Puis, elle a rappelé que bien qu’on sait qu’un changement climatique est en cours, les proportions dramatiques du scénario qui va se dérouler, sont très floues.
En fonction des scientifiques, le degré de réchauffement varie non seulement entre eux, mais au fil du temps. On entend parfois 2°, 10°, 20…
Par conséquent, il est compliqué de se projeter sur des conséquences.

D’ailleurs, ces conséquences étant liés aux comportement sociétaux, la tâche s’avère d’autant plus difficile.
Lors de la conférence, Virginie Raisson prend l’exemple du mouvement de la honte de prendre l’avion (le flygskam). Ce mouvement n’avait absolument pas été anticipé, détecté. Et grâce aux réseaux sociaux, il a pris de l’ampleur rapidement. Ainsi, c’est un problème dont les compagnies aériennes commencent à s’emparer.

Par la suite, pour faire face aux changements, Virginie Raisson pense que la meilleure attitude à avoir c’est la capacité de s’adapter. Être capable de prendre du recul, et observer s’il est possible d’opérer des modifications, quelles qu’elles soient.
Car que nous le voulions ou non, ce changement va avoir lieu. Et elle précise que c’est ce qu’elle transmet à ses enfants. Elle évoque pendant la conférence, la mort de son mari en 2016, qui a demandé de la part de la famille, de s’adapter.

Cette conférence fût particulièrement intéressante parce que je me suis retrouvée sur beaucoup d’éléments de son discours. Et même si elle est en accord avec le fait de dire que le monde va mal, il ne faut pas baisser les bras alors qu’on ne connait pas encore précisément ce que sera fait notre futur…

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Emporté par la foule

Premier constat qui ne date pas d’hier, la foule. Cette année (jour férié oblige), le festival de science fiction a été plus que victime de son succès. On peut faire la queue 30/60 minutes et ne pas être sûr-e de pouvoir assister à une conférence ou un film. J’ai par exemple, fait la queue une demi heure (j’étais en milieu de queue, pas du tout en fin), pour une conférence et arrivée au bout, on annonce que la salle est pleine. Du coup les gens sont passés par l’autre côté de la salle, ce que j’ai également fait…
Ensuite l’évacuation de la salle était imposée par une petite sortie difficile d’accès pour l’ensemble de la salle…Et accéder à l’extrémité du bâtiment pour assister à une projection s’est révélé être le parcours du combattant.
La science fiction passionne et c’est tant mieux.

Le pire a été les conditions d’accès à la projection de Weathering with you. Au départ, le festival a confirmé qu’il n’était pas nécessaire d’avoir un billet. Puis devant l’effervescence, un système de contremarques a été mis en place, pendant la projection de The Room. Donc autant dire que la festivalière à côté de moi qui avait planifié d’aller faire la queue pour Weathering with you dès que The Room finissait, a été déçue.
Je n’ai pas de mérite, grâce à l’accréditation, j’ai pu avoir une contremarque dès le début des Utopiales. Je remercie d’ailleurs le service relation presse qui a bien communiqué les informations.

Les réactions sur les réseaux sociaux ne se sont pas fait attendre. Mais le festival a tenté de réagir en mieux en suspendant la billetterie du samedi, et en affirmant qu’ils réfléchissaient à de nouvelles solutions pour l’année prochaine…La suite au prochain épisode!

Le choix de Sophie

Toujours est il que la bonne nouvelle, c’est que les gens s’intéressent, et pas qu’au côté imaginaire de la Science Fiction. Parce que les Utopiales s’attachent à relier des problématiques présentes, d’actualité, à la Science Fiction. Cela veut dire que les gens se posent des questions sur leur monde, et son fonctionnement. Et surtout, sur son évolution, comment y faire face.

La mauvaise nouvelle si l’on peut dire c’est qu’il est très compliqué de faire un choix. La plupart des conférences sont toutes aussi intéressantes les unes que les autres pour une personne (trop) curieuse comme moi. Sans compter que si l’on veut aussi assister aux métrages qu’ils soient courts ou longs, on est obligé-es de faire des compromis.
Je privilégie toujours les longs métrages qui ne sortiront pas (ou peu) en France. Cette année j’ai pu notamment voir en avant première Little Joe (prix d’interprétation féminine), ou Proxima.
J’ai mis de côté les courts, tant j’ai été déçue de l’année dernière.

Parité y es tu?

Sur 234 intervenant-e-s tout confondu (littérature, sciences, BD, cinéma, expositions, pôle ludique, pôle asiatique et jeux vidéo), je compte 68 femmes. On est donc loin de la parité, ou de son approche.
Par contre, s’agissant du jury, on ne pouvait attendre mieux: sur 5 personnes, 4 sont des femmes!
Quand on entre dans le détail de la compétition internationale, les statistiques chutent. Et ce, malgré une nette amélioration de la représentation des femmes, par rapport à l’année précédente, il faut le noter. Ainsi, sur les 30 courts métrages, seuls 5 sont réalisés par des femmes. Concernant les longs métrages, 3 sur 8 ont une réalisatrice.

Par contre, il y a eu plusieurs conférences autour des questions du genre, ou des problématiques féministes. « Le genre est il un code? », « l’autrice et son ombre », « mon corps, mon choix », etc..Peu nombreuses au regard du nombre total de conférences, mais ce n’était pas non plus le thème du festival. Par ailleurs, les thématiques de ces conférences sont clairement assumées, avec des intervenant-e-s affirmant leur engagement (contrairement à l’année dernière).

Malgré la foule et le manque de temps pour couvrir un maximum de conférences et de projections, les Utopiales restent un rendez vous de la Science Fiction de haute qualité. J’en suis ressorti avec des réflexions enrichies sur la connexion entre notre société actuelle et la manière dont la Science Fiction s’en empare.

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1-Lifechanger, de Justin McConnel (Canada)

Le sujet:
Une entité doit prendre possession de corps en corps pour survivre.

L’avis:
Lifechanger fait clairement référence au Témoin du Mal, de Gregory Hoblit (1998). Cette entité maléfique qui navigue de corps en corps pour arriver à ses fins.
Ici, l’intérêt majeur du long métrage réside dans le fait qu’on pense que cette entité serait par nature mauvaise (après tout elle tue froidement et facilement ses proies), mais qui s’avère plus complexe. Habitée par l’amour envers une femme avec qui elle a des contacts au fil du temps, et sous différents aspects humains, homme ou femme, on finit par être attendri par ce personnage. Après tout, cet être ne fait que ce que nous faisons, humains, pour vivre: tuer des proies.  L’évolution du personnage et de ses réflexions (que se passerait il si je me laissais mourir?) offre un final surprenant et apaisant, bien qu’un peu bâclé.

Autre point fort de Lifechanger: les dialogues sont plutôt bien écrits, les voix off également, ce provoque une réelle empathie pour les personnages.
Lifechanger est par contre plombé par une mise en scène inexistante, des scènes longues et complètement inutiles à la narration (la fuite d’un des personnages suite à la diffusion de son portrait; la police ayant découvert les meurtres. On s’en fout royalement, c’est clairement pas l’enjeu initial du film).
Un bon moment, mais Lifechanger ne marquera pas les esprits.

2-The man with the magic box, de Bodo Kox (Pologne)

Le sujet: 
Dans un monde futuriste, un agent d’entretien vit une histoire d’amour avec une femme travaillant dans le même immeuble. Mais un poste de radio vintage vient perturber le cours du temps..

L’avis:
The man with the magic box est un long métrage qui brille d’abord par sa photographie qui rappelle des films comme Brazil de Terry Gilliam, et plus récemment La forme de l’eau de Guillermo Del Toro. Un mélange de vert, de brume, de carreaux noir et blanc, qui installent une ambiance anxiogène, peu avenante.
Sur fond d’agents secrets et d’expériences plus ou moins paranormales, le film crée beaucoup d’émulsions et d’actions pour un final sans intérêt. On oublie rapidement l’existence de la radio, qui passe clairement au second plan.
Heureusement, les acteur-rices sauvent le film, l’un jouant avec finesse l’amoureux éconduit mais tranquille, l’autre simulant avec efficacité une carapace (pour se protéger de quoi? On se le demande). On peut également noter quelques pointes d’humour pertinentes, qui font mouche.
Le vrai sujet du film s’avérant être une histoire d’amour perdue dans le temps.

3-Assassination Nation, de Sam Levinson (USA)

ATTENTION COUP DE COEUR! J’ai donc consacré un article à part entière sur ce long métage qui vous donne une bonne claque.

4-Freaks, de Zack Lipovsky & Adam B.Stein (USA)

Le sujet:
Une fillette de 7 ans vit recluse avec son père, qui craint des attaques meurtrières…

L’avis:
C’est un peu ma déception du festival. Le pitch de ce long métrage était prometteur. Je suis toujours friande de la présence d’enfants dans le cinéma de genre, élément narratif tabou dans ce type de film, et qui donc peut s’avérer intéressant, soulevant des problématiques pertinentes.
Pour couronner le tout, le programmateur de la sélection survend le film en disant que depuis qu’il est montré en festival en septembre, il est étonné que ni journalistes, ni festivalier-ères n’ont spoilé la fin, qui s’avère être surprenante. Freaks serait même un tournant dans le cinéma de genre. Spoiler alert du coup: non. Le film est plutôt bon, mais original, non.

Commençons par ce qui fâche. Freaks retrace en fait le combat de personnes dites « anormales » pour avoir le droit d’exister dans une société hostile. Celle ci a surtout peur de son incapacité à maîtriser des êtres plus performants. Ça vous dit quelque chose? Comme X Men? District 9? Planète Hurlante? La planète des singes? Les tortues Ninja? (joke). Bref, la surprise tourne vite court, car le secret est vite dévoilé.
Non seulement, l’enjeu du film est classique, mais en plus les éléments narratifs à l’intérieur le sont aussi (communication mentale, possession des esprits, fatigue des protagonistes suite à une grosse concentration….). C’est finalement la première demi heure qui est la plus intéressante. On navigue entre ce qui nous semble être un rêve, un cauchemar, du paranormal ou l’imagination d’une enfant qui donne un petit côté Alice aux Pays des Merveilles.

Mi freaks, mi raisin

Là encore, le long métrage est sauvé par l’interprétation des acteur-rices, notamment la petite fille. Elle est quasiment sur tous les plans, et parvient à parfaitement transmettre la peur, le besoin d’amour, la quête, la force, le combat…
Le décor de la maison transformée en bunker est réussi, on y croit, et les effets spéciaux s’en tirent plutôt bien malgré la petite équipe et le budget réduit.
Ces deux éléments font que je ne me suis pas ennuyée. De là à dire que Freaks restera dans ma mémoire…

En tout cas, depuis il a fait la tournée des festival et a fait sensation. J’ai lu plusieurs articles à son sujet et il a l’air d’avoir été plutôt bien apprécié dans l’ensemble.

5-Worlds of Ursula K. Le Guin d’Arwen Curry- Documentaire

Quatre documentaires étaient projetés cette année, mais je n’ai eu le temps d’en voir qu’un. Il s’agit du long métrage Worlds of Ursula K.Le Guin, une auteure célèbre en Science Fiction (que je ne connaissais pas). Elle est décédée en janvier 2018, à 88 ans.

Ursula K.Le Guin donna l’impulsion de nouveaux genres, et il est considéré qu’Harry Potter n’aurait pu exister sans elle.
J’ai retenu deux séries de romans à lire: Dépossédés, réflexion sur une société anarchique, et La main gauche de la nuit où les personnages sont asexués, dans un monde climatique difficile.

N’ayant pas sa langue dans sa poche et féministe en décalage (en pleine révolution féministe des années 70, elle tient à son mariage heureux, et s’épanouit au foyer avec trois enfants), elle consacre chaque jour du temps pour écrire.
Ses difficultés étaient double: le genre de science fiction en littérature n’était pas reconnu à l’époque, considéré comme un sous genre (ce qui fait écho à la situation du cinéma de genre en France par exemple). De plus, c’était une femme, dans un monde d’hommes (et plutôt machos).

J’ai beaucoup aimé le fait qu’elle accepte parfaitement que ses œuvres soient critiquées. Elle a en plus, la capacité d’écouter et de remettre en cause ses écrits.

Le documentaire suit une chronologie classique mais quelques passages de ses livres sont brillamment animés. Le film est très efficace pour faire dévoiler cette auteure et donner envie de se plonger dans les écrits d’Ursula K.Le Guin. Une belle découverte.

Il se trouve qu’entre temps j’ai lu La Main Gauche de la Nuit et que je n’ai pas été convaincue. La fin du livre est plutôt prenante, mais l’ensemble du livre et relativement froid et les éléments liés aux personnes transgenres ne sont pas exploitées.

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J’aime:
La diffusion de courts métrages attire. Chaque séance est pleine à craquer. Et si l’on prend en compte l’offre culturelle foisonnante du festival, c’est même une performance. Une idée à propager dans l’ensemble des cinémas avant une séance…?
Par ailleurs, les courts métrages d’animation sont intégrés à l’ensemble des courts. Il n’y a pas de catégorie animation, séparée des autres œuvres, comme bien souvent. Ce qui renforce l’idée que l’animation est un genre de cinéma comme un autre (coucou les Césars!).

J’aime moins:
Le cru 2018 est passable. On se demande même pourquoi certains métrages ont passé la sélection…On peut regretter la quasi absence d’œuvres françaises (3/34), malgré un gros effort de présenter des métrages européens.
Enfin, la quasi absence de réalisatrices une fois de plus ( 4/34 œuvres)…

Amérique

Papilloplastie, de David Barlow Krelina (Canada)

Le sujet:
Papilloplastie est un court métrage d’animation narrant l’itinéraire d’un client d’une clinique, adepte de la chirurgie plastique.

L’avis:

Peu réussi esthétiquement, Papilloplastie tente de se rapprocher de son audience dès le début en donnant les traits d’un frère Bogdanov, à son personnage principal. Connus pour avoir le visage déformé par la chirurgie plastique, cela a le mérite de provoquer d’emblée quelques rires.  Seulement par la suite, rien ne décolle. Ni les personnages, ni l’intrigue. On déambule avec le personnage dans un lieu futuriste, déjà vu. La critique est simple, celle de l’addiction de la chirurgie esthétique, de la course à la soi disant beauté, qu’on ne peut pas constater ici. Le final laisse les spectateur-rice-s dubitatif-ves: le personnage se transforme en papillon; une métaphore de la transformation?

Riley was here de Jon Rhoads et Mike Marrero (USA)

Le sujet: 
Un homme vient se shooter pour ressentir ce que peut vivre un zombie.

L’avis:

L’idée de départ est originale. Nous sommes dans un monde actuel où hommes et femmes perdent forcément un être cher à cause d’un virus zombie. Malgré l’existence d’un vaccin, certaines personnes cherchent à retrouver, ou à comprendre les réactions que peut provoquer quand on est à l’état de zombie. Final prévisible et mise en scène simple, mais on passe un bon moment entre rires et suspens.

Space Flower, de Pam Covington (USA)

Le sujet:
Amoureuse d’un robot mais dont l’union est interdite, une héritière d’un empire de chips est envoyée en orbite par ses parents.

L’avis:
Space Flower est le court rafraichissant de la session. Décor assumé en carton pâte, du vaisseau aux accessoires, en passant par le robot, on prend plaisir à suivre les déboires adolescents de l’héroïne. Ca ne se prend pas la tête, sans grande prétention, et pour une fois cela aborde la SF de manière optimiste..

Occupant, de Peter Cilella (USA)

Le sujet:
Un homme constate qu’un double mystérieux s’infiltre dans sa maison.

L’avis:
Captivant, mais bien trop court pour le coup. On reste sur notre faim, dans la mesure où c’est une histoire vue et revue (un homme constate qu’un extraterrestre utilise un double de son corps pour prendre possession de sa vie).

The Replacement, de Sean Miller (USA)

Le sujet:
Afin de satisfaire l’envie des humains de vivre plusieurs vie, la mise en fabrication de clones est devenue monnaie courante. L’un des premiers à avoir passer le cap regrette amèrement ses choix, le jour où lui agent d’entretien voit un de ses clones devenir Président.

L’avis:
Sur une idée (très) classique dans la science fiction (l’utilisation de clones), un élément beaucoup plus pertinent se greffe: la frustration de l’être humain de, soit ne pas vivre la vie souhaitée, ou la curiosité de savoir quelles vies un ou des autres sois peuvent vivre. Vous me suivez?
Malheureusement, cet aspect est finalement peu exploité, et on reste en surface. Pourtant il y avait matière (préférence des humains d’élire un clone plutôt qu’un humain, la résistance, etc…).

Edge of Alchemy, de Stacey Steers (USA)

Le sujet:
Edge of Alchemy est une revisitation de Frankeistein via un procédé impressionnant. La réalisatrice a sélectionné des scènes des actrices de Mary Pickford et Janet Gaynor dans des films muets des années 30, pour les intégrer dans 6000 collages.

L’avis:
Le court qui aura gagné mon vote! Et pourtant, compte tenu des échos que j’ai pu entendre, il est loin d’avoir faire l’unanimité (certains ont même parlé de souffrance!). Il est vrai qu’il est n’est pas forcément accessible et même parfois difficilement compréhensible. Pour autant, l’univers onirique produit par le procédé est tellement fascinant, que je me suis laissée portée.

The Cure, de Mike Olenick (USA)

Le sujet:
A vrai dire, on ne sait pas très bien. Des extraterrestres utilisent les humains pour tester..quoi? On ne sait pas…au milieu d’une peur de la solitude.

L’avis:
Une catastrophe. Rien ne va pas. La photographie est affreuse, digne d’un feuilleton des feux de l’amour. La mise en scène se contente d’enchaîner littéralement des zooms avant/arrière en permanence ce qui agace profondément. La qualité des dialogues est inexistante donc on ne comprend pas le sens des actions des personnages, et encore moins l’enjeu. Les maquillages sont drôles malgré eux (une sorte de pâte verte recouvre les acteur-rices). Là vraiment, je me demande comment il a pu passer la sélection.

Information Superhighway de Mathew Nelson (USA)

Le sujet: 
Des pilotes testent des voitures équipées d’intelligence artificielle.

L’avis:
Bénéficiant d’une belle photographie en noir et blanc, le court m’a laissée sur le côté. Mélange de scènes de voiture, de points économiques, j’ai trouvé que l’aspect expérimental se prêtait mal pour traiter de ce sujet.

Rust in peace de Will Welles (USA)

Le sujet: 
Un robot sort d’une décharge et rejoint son compagnon humain.

L’avis:
On s’attache vite à ce robot, à l’allure d’un predator mignon, errant dans un paysage désertique, tel un Wall e. Face à la solitude de son maître ou de son ami, il apparait plus humain que l’être humain. Classique mais soigneux dans sa mise en scène, le court métrage ne cesse de surprendre dans l’évolution de cette relation, pour une fois positive (ou presque) entre l’homme et la machine.

RFLKTR de Matt Turner (USA)

Le sujet:  
Une commandante s’échoue sur une planète déserte et est confrontée à son double.

L’avis:
Images soignées mais intérêt 0. Le court était à l’origine dans la session 4 mais a connu des problèmes techniques. Les Utopiales l’ont donc reprogrammé pour la session 5. Ce n’était pas nécessaire.

Europe

L’auxiliaire, de Frédéric Plasman (Belgique)

Le sujet:
L’auxiliaire met en scène une femme, visiblement mal en point, victime d’une voix, de pensées qui semblent la diminuer de plus en plus.

L’avis:
Mise en scène classique, le décor est plus intéressant: des sortes de ruines forment un cercle autour de la femme. Comme une spirale. Le problème c’est que le court devient intéressant à la fin, quand on comprend que c’est une puce sensée booster les performance du cerveau, qui est la voix off, et dont la femme cherche à se débarrasser. Dommage, car le reste du film porte à confusion, et ni la mise en scène, ni le monologue ne sont suffisant captivants pour s’y accrocher. Et puis surtout, on aurait aimé en savoir plus sur cette puce, plutôt que de regarder les déambulations du personnage.

Laura & Vineta, de Roberts Kulenko (Lituanie)

Le sujet:
Un cultivateur de pommes de terre se voit confisquer son champs suite à l’atterrissage d’OVNI…

L’avis:
La première session de courts métrages, se finit sur une touche humoristique avec Laura & Vineta. On s’amuse devant la tendre passion du personnage (et ses compagnons), pour ses patates. Je n’ai pas bien vu l’intérêt du film (une comédie n’est pas forcément dénuée de sens pour autant), qui reste très classique dans sa mise en scène.

Cyborgy, d’Adam Zadlo (Pologne)

Le sujet:
Des robots balançant la cadence, sont perturbés par l’arrivée d’un virus.

L’avis:
Film d’animation expérimental, Cyborgy est plus intéressant dans sa forme que dans son fond. L’utilisation de pâte à modeler pour matérialiser le virus donne un rendu plutôt efficace. La scène la plus originale est la représentation du bug qui survient, représentant une sorte de combat, de lutte pour tenter de trouver un raisonnement malgré tout.

Voyager, de Kjerstl Rasmussen (Norvège)

Le sujet: 
Dans un pays froid, des étoiles filantes amenant des visiteurs extraterrestre sur une base stockant des semences, perturbe l’équipe sur place.

L’avis:
C’est intriguant, la photo est belle, mais encore une fois ce type d’amorce mériterait un traitement plus long. Le-a spectateur-rice est trop habitué-e à ce genre de scénario pour accepter de rester sur une telle fin, inaboutie (Pourquoi vont il chercher la semence en nombre? Pourquoi du végétal doit être associé à un humain?..)

Reruns de Rosto (France)

Le sujet: 
L’évolution d’un personnage à différents stades de sa vie, à travers un rêve.

L’avis:
Mélange de prises de vues réelles et d’animation, ce métrage s’avère divertissant. Le personnage est plutôt attachant (tantôt enfant, tantôt adulte maladroit, tantôt squelette…). Le court manque de structures, ce qui finit par nous perdre, avec des répétitions qui paraissent inutiles (la récurrence du prof qui n’apporte pas grand chose). Ceci dit, est ce dû au manque de structure de la plupart des courts de cette session5

Ugly de Nikita Diakur (Allemagne)

Le sujet: 
L’itinéraire d’un chat sous l’oeil bienveillant d’un Amérindien.

L’avis:
C’est plus par la forme que par le fond qu’Ugly se démarque. Tout est carré ou octogonal. Cela donne un aspect appelant évidemment la rigueur d’un monde mais aussi son aspect fantastique. Cela peut gêner car pouvait rappeler un jeu vidéo médiocrement réalisé, mais c’est pourtant ce qui m’a aidée à suivre les aventures de ce chat qui s’avèrent peu intéressantes.

72% de Lluis Quilez (Espagne)

Le sujet: 
Le corps humains est composé de 72% d’eau. Dans un décor désertique, 4 personnage se partagent minutieusement une bouteille d’eau qui se remplit petit à petit grâce à une unique goutte d’eau.

L’avis:
J’ai entendu autour de moi des soupirs de soulagement quand le court s’est fini. Car il était apparemment trop long et lent. Personnellement j’ai beaucoup apprécié cette montée en puissance des problèmes qui vont amener à la mort de chacun-e. Chaque catégorie de la population a été tentée d’être représentée (la femme noire et mère, la personne handicapée, le gros homme d’affaires….). Et l’issue fatale est à l’image de l’incapacité de l’homme (et a priori non pas de la femme), d’être raisonnable.

Spinning record d’Emily Downe (Royaume Uni)

Le sujet:  Bonne question.

L’avis:
A vrai dire je n’ai même pas eu le temps de le voir. Il dure quelques secondes, et on l’on voit une succession d’images, de chiffres, de personnages. On a pas le temps de faire de liens, de comprendre.

Lo Siento Mi Amor d’Eduardo Casanova (Espagne)

Le sujet: 
L’explication de l’assassinat de Kennedy…

L’avis:
Le court métrage WTF par excellence. Si vous avez envie de voir Jackie Kennedy baiser avec un extraterrestre, et commanditer via son amant le meurtre de son mari…Essayez de le voir. Mention spéciale aux décors qui sont particulièrement soignés, avec le rose de la tenue de Jackie Kennedy un peu partout. Le film a le mérite de mettre mal à l’aise. A part ça…

Asie

Emergency stair, de Mae Hwa Park (Corée du Sud)

Le sujet:
Une stagiaire en marketing est missionnée pour apporter des documents au département RH. L’ascenseur étant en panne, elle emprunte des escaliers qui la feront tourner en rond.

L’avis:
Critique de la pression managériale dans les grandes entreprises, Emergency stair utilise l’aspect fantastique (une femme coincée dans une faille spatio temporelle), pour communiquer une envie de se libérer du dictat patronal. Le film tourne rapidement en rond, mais propose un final intriguant juste avant qu’on commence vraiment à s’ennuyer. Sympathique, j’ai finalement voté pour celui-ci.

Walking meat de Shinya Sugai (Japon)

Le sujet: 
Les zombies sont utilisés comme viande pour nourrir les humains. Après une panne dans une usine à viande, des salarié-es vont devoir s’unir pour survivre.

L’avis:
C’est déluré, c’est fun, c’est acide parfois (notamment sur l’égocentrisme des humains). Esthétiquement c’est plutôt réussi, mais le court se démarque vraiment lors des scènes d’action qui sont particulièrement entrainantes. Sans grand intérêt, mais divertissant.

Irony, de Radheya Jegatheva (Australie)

Le sujet: 
Plaidoyer contre notre utilisation des réseaux sociaux.

L’avis:
Film d’animation brillamment  réussi, constitué de successions de plans maîtrisés et logiques, on plonge facilement dans cette réquisition contre l’orgueil humain, utilisant les réseaux sociaux. Malheureusement, le discours a déjà été entendu 1000 fois pour se démarquer, et manque surtout de nuances, et manque de tomber dans la caricature (je ne suis pas sûre que toutes les femmes qui aiment se montrer sont dans le fond, dépressives…)

Retour sur:
>Les Utopiales- Edition 2018- Bilan général
>Les Utopiales- Edition 2018- Conférences
>Les Utopiales- Edition 2018-Longs métrages

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1-Frankenstein VS Marx

2-L’invasion des profanateurs: parasite-fictions

3-Le corps des machines

4-Enregistrement de l’émission « Mauvais Genres » par François Angelier (France Culture)

5-Worlds of Ursula K. Le Guin d’Arwen curry- Documentaire

En introduction, un mot du Président des Utopiales, Roland Lehoucq, sur la téléportation quantique:

1-Frankenstein VS Marx

Les influences de Mary Shelley

Les conférences des Utopiales démarrent toujours pas un sujet qui fait la synthèse du thème. Ici il a été question de soulever quels points dans l’œuvre de Frankenstein sont une métaphore, ou une référence au prolétariat et à l’aristocratie. Comment peut on interpréter les réflexions de Marx, à un tel livre? Le défi semble plutôt intéressant!

Jeanne A.Debats, programmatrice des Utopiales prend rapidement la parole pour rendre hommage à Mary Shelley, autrice de Frankenstein, figure pionnière du corps dans la Science Fiction. Et que malgré une éducation aristocratique (entourée d’un père libraire/écrivain et d’une mère féministe écrivaine, Mary Wollstonecraft), elle a transgressé les rôles habituellement attribués aux femmes pour écrire un tel roman. On peut prendre simplement l’exemple d’utiliser un drame qui lui est arrivé (enfant mort né), comme élément narratif de base.

Par ailleurs, il est dit que si on se réfère au mythe grec, le prolétaire des Dieux est Sisyphe (et non pas Prométhée, comme le sous titre du livre: Frankenstein ou le Prométhée moderne). En effet, Mary Shelley utilise la version grecque d’Eschyle où le Titan est à la fois le créateur de l’Homme, et celui qui donne le feu, à l’origine de la civilisation.  Car Sisyphe conteste aux Dieux le droit de lui donner la mort, il veut rester sur Terre. Donc Mary Shelley oppose la raison à la divinité.

Corps et prolétariat

On se demande si Victor Frankenstein n’essaye pas de créer le corps parfait d’un travailleur via sa créature. Le travailleur serait donc ainsi esthétiquement laid, à faire peur. Il n’est pas heureux dans son corps, il souffre, et il n’a pas le droit non plus de ressentir des émotions. Dans ce cas, Victor lui refuse tout, et le considère comme une menace à exterminer. On est bien dans la déshumanisation du travailleur.
La peur de la créature peut évidemment symboliser la peur de l’aristocrate (Victor), face au prolétaire, et surtout son désir d’émancipation.

Un des intervenants explique que pour lui, il ne peut pas y avoir de parallèle aristocratie/prolétariat en terme de création (à l’image de la créature), car l’aristocratie n’a pas créé le prolétariat; c’est un rapport de force.
Il est plus sensible à la représentation du monstre, qui veut s’émanciper.
Il est constaté que le corps est impacté par la catégorie sociale. En cela, la créature peut bien symboliser les conditions du travailleur, et du dominé, qui est dégradé physiquement et/ou moralement.
Et pour faire un lien avec le cinéma d’aujourd’hui, il est noté que les catégories sociales supérieures sont surreprésentées (avocat, médecin…) dans la plupart des genres de film, et notamment les comédies. A contrario, quand ce sont des travailleur-euse-s, ce sont quasiment systématiquement des drames sociaux.
Ainsi, dans Frankenstein, les catégories sociales inférieures, dont fait partie Justine, la domestique est rapidement oubliée par Victor et Elizabeth, alors que celle ci subit une condamnation à mort injuste, pour le meurtre du petit frère de Victor.

Vous aviez déjà assisté à des conférences qui arrivent à manier si bien deux sujets en apparence différents?

Les diktats

Jeanne A.Debats va même plus loin dans le parallèle de la création du monstre en prenant l’exemple des femmes, soumises à des diktats qui modifient leur corps. De façon volontaire (en s’affamant, en s’opérant), ou pas (le fameux point du mari).

Marx souhaitait utiliser les institutions (représenté par la créature) pour changer la société, alors que les anarchistes étaient conscients que le monstre était justement impossible à contrôler, donc ne pouvait être un outil. Victor serait il Marx? Car même s’il fait parti de l’aristocratie (et en a des réflexes), il ne correspond à ces codes: il refuse l’autorité, la religion, le conformisme…il remet en cause les institutions.

La moralité

Enfin, une des questions centrales dans Frankenstein est abordées: la créature est elle mauvaise par essence ou pas? Jeanne A.Debats estime que non dans la mesure où rien ne le destinait à être violent, d’autant plus que son premier meurtre est dû à de la légitime défense.

Au contraire, le modérateur estime que la créature n’est ni bonne ou mauvaise par nature, elle est neutre. Elle agit sans dimension moraliste, mais de la façon qui lui semble la plus naturelle possible (en aidant l’homme aveugle par exemple).
Ce qui amène un débat concernant des notions comme l’empathie. Est elle à mettre dans la morale ou non? Selon le modérateur, l’empathie peut parfaitement faire partie de la neutralité.
Dans tous les cas, c’est parce que les relations sociales existent qu’il peut y avoir une dimension moraliste.

Une des conférences les plus abouties, qui soulève beaucoup de questions et qui a été plutôt aisée à suivre si on a lu le livre de Mary Shelley.

2-L’invasion des profanateurs: parasite-fictions

Une des conférences les plus passionnantes à mon sens. L’intérêt était d’apporter le point de vue d’un scientifique, qui ne connaissait absolument rien à la Science Fiction, et un paléontologue, lui amateur du genre.
Par conséquent, le scientifique apportait vraiment un point de vue neutre, objectif, sur la comparaison entre les parasites au cinéma, et ceux connus sur Terre.

Nous avons donc appris qu’il est impossible à l’heure actuelle de savoir si des organismes zombies existent. En effet il n’y a pas de définition claire et universelle du mot zombie.
Par contre, il existe des parasites qui sont capables d’infecter des insectes, et de les contrôler. Le but était de les exposer à la bouche d’herbivores, qui les mangeront, et le parasite pourra proliférer à l’intérieur de ces derniers.
A noter que le scientifique reste septique sur un organisme parasitaire comme celui d’Alien. Il trouve curieux pour la survie de son espèce, de compter sur la venue aléatoire de mammifères sur leur planète relativement déserte!

La plupart des questions des festivalier-ères étaient en lien avec le fait de savoir s’il serait possible que le monde soit victime d’une épidémie destructrice, comme on peut le voir souvent au cinéma. Et la réponse est…non, soyez rassuré-es! La raison étant que même si les humain-es voyagent plus et plus loin facilement, chaque organisme est différent. Il paraît compliqué qu’un organisme toxique ait la capacité de s’adapter rapidement à l’ensemble des êtres vivants. Il y a eu l’exemple de la peste noire qui a décimé 1/3 de des européen-ne-s, mais elle a aussi été propagée par manque de savoirs sur les transmissions contagieuses. Aussi parce que les corps infectés servaient d’armes de guerre.

3-Le corps des machines

Les conférences sur la robotiques sont très nombreuses. Mais cette conférence porte plus sur nos rapports aux robots, que leur représentation dans l’art.Pour autant, un des intervenants note que le robot qui ressemble à l’humain est lié à la SF « haut de gamme », c’est à dire sous des traits humains. Dans ce cas, l’idée est plus d’interroger l’humanité, mais rarement une réflexion sur la machine en elle même. Ils conseillent la série Westworld.

Pourquoi la thématique des machines fascine autant? Selon les intervenants, être une machine c’est pouvoir se réparer, s’améliorer: il y a une notion de contrôle, cher à l’humain.

La machine a un genre? Il est masculin en majorité.  D’ailleurs « androïde », andro veut dire homme. Alors que le 1er androïde est une femme (Métropolis de Fritz Lang, 1927), les intervenants tombent d’accord sur le fait qu’une fois de plus, le masculin s’est imposé.

Le robot: un animal comme les autres?

L’un des invités fait un parallèle entre spécisme et anti spécisme (pour les anti spécisme; ce n’est pas neutre de désigner les animaux comme espèce). Est ce que cela serait pareil pour les machines?
Il est acquis que ce n’est pas normal de frapper son chien, alors qu’un Iphone si. Pourtant, si on compare les deux QI, on n’est pas sûr-e-s que le chien gagne.
Peut on écraser une araignée? une vache? une fourmi? où est la limite? On ne la fixe déjà pas pour les animaux. C’est une question complexe, non binaire.
L’un des intervenants va plus loin en se demandant quel sera le racisme de demain? Il constate que nous n’avons aucun questionnement sur l’utilisation de nos outils.

D’ailleurs la perception des machines dépend des cultures. En SF japonaise, le rapport avec les machines est plus philosophique. Les japonais-e-s ont une envie de nuance car ils-elles ont un fond animiste.
A contrario, en Occident, nous avons une véritable peur. Car nous craignons de devenir une machine, c’est à dire rien. On a le sentiment de perdre quelque chose, de ses caractéristiques humaines.
Alors qu’au Japon on a compris qu’on était déjà greffé à des améliorations, qu’on était déjà dans le transhumanisme (téléphone, électricité, prothèse, lentilles, lunettes….)

Quel avenir avec les robots?

Par ailleurs, nous n’avons pas de mot pour désigner la haine des machines: on ne les considère pas comme un opposant, comme une menace réelle.
Alors que les IA commencent à faire parfois mieux que nous (un pigiste se contente des flux AFP, une machine peut le faire, les médecins notamment dans le domaine de la recherche contre le cancer). Un des intervenants pense que nous ne sommes pas préparés à ces évolutions.

Mais ils défendent l’idée qu’il peut être bon de remplacer les tâches/boulots pénibles par des machines (a t- on besoin qu’un être humain fasse des tâches robotiques comme fixer un rdv par téléphone?).
Cela peut être l’occasion d’accompagner les gens vers des métiers plus intéressants et de repenser le fonctionnement et le sens que l’on veut donner à une société qui aurait besoin d’être soudée (via l’idée du revenu universel par exemple).

Malgré tout, ils notent qu’il ne faut pas avoir peur du progrès. Il faut l’accompagner et c’est peut être là où il y a des lacunes. Mais ce type de conférences fait froid dans le dos.

4-Enregistrement de l’émission « Mauvais Genres » par François Angelier (France Culture)

Vous pouvez réécouter l’émission ICI.

Les conférences aux Utopiales prennent aussi la forme d’émissions de radio. Après une rapide (trop courte) présentation de la programmation du festival, François Angelier recevait Gilles Dumay, éditeur Albin Michel Imaginaire, avec sa collaboratrice Eva Sinanian (qui n’était pas indiquée sur le programme, mais passons).
La particularité de cette maison d’édition étant le fait de publier que des auteur-es qui assument le fait d’écrire uniquement de l’imaginaire. Pas simplement placer des éléments imaginaires dans un récit plus ou moins classiques.
J’ai beaucoup aimé la façon de Dumay de décrire en quoi l’imaginaire est indispensable pour raconter le présent, et la réalité. On ressent une vraie passion pour cet aspect littéraire, qui pour lui est autant important dans les livres, qu’au cinéma, que dans les jeux vidéos…

A ses côtés, l’auteur d’American Elsewhere , Robert Jackson Benett et malgré un pavé de 800 pages, j’avoue que le livre donne envie.
« Veillée par une lune rose, Wink, au Nouveau-Mexique, est une petite ville idéale. À un détail près　: elle ne figure sur aucune carte. Après deux ans d’errance, Mona Bright, ex-flic, vient d’y hériter de la maison de sa mère, qui s’est suicidée trente ans plus tôt. Très vite, Mona s’attache au calme des rues, aux jolis petits pavillons, aux habitants qui semblent encore vivre dans l’utopique douceur des années cinquante. Pourtant, au fil de ses rencontres et de son enquête sur le passé de sa mère et les circonstances de sa mort (fuyez le naturel…), Mona doit se rendre à l’évidence : une menace plane sur Wink et ses étranges habitants.
Sera-t-elle vraiment de taille à affronter les forces occultes à l’œuvre dans ce lieu hors d’Amérique ? »

Les Utopiales s’attachent à proposer des conférences passionnantes, avec des intervenant-es qui prennent le temps de creuser le sujet. Le tout en restant accessible. Le succès de ces conférences est amplement mérité.

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Le corps, thématique 2018

Cette année le thème était le corps dans toute sa diversité: en tant qu’organisme, outil, sa perception, ses modifications…Le transhumanisme (la transformation du corps allant des lunettes à une prothèse, en passant par tout équipement améliorant l’humain), était donc au cœur du sujet. Un sujet passionnant qui donne lieu à l’exploration de thématiques diverses (les parasites, les robots…).

Ainsi, le thème de Frankenstein, imaginé par Mary Shelley, en 1816 était présent dans quasi toutes les conférences. Une façon de rendre hommage à la femme qui a  créé un nouveau genre pour les 200 ans à venir.

Les femmes, oubliées

Ce qui est cocasse quand on constate le peu de présence des femmes aux Utopiales.  Le Festival peine (comme beaucoup), dans la représentation des femmes, et ce n’est pas nouveau.

Mais ce n’est rien quand on regarde l’ensemble de la programmation:
-Littérature: 28 femmes sur 83 intervenant-es et invité-es,
-Science: 17 femmes sur 57,
-BD: 5 femmes sur 28,
-Cinéma: 0 femmes sur 16,
-Expositions: 1 femme sur 8,
-Pôle ludique (jeux de rôles, etc..): 2 femmes sur 18,
-Jeux vidéos: 3 femmes sur 15.

Au total, sur 224 intervenant-es et invité-es, on compte seulement 56 femmes. Et si on veut se faire mal les femmes représentent 25% des intervenant-es…

Faire l’effort de représenter des femmes n’a rien de revendicatif, et ne peut être perçu que comme une démarche militante. C’est simplement respecter l’opportunité de donner à chacun-e  de la visibilité, et ainsi de proposer une richesse de points de vue.

Pour avoir échangé sur les réseaux avec une des programmatrices, c’est à priori par manque de réponses et de disponibilités des femmes, s’il y en a eu peu. Je ne doute pas de la bonne volonté du festival, à suivre.

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