Comment qualifier une série féministe ? 

Loin de moi la prétention de décider ce qui est féministe ou pas, alors heureusement, il existe quelques tests permettant d’entamer une réflexion sur la représentation de personnages féminins dans les œuvres de fiction :

• Le test de Bechdel-Wallace, le plus connu, qui repose sur trois critères : Il doit y avoir au moins deux femmes nommées (nom/prénom) dans l’œuvre. Qui parlent ensemble. Qui parlent de quelque chose qui est sans rapport avec un homme.
• Test de Mako Mori : le scénario propose un personnage féminin qui ne se limite pas à être un faire-valoir des personnages masculins.
• Le test de la lampe sexy : propose de remplacer un personnage féminin par une lampe, et de voir si l’histoire est modifiée. 
• Le test John Wick : propose de remplacer le personnage féminin par un petit chien et de voir si on obtient la même réponse émotionnelle.

Le sujet des oeuvres est aussi à prendre en compte : ok il y a un lead féminin, ok il y a autant de personnages féminins que masculins, mais de quoi parle l’oeuvre ? Aborde t-elle concrètement des problématiques auxquels sont confrontés les femmes ? 

Un nouveau test entre en jeu, dans une société de plus en plus polarisée : le test Furiosa, nommé d’après le personnage de Mad Max. Inspiré par de nombreuses critiques d’internautes mécontents de voir autant de personnages féminins. Le test pose une seule question : «est-ce que des internautes s’énervent parce que ce film est féministe?»

La fenêtre d’Overton comme mesure du progrès

La fenêtre d’Overton, aussi connue comme la fenêtre de discours, la métaphore désigne l’ensemble des idées, opinions ou pratiques considérées comme plus ou moins acceptables par l’opinion publique.
D’abord, le féminisme est perçu comme marginal, militant, voire menaçant pour la norme télévisuelle. Puis, il devient un sujet acceptable, débattu, mais pas encore majoritaire. Puis il se normalise aux yeux de la majorité et des nouvelles générations.

• Etape 1, l’impensable : Parler du sexe féminin à la télé. Avoir une série qu’avec des femmes. Avoir une série sur des femmes voilées. 
• Etape 2, le radical : Les séries montrent des femmes qui rejettent les rôles traditionnels, indépendantes, sans maris, sans enfants, qui ne sont pas hétéro. 
• Etape 3 : l’acceptable : Les séries poussent le curseur du féminisme dans la fiction et dans la comédie (c’est ok car ça ne dérange pas trop, mais ça veut quand même faire réfléchir). 
• Etape 4 : le soutenu : Les séries doivent donner la parole aux femmes sur des sujets importants comme les VSS (violences sexistes et sexuelles). MeToo a eu son importance sur cette étape.
• Etape 5 : le normal : Le féminisme dans les séries est courant, voir attendu par la majorité. 

La «Trump era» : un recul des avancées sociales

En Europe comme aux Etat-unis, la montée des populismes et les tensions économiques polarisent la société : montée du masculinisme, retour du conservatisme, trends trad wives et skinnyTOK, abrogation des lois d’inclusivité Meta, recul des droits à l’avortement… Le pouls de la société se mesure aussi à travers les contenus générés à son époque.

On s’est rejoui.es depuis quelques années d’avoir plus d’oeuvres par et pour les femmes, mais il faut veiller à ce que ça le reste. On commence à voir un léger déclin dans l’industrie ces deux dernières année.

Le conservatisme voudrait fermer la fenêtre d’Overton, que certains sujets redeviennent tabous (retournent à la phase de l’impensable). On doit veiller a ce que le progrès ne soit pas perdu, et cela passe aussi par les informations qu’on trouve sur internet.

Dans l’objectif de laisser la fenêtre ouverte, je vous propose une liste chronologique de séries importantes, avant qu’elles ne soient oubliée par les algorithmes de classement.

Sex and the city (1998) – Drame romantique

La série ne passerait pas aujourd’hui le test de Bechdel. Je ne vais pas m’attarder dessus car je n’ai pas réussi à finir la première saison. Voir évoluer ces femmes (très) riches dans une société hétéronormée, grossophobe et privilégiée était pénible.

Mais remise dans le contexte de son époque, Sex and the city entrebâille la fenêtre sur ce qu’il est acceptable de dire à la télé ou pas (étape 1, l’impensable : parler du sexe féminin à la télé). Et juste pour ça, elle a le mérite d’exister.

Buffy the vampire slayer (1997) – Comédie drame

Il y a beaucoup de problèmes autour de la série Buffy. Bien que le personnage de Buffy casse les clichés sur les adolescentes blondes, les autres personnages féminins de la série sont un peu des clichés ambulants : Willow l’ingénue sensible, Faith la bad girl sexy, Ania la nagging wife, Tara la caution gay, Cordelia la bimbo stupide (harcelée par whedon), Dawn la fille pure (prédatée par Whedon).

Le personnage de Alex/Xander quant à lui, est (insupportable) une représentation de la culture du viol : forceur, jaloux, égérie de la friendzone victimaire.

Mais je dois dire que j’ai été agréablement surprise en revisionnant la série adulte par la qualité d’écriture. Globalement, au fil des 7 saisons, les personnages (sauf Xander) ont des arcs narratifs qui tiennent la route. Et ça, c’est aussi grâce à une équipe d’auteurs composé de 3 femmes, dont Marti Noxon. On oublie souvent de la citer car Joss Whedon prenait toute la place, mais c’est elle qui à su faire de Buffy et de ses protagonistes des personnages solides auxquels on peut encore s’identifier. En reprenant les rennes de la série, dans les saisons 6 et 7 qu’elle à dirigé sans Whedon, elle à su terminer l’histoire sur des enjeux féministes, où les tueuses se réapproprient leur pouvoir et s’entraident.

The L word (2004) – Drame romantique

On a beaucoup entendu que Sex and the City avait ouvert la voie pour The L word. Je dirais plutôt que la créatrice de la série Ilene Chaiken (à la production de The Handmaid’s tale) s’est bien battue pour permettre à sa série d’exister (étape 2, le radical) : une série dramatique basée sur le vie d’une communauté de lesbiennes; avec des représentations de personnages bisexuel et transgenre, des sujets assez éloignés des habitudes des décideurs de l’industrie.

30 Rock (2006) – Comédie

Tina Fey est à la fois créatrice, scénariste, productrice et actrice principale de la série qui parle…d’une femme créatrice et productrice d’une émission de télé. Avec cette oeuvre un peu meta, Tina Fey se moque du sexisme systémique de l’industrie télévisuelle. Pour l’ensemble de son oeuvre, et avec son humour satirique (qui se situe entre le radical et l’acceptable), Tina Fey à beaucoup oeuvré selon moi pour le féminisme au cinéma et à la télé. 

Top of the lake (2013) – Thriller (vss)

Top of the Lake de Jane Campion offre un regard incisif sur les violences faites aux femmes, notamment dans les petites communautés où elles sont souvent invisibilisées et dominées économiquement.
En suivant l’enquête d’une jeune inspectrice (Elisabeth Moss) revenue dans son village natal de Nouvelle-Zélande pour enquêter sur la disparition d’une adolescente enceinte, la série explore les traumatismes passés et présents de ses personnages féminins. 

Top of the Lake ne se contente pas de dénoncer ces violences, elle les inscrit dans un contexte social et culturel plus large. La nature isolée des lieux, associée à des dynamiques de pouvoir patriarcales, créent un climat propice à l’oppression des femmes, à la prédation par les hommes. Top of the Lake est une très bonne enquête, mais qui ne vous laissera pas indemne émotionnellement.

Broad city (2014) – Comédie

Broad City, créé et interprété par Ilana Glazer et Abbi Jacobson, est une des séries les plus fraiches et décomplexées des années 2010 ! À travers les aventures d’Abbi et Ilana à New York, la série célèbre l’imperfection féminine et la sororité. Broad City aborde avec humour des sujets intimes comme l’épilation, la dépression saisonnière, et l’absence de toilettes publiques pour les femmes. Tout cela, ancré dans la bienveillance progressiste et la bonne humeur.

BroadCity normalise les expériences féminines et invite à une plus grande acceptation de soi. Abbi et Ilana sont des personnages imparfaits, attachants et drôles qui incarnent une génération de jeunes femmes qui refusent de se conformer aux normes et qui cherchent à vivre leur vie pleinement.

Crazy ex girlfriend (2015) – Comédie musicale

Crazy Ex-Girlfriend est une série créée et interprété par Rachel Bloom. La série explore de manière intelligente et humoristique les problèmes de santé mentale grâce à un panel de personnages féminins complexes aux parcours variés. En utilisant le format de la comédie musicale, Crazy Ex-Girlfriend permet d’exprimer des émotions complexes et de mettre en scène des situations difficiles avec originalité.
La série compte une chanson par épisode, dont certaines sont devenue des hymnes féministes (même pour moi alors que je n’aime pas les comédies musicales) comme Let’s generalize about men, The getting ready sexy song, Period sex et Hot guys have problems too. S’il fallait une série pour prouver qu’on peut être girly ET intelligente c’est celle-là.

Unbreakable Kimmy Schmidt (2015) – Comédie

Unbreakable Kimmy Schmidt est une comédie américaine développée par Tina Fey, qui suit les aventures de Kimmy, une jeune femme sortie d’une secte après avoir été enfermée dans un bunker pendant des années.
Fraichement arrivée à New York et malgré son passé traumatisant, Kimmy aborde la vie avec un optimisme à toute épreuve. Kimmy incarne la résilience féminine et la capacité à reconstruire sa vie après un traumatisme.

Avec un casting de comédiens incroyables (Ellie Kemper, Titus Burgess, Jane Krakowsky, Carol Kane) et l’humour incisif de Tina Fey, la série nous régale de jeux de mots sous-entendus féministes (entre le radical et l’acceptable).

Fleabag (2016) – Drame humour noir

Fleabag est une série britannique, créée et interprétée par Phoebe Waller-Bridge. Elle nous invite dans l’intimité imparfaite de son protagoniste : tourmentée, cynique, et peut être un borderline sur les bords. En brisant le quatrième mur elle met en scène ses défauts qui nous revoient aux nôtres. Le mécanisme n’est pas sans rappeler la série Peep Show qui serait une sorte de pendant masculin de Fleabag. 

En abordant des thèmes comme le deuil, l’amitié et la sexualité, Fleabag déconstruit les stéréotypes féminins, et invite à une réflexion crue sur la vie. L’humour noir caractéristique de la série sert également de vecteur pour dénoncer les inégalités et les injustices dont sont victimes les femmes (entre l’acceptable et le soutenu). Fleabag propose une représentation imparfaite mais réaliste et assumée de la féminité.

Baroness von sketch show (2016) – Comédie

Baroness von sketch show est une comédie de sketches canadienne créée, scénarisée, réalisée et interprétée par 4 femmes : Carolyn Taylor, Meredith MacNeill, Aurora Browne et Jennifer Whalen. Baroness von Sketch Show va vous régaler grâce à son humour absurde, mais qui tape juste sur les questions de genre. Les sketches abordent une multitude de sujets : la représentation des femmes dans les médias, la pression sociale liée à la beauté, les relations amoureuses et les inégalités salariales.

L’humour de la série est une arme redoutable pour déconstruire les stéréotypes et les normes sociales. Baroness von Sketch Show est une œuvre qui célèbre la diversité des expériences féminines, et qui invite à une remise en question des normes patriarcales. C’est très drôle et incisif.

Glow (2017) – Drame

GLOW est une série sur le catch féminin qui se déroule dans les années 80. En suivant les aventures d’un groupe de femmes qui se lancent dans le catch, la série explore les thèmes de l’amitié, de la rivalité, de la quête de soi, et de la place des femmes dans le sport. Je n’ai personnellement pas accrochée à la série mais je dois reconnaitre que faire un parallèle entre le catch (comme élément performatif de la force) et la performance de genre, (ici la féminité) est interessant. 

À travers le prétexte du catch, Glow célèbre la diversité des expériences féminines et leur capacité physique. C’est intéressant d’aborder la série sous l’angle de la «bagarre» et de la force physique car c’est globalement absent du panorama télévisuel. On voit souvent des films et séries où les femmes pratiquent un sport stéréotypé féminin comme le patinage, la gym, la danse, mais elles ne sont quasiment jamais représentées comme étant capables de force physique comme dans le catch.

The handmaids tale (2017) – Drame (vss)

The Handmaid’s Tale, adapté du roman La servante écarlate de Margaret Atwood, plonge le spectateur dans un futur où les femmes non religieuses, non mariées, ou lesbiennes sont considérées comme impures et réduites à leur fonction reproductrices en étant asservies par la classe dirigeante.
La série propose une réflexion puissante sur les enjeux du féminisme, les dangers d’un retour en arrière vis a vis des droits des femmes et de l’intégrisme religieux. 

La série explore les conséquences d’un régime totalitaire qui opprime les femmes, en abordant des thèmes tels que la violence domestique, le viol, la maternité forcée et la surveillance de masse, l’hypocrisie des dirigeants religieux.
La série ne ménage pas ses spectateurs sans non plus tomber dans le misérabilisme; elle célèbre la résilience et la nécessité de lutter. The Handmaid’s Tale est bien plus qu’une simple dystopie futuriste. La série nous rappelle que les droits acquis peuvent être facilement perdus et que la vigilance est de mise à chaque élection. 

Big little lies (2017) – Drame (vss)

La série, inspirée du roman Petits secrets, grands mensonges de Liane Moriarty gratte le vernis social de la réussite à l’américaine : gros salaire, grosse maison, mariage réussi, enfants modèles. 

La série expose un tabou qui appartient à la sphère domestique et privée : les violences conjugales et leur impact sur les victimes d’un contrôle patriarcal : manipulation, isolement, culpabilisation. La saison 2 fait un peu forcé, mais la première saison est très bien ficelée.

Killing Eve (2018) – Drame thriller

Développée par Phoebe Waller-Bridge (Fleabag), Killing Eve place des femmes au centre d’un genre traditionnellement masculin : le thriller d’espionnage. Un peu comme l’a fait Polite Society avec le film d’action, la série normalise (étape 5) la place des femmes dans le genre, sans jamais chercher à se justifier. En plus d’explorer le motif du désir féminin sans hétéronormativité, les personnages sont mus d’un moteur non dicté par le regard masculin; ce qui en fait un drame psycho-sexuel très interessant. L’intrigue repose sur une complexité morale loin des clichés normatifs (infirmière vs femme fatale). Eve et Vilanelle sont égales mais différentes, némésis mais complémentaires. 

Unbelievable (2019) – Drame (vss)

Cette série n’est pas facile à regarder, c’est une histoire de viol dont la victime n’est pas crue. Parce que ce n’est pas une victime parfaite, parce qu’elle n’a pas raconté une histoire classique, parce que les deux policiers ayant pris sa plainte n’ont pas d’empathie et n’ont pas été formé à accueillir des victimes de VSS.

L’enquête sera menée par deux détectives femme, Merritt Wever et Tony Colette. Leur enquête met en avant une autre manière d’exercer le pouvoir : à travers l’écoute, l’intuition, la patience et l’empathie, en contraste avec la brutalité hors sol des policiers masculins.

Malgré la dureté du propos je trouve que la série donne la parole aux femmes, sans fétichiser la violence contrairement à certaines séries de Ryan Murphy par exemple. Unbelievable dénonce aussi au passage, la violence systémique en donnant des statistiques sur les policiers qui battent leurs femmes.

Shrill (2019) – Comédie

Développé par Aidy Bryant, comédienne au SNL, Shrill est une série qui parle de la grossophobie. Ou plutôt comment refuser la honte imposée par la société à cause de son poids ou d’un physique hors-norme. 

La stigmatisation vécue par les personnes en surpoids façonne les comportements sociaux : le personnage d’Annie commence la série en cherchant à plaire aux autres, notamment son petit ami médiocre. Peu à peu, elle apprend à affirmer sa voix et ne plus avoir honte d’occuper l’espace. On entend parfois qu’être grosse c’est du militantisme en soi, car refuser de s’invisibiliser, c’est se libérer du besoin de validation masculine et sociale.

The morning show (2019) – Drame (vss)

The morning show parle de la culture du viol et de la complicité qui s’opèrent dans la sphère télévisuelle. Avec un récit subtil mais percutant la série nous interroge sur les zones grises du système qui perpétuent la culture du viol.
A travers le personnage de Mitch (Steve Carell) accusé de VSS et de viol, la série montre que les hommes ont du mal à remettre en question leurs pratiques de «séduction». Il passe par différentes phases : déni, colère, marchandage, dépression, mais n’arrive pas à admettre ses pratiques d’agresseur dans un système où on lui sert des jeunes femmes sur un plateau. 

Ce que The morning show réussit très bien à montrer c’est que Mitch est un «nice guy». On a du mal à mettre les mots sur ce qu’on lui reproche. Mais des motifs répétitifs se dégagent de ces interactions avec les femmes pour dessiner un mécanisme de prédation. Ces agressions ne sont pas des accidents ou des approches maladroites; Mitch est un expert des zones grises ce qui lui permet de groomer et d’abuser de femmes en bas de l’échelle.

Derby girls (2020) – Comédie

Derby girl est une série française, de Nikola Lange. Le roller derby est surtout un prétexte scénaristique qui permet un parallèle entre Tonya Harding, accusée d’avoir comploté une agression à coup de barre de fer dans le genoux de sa compétitrice,et Lola, le personnage principal de la série, qui coupe les doigts de la médaillée d’or de patinage artistique.
Lola devenue star déchue, est une jeune femme à l’ego surdimensionné, qui va être amenée à questionner son jugement sur les autres, quand elle se lie d’amitié avec une bande de meufs de sa ville pourrie. A travers l’équipe de derby des Cannibales licornes, on nous propose des personnages singuliers et hyper féministes qui dédramatisent plein de choses. Derby girl c’est une série légère qui nous invite à embrasser sans complexes sa féminité même si on dodues, sexuelles, poilues et qu’on boit de la bière.

Kevin can fuck himself 2021 – Drame

Avec un exercice de style qui fait penser à The voices, Valerie Armstrong utilise le genre pour dénoncer les mécanismes de domination représentés à la télévision.
Le personnage principal, Allison McRoberts, vit dans un univers de sitcom classique : rires enregistrés, décor domestique, rôle de femme parfaite, mari attendrissant. Kevin incarne le patriarche comique, un homme infantile qui domine le foyer sous couvert d’humour. Mais dès qu’Allison quitte la pièce, le ton change : la série devient un drame réaliste et sombre. Elle n’est plus sous l’emprise de KévinL . Dès que le personnage a une minute pour réfléchir; elle se rend compte que son mari n’est pas attendrissant. C’est un homme immature, égoïste, et un peu alcoolique. 

Kevin can fuck himself est un petit bijou qui déconstruit les stéréotypes de culture populaire, et dénonce le gaslighting social qui glorifie les hommes médiocres, tout en rendant invisibles les femmes qui les soutiennent. 

Yellow jackets (2021) – Thriller

Yellowjackets propose une représentation rare de la féminité.
Loin des clichés de filles fragiles et démunies, la série la série met en scène un groupe d’adolescentes victimes d’un crash d’avion, qui vont devoir survivre dans la nature sauvage. La série alterne habilement entre passé et présent, tissant un récit où le trauma persiste à travers le temps. Leur besoin de survie révèle les zones grises de la nature humaine, rarement représentées avec autant de cruauté et de nuance, surtout pour des personnages féminins. Aucun personnage n’est réduit à un archétype : mère, victime, manipulatrice, protectrice, tueuse… elles sont tout cela à la fois. Yellowjackets c’est l’incarnation d’une féminité non domestiquée, capable de cruauté, de désir, de violence ET de sororité.

We are Ladyparts (2021) – Comédie 

We Are Lady Parts est une comédie britannique qui transgresse un tabou (rappelez-vous étape 1, l’interdit) : une série avec que des femmes musulmanes dont plusieurs voilées !

Ecrite et réalisée par Nida Manzoor. La série parle de 5 femmes musulmanes vivant à Londres qui ont fondé un groupe de musique punk. La série est très drôle et apporte un nouveau regard sur les femmes musulmanes, bien loin des clichés qu’on a malheureusement l’habitude de voir. C’est drôle et ça dédiabolise une communauté trop souvent représentée sous le prisme des clichés terroristes; ou des clichés de soumission en ce qui concerne les femmes.
Les 5 membres du groupe We Are Lady Parts sont des jeunes femmes qui illustrent la diversité de l’islam et des cultes. Voilées ou pas, tatouées ou pas, mariées ou pas. Et peu importe, car ce sont des humains qui aiment la musique et sont confrontées aux mêmes problèmes que tout le monde.

We Are Lady Parts c’est drôle et intelligent. La série touche du doigt des sujets sérieux comme l’islamophobie, et montre comment elles se positionnent dans un monde où la bonne société musulmane va leur reprocher de faire du punk mais où les blancs vont de leur côté leur reprocher d’être pratiquantes.

The baby – (2022) – Comédie horrifique

Cette comédie horrifique teinté de folk horror ,créé par Sian Robins-Grace et Lucy Gaymer, est une métaphore de l’injonction à la maternité et des attentes qui pèsent sur les femmes. Le bébé est une malédiction qui la poursuit comme un parasite démoniaque. Son mode opératoire met en exergue les challenges de la maternité et du postpartum.

La genèse de la malédiction à un sous texte profondément féministe : le bébé a été conçu dans les années 60 lors d’un viol conjugal (comme dans Rosemary’s baby). Sa mère était homosexuelle, considérée comme folle et emprisonnée par son mari. J’ai aussi remarqué que dans The baby, les personnages masculins de pères sont soit complètements absents de l’écran soit présents dans les scènes de violence.

Petite aparté sur la scène du parc pour enfants (qui représente l’enfer pour Natasha), il s’agit d’une référence à des vrais parcs d’attraction qui ont pour but d’apprendre le capitalisme aux enfants dès le plus jeune âge et sans supervision de leurs parents. Dans ces parcs, ils exercent des emplois (garde de prison, pompiste, serveur) et ils ont un salaire qui leur permet de payer les services dans le parc.

A league of their own (2022) – Comédie

Produit par Abbi Jacobson (Broad City), A League of Their Own utilise l’histoire de la première ligue de baseball féminin pour parler de la place de la femme et des lesbiennes dans la société de l’entre deux guerres.
Comme les hommes du pays sont partis au front, la première ligue professionnelle de baseball féminin voit le jour. A la base parti d’un événement promotionnel pour des bonbons, un casting est lancé en 1943 pour trouver de «belles femmes» capables aussi de jouer. A League of Their Own explore le sexisme, le racisme, et l’homophobie ambiante d’une époque où l’homosexualité était considérée comme anormale et criminalisée. A travers le récit de personnages féminins loin de clichés, la série nous parle des amitiés et des amours clandestins de ces femmes qui cherchent à s’émanciper du patriarcat.

Deadloch (2023) – Thriller

Deadloch est une série Australienne crée par deux humoristes féministes : Kate McCartney et Kate McLennan. Deadloch prend le parti d’être à la fois drôle et sombre. C’est un astucieux mélange des genres qui sert un discours féministe subtile mais affirmé. La série se moque des clichés sexistes : Deadloch joue avec les représentations de la masculinité toxique pour les dénoncer : sentiment d’être parfait, jalousie, accuser la maire d’avoir «lesbiannisé» la ville, misogynie, homophobie, harcèlement sexuel, agressions physiques, pédophilie, etc… 

Ce qui est super dans Deadloch, c’est que ces personnages sont interprétés par de vrais queers et non pas des acteurs qui jouent un rôle de queer. (étape 5, le normal) Je n’avais jamais vu dans une série qui n’est pas spécifiquement destinée à un public queer, une telle diversité dans les personnages principaux : lesbiennes, gays, bisexuels, trans-masc, cross dresseur. On voit aussi des personnage féminins qui sortent des clichés qu’on a l’habitude de voir, totalement décomplexés et non genrés. La série parle aussi des aborigènes, et illustre comment la vie est plus difficile pour les peaux foncées et comment les blancs qui ont volé leurs terres, les utilisent pour remplir les quotas de diversité. 

Deadringer (2023) – Thriller

Deadringer est une mini série créée et scénarisée par Alice Birch, inspiré du film de 1998 de Cronenberg. Les soeur Beverly et Elliot Mantle sont interprétées par Rachel Weiss.

La série tourne autour d’un drame psycho-sexuel comme le film. Mais au lieu du cliché de l’introverti scientifique vs le charmeur frivole proposés par Cronenberg, Birch propose deux personnages plus développés, moins manichéens, tous deux sensibles, tous deux borderline.

Là ou les frères voulaient insérer des objets de torture dans les corps des femmes complètement déshumanisées au service du prestige scientifique; les soeurs sont disruptives parce qu’elles veulent remettre les femmes au coeur des soins pour limiter les violences gynécologiques. Et le body horror est incarné non pas par des viols médicaux mais inhérents à la féminité et la grossesse : les vergetures, le sang des menstruations, les douleurs physiques, l’accouchement, l’avortement, le post-partum, etc.

Apparemment le public féminin a globalement bien accueilli ce remake de Deadringer mais les critiques masculins ne voient pas l’interêt de ce remake. Pour la majorité «on n’aurait pas dû toucher à l’oeuvre du grand maitre». Ironique quand la série dénonce justement le manque d’empathie masculin.

Douglass is canceled (2024) – le contre exemple

Stephen Moffat nous propose selon moi un pastiche mou du morning show. C’est l’histoire d’un présentateur télé qui se fait cancel car il a fait une blague sexiste sur twitter. Personne ne connait la blague mais sa co-presentatrice semble avoir leaké le tweet. Au fil des épisodes on ne sait pas qui manipule qui ni pourquoi, et le personnage féminin est représenté comme une connasse.
Dans le seul épisode interessant de la série, (car il encapsule toute la tension de subir le jeu du prédateur) le producteur est finalement révélé comme un prédateur sexuel, et Douglass est puni car il a été complice, il n’a pas dénoncé les agissements de son collègue. On dirait que Moffat fait un exercice de féminisme pour nous montrer qu’il a compris et qu’il est désormais un allié. Ca sonne creux et c’est manichéen.

Vous m’excuserez j’ai sûrement oublié des oeuvres importantes en ne citant principalement que des séries anglophones, j’ai du mal à sortir de mon prisme européen (on peut blâmer la barrière de la langue mais je suis aussi un peu feignante). Si vous avez des séries à me conseiller je vous écoute !

Sources principales

• Observatoire européen de l’audiovisuel (OE A) / Council of Europe – études sur la part des femmes dans la production de films européens. Observatoire+2Observatoire+2
• Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC) / Observatoire de l’égalité femmes-hommes – données pour la France sur l’emploi des femmes dans le cinéma-audiovisuel. CNC+2Genrimages+2

L’article 25 séries féministes à découvrir : entre avancée culturelle et résistance conservatrice est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

A la découverte de lieux abandonnés, l’équipe de vulgarisation scientifique Explorers questionne le parallèle entre nos connexions neuronales et les chemins créés par l’homme. 

Explorers est un collectif de vulgarisateurs qui met l’exploration au service du partage des sciences. Le trio est composé de Terence & Renaud (ex-chercheurs) & Youenn (réalisateur et compositeur). Explorers a notamment réalisé le projet plusieurs fois nominé Cell Worlds, reconnu par la communauté scientifique internationale.

Dans le premier épisode, l’équipe de Méandres explore un château abandonné pour nous parler des mécanismes cognitifs de la mémoire. Par une simple expérience réalisée dans l’une des pièces du château abandonné, ils illustrent comment nos 5 sens stimulent les neurones et font appel à notre «bibliothèque mémorielle». 

Dans le second épisode, l’équipe se rend dans un sanatorium abandonné pour nous parler de la peur du noir et des raccourcis cognitifs qui créent la superstition. En effet, quand nous sommes plongés dans un environnement inconnu et dans le noir complet, chaque bruit entendu peut être interprété et amplifié. Il envoie ainsi un signal d’alerte au cerveau, qui l’interprète alors souvent comme un danger provenant d’une personne, plutôt que comme une simple branche qui craque ou un animal nocturne. 

La série documentaire Méandres sort des sentiers battus et des labos pour nous faire vivre la science autrement. Je ne peux que vous conseiller de la regarder car c’est très intéressant et ludique. On a hâté de voir la suite !

Retrouvez la série le 8 novembre sur Youtube.

Pour en savoir plus : https://www.explorersfr.com/m%C3%A9andres

Explorers est partenaire de L’Exploratoire, l’association de réflexion et d’action autour du partage des sciences, et est membre du Café des Sciences. Explorers collabore avec Jamy Gourmaud et son média Epicurieux, et a été 2 fois lauréat de la bourse CNC Savoirs & Cultures.

L’article [Zoom] Méandres : la série documentaire qui utilise l’urbex pour illustrer les mécanismes du cerveau humain est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Cette série féministe (que vous pouvez trouver sur Prime) à été créée par deux femmes : Kate McCartney et Kate McLennan qui endossent le rôle de créatrices, scénaristes et productrices. 

Ca parle de quoi Deadloch ? 

En Tasmanie, plus précisément dans une petite ville où les ragots vont bon train, un cadavre d’homme nu est découvert et une enquête policière commence. Les deux enquêtrices chargées de l’affaire se rendent vite compte que ce n’est pas le premier cadavre de la ville et vont devoir enquêter pendant un festival d’art qui a pour but de raviver économiquement l’île.  

On baigne dans une ambiance noire style The Killing ou Top of the lake, à la limite du huis clos car les personnages évoluent dans une petite ville insulaire en hiver. 

Pourquoi Deadloch c’est la meilleure comédie policière de l’année ? 

Une super enquête

Deadloch n’est pas la série policière à laquelle on est habituées. On n’est pas sur des clichés d’enquêteurs sombres et torturés qu’on croise souvent dans le genre thriller et crime. Les enquêtrices sont des policières «normales» ce qui va aussi donner un ton humoristique à la série.

En plus c’est bien foutu, c’est rythmé, on est tenu.e.s en haleine car jusqu’au bout on ne sait pas qui est le tueur. Ou la tueuse ? Car Dealoch est aussi une enquête qui prend un chemin différent du genre : là les victimes sont toutes des hommes… Et donc les créatrices de la série s’en sont donné à cœur joie pour jouer avec les stéréotypes, nous déstabiliser dans ce qu’on connait de ce genre de série pour nous tenir en haleine jusqu’à l’épisode final. 

En interrogeant ce qui fait un tueur ou une tueuse, Deadloch prend le parti très intéressant d’aller contre les théories évolutionnistes (les tueurs en série hommes «chassent» et les femmes «cueillent») mais inclut le concept de patriarcat et de conditionnement sociétal dans les motifs criminels.

« Les hommes qui tuent en série ont envie de notoriété. Les femmes qui tuent en série ne veulent pas être découvertes. »

Deadloch est une série policière c’est vraiment bien ficelée, chaque épisode est un peu plus sombre que le précédent, mais avec des pointes d’humour car n’oublions pas que c’est aussi une comédie noire.

Deadloch c’est drôle

Deadloch est bien écrit, est intelligent et satirique. Les australiens sont très bons dans le registre de l’humour noir. 

On ne rit pas des crimes bien évidemment, mais des clichés sexistes d’abord, et on se bidonne avec les personnages hauts en couleur. Le duo formé par les enquêtrices est surprenant, et va là où on ne les attend pas avec des répliques et des situations marrantes. 

Des situations comiques viennent ponctuer l’intrigue et on sent bien que les acteur.ices ont aimé travailler sur ce projet car il y a une bonne alchimie entre eux.

De la diversité dans les représentations 

Je n’avais jamais vu dans une série qui n’est pas spécifiquement destinée à un public queer une telle diversité dans les personnages principaux : lesbiennes, gays, bisexuels, trans-masc, cross dresseur (hétéro qui aime porter des robes)….Ce qui est super dans Deadloch c’est que ces personnages sont interprétés par de vrais queers, ce qui est rare, souvent ce sont des acteur.ices hétéros qui jouent des personnages gays. 

On voit aussi des personnage féminins qui sortent des clichés qu’on a l’habitude de voir, totalement décomplexés et non genrés.

La série présente aussi des personnages aborigènes et illustre comment la vie est plus difficile pour les peaux foncées et comment les blancs qui ont volé leurs terres les utilisent pour remplir les quotas de diversité. 

«Ses ancêtres ont fondé la ville… non colonisé la ville !»

Les personnages dénoncent parfois sous le ton de l’humour, parfois avec un ton plus dramatique  des thèmes sérieux comme la misogynie, l’homophobie et le racisme.

Le féminisme dans Deadloch

Deadloch joue avec les représentations de la masculinité toxique pour illustrer les personnages masculins de petites villes un peu bloquées dans le passé. Dans les premiers épisodes, les personnages masculins ont des comportements dont on pourrait moquer la bêtise : sentiment d’être parfaits, jalousie homophobe, accuser la maire d’avoir lesbiannisé la ville, être offensés car des homme sont tués (douce ironie)…

Plus les épisodes passent, plus on va vers des trucs sombres : misogynie, homophobie agressive, harcèlement sexuel, agressions physiques, pédophilie, etc… 

La réflexion féministe est tellement bien ficelée avec l’intrigue qu’on se demande jusqu’au bout si le tueur est un homme ou une femme, et pourquoi ces meurtres ?!

Bref je recommande DeadloCH, avec un CH. Attention sinon vous allez tomber sur un film d’action avec Bruce Willis, c’est pas la même vibe ^^

Et si vous connaissez déjà Deadloch ou si vous voulez voir plus de comédies Australiennes voici mes recommandations : Muriel, Priscilla folle du desert, Ruptures et compagnie, What we do in the shadows, Flights of the concords, Wilfred, Please like me.

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We Are Lady Parts (2021) 

C’est une série féministe britannique écrite et réalisée par Nida Manzoor. Elle a grandi dans une famille musulmane Pakistanaise et a émigrée en Angleterre durant son enfance. Elle voulait créer cette série pour rendre plus visible les femmes musulmanes à la télévision, et c’est vrai qu’il existe peu de représentations de ce type qui soient positives et diversifiées.

Avant de pouvoir réaliser sa série, Nida a travaillé comme scénariste à la BBC et réalisé 2 épisodes de Dr Who.

Une sitcom fraiche 

We Are Lady Parts parle de 5 femmes musulmanes vivant à Londres qui ont fondé un groupe de musique punk. La série est racontée sous le prisme de femmes musulmanes pratiquantes issues de la classe populaire. 

We Are Lady Parts est un petit bijou très loin des clichés qu’on on a malheureusement l’habitude de voir dans les médias. C’est drôle et ça dédiabolise une communauté trop souvent représentée sous le prisme des clichés terroristes; ou des clichés de soumission en ce qui concerne les femmes.

Les 5 membres du groupe We Are Lady Parts sont des jeunes femmes qui illustrent la diversité de l’islam et des cultes. Voilées ou pas, tatouées ou pas, mariées ou pas. Et peu importe, car ce sont des humains qui aiment la musique et sont confrontées aux mêmes problèmes que tout le monde. C’est ce que la série raconte.

Une série politique

We Are Lady Parts c’est drôle et intelligent. La série touche du doigt des sujets sérieux comme l’islamophobie, avec cette chanson délicieusement insolente «Voldemort sous mon hijab». Elle interroge pourquoi les gens ont peur des femmes voilées, peut être que Voldemort se cache dessous ? 

On aborde aussi comment elles se positionnent dans un monde où la bonne société musulmane va leur reprocher de faire du punk mais où les blancs vont de leur côté leur reprocher d’être pratiquantes. Décidément on ne peut pas plaire à tout le monde…

Féministe et punk

Dans We Are Lady Parts on sent bien une inspiration et un amour des films à propos la musique : Spinal Tap, The commitments, 8 miles, les Runnaways, Scott Pilgrim. Et plus particulièrement sur des jeunes qui forment un groupe et passent par les étapes de petits concerts nuls au fond de trous paumés.

Bien que tout le cast et la réalisatrice partagent une passion commune pour la musique, à la base les actrices ne sont pas du tout dans l’univers punk. Certaines d’entre elles jouaient de la musique, plutôt soul et jazz d’ailleurs, la batteuse fait de l’électro et n’avait jamais touché une batterie avant le projet. 

Le choix d’écrire des personnages dans un groupe punk est un super choix pour appuyer le discours de la série. 

Nida Manzoor a gagné un BAFTA (British Academy Film Awards) en 2022 pour la série. Et vient de sortir son film Polite Society, une comédie-d’action-d’arts martiaux-horrifique (spoiler c’est un petit bijou).

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On peut sortir du genre de l’horreur pour proposer une réflexion sociale; Découvrez ces séries comiques qui sont beaucoup plus intelligentes et engagées qu’on pourrait le penser. 

Reno 911 : le con, la brute et le truand 

8 saisons, 2003-2009

Reno 911 c’est un peu comme l’enfant de The office et de COPS, une série mockumentaire qui suit une brigade de shérifs du conté de Reno dans le Nevada. Les shérifs sont interprétés par des comédiens brillants comme Thomas Lennon (et son petit short non réglementaire). Au fil des saisons on peut apercevoir des acteurs comme Jim Rash de Comunity, Paul Rudd, Ron Perlman, Zach Galifianalis, Jonah Hill…

J’ai découvert bien plus tard que la série était en réalité très peu scriptée, laissant place à beaucoup de scènes d’improvisation. Ce qui crée un rythme réaliste qui met encore plus en exergue les situations comiques, un peu comme dans The office. Et au même titre que It’s always sunny in Philadelphia la série n’est pas politiquement correcte, elle expose aussi des côtés plus sombres de l’Amérique pauvre et white trash.

Il existe également 2 films : Reno 911 à Miami et Reno 911 The Hunt for Qanon. Dans ce dernier, ma brigade favorite part à la recherche de l’incarnation de Q-anon, la mouvance conspirationniste d’extrême droite pro Trump dont certains adeptes avaient envahi le capitole en 2021. La théorie Q-anon prétendent que les politiciens anti Trump sont des Satanistes pédophiles qui kidnappent des enfants pour prélever une substance considérée comme une cure de jouvence : l’adrénochrome. Sympa.

Peep Show : je pense donc je suis (un connard)

2003 et 2015, 9 saisons

Peep show est la série de «social awkwardness» British par excellence. Nos amis anglo saxons ont la réputation d’être un peuple qui réprime ses émotions et respecte les conventions sociales (Keep calm and carry on). En plus la série est caractérisée par un humour très noir et absurde typiquement British.

La série revisite le genre du «odd couple» dont les ressorts comiques fonctionnent sur deux personnages diamétralement opposés. Avec ici deux colocs très différents : Mark un manager rigide, lâche et hyper angoissé et son opposé Jeremy, un ado attardé et musicien raté au chômage.

L’originalité de la série est qu’on entend leurs pensées à travers des monologues internes et on voit ce qu’ils voient en caméra subjective (d’ou le nom Peep show qui rappel l’acte de regarder par un petit trou un spectacle à caractère érotique ou intime). Grâce à cette technique de mise en scène, on nous dévoile les paradoxes entre ce que les personnages prétendent être publiquement, et comment ils pensent réellement. Les créateurs de la série qui sont aussi les deux acteurs principaux ont créé deux autres sketch show (That Mitchell and Webb look et The Mitchell and Webb Situation). Olivia Colman (Hot Fuzz, The lobster, La favorite, Flowers, Fleabag) joue également dans la série. 

It’s always sunny in Philadelphia : l’effet de groupe est toxique

15 saisons, depuis 2005

Sunny est une anti sitcom, une sorte de Friends mais avec gens qui ne sont pas vraiment amis et qui tiennent un bar. C’est un super prétexte pour écrire des personnages cons et décortiquer des comportements toxiques des dynamiques de groupe. Le ’gang’ se met constamment dans des situations débiles qui exposent avec second degré les obsessions de la société. Ils osent tacler des sujets comme le cancer, le racisme, la crise du pétrole, l’homophobie et le crack. Comme quoi woke ne veut pas dire politiquement correct.

La série trouve vraiment son rythme à la saison 2 quand Danny DeVito rejoint le cast. Les acteurs de la série sont aussi les créateurs et scénaristes de cette production à petit budget. On sent l’amour qu’ils ont mis à façonner leurs personnages, qui ne deviennent pas plus sages au fil du temps, mais retranscrivent de mieux en mieux des comportements problématiques. Après 15 saisons c’est toujours aussi drôle.

Review : pourquoi fait-on les mauvais choix ?  

2014-2017, 3 saisons

«Life is all we get, but is it any good ?». Forrest MacNeil est un critique professionnel mais il n’analyse pas des films ou des livres, il expérimente et évalue la Vie. Le show a été créé par Andy Daly (Eastbound & Down, Delocated), qui incarne également le rôle principal. 

Dans chaque épisode il expérimente des événements du quotidien comme : avoir un meilleur ami, voler dans un magasin, quitter son job ou manger des pancakes. Il attribue ensuite à ces expériences une note de 1 a 5. Bien évidemment rien ne se déroule comme prévu, et le personnage se retrouve dans des situations absurdes qu’il cause lui même. A travers cette autodérision permanente on a une analyse satirique des comportements humains, c’est un petit régal léger.

Atlanta : dépression et surréalisme  

4 saisons, depuis 2016

Série créée par Donald Glover aka Childish Gambino aka Troy de Community.

La saison 1 est plutôt une sorte de drame léger qui présente Earn, un type qui veut devenir producteur de rap pour son cousin et qui a une relation un peu compliquée avec la mère de son enfant. On nous présente un monde quasi alternatif à 1 degré de la réalité, ce qui créé un décalage étrange et comique. 

C’est dans la saison 2 que la série prend un virage beaucoup plus engagé dans le fond et la forme (au moment où sort This is America). La trame narrative est moins classique et devient même surréaliste à certains moments, pour appuyer un discours émotionnel d’inadéquation et d’incompréhension sur la société moderne. La série expose sous forme de métaphores des sujets comme le racisme, le gaslighting, la dépression et l’appropriation culturelle.

White lotus S1: les précieuses ridicules

Mini série, 2020

L’homme est un loup pour l’homme, même en vacances. La série expose avec une certaine ironie comique les mécanismes de domination des privilégiés aux dépends de gens qu’ils considèrent comme des subordonnés (servants, époux-ses, faire-valoirs, étrangers). 

Au delà de la violence de classe, la série décortique la violence dans les relations interpersonnelles, à tous niveaux. La laideur des personnages se dévoile à travers les dialogues au fur et à mesure que l’intrigue se déroule. C’est un carnage. 

La superbe bande originale signée Christobal Tapia De Veer (Utopia) appuie cette ambiance de psychose et de pression.

Si vous avez aimé la série je vous recommande le film Le sens de la fête qui est aussi un délicieux carnage. La saison 2 de White lotus s’attaque aux relations de couple, et je n’en parlerai pas ici car ce n’est pas une comédie.

La meilleure version de moi même : narcissisme 2.0

1 saison, 2021

La série d’humour noir de Blanche Gardin dénonce les paradoxes de la société moderne dans une comédie satirique de 9 épisodes.

Elle s’attaque aux gens qui s’auto diagnostiquent hyper sensibles, aux «féministes» qui descendent les autres femmes, aux gens qui dépensent 15 000 euros pour aller faire du yoga en Inde dans des ashram de luxe pour se sentir woke, aux marchands de développement personnel qui sont plus intéressés par l’argent que de votre bien être etc.

Bon visionnage !

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Les films sur le monde du travail avant les années 2010 portaient majoritairement un message d’épanouissement personnel, amoureux et financier, mais semblent avoir changé de registre pour un ton plus dramatique et dystopique aujourd’hui.

Pour bien appréhender les films sur le monde du travail, il faut comprendre que tout film est politique. Car chaque film parle d’un sujet spécifique et met en avant un sentiment par la mise en scène, le cadrage et le montage. Les films et les séries sur le travail témoignent donc d’une réalisation commune entre générations.

Les films des années 80-90 axent leur discours autour de l’épanouissement au travail et du rêve américain

En réponse au déclin du flower power des années 70, l’Amérique ne veut plus parler des hippies et des jeunes. Le nouveau rêve américain porté par Hollywood est l’individualisme économique et l’ambition comme modele de réussite.

Le discours de cette décennie est que le travail nous définit socialement et l’argent permet de combler nos désirs profonds. Les films des 80s promeuvent les métiers de pouvoir, très corporates comme tradeur ou avocat : Wall Street (1987), Working girl (1988), The firm (1993), L’avocat du Diable (1997), Ally McBeal (1997).

Et cette notion du rêve américain par l’entrepreneuriat et l’esprit corporate persiste depuis : Le loup de Wall street (2013), Steve Jobs (2015). Dans ces films sur le monde du travail, les emplois avec beaucoup de pression comblent un besoin d’accomplissement : The social network (2010), Le diable s’habille en Prada (2006), Succession (2018), Devs (2020).

Dans les années 2000 c’est le début de la satire sous forme comique

A travers les film et séries sur le monde du travail de la décennie suivante, on observe un désintérêt des boulots prestigieux et corporatistes. Les projets sont plus axés sur des petits employés de bureaux, qui sont de plus en plus nombreux grâce à la démocratisation de l’informatique et de l’ordinateur. Le travail des employés est ennuyeux et ils sont blasés, c’est le bore-out : Office space (1990), Clerks (1994), The It crowd (2006).  

Les séries des années 2000 critiquent la hiérarchie

Le portrait de la hiérarchie devient comique et légèrement satirique : The office UK (2001), The office US (2005), Parks and recreation (2009), Workaholics (2011), Comment tuer son boss (2011) et Comment tuer son boss 2 (2014). On commence même à voir des critiques du système capitaliste qui vient manger les plus petits : 30 rocks (2006). Et on parle du chômage et de ses impacts : The full monty (1997), Billy Eliot (2000).

Et le bureau est propice à la romance, comme dans Spin city (2000), 10% (2015), Scandal (2012), The Mindy project (2012), Empire (2015), The bold type (2017),

Vers 2010 le discours change, on rigole beaucoup moins

La digitalisation et la robotisation questionnent notre rapport au travail

Dans les séries sur le monde du travail de cette décennie, on se demande quelle est la place de l’humain. Se dirige-t-on vers un remplacement des travailleurs au profit des machines ? Les intelligences artificielles sont elles une aubaine ou un danger ? Le succès de la série Akta manniskor (2012) et ses remakes américain (Humans) et russe (Better than us) en attestent.

On se pose plus des questions sur les droits des travailleurs et sur le déterminisme social. Sujets abordés dans les séries Superstore (2015), Trepallium (2016), Homecoming (2018), Jocker (2019), le film Snow piercer (2013) et la série Snow piercer de 2020.

Les séries commencent à dénoncer les violences systémiques

On commence aussi à dénoncer que le racisme et le sexisme font partie du quotidien au travail : Mad men (2007), Au service de la France (2015), Sorry to bother you (2018). Brooklyn nine nine confronte black lives Matter aux violences policières dans l’ultime saison.

Le mal être au travail est quantifié, et le Covid accélère la fracture

« L’épuisement professionnel concernerait selon l’Institut de veille sanitaire 30.000 personnes, soit 7% des 480.000 salariés en souffrance psychologique au travail, voire 100.000 selon l’Académie de médecine. » challenges.fr (2019) 

On assiste à des plans de licenciement massifs dans les secteurs en croissance jusque là. Dans le secteur de la tech, chez Meta et Twitter, et même chez Google qui annonce 12 000 licenciements afin de « réorganiser sa base de coûts et orienter ses talents et ses capitaux vers de plus grandes priorités », c’est-à-dire licencier des humains en faveur des IA pour aboutir à un modèle économique plus rentables.

Pendant l’épidémie de covid, un grand nombre de salariés malmenés par le stress, l’exposition forcée au covid, et le manque de reconnaissance dénoncent des conditions de travail pénibles.

Petit à petit l’entreprise s’érige comme tyran totalitaire, bras droit du capital

Dans les années 2020, les films et séries reflètent un rapport au travail et à la société plus douloureux

Les travailleurs sont fatigués d’enrichir des actionnaires, alors qu’ils gagnent eux même juste suffisamment pour survivre, mais pas pour s’élever dans la classe sociale. Evil Corp dans la série Mr Robot devient symbole de la machine écrasante. Dans The boys, l’entreprise Vought monétise la célébrité des super héros pour manipuler les médias, contrôler le discours mainstream et maximiser ses profits.

Tout le monde est aliéné par la loi du marché, au contraire des films des années 80-90, même les 1% dans Succession. Dans cette série de 2018 les milliardaires de la famille Roy s’entre déchirent dans le but d’acceder au pouvoir en succédant au père à la tête de la multinationale de médias et de divertissement. La série s’inspire de la famille Murdoch, propriétaire de Fox News et de News Corp. La série met l’accent sur l’influence des conglomérats sur la politique du pays.

La série Industry (2020) dépeint quand à elle le monde sans pitié de l’investissement en suivant le quotidien de jeunes traders qui travaillent dans une banque. Il y règne une culture d’entreprise toxique où le management justifie la psychopathie la plus totale dans le but de gagner toujours plus d’argent. Dans ces sphères, le népotisme est monnaie courante, la série montre bien qu’il faut appartenir à la même classe sociale pour pouvoir acceder à ces études et à ces postes.

La série Dérapages (2020) est inspirée de faits réels… Aussi choquant que cela puisse paraitre, en 2005, le patron de la régie publicitaire de France Télévisions a organisé une prise d’otages fictive en guise de teambuilding pour tester la cohésion de l’équipe et sa résistance au stress… Mais personne n’était au courant… Cela a causé des traumatismes chez plusieurs cadres qui se sont en plus fait discrètement licenciés de l’entreprise pour étouffer le scandale. Heureusement l’un deux a trouvé le courage de porter plainte, et le patron à été condamné en 2010 pour «complicité de violences volontaires aggravées, avec préméditation et usage ou menace d’une arme et séquestration». Mais il a juste payé une petite amende et il est resté en poste jusqu’en 2012…Le capitalisme impose un rythme de production effréné et le stress subi par les travailleurs se transforme en aliénation franche et directe. Les invalidités physiques sont en hausse, les arrêts maladie aussi et le nombre de burn-out ne cesse de croitre, poussant beaucoup de gens à changer radicalement de métiers. L’OMS (organisation mondiale de la santé) reconnait depuis quelques années le burn-out et les maladies psychiques déclenchées par le stress au travail comme étant problématiques et nécessitant un encadrement légal et médical.

Pour rendre les travailleurs plus productifs, on a vu émerger des métiers comme les «happiness managers», qui ont pour mission de rendre les salariés plus heureux au travail, en organisant des moments de cohésion et de détente. Mais cela ne résout pas le problème : les employés ne sont pas heureux dans le système. Le happiness management rend les employés responsables de leur mal être, dans un système qui pousse toujours plus à la performance. 

Tout ceci nous amène à …

Severance, l’enfant logique de ce parcours réflectif sur le travail

Certes le monde réel n’est pas aussi dystopique que dans Severance mais la série soulève tout un tas de question philosophiques sur la connaissance de soi (qui sommes nous sans nos souvenirs ?) et elle propose une réflexion sur notre rapport au travail (pourquoi travaille t-on ? En quoi le travail nous permet-il de nous accomplir individuellement et socialement ?).
Réflexion qui s’étend à des questions éthiques voir socio politique (à quel point appartient-on a notre employeur quand il nous paye ? le bien être au travail fait il de nous de meilleures personnes ? si je ne sais pas que je travaille puis-je m’élever dans la société ?).

Dans cette série sur le monde du travail, on exagère des traits pour dénoncer des failles. Par exemple l’entreprise a un statut de religion : le directeur est le grand pape décideur, les cadres sont les prêtres qui renforcent les dogmes, le bureau est le temple, et les employés sont des adeptes productifs récompensés avec des petites fêtes ritualisées. 

La «severance» consiste à opérer le cerveau d’un employé pour qu’il ne se souvienne pas de sa vie personnelle au travail et inversement. La série reste une fiction parce que la technologie actuelle ne permet pas de telles manipulations cérébrales. Mais si la technologie le permettait, est-ce que certaines entreprise n’auraient pas de scrupules à l’utiliser ?

Le concept peut séduire puisque les journées sont pénibles et l’arasement du travail ne nous suivrait pas dans la vie personnelle une fois qu’on quitte le bureau. Les deux personnalités ne communiquent jamais entre elles en théorie, mais en réalité ne ressentirait-on pas les traces du labeur physiquement même si on a pas les souvenirs qui vont avec ? De plus le corps accumulerait quand même le stress du travailleur, enfermé dans les locaux pendant 8h, même si on ne s’en souvient pas une fois à la maison. On arriverait frais et dispo pour travailler chaque matin mais on rentrerai avec un corps stressé le soir, et au final on donnerait le meilleur de nous même à l’entreprise. 

Dissocier nos corps et nos souvenirs du travail n’est pas une solution durable ni éthique. Puisque le travailleur serait encore plus réduit au rang de «cog», enveloppe corporelle utilisée pour produire de la richesse. Sous couvert de proposer plus de bonheur à l’employé on va de fait le zombifier, l’isoler socialement, le priver de son besoin d’accomplissement. S’il ne peut pas avoir une réflexion sur son bien être au travail, en dehors du temps de travail et avec tous ses souvenirs personnels un travailleur pourra t-il contrer le déterminisme social ? Et s’élever dans la hiérarchie ou même changer de travail pour un job plus gratifiant ? 

La multiplication de films et séries sur la dystopie au travail est indicateur d’un mal être social.

Encore plus qu’avant les entreprises, les institutions et la loi doivent réguler les pressions mentales, sociales et physiques subies par les travailleurs. Ces films et séries sur le monde du travail mettent en avant les problèmes cristallisés dans la société moderne et ancrent la dystopie d’entreprise comme un genre à part entière.

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Généralement, le scénario de ces mini séries va essayer de décortiquer une problématique qui peut toucher des minorités d’individus, pour construire sur une dizaine d’épisodes le propos, de manière la plus intelligible possible pour un maximum de personnes. Et le travail de mise en scène va permettre de créer de l’empathie avec les personnages. Cela qui agit comme un autre vecteur pour porter le message. 

Voici une petit liste de mini séries qui vont flirter avec votre dégoût pour la société. Enjoy !

Dead set (2008) : la surconsommation

Une apocalypse zombies éclate alors que des participants sont encore enfermés sur le plateau de Loft Story (Big Brother en VO).
Dead set est une comédie satirique qui partage avec Black mirror une vision nihiliste de la société, en l’occurrence la société des années 2000, qui précède notre ère d’uber digitalisation. 

Cette mini série est un prétexte pour parler des changements de mentalité qui s’opèrent dans la culture populaire des années 2000 à travers la télévision. La télé-réalité est un nouveau format d’émission qui normalise la consommation de «personnalités» rendues publiques. Ces nouveaux dogmes marquent un changement des habitudes de consommation, et le début de la mainstreamisation des «influenceurs». Dead Set dénonce la prolifération de gens superficiels en quête de célébrité, exploitant le voyeurisme morbide des téléspectateurs et fans pour le profit.

Utopia UK (2013-2014) : l’avenir de l’humanité

Des membres d’un forum de discussion se rencontrer pour élaborer des théories sur un mystérieux roman graphique supposé prédire la fin du monde. Les protagonistes vont se retrouver en cavale et recherchés par une organisation secrète qui veut aussi retrouver le roman. La mise en scène est fortement inspirée des codes de la BD, pour illustrer un propos écolo-nihiliste sur l’avenir de la planète. 

La photographie ainsi que la bande son composée par Christobal Tapia De Veer (The white lotus), mettent en avant la psychose et la violence de notre société et appuient les enjeux écologiques. L’ambiance huis clos et surréaliste fait penser à la nouvelle série Severance qui challenge avec la même intensité visuelle notre rapport au travail. Utopia à eu le droit à un remake américain (sans intérêt).

Maniac (2018) : la santé mentale

Maniac est une série dramatique créée par Cary Joji Fukunaga, le réalisateur qui nous avait offert la première (et meilleur saison) de True detective. 

L’intrigue se déroule en huis clos à l’esthétique rétro futuriste et psychédélique dans laquelle Emma Stone et Jonah Hill décident de participer à un essai pharmaceutique mené par un super-ordinateur avec une IA de scientifique. Ils vont se soumettre à une série de médicaments et d’expériences virtuelles promettant de réparer leur esprit. 

Cette série Netflix explore le concept verbalisé dans le film Arizona Dream : «deux perdus ça fait pas un trouvé». La série touche à des sujets comme les angoisses, la tristesse, le sentiment d’inadéquation, la personnalité borderline, la schizophrénie. 

Sharp objects (2018) : le trauma familial

« Un enfant sevré de poison considère la douleur comme un réconfort »… Sous prétexte d’enquête policière ce thriller dramatique nous parle de sujets tabous comme le poids de l’héritage familial et le cycle de la maltraitance transmises de mères en filles. Comment une enfance passée dans un environnement malsain et agrémenté de quelques agressions extra-familiales peuvent briser une personne? Que faire de toute cette rage ? Perpétuer le cycle de la violence sur les autres ou perpétuer cette violence sur soi-même ? 

La mise en scène est brillante, c’est un millefeuille mental et visuel qui à travers le montage permet une empathie avec un personnage borderline, parfaitement interprété par Amy Adams. Les dialogues sont redoutables et la musique tient aussi une place importante dans la série.

Si vous appréciez la série ou que vous aimez le genre familly horror, je vous invite à regarder Big little lies !

Unbelivable (2019) : la culture du viol

Le propos de ce drame policier tombe à pic dans le climat post metoo, puisqu’il dénonce le cliché de la victime parfaite. Aujourd’hui encore il y a cette épée de Damoclès au dessus de la tête des femmes : quand tu as été agressée ou violée, vas-tu oser porter plainte si tu avais bu ? Si tu était en tenue courte? Si tu es grosse ? Si tu as une réputation un peu frivole ? Pour qu’une femme soit crue il faut qu’elle soit une victime parfaite, une sainte nitouche qui subi l’assaut d’un homme sauvage et violent. Or, on sait que la majorité des viols ne se déroulent pas comme ça. 

Dans cette histoire une jeune femme va porter plainte mais les enquêteurs ne la croient pas. Parce que c’est pas une victime parfaite, son propos n’est pas cohérent, elle ne se rappelle pas de tout, elle n’a pas raconté une histoire classique. La série dénonce aussi la police masculiniste et que ces hommes sont eux aussi très violents, envers les suspects mais aussi envers leurs propres épouses. Heureusement la merveilleuse Toni Colette va mener l’enquête pour aider les victimes.

L’effondrement (2019) : l’avenir de la planète

Cette web série créée par le collectif Les Parasites et produite par Canal+ montre les derniers jours de la civilisation telle qu’on la connait. Les ressources sont épuisées, les rayons de supermarchés sont vides, les riches ont pris ce qu’ils pouvaient, il n’y a plus de pétrole, plus d’électricité, plus de solidarité. On assiste au fur et à mesure des épisodes à une lutte pour la survie.

On ne peut pas vraiment parler de série de science-fiction, alors que les signes précurseurs établis dans le scénario sont en train d’arriver dans la réalité(pénuries d’eau, diminution des carburants fossiles, catastrophes écologiques, incapacité des COP à appliquer un consensus de transition écologique mondial, etc).
C’est plutôt une fiction d’anticipation politique dont le postulat est ancré dans notre réalité. On est pile dans les problématiques de développement durable : les questions écologiques sont liées à l’économie et donc aux classes sociales. 

Les épisodes sont très bien réalisés et souvent filmés en plan séquence ce qui nous immerge totalement. Et bonne nouvelle, c’est disponible sur Youtube. 

Lovecraft Country (2020) : le racisme générationnel 

Cette série fantastique n’est pas inspirée directement d’une histoire de H.P Lovecraft mais du recueil de nouvelles Lovecraft country de Matt Ruff.
Il fait un parallèle entre la ségrégation raciale et l’oeuvre de Lovecraft qui était lui même un bon gros raciste*. L’intrigue se déroule dans le climat racial tendu des années 50. Les protagonistes se lancent dans une chasse au trésor et vont croiser sur leur chemin sorciers, magie noire et monstres. 

On retrouve dans la série de multiples dénonciations historiques comme les «racial covenants», quartiers où les personnes de couleur n’étaient pas tolérées, et victimes de violences. Ainsi que le Green book un guide de voyage qui permettait aux afro-américains de voyager de manière plus sure en indiquant les établissements qu’ils pouvaient fréquenter.

La bande son appuie le propos par le choix de prendre exclusivement des artistes noirs de soul et de blues (Etta James, Nina Simone, B.B King, Ma Reiney) et de rap (Moses Sumney, Leikeli47, Leon Bridges, Rihanna).

Playlist : https://www.youtube.com/watch?v=IkX3XUTKlKc&list=OLAK5uy_njeWXqC0FGZaCmN6b_IB8d6KT48WV274k

*Bonus : ce quizz «Qui est le plus raciste : Hitler ou Lovecraf ?» http://www.beesgo.biz/horp.html#

Them (2021) : le racisme systémique

Them est une série horrifique qui se déroule dans les années 50. Une famille afro-américaine aménage à Compton en Californie, dans un quartier exclusivement blanc faisant anciennement partie des «racial covenants», dont j’avais déjà parlé dans la critique de People Under the Stairs. Comme dans Lovecraf country ils sont victimes d’intimidation et de violences de la part de leurs voisins blancs. 

Les effets horrifiques puisent leurs racines dans les événements historiques ayant causé beaucoup de souffrance à la communauté afro-américaine comme le black face, le «negro dansant», le standard de beauté d’avoir la peau claire, les tests de gaz moutarde sur les soldats de couleur etc.

La production est qualitative mais à la limite du plagiat des productions de Joran Peele.
La tension est bien maitrisée, on a peu de moments de respiration, et les moments horrifiques sont intenses. Les acteurs portent leur rôle avec tallent et conviction. C’est un bon produit. MAIS il comporte dans son scénario des problèmes de représentation à la limite de l’exploitation de la souffrance noire. D’ailleurs la série divise. 

Pam & Tommy (2022) : le revenge porn 

On peut lire un peu partout que c’est une série «pop» qui retrace les événements «torrides et rock’n’roll» de l’affaire de la sex tape volée de Pamela Anderson. Mais on peut y voir un côté voyeuriste qui exploite une tragédie personnelle, non pas pour dénoncer vraiment quelque chose mais pour le profit, car en réalité cette série a été lancée sans l’accord de Pamela Anderson.  

Ce qu’il faut retenir de la série, c’est que Pamela Anderson a subi une haine sexiste de quasiment tout le monde, alors qu’une partie de sa vie privée lui a été volée et rendue publique. On la rabaissait constamment à son rôle de bimbo, car elle vendait son image professionnellement. Le public n’étant pas intéressé par ce qu’elle avait à dire, elle était privée d’un espace publique safe pour s’exprimer. Alors que Tommy Lee n’a jamais été attaqué, au contraire on l’a félicité d’avoir un gros penis.

La série met en avant une relation « sulfureuse » et c’est problématique car on minimise les violences conjugales causées par Tommy Lee. La violence des coups portés n’est jamais abordée, on voit tout au plus 1 bleu sur l’actrice mais sans confronter le sujet. De plus on omet complètent sa grossesse et le fait quelle était jeune maman au moment des faits, peut être pour la sexualiser encore plus.

Inventing Anna (2022) : le capitalisme

Basée sur des faits réels, la série revient sur l’ascension et la chute d’une jeune femme qui s’est fait passer pour une riche héritière et a réussi à escroquer plusieurs milliardaires et grandes banques Américaines avant de se faire chopper et condamner.

Le propos intéressant de la série est représenté à travers une journaliste qui veut montrer que le système est fait pour les riches : les banques vont aider les riches à être encore plus riche en leur débloquant de grosse sommes. Le système encourage la prospection financière en attribuant des bonus et des promotions aux employés qui arrivent à signer des milliardaires. Les petits clients ne les intéressent pas, alors que c’est de plus en plus compliqué pour une famille pauvre de faire un crédit pour une maison décente, les études se remboursent sur toute une vie, le coût de la vie augmente mais pas les salaires.

Il y a selon moi un problème dans la glamourisation des 1% et des codes du luxe, poussant les gens dans une course impossible pour avoir l’impression d’avoir réussi. Cette mentalité du «Fake it t’ill you make it» (Inventing Anna) et de «l’entreprenariat néo libéral» (Fire festival) est une diversion qui fait croire aux gens qu’ils pourront atteindre une vie de bonheur à travers des artifices consuméristes, en occultant les problèmes de pauvreté. 

La meilleur version de moi même (2022) : le développement personnel et le narcissisme

Le scénario est co-écrit par Blanche Gardin, experte dans l’humour cynique, l’auto dérision et la critique sociale. Et Noé Debré qui avait déjà scénarisé avec elle le film Problemos d’Eric Judor.

Ce mockumentaire aurait pu être un épisodes de Streap tease qui aurait mal tourné. On assiste à une sorte de descente aux enfers cheloue d’une comédienne qui a décidé d’arrêter de faire rire pour se remplir à la place de dogmes et de vocabulaire empruntés à des tendances « bien être ».

La série dénonce les paradoxes d’une société autocentrée en caricaturant les «féministes» qui descendent les autres femmes, les gens nostalgiques d’un passé « plus naturel » influencés par les réseaux sociaux, les marchands de développement personnel qui sont plus intéressés par l’argent que de votre bien être (et sous ce prisme les dérives sectaires). La critique très fine mais pas méchante car il aussi du bon chez les personnages. Ce que j’ai trouvé intéressant dans la série c’est que le propos n’est pas manichéen, plus le personnage devient extrême plus ça devient absurde, mais on développe quand même de l’empathie. 

Bon visionnage !

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Voici une petite liste chronologique de séries pour se mettre dans l’esprit d’Halloween !

Hitchcock presents

268 épisodes entre 1955 et 1962

Bienvenue dans l’univers morbide et psychotique d’Alfred Hitchcock. Ce n’est pas une série d’horreur à proprement parler mais c’est une thématique récurrente dans les histoires de meurtres angoissantes de l’auteur. Paranoïa, angoisse, traitrise, vengeance, meurtre, mystère, … Cette série est un classique que vous pouvez retrouver sur Youtube, si vous avez déjà tout lu de cet auteur prolifique et souhaitez en voir plus.

Masters of horror 

2005, 2 saisons

Probablement l’anthologie d’horreur la plus connue (aux US en tout cas puisqu’en France elle n’a été diffusée que sur les chaines payantes). Créée par Mick Garris, la série a pour concept de proposer des petits films d’horreur de 50 mn, réalisés par ses amis les génies du cinéma d’épouvante : Tobe Hooper, John Landis, Dario Argento, Joe Dante, John Carpenter entre autres. La série a une bonne vibe 80’s et 90’s horror, pour ceux qui cherchent le réconfort de l’effet VHS de notre enfance.

Datant des années 2000, elle a pris un petit coup de vieux, mais certains épisodes sont encore efficaces, comme : Family, The Washingtonians, The screwfly solution et We all scream for ice cream.

Rêves et cauchemars 

2006, 8 épisodes

Rêves et cauchemars est une adaptation Australienne de plusieurs nouvelles pas très connues de Stephen King. Malheureusement la série ne vaut pas d’autres adaptations comme la série Kingdom hospital ou les téléfilms comme Rose Red et La tempête du siècle, qui étaient eux directement produits d’après un scénario original de King.

Mais il y a quand même 2 ou 3 épisodes sympa : Crouch end, The road virus heads north, The end of the whole mess.

Fear itself 

2008, 13 épisodes 

Fear Itself est considéré comme la saison 3 de Masters of horror, puisque développé par le même show runner et sa bande de potes réalisateurs et scénaristes. On retrouve dans certains épisodes des acteurs connus comme Elisabeth Moss, Anna Kendrick, Jesse Plemons et Doug Jones. Mais la série, qui n’a pas le charme de son prédécesseur et n’a pas été renouvelée.

Pour moi seulement 3 épisodes valent vraiment le coup : Fear & bones, Community et Eater. 

Attention le générique pique les yeux : https://www.youtube.com/watch?v=VHqHH2sN9WI

Inside n°9

Depuis 2014, 6 saisons, 38 épisodes. 

Reece Shearsmith et Steve Pemberton écrivent avec subtilité et insolence des histoires horrifiques en huis clos. Ils dissèquent avec humour des comportements humains souvent sombres et tabous, et le résultat est à la fois très drôle et parfois super émouvant. Il y a quelques redondances au fil des saisons, mais c’est dur de faire 6 saisons du même concept sans se répéter. Je n’ai pas les mots pour exprimer mon amour pour ces 2 mecs. Si vous devez regarder une série de cette liste c’est bien celle-ci ! 

Vous connaissez peut être The League of gentlemen et Psychoville des mêmes auteurs (avec Marc Gatiss – Sherlock, Game of throne, A history of horror, Dr who, Good omens).

Episodes conseillés : tous !

Channel zero 

2016, 4 saisons

La série s’inspire des creepypasta, légendes urbaines horrifiques publiées sur internet sous formes de témoignages anonymes, comme des histoires de cartouches de jeux vidéos hantées ou des VHS maudites. Le creepypasta le plus connu est Slenderman. 

La première saison exploite le mythe de Candle cove, une émission de télé étrange que des gens disent avoir vu quand ils étaient enfants mais dont il n’existe aucune trace. La seconde saison « La Maison sans fin » revisite le thème de la maison hantée/purgatoire. Je n’ai pas regardé les saisons suivantes car le rythme de la série est quand même assez lent et pas super captivant. 

Haunting of Hill House

2018, 2 saison

Disponible sur Netflix, cette première saison est adaptée du roman de Shirley Jackson, figure emblématique de la littérature horrifique puisqu’elle est pionnière dans le genre que j’appelle «Family horror ». Genre qui cristallise les angoisses et le mal être de personnages évoluant dans un environnement familial toxique.

La mise en scène de cette adaptation est très esthétique et cherche à nous mettre dans la psychologie des personnages. D’ailleurs chaque épisode raconte le point de vue d’un membre de la famille (et d’un degré de deuil) pour dénouer petit à petit le mystère de Hill House. Avec habilité, la série fait un parallèle entre la figure du fantôme et les traumas qui nous hantent. Et les producteurs ont eu un coup de génie en plaçant de «vrais» fantômes dans certaines scènes, de telle sorte qu’on ne les voit pas vraiment mais si on les aperçoit c’est frissons garantis. 

La saison 2 Hauting of Bly Manor est un peu plus décousue à mon gout, mais peut être une bonne porte d’entrée pour de gens intimidés par la première saison. 

Je vous recommande aussi le film Shirley avec Elisabeth Moss, qui est une sorte de biopic horrifique de la vie de la romancière (mais je vous conseille de vous renseigner un peu sur sa vie pour vraiment apprécier le film).

Into the dark 

2018, 2 saisons

Le concept de la série est de proposer des films horrifiques de 120 minutes en lien avec les fêtes : halloween, noël, pâques, la st Patrick etc. Il y a de très bonnes choses dans cette série autant visuellement que dans les idées, et l’équipe de scénaristes comporte une quasi parité de femmes. Elles sont malheureusement souvent cantonnées à des épisodes sur la fête des mères, la st Valentin, la journée nationale des filles (oui c’est un vrai truc…). On retrouve au casting Stephanie Beatriz de Brooklyn 99, Carly Chaikin de Girls et Israel Broussard de Happy death day. 

Episodes conseillés : Nasty piece of work, Pooka, Pure, The body, I’m just f***** with you, New year.

Bloodride 

2019, 6 épisodes

Mini série Norvégienne produite par Netflix. La série m’a accroché avec le premier épisode, qui a une petite vibe Stepford wives satanique. Mais globalement la qualité des épisodes est très inégale et on a une impression de déjà vu. Ca peut être cependant une bonne porte d’entrée pour quelqu’un qui n’est pas familier du genre horrifique, ou pour les enfants (mouhahahaha!).   

Épisodes conseillés : Ultimate sacrifice, Lab rats, Bad writer.

Two Sentence Horror Stories 

2019, 3 saisons

Un bon point pour la diversité et les représentations ! L’équipe de scénaristes est composé en majorité d’auteurs non cis qui exposent leurs points de vue sur les problématiques sociales des gays, des hispaniques, des asiatiques, des natifs américains, des trans, des pauvres, des drogués, des vieux. La série est riche en idées malgré la qualité variable des épisodes, c’est plutôt une bonne surprise ! Je recommande chaudement.

Episodes conseillés : Crush (mon préféré), Tea party, Gentleman, Squire, Little monsters, Instinct. 

Monsterland

1 saison, 2020

Ils ont laissé rentrer les monstres (bisou Julia Ducourneau !). Les monstres existent dans la vraie vie, ce ne sont pas des chimères ou des artistes qu’il faut séparer de l’homme, ce sont juste des gens qui commettent des actes horribles. A travers des ressorts horrifiques la série propose de s’interroger sur les mécanismes de société qui créent et taisent les monstres : la misère sociale, le poids de la maternité, le capitalisme, les secrets de famille… La série est plutôt habille dans sa mise en scène au propos satirique et tente de raconter des histoires de vie avec honnêteté.

Episodes conseillés : New Orleans Louisiana, Port Fourchon Louisiana, New York New York, Plainfield, Illinois,

Bon visionnage !

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La SF a su conserver sa place sur nos écrans et a intégré la pop culture. Certaines séries de science-fiction nées dans les années 60 ont tellement bien marché qu’elles ont été rebootées sur plusieurs décennies, et d’autres sont devenues cultes. 

Au delà du réel (The outer limits) a été réadaptée dans les années 90. La quatrième dimension (Twilight zone) a été réadaptée deux fois : dans les années 90 puis en 2019 (par Jordan Peele).
Star Trek bat des records de longévité et a connu moultes adaptations : 13 films et 7 séries dérivées. 
X Files est devenu tellement culte qu’on ne compte plus les références dans d’autres séries, films, sketches, etc. La série a été renouvelée en 2016 pour les saisons 10 et 11.
Black mirror diffusée sur Channel 4 de 2011 à 2014 à été racheté par Netflix en 2016 pour développer d’autres saisons. 

Voici une petite liste chronologique de séries SF pour bien commencer la rentrée !

Masters of sci fi

2007, 1 saison, 6 épisodes

Faisant suite au succès de la série Masters of Horror, le spin off Masters of sci-fi se paye le luxe d’une intro par Stephen Hawking. La série avait l’intérêt de questionner notre humanité à chaque épisode, plutôt que de faire dans le spectaculaire. On y retrouve des thèmes classiques de la littérature d’anticipation comme l’invasion extra-terrestre, le questionnement sur l’humanité des androïdes, la fin de la planète Terre, la surveillance d’état robotisée, etc. Si vous aimez Ray Bradbury, Frederic Brown et Theodor Sturgeon cette série va vous plaire. 

Épisodes conseillés : Jerry is a man, The discarded.

Metal Hurlant Chronicles 

2 saisons, 2012-2014

Série Franco-belge inspirée du magazine cyber-punk des 70’s Métal Hurlant, qui proposait de la bande dessinée SF et du contenu musical rock, heavy et métal. Visuellement la série de 2012 a pris une petite claque et le jeu d’acteur n’est pas toujours au rendez-vous, mais j’admire la passion et le travail de l’équipe.

La version américaine du magazine a inspiré le film d’animation Heavy Metal de 1981 qui est un de mes films d’animation préférés. Et le zine est à nouveau publié depuis 2021. 

Dimension 404 

2017, 6 épisodes

Les épisodes n’offrent pas vraiment de nouveauté dans le genre et on évolue dans une ambiance déjà familière, bien que très agréable. On sent une inspiration Au delà du réel, avec le générique notamment et dans le design du logo. Mark Hamill (Star Wars, Batman la série animée) est le narrateur de la série et on y voit des acteurs connus et appréciés de la communauté geek : Joel McHale (Community) et Patton Oswald (Stranger things, Young adult). La série n’a malheureusement pas convaincu malgré le travail de l’équipe scénaristique et la qualité des effets visuels; et s’est vu refuser une seconde saison. Je recommande quand même la série à des gens qui ont envie de rentrer dans la SF avec des sujets légers et plus contemporains que Masters of Sci Fi.

Épisodes conseillés : Cinethrax, BOB.

Room 104 

4 saisons, 48 épisodes, depuis 2017.

L’intrigue de chaque épisode se déroule dans une chambre de motel, la chambre 104. Ce brief d’une ligne permet aux producteurs et scénaristes les frères Duplass de développer une créativité folle dans des histoires très différentes. On passe d’un genre à l’autre : horreur, comédie, thriller… En conservant quand même un esprit très Science Fiction.

Épisodes conseillés : Drywall guys, Swipe right, No Dice, The Missionaries, Hungry, Mr. Mulvahill.

Weird city 

2019, 6 épisodes

Cette mini série est une sorte de Black mirror plus acidulée et fun. On sent une envie de critique sociale à travers les thèmes abordés comme la séparation géographique des classes sociales et une certaine satire du mode de vie des «gens d’en haut», qui rappelle Le meilleur des mondes de Haldous Huxley. Mais le ton est moins tragique et frontale que Black mirror. 

La web série est produite par Youtube + Jordan Peele + Charlie Sanders (Death valley) + Adam Berstein (Fargo). Quelques épisodes sont disponibles gratuitement sur la plateforme, mais il n’y a pas de saison 2 malheureusement.

Cet épisode avec Mickeal Cera (Supergrave, Scott Pilgrim, Juno, Arrested Development) est juste exceptionnel de bizarrerie. C’est magnifique.

For all mankind 

3 saisons, depuis 2019

La série est une uchronie qui parle d’exploration spatiale dans un contexte de guerre froide. Cette fois ci les Américains ont perdu la course à la Lune, au profit de l’URRS. Ce n’est pas une anthologie à proprement parler mais chaque saison se déroule dans une décennie différente : 70’s, 80’s, 90’s. 

La série soulève quelques problématiques sur la géopolitique, la domestication des femmes, le racisme, l’homophobie, les impacts socio-économiques de la conquête spatiale… Mais au delà de ça, c’est juste une grande série : c’est beau, ç’est inspirant, c’est émouvant. Le casting est impeccable : Joel Kinnaman (The missing, Altered carbon, Robocop 2014), Jodi Balfour (The crown) et Chris Bauer (The wire, Broken Flower, The little things). Si vous avez aimé House of cards et Battlestar Galactica regardez For all mankind.

Love death robots  

3 saisons, depuis 2019

Produit par Netflix, Love death robots est une série d’animation dont chaque épisode est animé par différents studios et pays. Ce qui crée une richesse et une variété exceptionnelle d’histoires épiques, sombres, violentes, sexuelles et même comiques. Chaque épisode est qualitatif et certains sont même teeeeeellement cool ! 

David Fincher voulait à la base rebooter Heavy Metal le film d’animation de 1981 mais le projet n’ayant pas abouti il nous offre à la place cette petite pépite. À voir absolument !

Épisodes conseillés : bah tout en fait !

Dust 

Dust est une chaîne Youtube est magique et regorge de court métrages hyper variés de science-fiction, produits par un studio indépendant affilié à la chaine britannique Sky. Elle publie en moyenne 10 courts par mois dont des animations

https://www.youtube.com/c/watchdust

Bon visionnage !

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Les contes de la crypte, série d’horreur-comédie comporte 7 saisons et 93 épisodes d’environ 30 minutes. Quasiment chaque épisode a la qualité d’un film, et 36 ans après c’est toujours aussi bien (à part quelques épisodes qui sont à la limite de The room niveau jeu d’acteur). C’est clairement une série de gens talentueux et passionnés, qui respectent le public, ce qui fait sa qualité et son succès. 

La bande dessinée comme origine : 

A l’origine William Gaines et Al Feldstein créent un triptyque de magazines publiés chez EC comics entre 1950 et 1955 : The vault of horreur, Tales from the crypt et The haut of fear. Dont les histoires étaient présentées par trois personnages respectifs : le Vault Keeper, le Crypt keeper, et the Old Witch.

Malheureusement le magazine est censuré en 1955 par le comics book code, un comité de censure américain, qui pensait ce type de littérature pouvait avoir une influence négative sur la jeunesse. Depuis, il y a eu des rééditions des titres de EC Comics, dans les années 60, 70 et 90. 

Pour en savoir plus sur la BD originale : https://www.youtube.com/watch?v=rvOg8dUzCZE

Les adaptations :

Les histoires de Tales from the crypt ont tellement marqué le public, qu’on compte pas moins d’une vingtaine d’adaptations à ce jour (et oui !) en films, séries, dessin animé, BD etc…

1 – Le film Tales from the crypt (1970) avec Peter Cushing (Sherlock Holmes). Réalisé par Freddie Francis, directeur de la photographie sur Elephant man et Dune (David lynch) et Les nerfs à vif, qui réalisait en parallèle des films d’exploitation horrifiques. 

2 – Puis en 1972, The Vault of Horror avec Tom Baker (interprète du 4ème Dr Who). Réalisé par Roy Ward Baker qui a aussi réalisé Monster club (1981) et Les cicatrices de Dracula (1970) des films d’exploitation également. 

3 – En 1982 sort Creepshow, le meilleur film selon moi. Réalisé par George Romero d’après un scénario de Stephen King, avec des effets spéciaux de Tom Savini. King et Savini jouent même dans le film.

Composé de 6 contes, c’est un bijou de l’horreur kitsch de mon enfance. Très librement inspiré du comics original Tales from the crypt, le film incorpore très efficacement les codes de la BD pour créer une ambiance incomparable.

4 – Ce film a aussi été adapté en BD par la suite.

5 – Une suite, Creepshow II, sort en 1987. Cette fois ci, le scénario est écrit par Romero et Lucille Fletcher sur la base de nouvelles de Stephen King, et réalisé par Michael Gornick. Le film ne contient que 3 histoires, mais Tom Savini est toujours responsable des effets visuels. Malheureusement Creepshow 2 n’égale pas le premier…

6 – Le troisième volet Creepshow III, sorti en 2006 s’est fait sans l’équipe originale. Le film n’a pas la qualité des deux précédents volets malheureusement… Même l’affiche est dégueulasse.

Il y a aussi trois films directement inspirés de la série Tales from the crypt, qui sont plutôt des épisodes étendus sur un format long : 

7 – Demon Knight (1995)  qui est plutôt bien, et a l’intérêt de mettre en avant une finale girl afro-americaine.

8 – Le second film Bordello of Blood (1996) qui est basiquement un Nanard avec des putes vampires.

9 – Et le dernier, Rituel (2002) une histoire de zombies qui n’a aucun intérêt (désolé Tim Curry).

10 – La série Les contes de la crypte : diffusée de 1986 à 1996. Probablement l’adaptation la plus connue en France car elle a été diffusée sur M6.

11 – La série Tales from the cryptkeeper (Crypte Show en français) est l’adaptation en dessin animé de la série. Diffusée de 1993 à 1999 la série est destinée à un public plus jeune et à une vocation clairement moralisatrice. Les protagonistes sont basiquement des sales gosses, et le Creept Keeper va les transporter dans des situations horrifiques où ils vont apprendre une bonne leçon. 

Vous suivez toujours ?

Si vous avez plus de 30 ans vous avez probablement grandi avec des dessins animés horrifiques qui passaient sur M6 : Draculito, Creepy crawlers, Chaire de poule, Scooby doo, Doctor globule et Extrême ghostbusters.

12 à 13 – Il y a aussi des tentatives de jeux télévisés et émissions de radio mais je n’en parlerais pas car je ne les ai pas vus. 

14 à 16 – Le premier film de la saga Tales from the Hood sort en 1995. Composé de 5 petits contes, le film est clairement inspiré de Tales from the crypt. On y aborde frontalement les problématiques qui affectent la communauté afro-américaine, comme les violences policières. Elles sont illustrées dans le premier conte très cru mais malheureusement réaliste. C’est Clarence Williams the 3rd (Twin Peaks,Star Trek Deep space 9) qui interprète, non pas un cryptkeeper mais un directeur de pompes funèbres. Les suites de ce premier volet ne sont vraiment pas terribles.

17 – En 2014 la BD originale est elle aussi rebootée par l’ancien éditeur de Marvel Comics.

18 – En 2019 Shudder lance un reboot de la série, intitulé Creepshow comme les films, mais plutôt inspirée de la série Tales from the Crypt. Bien qu’elle semble s’adresser à un public plus jeune (on y voit moins d’entrailles et de boobies). La série est supervisée par Gregory Nicotero, responsable des effets spéciaux pour Evil dead 2 et 3 (Sam Raimi), L’antre de la folie (John Carpenter), Scream (Wes Craven), la série Masters of horreur et Austin Powers 3. Gregory Nicotero est un monsieur à qui on doit le respect. 

On voit dans quelques épisodes des hommages photographiques au film original, par exemple dans l’épisode Model kid.

Le meilleur épisode selon moi est Public Television of the Dead, épisode de la saison 2, qui propose un cross over étrange mais cool entre Evil Dead et Bob Ross . Si vous ne connaissez pas Bob Ross, éduquez vous.

19 – Heavy Metal Comics a publié une nouvelle BD, mais je ne sais pas si elle est inspirée de la série de 2019 ou si ce sont des histoires originales. La BD reprendrait le même format que la série, à savoir deux histoires dans un épisode.

20 – Au moment où j’écris cet article vient de paraître l’info : pour Halloween, en 2022 sortira une nouvelle série de comics intitulée Creepshow, on ne sait les encore si la BD sera liée à la série de 2019.

21 – La série qui ne vit jamais le jour : En 2015 M. Night Shyamalan’s annonçait qu’il allait faire une série “Tales From the Crypt”. Mais après des années cauchemardesques de préproduction, la série n’a jamais vu le jour.

Le succès des contes de la crypte

Beaucoup de scénaristes, réalisateurs et acteurs ont contribué au succès de la série. Ces créateurs passionnés ont pris le genre et le public au sérieux et nous ont offert une série de qualité qui tient toujours la route en 2022.

Les acteurs des contes de la crypte : 

Côté acteurs et giga stars on peut reconnaître : Bill Paxton (Game over man !), Brad Dourif, Ewan McGregor, Joe Pesci, Malcolm McDowell, Steve Buscemi, Whoopi Goldberg, Teri Hatcher, Demi Moor, Patricia Arquette, Tia Carrere (schwing !) et bien plus… 

Les réalisateurs des contes de la crypte : 

Nombreux épisodes sont réalisés par de grands noms du cinéma : Robert Zemekis (il à fait 3 épisodes), Arnold Schwarzenegger (et ouais !), Michael J Fox, Tobbe Hooper (Massacre à la tronçonneuse), Tom Hanks, Richard Donner (Les goonies), Tom Holland (celui qui a fait Chucky pas Spiderman), …

Sur 93 épisodes, on constate une richesse de réalisation avec des codes de genres différents : roman noir, murder mystery, documentaire camera à l’épaule en mode Cops, un épisode en mode boucle temporelle, des scientifiques fous, des vampires, des zombies, du vaudou… Et des tentatives d’humour avec le Crypt keeper qui introduit et clos chaque épisode avec une petite mise en scène en rapport avec le thème de l’épisode et des jeux de mots. Dans certains épisodes on voit des prouesses techniques comme un deep fake de Humpfrey Bogart, un épisode tourné en caméra subjective.

Les scénaristes des contes de la crypte :

Le succès de la série repose aussi sur des scénarios solides de : Fred Dekker (qui à aussi écrit pour Star Trek), Alan Brown (récompensé pour la série comique SNL), Frank Darrabont (Shawshank, La ligne verte,The walking dead), Peter semant (Qui veut la peau de Roger Rabbit), et sûrement plein d’autres que je ne connais pas.

Bande son originale : 

Le thème musical de la série est composé par Danny Elfman (avant qu’il fasse du R’n’B pour 50 Shades of Grey…RIP)

Effets visuels et spéciaux : 

Côté effets visuels, c’est Kevin Yagher qui a créé l’animatronique du Crypt keeper. On le connaît surtout pour son travail sur Chucky et Freddy. Et c’est Brock Winkless qui était le marionnettiste principal (il fallait parfois jusqu’a 6 marionnettistes selon les besoins d’animation). Brock Winkless était aussi le marionnettiste de Chucky. Fun fact, Yagher a utilisé les yeux bleus de Chucky pour le Crypt keeper.

Au total, pas moins de 50 spécialistes des effets visuels ont collaboré à la série : Scott Weeler (300, Star Trek, US), Greg Cannom (The mask, Benjamin Button, et jury dans la serie-competition de makeups FaceOff), Alec Gillis (Starship troopers, La mort vous va si bien, X files). Mais il y en a plein d’autres dont une dizaine (seulement) de femmes.

Si vous voulez en savoir plus : 

https://www.youtube.com/watch?v=4QGU6JDv8Lk

Les contes de la crypte c’est aussi un regard sur la société 

Attention cette partie contient des spoilers !

En plus d’être fun et kitsch, Les contes de la crypte sont aussi des contes moraux sous forme de comédie-horrifique. Les protagonistes vont commettre des actes malveillants avant de se voir punis dans des twist jouissifs pour le spectateur. Mais ne vous y trompez pas, dans cette série ce ne sont pas toujours les méchants qui sont punis et les gentils qui sont sauvés, car dans sa vision il n’y a pas de gentils et de méchants, il n’y a que des choix et des conséquences…

Les thèmes récurrents sont le mensonge, la jalousie, le meurtre, le vol, le sexe, les luttes pour la reconnaissance ou le pouvoir… Bref des thèmes encore d’actualité, profondément humains et donc un reflet de notre société. Voici dans le désordre quelques épisodes basés sur nos plus mauvais penchants :

Luxure et mensonge : 

The sacrifice avec Michael Ironside (Starship troopers) : un épisode consacré au triangle amoureux qui nous parle du triptyque « amour-mensonge-trahison ». 

Split personnality avec Joe Pesci (Les affranchis, Maman j’ai raté l’avion) : un arnaqueur qui se fait passer pour un jumeau pour pécho des jumelles se voit déchiré par l’indécision. 

Colère et vengeance :

On a dead man chest : un musicien se retrouve avec le tatouage d’une femme qu’il déteste, tue la femme et fini par se dépecer, recréant son meurtre et finissant littéralement rongé par la haine.

Only sin deep : une jeune femme vend sa beauté et sa jeunesse pour séduire un homme riche et fini par dépérir. On n’échappe pas à ses dettes si facilement. 

Envie, impatience, jalousie et convoitise :

Forever ambergris avec Steve Buscemi : tu ne convoiteras point la femme de ton collègue et tu ne tueras point ton collègue pour pécho sa veuve… 

Abra cadaver : une histoire de vengeance être deux frères médecins. L’épisode à un ton un peu cartoonesque qui fait penser à Réanimator.

Avarice et manipulation : 

Death of some salesmen : un commercial qui ment aux femmes pour coucher avec elles et qui n’hésite pas a arnaquer des mamies, va finir par mourir entre les mains de Tim Curry.

Dead wait : Whoopi Goldberg en prêtresse vaudou punit un homme qui est venu voler une perle précieuse.

Orgueille et gloire personnelle :

Dead right : Demi Moore épouse un homme pour son argent, le méprise et fini par en payer le prix.

Télévision terror : on y voit un présentateur pompeux se faire malmener dans une émission de chasse au fantôme.

Paresse et négligence : 

The New Arrival : un psychologue en perte de notoriété veut se faire un coup de pub en utilisant une famille. Trop persuadé de son tallent il pense qu’il a déjà résolu le problème, ne cherche pas vraiment à aider qui que ce soit et cause sa perte.

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Voilà pour l’excavation des Contes de la crypte. N’hésitez pas a voir ou revoir la série de 1986 et les films Creepshow et Tales from the Hood ! 

Et si vous aimez la série, vous aimerez peut être : Twilight zone, le reboot de twilight zone des années 80, le reboot de twilight zone de 2019, Au delà du réel, Masters of horror, Masters of science fiction, Fear itself, Channel zero, Room 104, Into the dark, Bloodride, X-Files, Inside n°9

Good night boils and ghouls ! 

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