Qu’est ce qu’un duo féminin dans le cinéma de genre?
Attention spoilers! Il est de toutes façons préférable d’avoir vu les films avant de lire cet article.
Il sera question des films suivants:

• A l’intérieur d’Alexandre Bustillo et Julien Maury,
• Grave de Julia Ducournau,
• Haute Tension d’Alexandre Aja,
• Les Yeux sans visage de Georges Franju,
• Martyrs de Pascal Laugier,
• Frontières de Xavier Gens,

1-La famille

S’horrorité!

Dans Grave, Justine et sa grande soeur Alexia se retrouvent dans la même école vétérinaire. Celle-ci, déjà initiée à la violence du bizutage, tente d’intégrer sa petite soeur, par la même violence.
On est donc loin du schéma habituel de la grande soeur protectrice. Alexia participe à plonger Justine dans l’enfer de la pression sociale, écrasée par les pouvoirs des dominants.
Pourtant, lorsqu’elles sont seules, une vraie complicité existe.

Pression psychologique donc, mais aussi pression sur son propre corps, pour se conformer. Justine subira les assauts de sa soeur qui tentera de raser ses poils pubiens. Justine répondra pour la 1ère fois par la violence.
Son cannibalisme dirigé contre sa soeur prend tout son sens: elle reprend le pouvoir sur son corps en prenant possession de celui de sa soeur, et d’une certaine manière reproduit l’idée qu’on se fait en mangeant de la viande: s’approprier les pouvoirs d’un tiers. Cet acte sera aussi le 1er qui la rapprochera d’Alexia, celle-ci étant également cannibale.

Dès lors Alexia remplira son rôle de soeur animale. Protectrice en initiant Justine à la chasse qui symbolise à la fois le passage à l’âge adulte de Justine, et une technique de survie dans un monde hostile.
Mais aussi répondant à une notion de meute, en oubliant pas qu’elle appartient aux dominants, quand elle humilie publiquement Justine. Ce qui donnera lieu à un affrontement violent entre elles. Une bataille de pouvoir.
C’est finalement Justine qui aura le dessus, Alexia étant incapable de dominer sa soif de sang. Les rôles finissent par s’inverser, Justine prend soin de sa soeur au propre (en la lavant de son crime), comme au figuré (en allant la voir en prison). Cette expérience les lie à jamais.

Maternage féroce

Dans A l’intérieur, les deux héroïnes ne sont pas de la même famille. Mais Sarah et « la femme » incarnée par Béatrice Dalle, sont unies par un désir de liens familiaux, matérialisé par la maternité.

Si dans Grave l’affrontement débouche sur une sororité, ici le duel s’avère pour le moins saignant.
Fait inhabituel, leur point commun ne peut que les diviser. La femme a perdu le bébé dans son ventre dans un accident de voiture causé par Sarah. Et celle-ci a perdu, dans le même accident, son compagnon. Un deuil à faire pour les deux femmes. Mais la femme considère l’enfant de Sarah comme son dû. Elle va donc littéralement l’arracher à Sarah, et assouvir sa vengeance à travers le sang.

Don de sang

Le sang est d’ailleurs l’élément central qui unit les 2 héroïnes d’A l’intérieur. Au sens propre (quitte à en faire un peu trop), mais également au sens figuré.
Le sang réunit la femme et Sarah, à travers la figure de l’enfant qui reste absent à l’écran. A noter que l’absence d’enfant est source de saignements (règles). Au même titre que s’il est là (saignements de l »accouchement et post accouchement). Dans tous les cas, la symbolique du sang lié à la maternité n’a jamais été aussi clair.

Alors que Sarah est visiblement anesthésiée par la perte de son compagnon, l’intrusion de la femme va tout remettre en question. Les deux se livrent un combat acharné. L’une défend deux vies, l’autre veut récupérer son statut de future mère.
Alors que les 2 femmes ont en commun n’avoir jamais eu le statut officiel de mères, on constate que pour l’une, c’est inscrit dans sa chair et coeur, quand pour l’autre, il s’agit d’abord de sauver sa vie.

Si on sait que l’instinct maternel n’existe pas, le désir d’être mère peut être si fort qu’il peut déclencher des événements tragiques (meurtres, enlèvements dans le pire des cas). Mais aussi des effets psychiques stupéfiants (déni de grossesse, incapacité de tomber enceinte…).
Une thématique assez inépuisable, donc.

C’est la rencontre parfaite entre le sang, symbole de vie et de mort, et des liens du sang.

Par ailleurs, l’accouchement est un événement qui rapproche de nos instincts les plus primitifs. Nous sommes au plus prêt d’un état animal. Sarah devient ainsi un animal sacrifié par la femme.
On peut noter que lors de sacrifices d’animaux, et notamment d’expiation, la couleur du pelage de l’animal est le plus souvent blanc (comme la robe de Sarah). Une manière pour la femme d’expier son péché d’envie?

2-L’amour

C’est plus fort que toi

Si l‘amour n’est pas au centre de Martyrs et Haute Tension, c’est pourtant ce qui anime les protagonistes.

Pascal Laugier l’avait expliqué lors d’avant premières de Martyrs. Pour lui, son film est aussi l’illustration de l’amour absolu qui peut conduire à tout, même à sa propre perte. Le jusqu’au boutisme d’Anna la conduit à non seulement entrer en enfer, mais à y rester, même après la mort de sa bien aimée.
Un duo féminin qui n’est pas à égalité, puisque Lucy n’a pas de sentiment amoureux pour Anna. Et celle-ci paiera cher ce désavantage. D’une certaine manière, sa situation finale dramatique lui permettra d’aller à la rencontre de Lucy, en subissant le même sort. Est-ce cet amour qu’elle voit dans cette souffrance ultime?

Je me permets une disgression hors du cinéma genre, pour évoquer rapidement un parallèle avec Mauvaises Fréquentations qui illustre de la même manière, comment on peut basculer dans l’horreur par amour. Avec un duo féminin autour de l’amitié et de l’amour absolu, dans les deux films.
C’est intéressant de noter que deux films qui n’ont rien à voir, ont le même angle pour traite de l’amour mêlé à de l’amitié.

Dans Martyrs, Anna accepte d’être complice de meurtres. Puis, acceptant avec difficulté la mort de sa bien aimée, elle finira piégée dans la maison de l’horreur.
Delphine, 15 ans, acceptera, à la demande de son 1er amour, de se prostituer dans les toilettes d’un parc.
On peut aussi remarquer que dans les deux films, celle présentée comme ascendante (Lucie dans Martyrs et Olivia dans Mauvaises Fréquentations), s’avère finalement être le personnage dominé. Malgré sa vengeance, Lucie se suicide, car le traumatisme est toujours là.
Olivia, initiatrice de Delphine à la rébellion de l’adolescence, accepte de se prostituer par amitié, pour ne pas la laisser seule.
On ressent donc à la fois de la terreur face à ces situations, et de la pitié. Deux piliers essentiels au fameux catharsis.

« Amour » en toute toxicité

Dans Haute Tension le duo féminin est limité, car il s’agit d’un amour obsessionnel, toxique (qui n’est donc pas véritablement de l’amour). Marie veut posséder Alexia. Le film représente une relation toxique ou un harcèlement d’un homme envers une femme. Marie prend les traits d’un homme vieux, blanc qui élimine les proches d’Alexia. Elle reste également bâillonnée tout au long du film. Marie est persuadée de savoir ce qu’il y a de mieux pour son amie, sans l’écouter, reflétant l’isolement de la victime, et le silence qui sont des éléments courants dans les violences sexistes.

D’une certaine manière, Aja joue avec les clichés habituels de l’homme prédateur et violent, en faisant de Marie, la tueuse sans pitié (même si on se demande bien comment elle a pu avoir autant de force).
Ainsi, on doit admettre la possibilité qu’une femme peut être violente et tuer. On imagine encore assez peu une femme capable de violence, car notre imaginaire reste encore beaucoup imprégné d’aprioris sexistes. Ce qui a permis a de nombreuses femmes de passer entre les mailles du filet d’enquêteurs.
La différence majeure avec la représentation habituelle des tueurs masculins, c’est qu’ici Marie n’est pas une prédatrice. Elle agit obsédée par son amour.

3-Femmes piégées

Les yeux sans visage de Georges Franju et Frontières de Xavier Gens n’ont pas grand chose en commun, je vous l’accorde. L’un est un chef d’oeuvre, l’autre est….bon, un spectacle qui ne demande pas beaucoup d’exigence. Mais ici, je m’intéresse à la représentation.
On note dans les deux films, une relation étrange presque maternelle qui lie les duos féminins. Dans les deux cas, ce sont des femmes qui sont piégées. L’une par une obligation morale, l’autre par sa condition. Dans les deux films, ces quatre femmes ont la condition d’objet. D’où leur lutte.

Visage possédé

Louise semble jouer un rôle de mère pour Christiane, la jeune femme défigurée des Yeux Sans Visage. On lui devine une relation intime avec le médecin, et père de Christiane.
Elle est dévouée au médecin qui veut réparer le visage de sa fille. Louise se dévoue entièrement à Genessier, qui l’a soignée, dans le passé. Telle une création de Frankenstein, Louise représente une réussite pour Genessier. Qu’il compte bien réitérer avec sa fille.
Lui devant son salut, Louise est aveuglée par la folie meurtrière de son mentor. Son attachement (au sens presque propre du terme!) est symbolisé par le collier qu’elle porte, au même titre que les colliers des chiens du chenil.
Louise est l’objet du docteur. Elle lui appartient.

Mais elle comprend aussi le désarroi de Christiane qui est plongée dans le désespoir de retrouver un visage et celui d’être victime de la folie de son père. Christiane est elle aussi, considérée comme un objet par son père. Elle n’existe pour lui, qu’à travers l’expérience scientifique qu’elle représente. Genessier n’évoque sa fille que pour constater l’évolution de ses opérations chirurgicales, avec une grande froideur.
Par ailleurs, le visage est l’ultime symbole de l’individualité, de notre identité unique.
Or, utiliser n’importe quel visage, pour reconstruire sa fille, appuie le fait que le visage n’est qu’un masque, presque neutre.
C’est également l’occasion de garder sa fille, près de lui. En maintenant son contrôle sur son visage (son corps), et donc son rapport aux autres. Il ne supporte pas que Christiane tente de communiquer avec son ex compagnon.

Ce duo féminin est donc soumis au même homme. Louise est la seule source de réconfort de Christiane. Elle finira par « tuer la mère » en portant un coup fatal à Louise et se libérera.

Donne moi ton ventre

La femme, un objet-projet, c’est également une thématique que l’on retrouve dans Frontières.

On constate un schéma similaire aux Yeux Sans Visage de duo féminin.
Dans Frontières, on suit Eva (interprétée maladroitement par Maud Forget de Mauvaises Fréquentations) et Yasmine.
Eva, jadis kidnappée, et victime d’abus, sera le seul soutien de Yasmine. Le patriarche de la famille de cannibales a besoin de femmes enceintes pour perpétuer une race pure.
Et pour cela, il utilise Eva, femme objet-projet(la consanguinité sera responsable de bébés handicapés), puis Yasmine.

Sous l’emprise du père fasciste, Eva reste animée par sa maternité monstrueuse. C’est ce qui la rapprochera de Yasmine, elle-même enceinte. Après un long calvaire, Yasmine trouvera finalement un peu de réconfort auprès d’Eva.
Les deux personnages sont piégés, en raison de leur maternité (et donc leurs corps). L’une moralement, l’autre physiquement.

Eva est le cliché même de la mère. Elle a le fameux « instinct » maternel en devinant la grossesse de Yasmine. Vêtue de blanc (donc de pureté), elle reste attachée à ses enfants indésirés et indésirables.
C’est cette fameuse force maternelle qui l’amènera à aider Yasmine. Mais qui causera aussi sa perte, car elle se retrouvera seule, incapable d’abandonner ses enfants monstrueux.

Les deux soutiens des héroïnes des deux films finiront donc tragiquement, incapables de s’extraire d’une emprise.

Sororité, amitié, maternité…avec seulement 6 films pour exemple, on constate un échantillon des relations représentées, qui montre leur complexité.
Dans un monde fait par et pour les hommes, ces femmes doivent non seulement survivre, mais aussi appréhender leurs propres relations. Car un monde sexiste n’est pas sans conséquences sur les relations qu’entretiennent les femmes entre elles. Elles doivent faire preuve à la fois de solidarité, mais leur précarité les amènent aussi à avoir des comportements toxiques, voire dangereux.

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1- Critique de Laissez rentrer les monstres, de Matis Catel

Si je suis passionnée de cinéma de genre, je suis aussi une grande amatrice de cinéma de genre français, qui reste largement méprisé, à la fois par le public et la profession.
Il est vrai qu’il est plus rare de trouver des oeuvres de qualité, et que ma tolérance est certainement plus élevée que lorsque je suis face à une production américaine, mais c’est parce que c’est un cinéma qui mérite qu’on l’encourage et qu’on le visibilise.
Par conséquent, je suis toujours curieuse des initiatives qui tentent de mettre en lumière cette industrie.

Laissez rentrer les monstres s’intéresse à la situation actuelle du cinéma de genre français, après les succès critique (et plus ou moins public), de Grave puis de Titane, de Julia Ducournau.
En quoi cette palme d’or est exceptionnelle (dans le sens historique de l’histoire du cinéma)? C’est un film de genre, qui plus est français, qui plus est, réalisé par une femme (car si les réalisatrices sont toujours largement minoritaires, on oublie souvent de dire qu’elles sont carrément anecdotiques dans le cinéma de genre).

Laissez rentrer les monstres part à la rencontre des réalisateurs emblématiques du cinéma de genre français qui ont déjà été largement entendus sur le sujet (Alexandre Aja, Julien Maury & Alexandre Bustillo). Ainsi, on apprend pas grand chose de ce côté là si on s’est déjà intéressé au sujet, mais cela permet aux plus novices de poser le contexte. Leur discours ne change finalement pas beaucoup par rapport à ce qu’ils soulignaient il y a quelques années, dans le documentaire Viande d’origine française.
Là où le documentaire complète ce qui a déjà été entendu, c’est qu’il interroge les démarches des nouveaux venus, qui proposent un cinéma de genre très différent de cette 1ère vague, nommée « french frayeur ».
En effet, Pascal Laugier, Bustillo & Maury, Xavier Gens, Aja, ont proposé dans les années 2000, des films radicaux, gores en réaction à une impossibilité de faire exprimer un cinéma français différent.
Les scénaristes, réalisateur et réalisatrices actuels du cinéma de genre français se placent dans une toute autre démarche; à savoir allier propos social et fantastique/horreur. C’est explicitement précisé par les réalisateurs de Teddy, et les scénariste de La Nuée. Ces derniers allant même jusqu’à dire que le fantastique n’est qu’accessoire, et que le film doit pouvoir se tenir sans. Nous avions évoqué avec Emma, auteure d’une thèse sur le cinéma de genre français, cette tendance à moins mettre les pieds dans le plat du genre et à valoriser un discours social.

C’est oublier que des réalisateurs comme Mathieu Turi, Douglas Attal ou Romain Quirot, qui tentent de proposer des univers visuels bien éloignés de notre monde actuel. Des films qui nécessiteraient plus de moyens financiers pour encore plus d’ambitions. Et comme le dit Mathieu Turi pour répondre à l’argument classique de la piètre qualité du cinéma de genre français, il faudrait produire une grosse quantité de films de genre, pour parvenir à quelques succès ou quelques chefs d’oeuvre. C’est exactement le schéma que l’on retrouve dans la comédie. Combien de comédies produites massivement, pour quelques très bons films?

L’autre point fort de Laissez entrer les montres, c’est que pour la 1ère fois dans un documentaire sur le cinéma de genre français, on entend des réalisatrices! Sarah Lasry, réalisatrice du court métrage La verrue, et Zoé Wittok, réalisatrice de Jumbo. Alors évidemment, j’en aurais voulu plus (notamment Coralie Fargeat pour changer un peu de Julia Ducournau), ou Merryl Roche qui a réalisé un superbe court, Nouvelle Saveur. Mais cette nouvelle approche, permet d’affirmer que les réalisatrices ont forcément des nouvelles histoire à raconter. Et surtout que le simple fait de faire l’expérience d’être une femme, avec un corps qui se transforme régulièrement, peut aboutir à diverses idées de films. Comme le dit Sarah Lasry, « Une jeune fille grandit avec le sang, et c’est quelque chose d’honteux, qu’on doit cacher, et donc l’existence de chaque petite fille commence par un film gore ».

Sur la forme, je regrette que parfois les extraits de films soient un peu trop longs, et pas forcément en adéquation avec le propos précédent ou qui suit. Par ailleurs, le passage sur le festival de Gerardmer est bien trop court, d’autant que j’aurais aimé entendre plus Bruno Barde, qui dans toute sa sagesse, note que l’effet palme d’or de Titane, ne se vérifiera que dans 2 ou 3 ans…

Laissez rentrer les monstres de Matis Catel, à voir sur MyCANAL.

2- Interview de Matis Catel, réalisateur de Laissez entrer les monstres

1/ Vous êtes un jeune réalisateur de 20 ans qui vient de sortir un documentaire sur Canal Plus. Quel a été votre parcours pour arriver à la réalisation de ce documentaire?

Étant né dans les années 2000, je fais parti de cette génération éduquée par un audiovisuel numérique, ultravarié et ultra accessible.
Mon premier rapport à la création me vient avec internet, quand à 12/13 ans,quelques années après les premiers Youtubeurs, je décide moi aussi de m’armer d’une caméra et d’expérimenter. Je me découvre une passion pour la narration, l’image, le montage, et de fil et en aiguille réalise de nombreuses captations d’évènements.
J’aime la liberté et la fluidité du processus de filmer le réel. Parallèlement, c’est la fiction qui me nourri, notamment ces immenses sagas nées en même temps que moi et qui marquent la pop culture : la prélogie Star Wars, Harry Potter, Avatar, Matrix, Le Seigneur des Anneaux, et le MCU bien évidemment.

Concevoir de tels univers cinématographiques devient rapidement mon rêve. J’avais déjà conscience que j’y arriverais par étape, et que je devais donc multiplier les petits projets…À seize ans, en terminale, je crée une chaine youtube avec un collectif de passionnés de cinéma, Basic Cinema, ayant pour objectif de vulgariser les bases techniques de l’audiovisuel et faire découvrir des films ou des évènements : en bref, encourager les jeunes à créer, ambition qui continue de m’animer.
Cette expérience fut courte mais me rapprocha sur certains aspects de la forme documentaire.

En seconde année d’étude de cinéma, les confinements ont mis à l’arrêt mes différents projets. Pour m’occuper, je cherche à réaliser une petite vidéo sur le festival du film fantastique d’Avoriaz. Plutôt éloigné du sujet final du documentaire, mais le cinéma fantastique français ne faisait pas l’actualité à ce moment là et l’idée était de revenir aux racines du genre en hexagone. Naïvement, je me convainc d’aller en parler à des producteurs, et rencontre rapidement Jean-Marie Nizan de la société Beall production, spécialisée dans les documentaire sur le cinéma. Il accepte de m’accompagner, sans doute persuadé que mon sujet se dénouera naturellement. Une dizaine de films fantastique français sortent à la réouverture des salles, Titane remportela Palme d’Or : le temps nous donna raison…

2/ Il y a déjà quelques documentaires et conférences sur le sujet. Pourquoi avoir eu envie de parler de la situation du cinéma de genre en France?

Toutes ces propositions semblent être, années après années, des déclarations d’amour à un genre sous-représenté en France, dans l’espoir d’aller chercher un public qui se fait toujours attendre. La représentation est justement un sujet cher au 7ème Art actuellement, et l’idée d’avoir un Dracula ou une Supergirl à la française m’a toujours paru essentielle.

C’est en découvrant la variété des récentes propositions françaises, les véritables ambitions d’auteurs des cinéastes, additionnés à la transformation de la consommation audiovisuelle du public et l’impression d’arriver au bout d’un cycle de domination culturelle américaine, que le moment me semblait idéal pour tirer la sonnette d’alarme et encourager la curiosité.

3/ Comment avez-vous déterminer quels professionnels à interviewé? Comment se sont passées lesrencontres? Qui auriez-vous souhaiter interroger?

Je tenais à rencontrer des cinéastes qui faisaient l’actualité avec leurs films, ce qui déjà réduit le champ des possibles. La difficulté de produire ce genre de cinéma en France fait qu’il s’agit principalement de jeunes, prêts à en découdre, il y a donc une certaine homogénéité de premier ou deuxième films. Je voulais aussi avoir des « parrains », des réalisateurs de la French Frayeur comme Alexandre Aja, Julien Maury et Alexandre Bustillo, pour poser un regard plus mature sur la situation.

Sur un autre sujet, tous les spectateurs devaient se sentir inclus dans l’avenir du genre, il était donc essentiel d’avoir des intervenantes pour parler de leur point de vue et de leur manque de présence dans le fantastique. Dans ce sens, j’aurais aimé pouvoir interviewer Julia Ducournau et Coralie Fargeat.

Au global, j’étais extrêmement rassuré de constater l’encouragement que j’ai reçu de la part de tous ces cinéastes, qui ont su me faire confiance et reconnaître mon envie de transmettre.

4/Combien de temps a pris la réalisation de ce documentaire? (recherche, contact, tournage,montage..)

La toute première idée m’est venue en décembre 2020, que j’ai développée avec mon producteur jusqu’août 2021. Canal+ Cinéma s’est engagé en septembre. J’ai contacté les intervenants, tourné et fait la post-production en simultané entre novembre 2021 et février 2022. La diffusion était le 16 mai. Une aventure d’un an et demi, le tout en parallèle de ma troisième et dernière année d’étude…

5/ Comment s’est réalisé l’accompagnement par Canal plus et le CNC?

Canal+ voulait que le documentaire accompagne entre autre la diffusion de Titane sur les chaines du groupe. L’idée était d’organiser une « semaine cinéma de genre français », au début du festival de Cannes 2022, un an après la Palme d’Or.

La Nuée, Teddy, Mandibules, Revenge étaient notamment programmés.

6/ Quelle a été la ou les rencontre(s) les plus marquantes?

Les premières interviews que nous avons tournées étaient celles de Jérôme Genevray et Franck Victor, scénaristes de La Nuée, et Alexandre Aja, dans la boutique de DVD fantastiques, Metaluna.
J’avais imaginé une séquence où ces trois cinéastes parcouraient les rayons et partageaient leurs influences respectives. Malheureusement, elle ne fonctionnait pas dans le montage, et j’ai du la couper, mais j’en garde un savoureux moment cinéphile.

Autrement, la rencontre, non pas avec quelqu’un, mais avec le festival de Gérardmer a été une parenthèse particulièrement riche en émotions.

7/ C’est rare d’entendre des réalisatrices de films de genre. C’était important dans votre démarche?Pourquoi selon vous il y a t-il moins de réalisatrices de genre? Ont-elles des histoires différentes à raconter selon vous ou ce n’est pas une question de genre?

Le problème est généralisé à toute l’industrie, mais il y a effectivement un stigmate important dans le cinéma de genre. Je pense qu’il y a un manque de confiance pour confier des projets de genre à des femmes, et donc une appréhension de celles-ci à proposer des idées originales.

Malgré tout, certaines des œuvres les plus innovantes des dernières années proviennent de réalisatrices fortes : Zoé Wittock, Coralie Fargeat, Sarah Lasry et, en figure de proue, Julia Ducournau… Elles ont selon moi un véritable point de vue, qui découle de leurs expériences singulières. Sentiment qui a été décuplé au fil de mes rencontres.

8/On entend souvent que le cinéma de genre français est moins bon que celui américain, espagnol ou nordique. Qu’en pensez-vous?

Notre culture du fantastique est en tout cas beaucoup moins pérenne, et rare son nos cinéastes identifiés par le grand public comme appartenant au genre. Bien sûr il y eut Méliès, Franju ou Resnais. Mais d’autres grands cinéastes qui s’y sont essayés n’ont pas forcément su convaincre leur public, comme Truffaut, Godard ou Tavernier. Quelques films de la French Frayeur sont extrêmement efficaces, mais la barrière de l’horreur empêche leur diffusion à un large public. Les « chefs d’oeuvre » viendront avec le temps, j’y crois fort.

9/ Quels sont vos 3 derniers coups de coeurs en cinéma de genre français?

Je ne peux pas ne pas citer le formidable Coupez! de Michel Hazanavicius, avec qui j’ai pu m’entretenir dans le cadre d’un ciné club que j’anime. Quelqu’un que j’admire pour sa persévérance à proposer des œuvres passionnées sur le cinéma.

Autrement, j’ai découvert au festival de Clermont Ferrand cette année le court-métrage Lucienne dans un monde sans solitude, de Geordy Couturiau, qui m’a vraiment bousculé. Et enfin, pour mentionner le second court-métrage d’un ami qui fera probablement le tour des festivals dans les prochains mois, Chimera de Dayan D. Oualid, qui avait précédemment réalisé Dibbuk, prix du court-métrage à Gérardmer.

10/ La partie sur la difficulté de financement n’est pas évoquée dans le documentaire. Pour quelle raison?

Il était important que ce documentaire soit accessible, qu’il motive autant des passionnés que des curieux. Le sujet a été abordé avec les intervenants, j’ai aussi rencontré des producteurs et distributeurs, mais force était de constater au montage qu’une séquence trop industrielle aurait perdu une partie des spectateurs.
Cette question reste pour autant tout à fait passionnante et à approfondir.

11/ Suite au travail effectué sur ce documentaire, pensez-vous que la palme d’or pour Titane peut changer les choses?

C’est du moins ce que me confient tous les cinéastes que j’ai rencontré. Tous ont signé, tourné ou fini leur(s)prochain(s) projet(s). Les différentes institutions vont également continuer à avancer dans ce sens, du côté du CNC, des résidences, des régions. Et d’immenses talents provenants du court-métrage arrivent en force…

12/ Comment a été reçu le documentaire jusqu’à présent ?

Je suis le premier surpris de recevoir des avis unanimement positifs, de la part des intervenants qui se sentent bien représentés, de la part de techniciens du cinéma ou d’étudiants qui veulent assumer leurs influences et se plonger dans le genre. Mais aussi de la part de jeunes qui n’ont rien à voir avec ce milieu mais qui comprennent mieux leur propre consommation et veulent porter un œil plus attentif à ce mouvement. Certains cinéphiles aguerris pointent le fait de ne rester qu’en surface de certains sujets, mais conviennent que c’est sans doute pour le mieux, d’autant plus dans un 52 minutes. En bref, j’ai plutôt l’impression d’avoir réussi mon coup !

13/ Pensez vous que le cinéma de genre français ne peut réellement exister en France à travers des histoires sociales? Quel est votre regard sur cet angle d’approche?

C’est selon moi là dedans, que réside aussi l’âme du cinéma français tout court. L’une des grandes différences entre le cinéma de genre français et américain, c’est que l’américain pense sa forme avant son fond et inversement pour le français. En résulte un grand spectacle d’un côté, une histoire souvent plus profonde de l’autre, sans doute un juste milieu à trouver ici (encore faut-il que les budgets le permettent !).

14/ Qu’est ce que vous aimez particulièrement dans le cinéma de genre français? Et les reproches que vous pourriez lui faire?

L’intérêt d’un cinéma local est de pouvoir s’identifier à un niveau plus intime aux histoires. Paradoxalement, le genre permet de s’éloigner du réel. Je crois que pouvoir partir dans la fantaisie à partir de quelque chose que je connais personnellement, donne une toute autre couleur à la découverte de l’œuvre.Malheureusement le résultat n’est pas toujours à la hauteur des attentes, les films peinent à tenir leurs concepts ou ne procurent pas les climax attendus pour des raisons financières.

15/ Mathieu Turi pense que ce n’est pas vrai que le public français n’aime pas le cinéma de genre français, mais qu’on a besoin de le produire en quantité pour l’atteindre. Qu’en pensez- vous?

Historiquement, le public français a toujours eu du mal à appréhender la création de genre locale. D’une part parce qu’il y a eu de trop nombreux essais ratés pour le convaincre d’un label qualité, et parce que les cinéastes célèbres ont rarement assumé de faire du fantastique.

De l’autre, et pour contredire ce que je disais précédemment, peut-être que ce que cherche une large partie du public dans le fantastique, c’est justement de ne s’identifier à rien, de vouloir complètement s’évader de son quotidien, donc que les personnages n’appartiennent pas à sa réalité.

Ce qui rebat les cartes aujourd’hui, c’est les plateformes qui créent un phénomène inédit de mondialisation de la culture. Le public porte de moins en moins d’importance à la langue, ce qui permet parallèlement d’avoir des succès francophones à l’étranger. L’enjeu réside donc aussi en grande partie sur l’éducation de la jeunesse à ce cinéma.

16/ Quels sont vos prochains projets?

Du documentaire, toujours axé cinéma. C’est une forme qui, à mon échelle, me permet de toucher un plus large public qu’à travers la fiction, de transmettre ma passion de manière littérale et accessible, qui me fait rencontrer des gens que j’admire, d’aiguiser mon sens de la narration et du processus de réalisation.Et puis de la fiction, du genre évidemment.

J’écris en ce moment un court-métrage auto-biographique qui bascule dans l’horreur. Autant de quoi m’offrir une liberté visuelle importante, que de dénouer par l’Art une situation que je traverse. Un projet qui va sans doute me prendre quelques années… Je commencerais à chercher un producteur prochainement.

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Le genre et Emma

Bienvenue Emma, ravie qu’on échange enfin ensemble! Peux-tu te présenter?

Je suis actuellement professeure d’anglais et de cinéma à l’université de Lyon II. Je suis récemment rentrée en France après avoir vécu 8 ans aux Etats Unis, où j’étais également professeure. J’ai pu effectué mon doctorat en cinéma là bas, où j’ai écris sur l’industrialisation du cinéma d’horreur en France. Problèmes de production, distribution, exploitation, j’ai essayé de comprendre pourquoi il n’arrive pas à décoller en France. La soutenance a eu lieu en avril 2021 et la thèse est disponible depuis peu en ligne sur le site d’université de Pittsburgh. Il s’agit de 200 pages en anglais, assez techniques donc ce sont pour les plus courageux-ses!
Je n’ai pas encore eu le temps de me pencher sur la question d’une publication éditoriale, en anglais ou en français.

A côté de mon travail de professeure, je suis rédactrice pour Fais pas Genre! Et je suis fan de cinéma d’horreur bien sûr!

Pourquoi as-tu eu envie de travailler sur cette thèse? Comment est venue l’idée?

Comment définirais tu le cinéma de genre?

Je n’ai pas de définition à proprement parler, car c’est un cinéma codifié certes, mais historiquement, culturellement, géographiquement c’est un cinéma perçu différemment. Et puis la définition change avec le temps. Beaucoup se veulent en plus hybride donc c’est compliqué. En tous cas, je dirais qu’un film d’horreur ne fait pas forcément un film fantastique. Le cinéma de genre est général est devenu abstrait et subjectif.

Quelles sont tes attentes envers le cinéma de genre français?

J’attends du cinéma d’horreur qui se tourne plus vers les monstres, les créatures, les fantômes.
On a beaucoup d’humains antagonistes et c’est tout. Je pense que ca ne ferait pas de mal de se tourner vers de l’horreur plus incarnée à travers des montres. Il faut le faire frontalement avec des moyens.
Par exemple, The deep house est très typé maison hantée, et il marche bien aux Etats Unis.
Idem pour Méandre qui s’exporte bien. Il faut oser et prendre ça au sérieux sans essayer d’atténuer ou de justifier. Comme Mathieu Turi qui n’a pas justifié son film; il a eu envie de le faire de cette façon, est c’est tout.
On ressasse trop la psychologie au détriment des codes purement horrifiques.

J’ai bien aimé La Nuée mais il aurait fallu faire quelque chose de plus énorme avec les insectes. Pour moi c’est d’abord un film social avec une dimension genrée.
Ou Teddy qui est au 3/4 une comédie: moquerie, raillerie autour de la figure du loup garou. Avec un final horrifique qui arrive comme un cheveu sur la soupe.

On utilise beaucoup la figure de l’homme qui est monstrueux, mais on ne fait pas de réels monstres en France. C’est un peu toujours la même chose et ça n’ose pas à mettre pleinement les pieds dans le plat du genre. Mais cela demande des moyens et le financement est le gros problème du cinéma de genre.

Le travail d’une thèse sur le cinéma de genre français

Comment as-tu travaillé sur cette thèse?

Mon angle d’attaque était « pourquoi le cinéma d’horreur ne fonctionnait pas en France? ». Je me suis basée sur le processus créatif: pré production/ financement/production/régulation avec CNC/distribution/exploitation/réception.
Je voulais apporter des solutions et pas juste pointer les soucis.
C’était aussi intéressant de comparer avec d’autres industries internationales.

Le temps de recherche a été énorme, des mois et des mois! Il faut trouver des articles récents avec des informations correctes, en fouillant dans les archives du CNC, de Mad Movies, dans des magazines…
Mais aussi aller en festival, à des tables rondes, conférences, rencontrer directement les réalisateurs etc..mais le covid a rendu tout compliqué. Je voulais une interview par chapitre mais ça n’a pas été possible.

J’ai interviewé Frederic Garcia, réalisateur de la série Mortel sur Netflix. L’expérience a été très positive pour lui, et il a été très sympa. Netflix est une issue de secours pour le cinéma d’horreur Français.
J’ai aussi réalisé des enquêtes d’opinion en festival. Et je voulais aussi l’avis de gens qui ne baignaient pas dans le cinéma de genre.

Les amateur-rices de cinéma de genre sont énormément influencé-es par le cinéma d’horreur américain, et il y a beaucoup d’admiration pour le cinéma coréen et japonais.
Ce qui revient bcp sur le ciné d’horreur français c’est le manque d’originalité, de budget et le choix des acteurs, qui ne sont pas toujours bons selon les personnes interrogées.
Par ailleurs, les gens constatent qu’il n’est pas facilement accessible mais les plateformes de streaming changent la donne, notamment grâce à Shadowz.

Quelle a été ta plus grosse surprise/découverte en travaillant sur ta thèse?

Je ne pensais pas que les règles de diffusion à la télé étaient si strictes. Les chaines de télé ne peuvent pas diffuser de contenu violent donc forcément ça limite la diffusion de films d’horreur. Même OCS qui prend un peu le relai, doit partager son budget entre plusieurs genres de films, et comme le cinéma de genre coûte cher c’est compliqué.

Il y a aussi la peur d’être censuré par le CNC, donc les réalisateurs s’auto censurent parfois.
Le problème c’est qu’il n’y a pas d’avance sur recette du CNC, les mentalités n’évoluent pas.
Grave l’a eu, ms Ducournau ne l’a pas vendu comme un film d’horreur.
D’un point de vue financier, l’aide au genre du CNC (de 500.000€) est trop minime.
Et puis, il y a parfois des choses étranges, comme Just Philippot qui l’a gagné 2 fois.
C’est mieux que rien mais ça ne va pas changer la donne. L’avance sur recette serait plus efficace.

L’autre soucis c’est que les campagnes promotionnelles sont quasi inexistantes, peu de bandes annonce qui circulent. Si des réalisateur-rices font un super film, mais que le public ne sait pas qu’il sort, ça sert à rien. Il faut un budget marketing.
Par exemple, il n’y a pas d’avant première de films d’horreur à Lyon, qui est quand même la ville des lumières!

Les goûts en cinéma de genre d’Emma

Tes personnages féminins préférés dans le cinéma de genre?

Mon personnage féminin favori vient de mon film d’horreur préféré, Martyrs, avec Anna. Elle est très compatissante et très résistante, tout au long du film. J’aime que le film soit divisé en deux, et qu’elle garde cette compassion malgré tout en gardant la tête haute. Je trouve ce personnage bien écrit et bien construit.

Des personnages de mères qui t’ont marqué?

Evidemment le cinéma d’horreur touche soudainement plus quand on est mère.
En termes de représentation, je dirais la mère dans Hérédité. Le personnage de Tonie Collette est un sacré personnage! Elle est souvent décrite comme folle et hystérique. Mais elle perd sa mère et sa fille, donc oui elle pète un plomb; c’est normal. D’autant qu’elle avait entièrement raison au final. Souvent, les personnages un peu fous aux premiers abords, ne le sont finalement pas.

Je dirais Relic également, avec le rapport entre les 3 générations (grand mère, mère, fille). Malgré un problème de rythme, le film est complètement rattrapé grâce à la séquence finale géniale qui relève tout le niveau du film. C’est touchant. Ce n’est pas beau à regarder mais ça te fait ressentir des choses positives et chaleureuses. L’un des films les plus marquants récemment, selon moi.
Tu te demandes ce que tu regardes et ce que tu ressens quoi!

Quelles sont les solutions que tu as identifiées pour résoudre les problèmes du cinéma de genre français?

La solution la plus réalisable ce sont les plateformes de streaming. Netflix est plus à même d’accepter du genre pur et dur. Ils ont une niche pour ça. Mais il y a de grosses limites: le catalogue vaste, et il y a constamment des nouveautés donc les films sont vite noyés dans la masse, et disparaissent. Leur durée de vie est courte.

Tenter de convaincre les financeurs est compliqué. Tant que le public n’est pas là, la production ne suivra pas. Tant que la production ne sera pas meilleure et plus ambitieuse, le public n’ira pas. C’est un cercle vicieux.

J’ai voulu montrer qu’il n’y a pas qu’un seul coupable. Autant la production, que la distribution, que de la réception. C’est un cercle vicieux. Le public est très sévère avec le cinéma de genre Français.
La tradition du ciné d’horreur n’est pas assez longue et ancrée dans la culture française.

Le CNC pourrait s’ouvrir, avec comité de classification un peu moins arbitraire. Et développer l’avance sur recettes comme on disait plus haut.

Les réalisatrices dans le cinéma de genre français sont encore largement minoritaires…

Malheureusement, je constate beaucoup que les réalisatrices de genre françaises sont cantonnées au court métrage. Elles peinent à sortir un 1er long. Le cinéma est toujours un milieu d’homme, et le cinéma de genre encore plus.
J’ai connu Holy Fatma qui a fait des courts, a gagné des prix, mais elle n’arrive pas à faire un long. Beaucoup qu’on ne connait pas restent coincées dans les limbes du court.

Le sous genre que tu aimes le moins et le plus?

Le sous genre que j’aime le moins c’est la comédie horrifique. Je trouve ça très compliqué de mélanger les 2; souvent les gags tombent à plat. A part Tragedy Girls qui n’était pas trop mal.

Mon sous genre préféré ce sont les films avec des créatures et des monstres. Les films très brutaux me plaisent comme Martyrs, avec une signification plus large derrière. J’aime quand la violence, le gore et la brutalité sont utiles et convaincants.
J’aime bien l’horreur psychologique aussi.

Le Pacte des loups est une film que tu aimes beaucoup. Pourquoi?

C’est un film très généreux, qui a très bien marché en France et à l »international, car ça osait aller au bout de son délire avec sa figure du monstre qu’on a rarement en France. On peut s’en moquer sur certains aspects mais ça tentait plein de bonnes choses.

Tes mauvais et bons souvenirs de films français?

Je sature de Quentin Dupieux, je n’ai pas réussi à finir Mandibules, et le Daim m’avait soulée aussi. Il réalise 2 films par an et visiblement c’est trop. Par contre j’avais beaucoup aimé Réalité.

Dernièrement j’ai bien aimé Le Calendrier, ça ose. Le film m’a interpellée malgré les questions que ça m’a posée. Il met les pieds dans le plat, malgré ses côtés foireux. Comme Maléfique, c’est un peu foireux mais très plaisant. Ce sont des films qui osent, qui ont une idée de base solide et originale.
J’ai bien aimé La dernière vie de Simon également.

Ton top 3 de films de genre Français?

Haute Tension dont le twist m’a beaucoup marquée. Sheitan, pour son énorme niveau de délire. On est très mal à l’aise en regardant ce film. C’est facile de faire peur mais pas de rendre les choses malaisantes. Et Grave bien sûr.

Est-ce que Grave a vraiment changé les choses pour le cinéma de genre français?

Ca peut aider à exporter mais je pense pas que ca révolutionne la situation. Il faudrait plus de films qui rencontrent ce succès, pas juste un. D’autant que Ducournau ne se vend pas comme une réalisatrice d’horreur mais comme une autrice. Elle n’assume pas son côté horreur comme Aja, Laugier ou Bustillo. Elle se situe entre les 2 et c’est la place la plus confortable sans doute.

Penses-tu que le regard a évolué sur le cinéma de genre?

Tes projets?

Je continue d’écrire pour Fais pas Genre! sur ce qui sort sur Netflix. Et je voudrais publier ma thèse.
J’ai récemment écrit un article sur La maison anthologie, en 3 épisodes en stop motion sur Netflix, que j’ai trouvé très bien.

Un grand merci à Emma pour le temps accordé, c’était un vrai plaisir de discuter entre passionnées de cinéma d’horreur.

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J’analyse donc je spoil. Vous êtes prévenu-es!

Une jeune femme se retrouve piégée dans un système ingénieux, qui l’oblige à avancer et avancer si elle veut rester en vie.

Il faut commencer par préciser que si Méandre et Hostile se ressemblent, c’est aussi parce que Mathieu Turi avait écrit plusieurs scénarios de huis clos. Il l’explique dans l’échange que j’ai pu avoir avec lui.
Par ailleurs, le format huis clos demande peu de décors, des effets concentrés sur une scénographie. C’est donc un format adapté pour des petits budgets. Le cinéma de genre français dépasse rarement les 2 millions d’euros. Hostile s’en est tiré avec 1 million, quand Méandre a bénéficié de 2,3 millions d’euros.
La nécessité de faire preuve de créativité n’en est que redoublée (même s’il ne faut pas se servir de cet argument pour ne pas augmenter les budgets des films de genre français).

Les épreuves qu’affrontent Juliette et Lisa sont liées à leur passé, mais ne s’articulent pas de la même manière.

Les titres Méandre et Hostile donnent déjà le ton des films. Si les 2 titres renvoient à un imaginaire plutôt sombre, avec Hostile, on sait qu’on est face à une menace vive, qui met en doute une survie. En revanche, Méandre met l’accent sur une chemin tortueux, complexe, qui laisse davantage en suspens l’aboutissement de cette quête.

Vous l’avez constaté, les 2 films mettent en scène un personnage féminin, qui s’approche de la représentation de la femme forte et badass plus ou moins classique. Je nuancerai tout de même cette remarque, car dans les 2 films il n’en jamais question de montrer ces femmes comme particulièrement agressives, courageuses ou douée d’une grande force. Juliette et Lisa font plutôt face à l’adversité, du mieux qu’elles peuvent, avec les moyens qu’elles ont.
D’ailleurs, elles ne sont presque pas armées. Juliette n’a qu’un pistolet très sommaire, qui lui servira finalement assez peu, et Lisa n’a rien.

Par ailleurs, elles ont 3 points communs:

• La solitude, au propre comme au figuré,
• L’amour. Dans Hostile, il est question de sentiments amoureux, quand Méandre évoque l’amour maternel,
• La perte d’un enfant.

Il est intéressant de noter que la solitude et l’amour sont des thématiques reliées dans les 2 films. Alors que l’amour (quel qu’il soit) a besoin d’autrui pour exister, il peut aussi marquer une grande solitude. En cas de manque, ou au contraire, dans une certaine fusion des êtres, qui forme une bulle.

Quand on fait la connaissance de Juliette dans Hostile, elle est donc seule, et son unique contact avec d’autres personnes, se fera à travers un talkie. Une voix déshumanisée et déshumanisante qui sera sa seule lueur d’espoir tout au long de sa lutte, ce qui renforce l’aridité de ce monde post apocalyptique.

Dans Méandre, la solitude de Lisa est davantage psychologique. En effet, alors qu’elle a un comportement suicidaire, elle trouve rapidement une main, en apparence tendue. On apprend rapidement qu’elle a perdu sa fille, ce qui nous amène à comprendre instantanément à quel point elle peut se sentir seule.
Toujours en parlant de solitude, il faut noter qu’il n’y a pas de termes pour désigner des parents qui ont perdu leur enfant. Nous avons les mots veufs, orphelins, mais pas de mot à poser sur ce statut.

Les épreuves qu’affrontent Juliette et Lisa sont liées à leur passé, mais ne s’articulent pas de la même manière.

Dans Hostile, on prend connaissance au fur et à mesure de la vie de Juliette, avant l’apocalypse. A noter que, si on peut voir dans Hostile, une inspiration de The Last Of Us, j’ai aussi pensé à Metroid les 1ères minutes du film, où l’identité de Juliette n’est pas de suite révélée.

A travers des séquences de flash back trop présentes, (et surtout parfois trop explicites), on apprend qu’elle était toxicomane. Elle rencontre Jack qui sera autant une bouée de sauvetage, qu’une nouvelle toxicité pour elle.
L’enfermement qui pèse sur Juliette est déjà perceptible dans sa vie d’avant. Elle est très souvent cadrée dans un espace clos, qui se referme sur elle: l’ascenseur, la fenêtre de sa maison dorée…Et Jack va la séquestrer pour la sevrer.
Son couple est même enfermé dans le cadre d’une photo.

On peut noter également que la 1ère rencontre de Jack et Juliette se font à travers une peinture, de nouveau dans un cadre réduit. Avec son arrogance, Jack veut instruire Juliette, et lui parle de l’artiste Francis Bacon, qui sublime le laid à travers ses superbes oeuvres tourmentées.

En un plan, on retrouve la notion d’enfermement avec le cadre. C’est une référence évidente à la future condition de Jack, qui deviendra cette créature, dans le monde post apocalyptique. Ce portrait est situé entre eux, et à mon sens, il a une double représentation.
Le tableau de cette monstruosité, prend place dans une belle salle d’exposition, renvoyant à l’allure actuelle de Jack (dissimulant encore à ce moment là son comportement toxique).
Mais ce monstre représente évidemment la condition future de Jack, qui sera une réelle menace pour Juliette.

On peut également noter que Francis Bacon s’est inspiré des conséquences de la Seconde Guerre pour créer ses peintures, élément qui fait écho avec la catastrophe qui va frapper la société dans Hostile.

Obsédé par son désir de la sauver, le compagnon de Juliette en deviendra bien trop intrusif…à l’image de la créature qui tente de pénétrer dans le camion, pour tuer Juliette.
Cette créature dangereuse et monstrueuse, représente bien la menace qui pèse sur une personne quand on pense et décide à sa place.
Encore une fois, Jack est déjà montré dans la vie d’avant, comme une menace. Il est cadré comme une ombre qui se fond sur Juliette.

Les conséquences de cette toxicité sont traduites par le début et la fin du film qui se répondent.
Tout d’abord, il faut noter que l’accident de Juliette dans le monde post apocalyptique, est causé par la photo de son couple qui s’envole. Elle tente de la rattraper, et son véhicule fait une sortie de route.
Et le dernier plan du film, est cette photo qui était au sol, qui s’envole de nouveau, mais cette fois personne tente de la rattraper. Et la caméra ne la suit pas non plus. (Cela me rappelle le plan final de Forrest Gump où c’est une plume qui s’envole, avec la caméra qui la suit, signe évident d’un optimisme et d’un nouveau départ).

De plus, au tout début d’Hostile, on voit la photo du couple, avec Juliette qui pose son arme dessus.
Et le dénouement final qui est tragique, rappelle cette arme.

Tout l’enjeu d’Hostile est là; Juliette ne fait qu’essayer de sortir de sa vie, une personne qui porte atteinte à sa liberté. C’est uniquement quand elle reprend sa liberté à la fin, qu’elle accepte le contact avec la créature.
Cette scène finale est par ailleurs très touchante. Une revisite de la Belle et la Bête, la poussière et le tourment en plus.

Dans Méandre, Lisa tente de sortir de l’enfer de son deuil. Tout au long du périple, elle est constamment poussée à avancer dans une direction décidée pour elle. Elle n’a pas besoin de réfléchir, son attention est concentrée dans le fait de trouver la solution pour survivre à l’épreuve.
C’est finalement un comportement qu’on l’on retrouve souvent chez une personne endeuillée. Le corps et l’esprit se mettent en pilotage automatique, en évitant de réfléchir, ce qui amènerait à l’effondrement.
Mais c’est en étant forcée d’avancer, que Lisa va prendre goût à maitriser ses actions par la suite. Psychologiquement parlant, en acceptant de laisser partir sa fille, ou physiquement, en se focalisant sur une logique pour enfin sortir de ce labyrinthe.

Lisa est davantage dans ancrée dans une dépression, et ne trouve pas d’issue. Elle est coincée entre une pulsion de vie (dans ce cas on est uniquement dans l’idée d’une auto conservation) et de mort. La dualité de ces concepts aboutira à la mise à l’épreuve de Lisa.
A mon sens, cette instabilité se traduit également par la teinte bleutée qui traverse quasiment tout le film.
Le bleu est régulièrement associé au rêve, et force est de constater que cette notion traverse 3 séquences du film:

• Au moment où Lisa est plongée dans ses souvenirs d’enfance, et avec Nina,
• Quand elle rencontre littéralement Nina qui force Lisa a faire un choix de vie,
• Le final (bien trop biblique et fermé à mon goût) qui place Lisa dans un jardin d’Eden, ou en tous cas, un lieu merveilleux, avec Nina.

Cette opposition passe aussi par le fait qu’on ne connait rien de Lisa. On ne sait pas quelle femme, mère elle a été avant d’être emprisonnée.
L’idée dans Méandre n’est pas de comprendre une trajectoire de personnage, mais plutôt de nous demander, quelle attitude peut-on avoir face à une personne inconnue dont on sait rien, qui gère un tel traumatisme?

A noter que le traitement de la mère endeuillée diffère dans les 2 films. Dans Méandre, c’est la douleur d’une mère qui ne se remettra jamais de la perte de sa petite fille Nina, mais qui lutte pour vivre avec.
Tandis que dans Hostile, on ne connaît rien de l’identité du bébé. On ne le verra jamais. Ainsi, pour Juliette cela marque pour elle, la confirmation de sa médiocrité, et de son incapacité à vivre une vie normale et heureuse. Et évidemment, le lien qui se brisera avec Jack.

Ainsi, Juliette et Lisa cherchent leur liberté, de manière diamétralement opposée. Ce sont des personnages féminins relativement classiques dans leur arc narratif. Mais il faut noter qu’elles ne basculent jamais dans un trait grossier de victime de sexisme, ou au contraire dans une femme guerrière indestructible.
Ainsi, si Hostile et Méandre manquent de finesse dans la construction de leurs émotions, la représentation de ces personnages féminins est une petite bouffée d’air frais.

Méandre et Hostile sont l’illustration que le huis peut raconter des histoires très différentes, malgré des points communs. Avec des structures narratives propres, et des univers visuels marqués et soignés, Mathieu Turi parvient à réaliser des films efficaces sur la forme, et touchants sur le fond. Et ce côté naïf n’est pas pour me déplaire (même si on peut regretter un manque de subtilité), car on sent une réelle sincérité dans la démarche.

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Un film de genre français c’est toujours un événement.
De par sa rareté, mais aussi s’il bénéficie d’une sortie salle.
La Nuée est le 1er projet qui bénéficie de la nouvelle aide du CNC pour le cinéma de genre. Et malgré ce nouveau soutien, le réalisateur; présent lors de la projection, a admis qu’il a dû faire des choix.

La Nuée de Just Philippot
Avec Suliane Brahim et Marine Narbonne
Scénario de Jerome Genevray et Franck Victor
Photographie de Romain Carcanade
Production The Jokers

Nuée de bugs

Virginie cultive des sauterelles comestibles pour les bêtes de d’autres agriculteurs. Pressée économiquement, elle finit par trouver une solution, (non sans danger) qui décuple force et nombre des sauterelles.

La Nuée raconte la transformation de cette mère célibataire, obsédée par sauver sa ferme et son exploitation, censés nourrir ses enfants.
Le système capitaliste, presse les plus faibles, et amène l’humain à agir contre ses semblables pour gagner en performance.
On y voit clairement les conséquences de l’ultra capitalisme dans La Nuée. Alors que l’on pourrait se contenter de ce qui est nécessaire, le système pousse à aller toujours plus loin, quitte à y laisser sa santé et/ou celle des autres. Et surtout, sans que Virginie y prenne garde, obsédée de plus en plus par ses sauterelles.

La structure de La Nuée est efficace. On atteint rapidement le moment de bascule, et la descente aux enfers est progressive, avec un danger constamment en arrière plan.
Grâce notamment à un travail sur le son habilement dosé. On entend toujours le bruit des sauterelles, de près ou de loin.

La Nuée nous offre quelques moments de tension réussis grâce à une mise en scène sobre, qui mise sur l’effet naturel que procure l’image imposante de cette nuée. La tension finale est réussie et on aurait même eu envie de faire durer le plaisir.

Pas de jumpscares, pas de sang déversé, La Nuée s’inscrit dans une démarche similaire à celle de Grave. A savoir de mélanger ce qu’on appelle abusivement « le cinéma d’auteur », et le genre.
L’idée est de confronter le public à une destruction de l’humain et de son entourage, par ses propres névroses.
En cela, le film est à rapprocher du court métrage Nouvelle Saveur de Merryl Roche.

Pour autant, si vous n’aimez pas les insectes (pour l’anecdote ce sont 4/5000 criquets qui ont été utilisés), vous risquez de tiquer. Car La Nuée parvient à nous forger dans notre imaginaire; la violence redoutable de ces petites bêtes.

Mère courage (attention spoilers!)

Je nuancerai la représentation des personnages féminins de cette Nuée.
Et pourtant, je ne peux pas nier que les personnages sont bien écrits. Virginie porte cette famille à bout de bras (et les familles monoparentales sont majoritairement tenues par des femmes). Laura, sa fille adolescente prend en charge son frère. C’est elle qui se bat contre des garçons moqueurs, et pressent le malaise de sa mère. La mère et la fille sont d’apparence non genrées. On voit que ce sont des femmes qui ne se soucient pas du regard posé sur elles.
Par ailleurs, on peut y voir une illustration de la charge mentale, problème systémique. En effet, Virginie transfère cette charge mentale sur sa fille, devenant petit à petit incapable de gérer ses enfants.

Par ailleurs, on peut voir dans La Nuée une illustration des injonctions paradoxales faites aux femmes. Alors que la femme tente de se débattre dans une dure réalité, elle est punie aussi pour répondre aux attentes d’une société, notamment capitaliste.

En revanche, on peut noter que Virginie est aussi une représentation de la mère nourricière. D’abord en étant à la tête de la famille, ensuite en sacrifiant son corps pour les sauterelles.
Je regrette qu’on assiste de nouveau au schéma de la mère sacrificielle. Qui donne tout pour sa famille, quitte à aller à sa perte. Elle se donne littéralement corps et âme pour son travail, ses enfants.
De même, on assiste à la transformation de Laura, qui sort doucement de l’adolescence pour aller vers un rôle de mère. Ce sont les intentions clairement énoncées par Just Philippot après la projection.

Suliane Brahim (de la Comédie Française), et Marie Narbonne (vue dans 10%) livrent des interprétations justes et touchantes. On sent une proximité complexe entre elles.

La Nuée démontre que le cinéma de genre actuel souhaite s’ancrer dans une réalité sociale. Qu’il a envie de raconter des histoires qui vont toucher le quotidien. Une manière de faire un pied de nez au cinéma traditionnel qui le rejette pour son soi disant mauvais genre? La seule porte d’entrée pour avoir des financements?
Même si je suis friande des démarches comme celle de La Nuée, le cinéma de genre français mériterait aussi des oeuvres qui tâchent, et radicales.

La Nuée est un film de genre efficace, qui utilise ses limites pour mieux rebondir sur des séquences mises en scène avec soin.
Les personnages féminins bien écrits; permettent de s’attacher à cette histoire de mère aimante devenue monstre tout aussi aimant. C’est made in France, c’est réussi, c’est à ne pas louper.

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