L’ANNÉE DES RÉALISATRICES À L’ÉTRANGE FESTIVAL

Les réalisatrices s’imposent progressivement dans le champ du cinéma de genre, du cinéma du bizarre. Et il était temps. La S’Horrorité (dont Jessica, fondatrice du site, et moi-même, Léo, sommes membres et cofondatrices) œuvre à recenser les films de réalisatrices programmés en festivals, un travail disponible sur le compte Instagram de l’association.
Si leur présence s’accroît d’année en année, l’Étrange Festival accusait jusqu’ici un certain retard en matière de représentation féminine.
L’édition 2025 rompt heureusement avec cette tendance : plusieurs réalisatrices passionnantes y ont présenté leur travail sur grand écran :

• l’Américaine Annapurna Sriram et son excentrique et jubilatoire Fucktoys ;
  
• la Grecque Evi Kalogiropoulou avec Gorgona, relecture du mythe de la gorgone ;
  
• le duo canadien Madeleine Sims-Fewer et Dusty Mancinelli, révélé par Violation (2020). De retour avec Honey Bunch, variation autour du  gaslighting ;
  
• la Française Julia Kowalski et son film sensible Que ma volonté soit faite ;
  
• les Australiennes Emma Hough Hobbs et Leela Varghese, autrices du délirant space opera Lesbian Space Princess ;
  
• Julie Pacino, fille d’Al Pacino, venue présenter son cauchemar fiévreux I Live Here Now ;
  
• la Canadienne Grace Glowicki et son déjanté Dead Lover ;
  
• et, Lucile Hadžihalilović, incontournable du festival, avec La tour de glace, réécriture du conte d’Hans Andersen La Reine des neiges.
  

Cette sélection est riche, variée, et traversée d’un souffle politique. Elle ne saurait toutefois masquer l’ampleur du chemin restant encore à parcourir.

IL Y A FLUIDE ET FLUIDITÉ

L’Étrange Festival n’a jamais ménagé sa générosité en matière de fluides corporels. Cette édition se distingue toutefois par une générosité en termes de représentation de fluidité dans le genre. La forte présence de réalisatrices n’est certainement pas étrangère à ce phénomène.

Deux œuvres dépeignent avec finesse l’éveil amoureux et sensuel lesbien de jeunes héroïnes :
– la protagoniste, un peu sorcière, de Que ma volonté soit faite (Julia Kowalski), fascinée par sa voisine ;
– l’orpheline de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović), entraînée dans un univers glacial dominé par une Marion Cotillard inquiétante.

Fucktoys (Annapurna Sriram)célèbre, par un casting vitaminé et inclusif, la joie d’exister envers et contre tout ; Dead Lover (Grace Glowicki) met en scène un amour qui dépasse la mort et l’enveloppe corporelle. Quant à Lesbian Space Princess (Emma Hough Hobbs et  Leela Varghese), véritable space opera à la Rick et Morty, il propose une aventure déjantée, résolument queer mais accessible à tous.

Dans un registre très différent, Cadet interroge avec acuité la masculinité rigide et toxique au sein d’une école militaire. Il s’agit du premier film d’horreur du Kazakh Adilkhan Yerzhanov

EXPERTS EN EXPÉRIMENTATION

En termes de genre, certaines années font la part belle à l’horreur, d’autres au polar et d’autres encore au fantastique. 2025 se targue d’une programmation particulièrement expérimentale. Au programme, l’avant-première complète de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović) qui reçoit un accueil particulièrement chaleureux (pun intended). La réalisatrice continue de nous régaler avec son style aussi fascinant qu’énigmatique. 

Parmi les “grands” noms, le retour du réalisateur Ben Wheatley en terre nerdique. Après une poignée de films (très) grand public, le joyeux barbu semble ravi de venir présenter Bulk. Il s’agit d’un objet filmique non identifié qui fut projeté devant une audience de cinéphiles invétérés.

2025 signe également la conclusion de la trilogie souterraine du cinéaste autrichien Norbert Pfaffenbichler. Comme chaque année, de jeunes réalisateurs se risquent à l’expérimental. Et pas toujours pour le meilleur. On pense notamment à Exit Medea ou Girl America. 

DES REGARDS SUR LE MONDE

UN REGARD SUR LE MONDE : LA MENACE RUSSE

L’Étrange Festival s’intéresse à toutes cinématographies, peu importe son origine. Il prend ainsi le poul du cinéma à l’international et effleure aussi les préoccupations du moment. 

L’événement marquant de cette année demeure la venue à Paris du prodige Kazakh Adilkhan Yerzhanov. Ce dernier étant particulièrement apprécié du public du festival. Il présentait trois œuvres – deux films et une série:
– Kadet, son premier film d’horreur, antimilitariste et critique de la virilité toxique ;
– Moor, un polar sombre ;
– Kazakh Scary Tales, série fantastique inspirée des contes traditionnels.

Sa présence a également permis l’organisation d’une carte blanche. Au cours de laquelle il a choisi de projeter Heathers (ou Fatal Games), teen movie à l’humour noir explosif.

Toute l’œuvre de Yerzhanov porte la marque diffuse de la menace russe. Cette thématique apparaît également dans Girl America de l’auteur tchèque Viktor Tauš, plongée saisissante dans le psyché d’une orpheline vivant sous la Tchécoslovaquie totalitaire.

UN REGARD SUR LE MONDE : LE COMPLOTISME ANGLOPHONE

Côté anglophone, une thématique s’impose nettement : celle du complotisme. Elle irrigue A Scanner Darkly de Richard Linklater, proposé dans le cadre de la carte blanche au média électronique francophone La Spirale. On y suit la lente dissolution psychique d’un policier enquêtant sur la mystérieuse substance M, qu’il finit par consommer lui-même. Un brûlot anticapitaliste, plus actuel que jamais à l’heure des réalités alternatives.

Dans la même veine, Bulk de Ben Wheatley déploie un univers aux vérités multiples, où la réalité semble se dérober. Le film s’inscrit dans la lignée des œuvres cultes et anxiogènes des années soixante et soixante-dix, notamment la série Le Prisonnier (1967- Patrick McGoohan), reflet d’une Angleterre instable en pleine guerre froide.

UN REGARD SUR LE MONDE : QUID DE L’ASIE DE L’EST ?

Fidèle à son histoire, l’Étrange Festival poursuit son rôle de défenseur des cinématographies est -asiatiques. Cette année, un focus est consacré à la figure de Lady Yakuza, héroïne vengeresse ayant inspiré Lady Snowblood puis l’héroïne de Kill Bill. L’intégralité des huit films (1968-1972) était ainsi projetée.

Après des années très fastes pour le cinéma coréen, parfois jusqu’à saturation, 2025 laisse entrevoir une période de disette.
Seuls trois films sud-coréens sont programmés : The Old Woman with the Knife (thriller mâtiné d’action), The Curse : Insatiable Desires (anthologie horrifique) et The Last Woman on Earth (comédie de science-fiction). 

Quand on pense à certaines années où pratiquement la moitié des films en compétition étaient coréens, la question se pose. Après des années de politique de productions cinématographique assez agressive, la Corée du Sud semble se tourner vers une autre stratégie, par obligation ou par choix.

LE RÉCIT GOTHIQUE : UN RETOUR EN FORCE

Le récit gothique n’a jamais véritablement quitté nos écrans, mais il connaît ces dernières années un renouveau manifeste – du Frankenstein de Guillermo del Toro à The Bride de Maggie Gyllenhaal, en passant par les Hauts de Hurlevent revisité par Emerald Fennell ou encore la série Mercredi supervisée par Tim Burton.

L’Étrange Festival s’inscrit dans cette tendance avec :
– le superbe film d’animation Je suis Frankelda des frères Ambriz, protégés de Del Toro, qui proposent un univers fantasmagorique et une réflexion sur la peur en elle-même ;
– Dead Lover de Grace Glowicki, comédie potache nourrie d’imaginaire gothique ;
– Honey Bunch, dont l’héroïne se voit gaslightée dans une grande et belle demeure labyrinthique.

Si le genre du gothique a toujours été très proche du féminin avec ses nombreuses héroïnes complexes, on observe actuellement une hyper féminisation du genre avec de nombreuses réalisatrices qui s’emparent de ces histoires d’amours maudits, de fantômes et de maisons inquiétantes.

L’invitation de l’icône du cinéma gothique italien Barbara Steele, venue présenter Le Spectre du professeur Hichcock (Riccardo Freda – 1964) et donner une masterclass, a couronné cette mise en avant du gothique.

NO COUNTRY FOR OLD WOMEN

L’âgisme fait débat dans le cinéma actuellement. On se questionne particulièrement sur la disparition des actrices passé un certain âge, mais aussi sur l’omniprésence de la chirurgie esthétique dans une industrie où il est pourtant indispensable d’être expressif. 

La coïncidence a voulu que la programmation propose deux films sur cette thématique : le coréen The Old Woman with the Knife (Min Kyu-dong) qui suit une tueuse à gage vieillissante dont le quotidien se verra bouleversé dans une profession où il ne fait pas bon vieillir. Bel écrin pour son actrice, Lee Hye-young, le film bien que pas exceptionnel propose de jolis moments notamment à propos du vieillissement de son personnage. 

Dans un tout autre registre, le scénariste Stephen Sayadian est venu présenter Lady in a Cage (Walter Grauman – 1965), fleuron de l’hagsploitation étatsunienne qui montre une Olivia de Havilland handicapée bloquée dans l’ascenseur privé de sa belle résidence pillée par de jeunes malfrats.

REVISITER LES MYTHES GRECS

Trois réappropriations de la mythologie gréco-romaine étaient présentées :
– Exit Medea (Tony Paraskeva), road movie expérimental et trash revisitant l’histoire d’amour entre Médée et Jason ;
– Odyssey (Gerard Johnson), qui évoque succinctement l’Odyssée d’Homère par l’idée de parcours complexe de son héroïne pour retrouver ses racines ;
– Gorgonà, remarquable premier film d’Evi Kalogiropoulou, portrait d’une société patriarcale réduisant la femme à une monnaie d’échange. La figure de la gorgone avait déjà été remise en avant dans le film Medusa (Anita Rocha da Silveira – 2021) qui montrait une révolution féminine au Brésil parmi des jeunes femmes conservatrices.

Ces relectures féminines de figures monstrueuses s’inscrivent dans un mouvement littéraire féministe actuel, porté notamment par Murielle Szac et Madeline Miller, qui réhabilitent les héroïnes antiques dans toute leur complexité.

LE LAUREAT DE LA FIN DE L’EDITION DE L’ÉTRANGE FESTIVAL

Pour conclure ce panorama (presque) succinct de l’édition 2025 de l’Étrange Festival, arrêtons-nous sur le grand lauréat de la compétition : The Forbidden City de l’Italien Gabriele Mainetti. Ce film d’action mêle clichés chinois et italiens dans un chaos soigneusement orchestré.
À Rome, une jeune femme chinoise cherche désespérément sa sœur disparue. Elle croise le chemin d’un jeune homme, fils d’un restaurateur endetté lui aussi porté disparu. Malgré la barrière linguistique et culturelle, tous deux s’unissent pour affronter la pègre. Moins politique que Freaks Out, le film séduit néanmoins par ses qualités plastiques et sa mise en scène fluide.

Son sacre interroge toutefois : nombre d’œuvres plus audacieuses, plus singulières, semblaient plus conformes à l’esprit traditionnellement anticonformiste de l’Étrange Festival. Est-ce qu’un festival qui se veut l’étendard d’une certaine contre-culture peut rester fidèle à son identité, tout en attirant un public de plus en plus nombreux et divers ? Mon avis est que malgré tout, l’Etrange a trouvé un équilibre entre ces deux concepts antinomiques.

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Second long-métrage de la réalisatrice Julia Kowalski qui avait déjà épaté Cannes avec son premier long, Crache coeur, et son court, J’ai vu le visage du diable; Que ma volonté soit faite est une oeuvre sensuelle et aboutie qui continue sa réflexion autour du désir et de la spiritualité.

Que ma volonté soit faite : un film charnel

Pour montrer cet aspect charnel, la réalisatrice a fait le choix de filmer en pellicule 16mm. Ce choix permet de rendre avec plus de nuances, les couleurs et matières. Indispensable dans un film où le feu côtoie la boue. La peau animale est traitée avec autant de déférence qu’une cicatrice sur une jambe humaine. Les désirs et maux de notre héroïne se matérialisent sous la forme d’une masse visqueuse et blanchâtre mortellement fascinante. Cet étrange matière ajoute au mystère qui entoure ce village et cette jeune fille.

La manière de filmer les corps n’est pas anodine.
Naw se protège encore dans des couches de vêtements informes, coquille d’une enfance qui touche à sa fin. C’est pour elle une manière de montrer son refus d’admettre son corps et ses désirs. L’objet de ces derniers; la voisine, a elle, une féminité assumée. Son corps sera lui, filmé pendant la première partie du film à la façon male gaze : morcelé avec des travellings révélateurs. Cela jusqu’au point de rupture, une séquence particulièrement violente qui agira comme un déclencheur sur Naw. Cet événement l’obligera à confronter ses désirs et ses biais patriarcaux. Une transformation qui passera par l’abandon de sa chrysalide, ces couches de vêtements et l’acceptation de son corps, nu, pour ce qu’il est, prêt à s’émanciper.
Le duo d’actrices, Maria Wróbel et Roxane Mesquida, sont le choix parfait pour incarner ce duo ambigu.

Un film spirituel

Que ma volonté soit faite, comme son titre l’indique, s’intéresse à la spiritualité. Celui-ci référence une citation de la prière du “Notre père”, “Que ta volonté soit faite” qui voudrait que Dieu souhaite la sanctification de ses croyants, et les invite à être la meilleure version d’eux-même. Le titre est assez ambigu car il montre la culture chrétienne dont vient Naw. Culture qui prend une place importante dans sa vie, son quotidien et sa façon d’appréhender le monde. A la fois, il montre aussi une rupture avec ces mêmes préceptes, par l’utilisation de la première personne. Première personne qui montre ce besoin d’émancipation et le désir d’individualité du personnage

Cette rupture semble d’abord passer par une possession par le diable, antagoniste habituel dans la religion chrétienne. Le film ne s’arrête pas à cette conception manichéenne, cliché du cinéma horrifique. Il propose plutôt une variation autour de la figure de la sorcière et ses trois visages :

• l’ancienne: la mère de Naw morte par le feu dans des conditions étranges et considérée comme folle,
• la tentatrice, la voisine à la beauté hypnotisante et à la sexualité assurée
• la vierge, Naw qui se trouve à un croisement de sa vie.

Chacun des trois personnages parait être la facette d’une même personne. Les deux aînées de Naw semblent être des avertissements de ce qui peut l’attendre dans cette société patriarcale.

Une réflexion sur le patriarcat et la différence

Que ma volonté soit faite dépeint la condition féminine dans une société patriarcale représentée par une galerie de personnages masculins variés :

• les frères qui font tout, même le pire, pour s’intégrer,
• le vétérinaire qui joue un double jeu en se servant de son statut social et de son image de nice guy pour s’autoriser le pire
• et surtout le père qui tente de faire au mieux et doit jongler entre soucis économiques, amour pour sa femme, sa fille et sa Pologne natale et besoin de s’adapter à son nouveau pays.

Julia Kowalski joue habilement avec les genres et notamment avec le fantastique.
Elle flirte avec ce dernier en proposant des images marquantes qui font appel à notre imaginaire commun (le corps tordu de la possédée, le rituel dans la forêt, les troupeau décimée…), sans jamais pencher pour une explication rationnelle et surtout en ancrant l’intrigue dans un hyperréalisme amené par la photographie à fleur de peau et le travail précis sur les matières.

Que ma volonté soit faite est un récit d’émancipation de la condition féminine par la figure de la sorcière, ainsi qu’une réflexion sur l’altérité. Que ce soit dans un contexte d’intégration d’une famille immigrée, ou le mépris pour ceux qui sont différents et ne se plient pas aux conventions du groupe.
La réalisatrice le fait avec un beau travail tout en nuance que ce soit dans l’écriture et la photographie.

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Comment vous est venue l’idée de The Ugly Stepsister ? 

C’est une drôle d’histoire. L’idée m’est venue alors que je faisais une sieste, la meilleure que je n’ai jamais faite. Je fais souvent des siestes pendant que je travaille. Je les appelle des “siestes créatives”. C’est un bon moyen pour laisser mon inconscient travailler. Ainsi, tout n’est pas si logique, si pragmatique. Cela permet de connecter les idées de manière plus organique. 

Je travaillais sur un court métrage dont le sujet était une femme mesurant deux mètres avec des rondeurs et qui manquait de confiance en elle. Dans mon rêve, je la voyais en Cendrillon. Le prince arrivait et la chaussure était magiquement à la bonne taille. Cette si petite chaussure sur cette immense femme… Ils partaient ensuite vers le château. Sur le chemin, elle baisse le regard et observe ses pieds. Elle voit ses chaussures en sang. Et là, l’idée devient plus claire. Je ne suis pas Cendrillon. Je suis la demi-sœur qui a eu besoin de couper ses orteils pour enfiler la chaussure. 

Au réveil, j’étais en choc parce que pour la première fois, je me suis identifiée à ce personnage pour lequel je n’avais eu aucune compassion par le passé. Mais j’ai ressenti exactement ce qu’elle a dû ressentir. J’étais elle. J’étais la demi-sœur. J’ai trouvé l’idée super. Je l’ai trouvé si bien qu’un long-métrage m’a paru bien plus adapté que le format court. 

Quelles furent vos inspirations pour The Ugly Stepsister ? 

Comme c’est un conte de fée qui prend ses racines dans le passé, j’ai fais pas mal de recherches sur les costumes, l’époque. En particulier sur les procédures de chirurgie cosmétique. J’ai choisi de placer mon film au XIXe siècle, une époque qui a vu de nombreuses évolutions sur cet aspect. Je me suis juste permise certaines libertés car il s’agit d’un conte de fée. Par exemple, le ver doit normalement sortir par le bas plutôt que par la bouche. Mais j’ai voulu être prévenante avec mon public (rire).  

Un autre aspect génial avec la fin du XIXe siècle est que j’ai pu m’amuser avec les silhouettes des robes. Cendrillon porte une robe 1850 alors que les sœurs ont des robes à faux-culs façon 1880. C’est une façon subtile de montrer leur différence de classe. Cendrillon est “old money” et a un “bon goût” alors que les soeurs font partie des nouveaux riches et sont à l’affût des nouvelles tendances au point d’en devenir un peu “ridicules”. J’avais envie que lorsque les spectateurs regardent à nouveau la version de Disney, ils en aient une lecture différente suite au visionnage de mon film. 

J’ai aussi beaucoup été inspirée par les films de contes de fée d’Europe de l’Est, particulièrement ceux des années 70. Ils sont en général tournés en lumière naturelle, dans de vrais décors avec de vrais corps à cause d’un budget en général très mince. Et pourtant les costumes sont sublimes et les effets incroyables. Ils arrivent à retranscrire cette étrangeté émanant des contes de fée. Je voulais contraster avec l’aspect trop brillant, très “plastique” du Disney. Surtout que The Ugly Stepsister est un film de body horror. Je voulais que l’audience ressente cet aspect organique.  Comme s’il s’agissait d’un univers parallèle au nôtre avec de véritables personnes qui l’habitent. 

Je voulais donner à The Ugly Stepsister une impression d’intemporalité. Effectivement, le film se passe au XIXe siècle mais vu sous le prisme des années 1970 pour rendre plus nébuleuse l’époque à laquelle l’histoire se passe. La mise en beauté des personnages a été inspirée par les années 60/70. Je ne voulais pas qu’on ait l’impression de se trouver face à un film d’époque, mais je ne voulais pas non plus que le film fasse trop 2025. Ajouter cette petite pincée d’années 70 permet d’éviter cela. 

Puisque nous parlons de l’esthétique de The Ugly Stepsister, qui est particulièrement importante. Pouvez-vous nous parler de votre relation avec votre chef opérateur (Marcel Zyskind) ? Ainsi qu’avec votre cheffe décoratrice (Sabine Hviid) ?  

J’ai eu la chance de pouvoir travailler avec des personnes très créatives qui, en plus, n’en sont pas à leur premier essai. Ma plus grande leçon sur le tournage est l’importance de l’alchimie. Les gens peuvent avoir le meilleur CV du monde, s’il n’est pas possible de se comprendre, si nous ne sommes pas enthousiasmés par les mêmes choses, il n’est pas possible de travailler ensemble. J’ai eu vraiment beaucoup de chance de trouver une équipe passionnée par The Ugly Stepsister, qui voulait s’amuser et tenter des choses. 

Pour ce qui est du chef opérateur, nous avons beaucoup préparé en amont. Tous les chefs de postes ont été humbles et ont accueilli gracieusement ma vision du film, mes idées. À la fin, j’avais l’impression que nous ne formions plus qu’un seul grand cerveau. 

Donc il y avait beaucoup d’alchimie ?

Oui mais aussi d’amusement. Je ne suis pas vraiment du type Wes Anderson. J’adore son travail mais je ne pourrais pas être autant dans le contrôle. J’aime les heureux accidents. J’aime la créativité qui émerge de la rencontre entre deux personnes. J’ai un peu le même type de relations avec mes acteurs et actrices. Je leur explique qu’ils en savent autant, voire plus que moi sur leur personnage. C’est leur corps qui joue cette personne. J’aime être surprise. 

Il me semble qu’en Islande, ils appellent le réalisateur ou la réalisatrice, le maître du jeu et les acteurs et actrices, les joueurs ou joueuses. Je suis la personne qui rédige la notice du jeu mais ce sont elleux qui vont y jouer. C’est un peu la même chose avec les chef.fes de postes. Je ne suis pas capable de faire leur travail. C’est à eux de le faire. Moi, tout ce que je fais c’est mettre en place les règles. Et peut-être à la limite, leur demander de jouer légèrement différemment. Mais eux aussi peuvent me demander de changer un peu certaines règles en contrepartie.   

J’aime beaucoup cette analogie. The Ugly Stepsister est votre premier long-métrage. Tourner un premier film peut-être une expérience difficile, plus particulièrement en tant que femme, et encore plus, en tant que femme qui fait de l’horreur. Comment avez-vous vécu cette expérience ? 

Je profite des nombreuses réalisatrices qui sont venues avant moi. D’autant plus qu’en Norvège, nous avons beaucoup de chance car nous avons un système de quota grâce au Norwegian Film Institute. Ainsi, la réflexion autour de la question de genre ne se fait pas juste au niveau individuel mais aussi au niveau systémique. Cela habitue les gens à voir plus de femmes dans le paysage cinématographique. Les spectateurs ne sont plus étonnés de voir autant de femmes réalisatrices.  

Nous sommes une génération de réalisatrices norvégiennes qui a pu devenir mère avant de faire un premier long et cela sans que cela pose problème.  C’est du jamais vu. Il y a dix ans de cela, personne n’aurait pris au sérieux une jeune mère. Il était alors impossible d’avoir l’ambition de faire des films. Je suis reconnaissante envers les générations passées. Je ne souhaite pas être une femme à une autre époque que celle-ci. 

Sur The Ugly Stepsister, j’ai pu travailler avec la meilleure des productrices en Norvège, Maria Ekerhovd qui a également travaillé sur Valeur Sentimentale, le dernier Joachim Trier qui est passé par Cannes. Elle est géniale, à la fois très cool et très douée. J’ai donc eu un entourage qui a cru en mon film dès le début.  

Autre exemple, mon chef opérateur qui est danois avec des origines polonaises m’a traitée comme son égale, et ainsi toute son équipe, majoritairement polonaise, a fait pareil. L’équipe caméra qui devait être principalement française m’ouvrait la porte et était particulièrement galante avec moi. Au lieu d’être offusquée par ce comportement, je l’ai pris comme une marque de respect. Cela fait partie de leur culture. Ils ne le faisaient pas de manière condescendante. C’était juste une habitude. Ce n’était pas pour me rabaisser. 

Le premier jour, le clappeur, qui est un sacré personnage, m’a fait la révérence et m’a appelé “Madame la directrice”. J’étais assez impressionnée car il s’agissait de mon premier film. Cela m’a flattée, un peu embarrassée, mais aussi détendue. Cela m’a fait sourire. Ils ont pu voir que je trouvais cela drôle et gentil. Le jour d’après, ils avaient écrit “Madame Directrice” avec des coeurs sur mon moniteur. C’était vraiment un acte gentil et respectueux.

Je pense qu’il est important de toujours s’adapter à la culture de l’autre, de ne pas imaginer que quelqu’un va se comporter de la même manière que soi. Il faut voir les gens pour ce qu’ils sont et ce qu’ils font. Je n’ai donc pas eu l’impression que le fait d’être une femme dans ce cas fut un problème. 

Est-ce que vous aimez les films d’horreur ?

Il me semble. Surtout le body horror car l’horreur me fait, en fait, très peur. 

Cela m’amène à ma prochaine question. Appréciez-vous l’horreur ou était-ce simplement pertinent pour l’histoire que vous souhaitiez raconter ? 

J’ai une obsession pour le body horror. J’étais particulièrement heureuse lorsque j’ai réalisé que mon idée me permettait de faire un film de body horror. 

Ce qui me plait dans le cinéma de genre, peu importe le genre, est son côté “boite à outils”. Je ne me considère pas comme une réalisatrice de films d’horreur ou de comédie. Je raconte une histoire et en fonction de celle-ci, j’utilise le genre, la boîte à outils la plus pertinente. 

Du coup, quel est votre film de body horror préféré ? 

C’est une question difficile. J’aime tout ce que fait Cronenberg. C’est un maître. Je suis aussi très fan de Grave de Julia Ducournau. C’est un vraiment un film exceptionnel, alors que je trouve Titane plus contrôlé, plus lourd. Je n’ai pas encore vu Alpha. Grave a ce petit quelque chose en plus que j’apprécie particulièrement. 

J’aime aussi Existenz, Videodrome, La mouche, Faux semblants. Un peu tous ses films en fait. 

En plus Julia Ducournau a ouvert tellement de portes pour les réalisatrices qui veulent faire ce type de film. 

Oui. Je pense que certaines personnes ont un peu la vue courte et pensent face à The Ugly Stepsister que j’ai voulu faire un second The Substance alors que je n’ai pas pu le voir avant de faire mon film. Il est impossible pour moi de faire un film en moins d’un an. 

Vous partagez (ndlr avec The Substance) le thème de la critique des normes de beauté qui est très actuel

Je comprends tout à fait la comparaison. D’autant plus que The Substance a ouvert la voie pour The Ugly Stepsister et a rendu le body horror grand public. Au départ, ma productrice ne voulait pas utiliser le terme “body horror” car cela aurait fait trop niche. Alors que maintenant c’est un mot qui est sur toutes les bouches. 

Je vois aussi un peu de misogynie dans cette comparaison. Il n’y a de la place que pour un film de femme sur un sujet en particulier, alors que les hommes peuvent faire plusieurs fois les même film sans que ce soit un problème. Et nous avons en plus une approche très différente du sujet. Elle évoque la célébrité et le vieillissement, alors que je parle de tout autre chose dans The Ugly Stepsister. 

Ceci dit, la comparaison est tout à fait valide. J’espère juste que les gens ne vont pas commencer à se demander lequel des deux films est le meilleur. Il faut laisser les deux films dire ce qu’ils ont à dire ensemble. 

Je trouve cela super que les deux films sortent à la même période

Oui, qu’ils ouvrent la conversation !

Exactement. Il me semble que le sujet de la beauté était également au cœur de certains de vos courts métrages. Je n’ai malheureusement pas réussi à les voir. Est-ce un sujet important pour vous ? 

L’idée m’est venue de mon subconscient mais j’étais déjà en train de travailler sur un court dont le sujet était similaire, Sarah’s Intimate Confessions, et mon premier court également. 

S’il y a si peu de jeunes réalisateurs ou réalisatrices qui émergent et peuvent faire un premier long métrage, c’est que nous ne sommes pas tous des Xavier Dolan. Outre les difficultés pragmatiques, il n’est pas toujours simple d’être en contact avec ses idées quand on est jeune. 

Lorsque j’étais toute jeune réalisatrice, je ne savais pas quelle pouvait être mon histoire. Pour mon premier court, How Do You Like My Hair ?, j’ai littéralement raconté mon histoire. Il y a quinze ans j’ai décidé d’arrêter de me raser. C’était en pleine quatrième vague du féminisme en Scandinavie. Nous pouvions trouver des femmes non rasées dans les magazines et il y avait tout une discussion autour du sujet. Cela n’a pas duré longtemps.

Ceci dit, je pense que plus de femmes ont continué à ne plus raser après cela. J’ai donc eu un coup d’un soir suite à cette décision, histoire que j’ai raconté à mes amis. Ils ont trouvé cette anecdote drôle. J’ai trouvé le fait d’en parler très libératoire et surtout j’ai apprécié le fait de me sentir vulnérable après. 

Je me suis dit que c’était une bonne histoire à raconter comme une confession face caméra. J’ai joué mon propre rôle et je parlais à la caméra. J’ai ensuite joué la scène avec des acteurs. Face au résultat, c’était évident pour moi que j’avais trouvé mon histoire, à la fois intime, vraie et rassembleuse.

En général, on se sent seul et vulnérable face à nos complexes. Parce que cela touche à notre capacité à être aimé. Ai-je assez de valeur pour être aimé ? C’est une question si existentielle et si vulnérable que des grosses entreprises s’en sont emparé pour que l’on achète des produits de beauté. Que je préfère appeler des “produits d’apparences” parce qu’ils n’ont rien à voir avec la beauté. Ma beauté m’appartient, je ne veux pas l’acheter. 

C’était un moment important pour moi. Je me suis rendu compte que j’avais tout un tas d’histoires à raconter sur le sujet et si je ne devais raconter que cela jusqu’à la fin, ce serait incroyable. Avec l’âge, je me suis aussi rendu compte que de nouvelles histoires me viennent plus facilement.
Effectivement, cette question est prépondérante dans le fait d’être femme et tant que je fais des films sur des femmes, cela risque d’en faire partie. 

Pourriez-vous me parler du casting de vos actrices ? 

C’était des castings tout à fait conventionnels. Les deux personnages principaux furent difficiles à trouver. Et pourtant dès que j’ai rencontré les deux actrices, ce fut évident. Elles étaient les personnages. 

Lea (Myren) se donne la liberté d’être expressive. Je pensais trouver quelqu’un qui rencontre les mêmes problèmes que moi ou Elvira, mais Lea est en fait très libre dans son corps. Elle a grandi avec une mère féministe qui l’a éduquée sans ce regard contrôlant sur son corps. Elle est totalement libre et ne s’empêche pas de faire des choses folles et ne s’intéresse pas au qu’en dira-t-on. Elle est libre de montrer toutes ses émotions. 

C’est génial d’avoir un tel modèle pour jouer Elvira, car si des gens décident de googler son nom, ils trouveront tout un tas de photos folles d’elle, de red carpet look très excentriques. Elle représente cet espoir pour la nouvelle génération. 

Merci pour votre temps et cet entretien. J’espère le mieux pour la sortie du film!

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Reflet dans un diamant mort : 007 chez les wokistes

Le duo (presque) belge, Hélène Cattet et Bruno Forzani, revient avec un nouveau bijou d’orfèvrerie cinématographique à l’esthétique – encore une fois – très léchée. Il s’attaque dans Reflet dans un diamant mort au genre codifié et très ancré dans les années 70 du film d’espionnage. Impossible de ne pas penser au très British 007, James Bond face au film. Même si le duo évoque aussi et principalement les copies italienne, façon Fumetti Neri, avec notamment le personnage de Satanik qui est l’inspiration de Serpentik, l’antagoniste principal. Les deux sont pensées à l’image de l’Irma Vep de musidora, personnage iconique du muet dont la silhouette et la combinaison noire ont marqué la mythologie du cinéma. 

Si Reflet dans un diamant mort reprend l’aspect ludique de ces séries de films, comics et autre romans seventies, il porte un regard beaucoup plus critique sur le machisme et l’eurocentrisme de l’époque. La robe façon Paco Rabanne en est un bon exemple. La robe est une pièce iconique de 1966 qui marqua une véritable rupture dans le monde de la mode de par son matériau non-conventionnel. Elle est le symbole d’une époque grâce à sa modernité, son côté ludique mais aussi son aspect très contraignant pour qui la porte. Car oui, s’assoir sur des petites pièces de métal, ce n’est pas agréable. Le film décide lui d’en faire un gadget tueur et puissant au style increvable.  

Reflet dans un diamant mort s’inscrit dans un contexte de réécriture des œuvres passées avec un œil critique actuel. Le symbole même du diamant n’est pas anodin. L’homme blanc s’est permis les pires atrocités en exploitant la terre au nom de l’industrialisation, du capitalisme et de son ego. Le réalisateur et la réalisatrice semblent exorciser ces démons passés par l’intermédiaire de séquences hallucinantes qui mêlent diamants (vrais ou faux ?), pétrole et corps nus féminins en souffrance. 

Une narration éclatée et un style imparable

Le duo emploie une narration non linéaire où chaque séquence semble être le reflet disparate d’un même diamant. Si ce type de narration permet le plaisir de se perdre dans l’univers du film, il est aussi un moyen de montrer l’esprit vieillissant du héros qui devient incohérent. Il fait parti de l’ancien monde et le nouveau lui demande de payer l’addition. 

Cattet et Forzani font dialoguer leurs influences. Il y a bien-sûr les films d’espionnage cités précédemment, mais aussi de nombreuses œuvres picturales. On trouve de nombreuses références au peintre belge, Magritte, grand artiste surréaliste à l’esprit ludique qui s’est amusé avec son audience de la même manière que le duo de réalisateurs joue avec son spectateur notamment en cassant le quatrième mur. Iels les invitent à réagir, à sortir de la torpeur, à arrêter de croire au confort de la salle de cinéma comme but en soi, métaphore qui invite nos sociétés bourgeoise à agir. 

Les James Bond girls disent non au male gaze

Si Reflet dans un diamant mort est du point de vue d’un homme, le film l’entoure de personnages féminins plutôt fascinants. Entre autres, la masquée Serpentik et l’intriguant personnage de l’autrice interprété par la trop rare Maria de Medeiros. Le film donne le ton dès le début du film. L’ancien agent se détend sur une terrasse d’un hôtel de la côte d’Azur et en profite pour reluquer sa jeune voisine en maillot de bain. Cette dernière s’en va et fait savoir au majordome que ce comportement l’importune. Le film marque une rupture claire avec le machisme de ses aînés.

Les James Bond girls ne veulent plus être reluquer en maillot de bain. Le male gaze peut aller se rhabiller. Ce qui n’empêche pas le film de continuer à fétichiser le corps de ses actrices dans des séquences, effectivement, sublimes (merci au chef opérateur de génie Manu Dacosse) mais qui posent parfois question quant à la sublimation de la douleur au féminin.

Reflet dans un diamant mort est une relecture moderne et artistique des films d’espionnage des années 70. Il pose un regard critique sur ces derniers, notamment sur le machisme ambiant et les douleurs causés par la surexploitation liées à l’industrialisation de la société de l’époque. Le duo n’oublie pas sa signature en proposant un film à la limite de l’expérimental et à l’esthétique léchée.

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The Ugly Stepsister : le villain pov de Cendrillon

Premier long-métrage de la réalisatrice norvégienne Emilie Blichfeldt, The Ugly Stepsister joue avec Cendrillon, le conte des frères Grimm en en modifiant le point de vue. La réalisatrice nous place dans les chaussures de l’une des « affreuses demi-soeurs » en lui conférant une humanité rafraichissante.

Elle n’est pas le seul personnage à recevoir ce traitement de faveur. Le film s’écarte du manichéisme un peu bêta de l’adaptation de 1950 de Disney et ancre chacun de ses protagonistes dans un contexte socio-économique, dans un univers irréel, certes, mais tangible. Cette contextualisation apporte une justification et de la nuance à des actions qui paraissent gratuites et cruelles dans les adaptations passées : la dureté de la mère, la jalousie envers Cendrillon… Ainsi, The Ugly Stepsister semble prendre certains codes à la Jane Austen, mais adapté par James Wan et Sofia Coppola.

Gorecore baroque

Si The Ugly Stepsister se joue des points de vue de manière actuelle et féministe, il n’oublie pas d’être diablement divertissant grâce à une dose de body-horror inventif qui tient pas mal du torture porn. Gore en général considéré comme gratuit, il est dans ce film amené avec plus d’intelligence, et ce, pour deux bonnes raisons.

Tout d’abord, la réalisatrice fait en sorte que l’audience ait de l’empathie pour Elvira qui est plus que de la chair à torture remplaçable. Ensuite, parce que toutes les atrocités qu’elle subit sont infligées soit par sa mère, soit par elle-même au nom d’une beauté factice et inatteignable. Le film rejoint The Substance dans son propos, et présente une fable autour de la détestation de soi dans une société patriarcale qui n’est pas prête à accepter la féminité dans toute sa vérité et sa diversité.

Un boy’s club de conte de fée

Puisque nous sommes dans une société d’hommes, arrêtons-nous un instant sur les personnages masculins qui partagent de nombreux traits de dégueulasserie avec ceux de The Substance. Emilie Blichfeldt se fait un malin plaisir à tordre l’image d’amoureux courtois du prince charmant pour en faire un sale type privilégié qui pérore bêtement et écrit de la poésie graveleuse, toujours entouré de son boy’s club du même acabit que lui.
Quant au bon père de Cendrillon/Agnès (Thea Sofie Loch Næss), s’il n’a pas bénéficié de beaucoup de temps d’écran, il est suffisant pour le montrer condescendant envers ses nouvelles belles-filles laissant clairement comprendre la différence de classe entre les deux familles.

Une sororité complexe

L’écriture du personnage de Cendrillon aurait pu tomber dans une caricature inverse. Si elle agace par son allure hautaine et ses privilèges de classe et de beauté, en tant que jeune-femme seule et dans le pétrin, ses attitudes ne semblent pas injustifiées. The Ugly Stepsister ne considère pas la jalousie supposée entre les jeunes-filles comme inée, mais la montre comme la création d’une société qui ne laisse peu de place aux femmes qui doivent se montrer hargneuses pour survivre.

La deuxième sœur, Alma (Flo Fagerli), vient en contrepoint de ses relations malsaines, car elle a tout simplement et très consciemment décidé de se tenir à l’écart de cette mascarade qu’est l’apprentissage de la féminité.

La mascarade de la féminité

Cet apprentissage de la féminité est le coeur de The Ugly Stepsister car on y voit principalement un enchainement de séquences qui montre les deux aspects de cette mascarade : les scènes de chirurgie esthétique barbares, entremêlées à celles des cours de bonnes conduites pour jeunes filles bien élevées.

On voit dans The Ugly Stepsister une réminiscence d’Innocence de Lucile Hadžihalilović qui entourait cet enseignement désuet d’un voile étrange et mortifère. Si les films partagent un sens de l’esthétique prononcé, quoique bien plus fourni et baroque pour le norvégien, Emilie Blichfeldt est nettement moins métaphorique, mais certainement plus rentre-dedans et terriblement efficace, d’autant plus lorsqu’elle se permet des embardées vers un humour noir mordant qui donne du rythme au long-métrage.

The Ugly Stepsister est une relecture maline et mordante du conte de Cendrillon qui ne lésine pas ni sur le body horror bien gruesome, ni sur une esthétique baroque et bordélique pour délivrer son message : une réflexion autour de la détestation de soi dans une société patriarcale.

The Ugly Stepsister sera à retrouver en salle à partir du 2 juillet

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Je vais volontairement m’écarter des très très populaires car vous n’avez pas besoin de moi pour les trouver. Certains dans cette liste sont évidemment connus des férus du cinéma de genre, l’idée est de s’adresser à un public moins connaisseur, mais qui a envie de découvrir ce cinéma à travers des films à la fois qualitatifs ET divertissants pour Halloween. Si vous cherchez encore plus de diversité, vous pouvez consulter mes recommandations de films d’Halloween réalisés par des femmes.
J’ai également écrit un article sur les sous genre du cinéma de genre si vous souhaitez en apprendre davantage.

1- Unfriended de Levan Gabriadze (2015) – USA

Genre: Screenlife

De quoi ça parle: un fantôme vient hanter une conversation webcam entre plusieurs amis.

Genre qui peine à se montrer sur nos écrans, c’est un sous genre qui utilise justement les vôtres. Un écran d’ordinateur pour être précis. Dérivé du foundfootage (rushes de vidéos « trouvées » dont Le projet Blair Witch est le représentant le plus connu), c’est étonnant de ne pas en voir plus, au regard de notre consommation d’écran.
Dans Unfriended vous êtes le spectateur direct (et concerné donc), de ce que vous voyez à l’écran. Vous « participez » à ce qui se passe. La montée en puissance est très bien gérée: on passe d’une discussion d’un couple, à des échanges de vacheries entre adolescent-es pour tendre vers une ambiance qui suscite interrogations et suspicions pour basculer dans l’horreur qui ne s’arrêtera pas.

En plus d’être un divertissement efficace, le propos d’Unfriended est une démonstration de la violence du revenge porn et du harcèlement scolaire. Sans surligner son sujet, le film parvient à diffuser son message en prenant son public non seulement au sérieux, mais à parti grâce au dispositif screenlife.

2- Witch Hunt d’Elle Callahan – USA (2021)

Genre: Sorcières

De quoi ça parle: De nos jours, les sorcières sont criminalisées et pourchassées. Dans ce contexte, une mère célibataire rejoint la lutte en les cachant pour qu’elles passent la frontière, ce qui n’est pas du goût de sa fille, Claire.

Un film de sorcières pour Halloween, cela me parait inévitable. A la lecture du pitch, on devine bien que Witch Hunt associe sorcières (figures marginalisées et dénigrées) et migrants (ou évidemment la Shoah). Quoi de mieux que de décaler le regard et les types de protagonistes pour traiter un sujet actuel et dramatique, maintes fois sujet de journaux télévisés et drames sociaux misérabilistes?
De par la nature illégale des agissements de sa mère, Claire se place en dehors de cette activité, elle qui cherche à s’intégrer auprès des filles populaires de son lycée. Elle devra cohabiter avec Fiona et sa petite soeur suite à des complications.
L’écriture du personnage de Claire est particulièrement brillant; il incarne presque à lui seul, le sujet du film: faire appartenance. On a de l’empathie pour cette adolescente qui a besoin de se sentir acceptée et aimée, et dont l’activité de sa mère la met dans l’inconfort. Fiona et Claire vont autant s’aider l’une l’autre, ce qui fait de Witch Hunt un véritable récit de sororité.
Par ailleurs, le film ne manque pas de suspens, de moments de magie, tout en délivrant un message de tolérance et d’acceptation, bien loin d’être mièvre. Dont on a besoin en ces temps terrifiants.

3- Carnival of souls d’Herk Harvey (1963) – USA

Genre: Fantastique

De quoi ça parle: Suite à un accident de voiture, Mary reste traumatisée. Elle entend et voit de plus en plus de choses étranges, entourée de fantômes.

L’idée de ce film est venu au réalisateur en découvrant une salle de bal étrange, dans un lieu désaffecté, à l’intérieur du parc d’attraction Saltair, donc rien que pour cette raison, c’est le film idéal pour Halloween.
Ne soyez pas rebuté-es par l’ambiance années 60 de Carnival of souls; son lot d’étrangeté, d’inquiétudes et de fantastique n’a pas vieilli d’un pouce.
On déambule avec Mary dans ce parc d’attraction nébuleux, et des scènes vont resteront en mémoire, dont une certaine scène de bal.
Carnival of souls narre les tourments liés aux traumas et à la mort, sans qu’il soit glauque. On est une atmosphère onirique qui vous enveloppera de curiosités, de flottements et de frayeurs.
Le programme parfait pour siroter un cocktail d’Halloween avec des bonbons fantômatiques.

4- Ava’s possession de Jordan Galland (2015) – USA

Genre: Diabolique

De quoi ça parle: Ava vient de subir un exorcisme et est désormais débarrassée de son démon. Mais elle a causé des torts pendant sa possession et doit aller consulter aux Possédés Anonymes.

Changement de registre, car il nous faut bien une comédie horrifique pour Halloween, avec Ava’s Possession qui là aussi ne se cache pas derrière son pitch. Il s’agit d’utiliser la possession comme métaphore de comportements problématiques liés à des addictions, et notamment l’alcool.
Assez peu de films de possessions abordent cet angle et cela me parait tout à fait pertinent, car on a tous connu/vu des personnes sous l’emprise de substances qu’on ne reconnait plus.
On suit donc le cheminement d’Ava qui cherche à comprendre les torts qu’elle a pu causer (dans la mesure où elle ne s’en souvient pas) et comment/si elle peut réparer.
C’est drôle, original tout en permettant de prendre du recul sur le sujet de l’addiction et nous invitant à prendre conscience que c’est une maladie dont les personnes souffrantes peinent à combattre.
J’évoque un peu plus en détail le film dans mon article sur la représentation de la possession.

5- Midnight silence de Kwon Oh seung (2021) – Corée du Sud

Genre: Psycho killer

De quoi ça parle: Une jeune sourde muette surprend un tueur en série et devient sa proie.

Avec Midnight silence ne vous attendez pas à un grand film maitrisé de bout en bout, mais à un film d’action et de suspens bien calibré pour Halloween.
Le handicap de son héroïne, Kyung-mi, permet évidemment d’instaurer de l’enjeu angoissant facilement et ça marche ! On est à côté d’elle, en forte empathie et la brutalité du serial killer est tout à fait crédible, ce qui permet d’intégrer une vraie notion de danger.
Par ailleurs, je trouve que le dernier quart d’heure est particulièrement bien géré, pointant le sexisme et le paternaliste de la société, qui devient un véritable obstacle supplémentaire pour l’héroïne.
Midnight Silence est prenant et globalement bien rythmé, alors ne boudez pas votre plaisir pour dynamiser votre soirée Halloween en deuxième partie de soirée.

6- Ropes de José Luis Montesinosde (2019) – Espagne

Genre: Huis clos

De quoi ça parle: Une jeune fille handicapée moteur et son père se retirent dans une maison isolée, en compagnie d’un chien dont le rôle est normalement d’aider Elena…

Encore une héroïne ayant un handicap (trope récurrent dans le cinéma d’horreur), dans un huis clos, mais cette fois victime d’un chien enragé. Le berger belge sensée lui faciliter la vie quotidienne, est victime d’une maladie qui le rend particulièrement agressif. Elena va donc devoir redoubler d’ingéniosité pour s’en sortir.
Ropes a le mérite à travers les déboires d’Elena de montrer à quel point une maison non pensée pour des personnes handicapées moteur s’avère être un véritable parcours de difficultés que nous valides, ne pouvons pas voir. Le film gère particulièrement bien son suspens, et comme les valides ne peuvent pas anticiper ou savoir ce qu’une personne ayant un handicap moteur peut faire, il nous est impossible de projeter ce que le personnage peut faire.
Pour maintenir l’attention et la tension, Ropes maitrise son rythme en intégrant la thématique du deuil, donnant lieu à des séquences touchantes, permettant une soupape.

7- Candyman de Bernard Rose (1992) – USA

Genre: Slasher

De quoi ça parle: Si vous dites trois fois son nom devant un miroir, le croquemitaine Candyman apparaitra et vous courrez à votre perte…

Parce que que serait un Halloween sans un slasher? On connait Ghostface de la saga Scream ou Mickaël Myers de celle d’Halloween, mais on connait moins Candyman, seul croquemitaine noir de la culture populaire Américaine.
Ce croquemitaine interprété par Tony Todd, est l’un des seuls dont la vengeance et la violence se déploie suite au fait qu’il ait été martyrisé lui même. En effet, tombé amoureux d’une blanche à l’époque des colons, il fut puni par les blancs, qui badigeonneront son corps de miel afin d’être attaqué par les abeilles. D’où son nom.
Armé d’un crochet, Candyman apparait grâce à sa légende qui est notamment perpétuée dans la cité pauvre de Cabrini Green.
On suit Helen, jeune journaliste blanche qui tente de faire sa place dans ce milieu machiste. Elle entend parler de la légende de Candyman, et décide d’enquêter.
Si la plupart des slashers évoquent le sexisme et les violences sexuelles, le sujet de Candyman est, vous l’aviez deviné, le racisme. C’est donc un slasher plus évident politiquement que les autres, mais le fait d’aborder ce sujet de société sous un angle de légende et d’histoire Américaine, en fait un film à part.
Helen et Candyman sont unis par le fait de subir une oppression différente mais bien présente et qui dans les deux cas, perdurent.
D’un point de vue purement slasher, il propose des séquences assez classiques mais bien exécutées, avec une bonne dose d’hémoglobine attendue pour Halloween.
Le film connaitra deux suites (médiocres), et un remake intéressant mais inabouti, si vous souhaitez continuer l’expérience…

8- The Children de Tom Shankland (2008) – UK

Genre: Sales gosses

De quoi ça parle: Des ami-es partent en vacances de neiges avec leurs enfants. Ceux-ci sont contaminés par une substance présente dans la forêt qui modifient leurs comportements…

Le cinéma d’horreur regorge de personnages d’enfants démoniaques, et The Children est une pépite sanglante anglo saxonne proposant un travail exceptionnel sur sa photographie.
Sa véritable force est de ne pas lésiner sur la brutalité et la violence, en intégrant une problématique maligne et facilement identifiable: comment parvenir à violenter son enfant dans un cas de légitime défense?
C’est stressant, saignant, avec une tensions palpable qui quand elle démarre, ne retombe jamais.
Parfait pour savourer son Halloween avec des pops corn.

9- La féline de Jacques Tourneur (1943) – USA

Genre: Créatures

De quoi ça parle: Irina, jeune mariée, semble être frappée d’une malédiction qui met à mal son mari qui se rapproche d’une jeune femme Alice…

Halloween étant propice à la création de déguisements de créatures, il faut une proposition avec l’une d’elle ! Comme son nom l’indique, La Féline raconte l’histoire d’une femme qui se transforme en panthère noire, qui doit jongler avec ses deux identités. C’est surtout l’histoire d’une femme qui est « trop » complexe pour son mari qui souhaite en faire une femme « normale » et conforme à ses attentes. Sa deuxième identité représente ce rejet et avant tout la volonté d’exister en tant qu’elle même.
Les films de genre à portée féministe existent donc depuis toujours, il s’agit simplement de rappeler qu’ils sont là, avec parfois plus de pertinence que certains films actuels.
Le film est connu pour être précurseur de techniques de mises en scènes pour créer la peur, qui feront date dans le cinéma d’horreur (comme la scène du bus). Le film est aussi un admirable objet esthétique, jouant avec l’ombre et la lumière et surtout le hors champs, permettant à la fois de faire fonctionner notre imaginaire mais aussi d’appuyer l’aspect fantastique.
La Féline est un des films emblématiques du réalisateur franco américain Jacques Tourneur (et rien que pour ça il fait quand même parti de notre patrimoine). L’actrice française Simone Simon fait preuve d’un tel charisme qu’on se laisse porter par ce conte émancipateur.

10- The angry black girl and her monster de Bomani J. Story (2023) – USA

Genre: Science Fiction

De quoi ça parle: Vicaria, élève afro américaine brillante, est cernée par la mort et le racisme. Quand son frère meurt, elle décide de le ressusciter…

The angry black girl and her monster s’empare du roman de Mary Shelley, Frankenstein, en mettant en scène cette fois une savante. Le film reprend finalement les bases de la réflexion du roman, à savoir « guérir » de la mort et transformer la mort en naissance.
L’idée brillante est d’intégrer l’action dans des problématiques contemporaines, du point de vue de la minorité afro américaine. Mais là où le long métrage est un plaisir à regarder et à entendre, c’est dans sa manière de politiser la question du racisme au delà des évidences, tout en infusant des dialogues très drôles et savoureux. Par ailleurs, sa tonalité un peu teenage movie, en fait un film horrifique facile d’accès pour Halloween. The angry black girl and her monster ne manque pas de rebondissements inquiétants et gores, n’oubliant jamais ses intentions de départ: traiter du corps et de la chair, dont tout scientifique se sent capable de surpasser; pour le pire et le meilleur (pire).

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Le PIFFF se déroule au cinéma Max Linder qui a une salle unique, sur deux étages qui visiblement impressionne plus d’un cinéaste, car le réalisateur de The Wailing l’a qualifiée de « cathédrale du cinéma ».
C’est effectivement une très belle salle, prestigieuse mais aussi confortable, point qui est presque le plus important quand on festivale !

Toujours est-il que je débarque de mon train pour sauter littéralement sur la première séance Blood Star (USA) de Lawrence Jacomelli issu de la pub. Il signe ici son premier long métrage sur un road trip sur fond d’ ACAB (jamais pour me déplaire on va pas se mentir), en filmant la traque d’une jeune femme par le shérif du coin. Il s’avère que le film est divertissant, bien rythmé avec une actrice convaincante, Britni Camacho. Le film pêche en revanche avec son antagoniste qui ne fait pas bien peur, et dont on peine à percevoir la cruauté. Blood Star manque par ailleurs de séquences impactante (surtout avec ce type de pitch vu et revu), avec un personnage féminin qui met du temps à démarrer franchement l’offensive ou la défensive, malgré le harcèlement constant. Tout cela n’a pas pu me procurer beaucoup de tensions, mais je n’ai pas boudé mon plaisir pour autant et c’était une parfaite mise en bouche (yeux).

Blood Star n’est que le début d’une liste de films dont la thématique commune est suivre/poursuivre une jeune femme. Car on retrouve cette similarité avec Strange Darling (USA) de JT Mollner. Dans le cadre d’un montage en plusieurs chapitres mélangés, le public reconstruit peu à peu une histoire plus « complexe » que ce que la première séquence laisse présager. Parfois très drôle, brillant dans sa manière d’accompagner le public dans son univers, Strange Darling gâche tout en utilisant la culture du viol pour sans doute faire la démonstration qu’il ne faut pas se fier aux apparences. Le problème c’est que quand on se trompe de cible en se moquant ouvertement des femmes (entre le personnage principale féminin, et une flic qui pour une fois prend les violences sexuelles au sérieux), non seulement on tape à côté, mais en plus on participe au problème.

On reste dans le médiocre (sexiste mais au moins pas misogyne) avec Daniela Forever, une sorte de croisement entre Eternal sunshine pour le concept fantastique, et 300 jours ensemble pour l’illustration emblématique du trope de la manic pixie dream girl. Suite à la mort accidentel de sa compagne, un homme teste un traitement lui permettant de naviguer avec elle dans ses rêves. Le problème c’est que toute l’intrigue est centrée sur cet homme qui profite surtout de ses rêves pour s’auto kiffer et contrôler sa Daniela, qui ressemble plus à un vague robot, que l’incarnation de l’amour de sa vie.

On passe à une autre recherche de femme et d’amour mais cette fois de manière beaucoup plus réussie avec le film Ukrainien U are the universe. C’est peu vous dire que c’était une projection particulière entre le mot en vidéo du réalisateur Pavlo Ostrikov avant la séance, le fait de savoir que la moitié de l’équipe est au front (dont l’acteur), et que le responsable des effets spéciaux a été tué. Le film a d’autant plus de résonance avec cette guerre, qu’il raconte un ouvrier de l’espace qui commence à communiquer avec une femme, après l’explosion purement et simplement de la Terre. U are the universe (qui a raflé tous les prix), arrive à capter tout du long malgré qu’on soit confronté uniquement à un homme et son robot déambulant dans un vaisseau. On assiste à leurs questionnements, difficultés, espoirs, et comment est-ce qu’on exerce son libre arbitre quand on est le dernier humain. C’est très doux et mignon car cela évoque l’amour à travers des voix et un feeling qui ne s’explique pas, mais qui se ressent.

Changement d’ambiance avec Sew Torn de Freddy Macdonald, jeune réalisateur de 23 ans qui adapte ici son court en long. On y retrouve toujours une femme traquée mais pas des moindres: une couturière blasée et introvertie qui se mêle à une histoire de drogue et donc d’argent. Le réalisateur explore 3 possibilités que l’héroïne vit selon des choix différents et je dois avouer que je suis particulièrement friande de ce genre de format. Car oui j’aimerais pouvoir voir les conséquences de mes choix, donc là encore le cinéma m’aide à comprendre. Toujours est-il que le film se démarque surtout par les compétences en couture de notre héroïne et la photo splendide qui permettent de rendre le film assez divertissant malgré des redondances.

Plusieurs films ont exploré la thématique des violences des dynamiques de pouvoir. The Wailing utilise la figure du fantôme qui passe de génération en génération pour hanter et violenter des femmes mais également leur entourage. Ce film Espagnol de Pedre Martin Calero (venu présenté le film), m’a procuré de grands frissons en évitant les jumpscares et en utilisant de manière très maligne son décor. Le fil entre les différentes époques est tenu par les personnages, mais aussi par des objets, comme les écrans. Malgré quelques passages un peu mous, l’ensemble est solide et la banalisation des violences intrafamiliales qui se suit est encore trop peu traitée.
Le pouvoir d’une communauté sur l’une des leurs, est également le sujet d’Heresy, film Néerlandais de Didier Konings (venu présenter le film avec une certaine timidité par ailleurs). Ce moyen métrage qui puise son inspiration dans The Witch, fourni un travail très réussi sur sa direction artistique avec des créatures charismatiques, une forêt envoutante. Dommage que l’histoire nous serve une énième association de femme et dame nature reproductrice (réduisant totalement le propos politique de l’éco féminisme en passant), et une écriture faiblarde des personnages.

On parle du pouvoir d’une autre communauté, celle de l’audience du web avec Dead Talents Society (Taiwann) de John Hsu. Des fantômes doivent effrayer les vivants pour ne pas être oubliés et gagner en popularité. Le film est brillant d’inventivités, très très drôle, et n’oublie pas d’être intelligent pour autant en ayant plein d’amour pour des personnages de « loosers » qui n’en sont pas. Le film évoque les pressions extérieures, le collectif et est mine de rien un réquisitoire contre la pression capitaliste qui nous pousse à penser qu’il nous faut être talentueux pour avoir une raison d’exister.
Pour traiter ces messages, les fantômes sont ici presque faits de chair et de sang (qui les rapproche des humains); le film n’est en plus pas avare en effet gory.
Autre pression mais pas des moindres: celle des dynamiques de pouvoir au sein des maisons de retraite avec The rule of Jenny Pen. Ou comment les vieux sont infantilisés, agressés. Le film souffre d’une écriture maladroite qui lance plusieurs axes sans les exploiter (je pense notamment à la poupée qui s’avère peu flippante et surtout superflue). Mais le duo d’acteur au sommet (John Listhgow et Geoffrey Rush) nous offre un spectacle tout à fait appréciable.

On finit en beauté avec Desert Road qui est un peu un mix de toutes ces thématiques, de l’Américaine Shannon Triplett, qui est venue présenter son film avec un grand enthousiasme. Elle propose un nouveau récit de la boucle temporelle (et ça faut quand même réussir à le faire), en s’appuyant sur l’histoire d’une femme coincée sur une route dans le désert. Le film repose sur la performance bluffante de Kristen Froseth (vue dans How to blow a pipe line), et une écriture très fine qui permet d’être accroché à la quête du personnage et à ses rebondissements. Impossible de prédire comment le film va finir, ça en fait donc une bonne raison pour le voir.

On ne fait pas un festival sans une séance de courts métrages; je suis donc allée à la séance des courts internationaux. Là encore on peut noter une grande qualité sur la forme de tous les courts, dont les styles et les histoires étaient très variées. On a eu une créature sous un lit, un voyage mélancolique dans l’espace, un dieu de la pizza étrange, une aire de jeux maléfique (mon pref), et une marionnette qui a fait rire toute la salle. Un beau moment de cinéma.
J’avais interviewé Véro qui fait parti du comité de sélection de courts métrages, qui partage son point de vue notamment sur la place des femmes dans le cinéma de genre !

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L’avis de Jessica

“J’écris de chez les moches, pour les moches, les vieilles, les camionneuses, les frigides, les mal baisées, les imbaisables, les hystériques, les tarées, toutes les exclues du grand marché à la bonne meuf. Et je commence par là pour que les choses soient claires : je ne m’excuse de rien, je ne viens pas me plaindre. » Ces mots de Virginie Despentes lâchés dans son incontournable « King Kong Théorie », sont illustrés par Coralie Fargeat dans The Substance. Elle parle aux vieilles, aux exclues, aux jeunes, aux femmes enceintes, ne n’excusant de rien, assumant le gore de la chair dans tous ses états.

Il était une fois…

The Substance utilise des codes issus des contes (l’introduction, la référence à Cendrillon, la figure du monstre qui vient troubler l’ordre établi…) pour raconter l’histoire d’une princesse adulée par le show business qui cherche l’amour. Pas à travers le Prince Charmant, mais en étant validée par la société, grâce à un filtre apparemment miraculeux.
Une richesse de thématiques vient nourrir le sujet central du film: l’amour. A la manière d’une drogue, Elisabeth (Demi Moore), s’est nourrie de l’amour des autres pour exister. S’aimer grâce aux regards des autres étant pour le moins risqué, lorsque tout s’arrête, Elisabeth doit retrouver cet amour pour se reconstituer.
Mais ce personnage ce sont toutes les femmes qui ont connu un jour ou l’autre, ou connaissent quotidiennement, la pression, le gouffre financier et de temps, la douleur, de se conformer aux normes de beauté faites sur les femmes. A titre personnel, c’est la première fois que je vois un film qui retranscrit aussi justement l’impact de ce poids.
Coralie Fargeat dit qu’avec The Substance, elle a voulu représenter le fait que dans la mesure où un corps féminin n’est jamais neutre dans l’espace public, c’est constitutif d’une inégalité majeure. En plus d’infliger une douleur physique et morale, cela a un impact sur la capacité des femmes à s’imposer dans l’espace public, à prendre la parole, à être là.
C’est finalement déjà une thématique perceptible dans Revenge, l’héroïne étant victime de la projection de fantasmes masculins sur son corps.

La chair & le sang

Pour dénoncer l’absurdité de ces normes maltraitant les corps et les esprits, Fargeat pousse les curseurs à fond. Que ça soit dans les gros plans de chair dans la douleur (les femmes enceintes ayant eu des péridurales s’en souviennent), ou dans l’exploitation de la jeunesse du corps en exagérant/déformant les plans sur les fesses et la poitrine.
Ce trop plein dénonce l’utilisation des corps féminins qu’on presse, qu’on déforme, qu’on use et qu’on jette à des fins évidemment capitalistes, notion que l’on retrouve dans l’éco féminisme.

The Substance marie une esthétique pub à un décor fantastique et angoissant en se réappropriant des références (Shining évidemment mais surtout la séquence hallucinée de la mère dans Requiem for a dream qui cherchait elle aussi à conformer son corps en prenant des amphétamines).
Pour faire transpirer la notion d’injonction présente même dans la pseudo solution trouvée par Elisabeth, quoi de mieux que de réutiliser la typographie des messages autoritaires d’Invasion Los Angeles?
Coralie Fargeat exploite avec brio ces références, prouvant qu’elles nous nourrissent tous-te, et que leurs richesses permettent de porter un nouveau propos.

On ne peut pas faire l’impasse sur la prestation de Demi Moore, à la fois pour des questions symboliques (star sexy des années 90), mais aussi pour son interprétation bluffante et touchante. C’est d’autant plus remarquable que c’est la première fois en 2024 qu’elle présentait un film à Cannes, à 60 ans. Un body horror sur les diktats d’Hollywood.

Etre féministe, c’est être paradoxale

Mais finalement la thématique qui m’a le plus touchée dans The Substance, c’est sa capacité à montrer que les femmes (et encore plus les féministes), doivent faire cohabiter des pensées contradictoires et parfois noires. En plus des normes, nous nous battons quasi en permanence contre nous même.
Nous sommes tiraillées en permanence entre les injonctions, nos convictions, nos besoins d’amour, d’indépendance, de nous sentir belles et désirables, mais jusqu’où? Est-ce que nous qui le voulons bien ou est-ce parce qu’on évolue avec ces constructions sexistes?
La dernière partie illustre toutes ces contradictions en mélangeant burlesque, tendresse, et déchirement. Car notre vie c’est ça: une alternance de moments de fierté où on s’assume et on prend notre place dans ce monde, la violence patriarcale en backclash.

C’est une claque. Le film cartonne aux US alors donnons de la force à ce film qui est un marqueur pour le cinéma de genre et la portée politique de son propos féministe.

L’avis de Jeanne

Avec ce film hautement symbolique, Coralie Fargeat s’élève contre le male gaze systémique de l’industrie audiovisuelle où les hommes dominent.

Les femmes face à l’industrie 

La scène d’exposition du personnage d’Elisabeth (Demi Moor, 61 ans) nous montre une très belle femme, avec un corps sculpté et dynamique. Sur son visage, on aperçoit quelques signes de l’âge, mais en tant que spectateur on ne peut s’empêcher de la trouver incroyable pour son âge. C’est avec ce paradoxe que Fargeat appui sur le problème systèmique de l’industrie : son producteur lui annonce que sa carrière est finie car elle a 50 ans et n’est donc plus désirable (alors que si). S’ensuit un accident de voiture qui symbolise toute la violence encaissée par le personnage. 

Dans la scène suivante, Elisabeth est en train de boire des cocktails, la camera s’attarde un moment sur sa robe dos nu qui laisse entrevoir tous les plis de sa peau dont les détails sont exagérés par la lumière choisie pour éclairer le club. L’ambiance choisie est faite pour sublimer les corps lisses et écraser les défauts de l’âge. Comme si on voulait lui faire comprendre qu’elle n’est plus à sa place dans la vie.

Coralie Fargeat et son équipe appuient aussi sur l’injonction à être une femme jeune et ingénue. Les femmes belles et intelligentes sont menaçantes pour les hommes. Comme dans Don’t worry darling ou Blink Twice, le scénario appuie sur le fait qu’il faut être une femme agréable, souriante, facile. Sue (Margaret Qualley) incarne parfaitement cette injonction, puisque derrière son sourrire le personnage n’a pas vraiment de personnalité ni de lignes de dialogues : on voit surtout son corps et la caméra s’attarde beaucoup sur ses fesses. Les fesses de Sue sont la star en fait, ça que l’industrie propulse au rang de star.

Le regard des hommes

L’introduction du producteur (Denis Quaid) est je crois la meilleur scène d’exposition que j’ai vu de ma vie. Le personnage arrive dans le cadre en gueulant des trucs horribles sur les femmes (agression auditive et sexiste), s’ensuit un gros plan fixe sur sa peau boursouflée qui transpire (agression visuelle et je dirais même olfactive, j’avais l’impression de sentir son parfum dégueulasse à travers l’écran). Pendant qu’il vomit son discours misogyne autosuffisant tout cela est filmé du point de l’urinoir : le mec nous pisse littéralement dessus. Ces choix de mise en scène sont magnifiques et efficaces.

Tout au long du film on voit un panel de personnages masculins qui n’ont aucun tact avec Elisabeth et ne font que sexualiser Sue (sans voir quand elle ne va pas bien quand elle commence à decrépire). Pendant le spectacle on voit beaucoup d’hommes dans public qui sont en train de baver devant les danseuses, comme de petits garçons émerveillés à Noël. Le voisin d’Elisabeth à une attitude qui change radicalement avec le regard qu’il porte sur le physique de Sue. La seconde scène où on le voit est dailleurs flippante car il tente de s’inviter chez elle pour l’apéro et force un date. Il projète son désir sur Sue qui n’en a pas pour lui, et ignore la notion de consentement, ça aurait pu basculer en ASS si le film avait pris un autre tournant…

Le body horror quotidien des femmes 

Le sang, les injections, les cicatrices, le vomi… Le gore et le body horror sont totalement justifié dans The substance puisque dès notre plus jeune âge on nous apprend qu’«il faut souffrir pour être belle». La souffrance physique est une réalité ancrée dans le corps des femmes. De plus le corps qui change, qui mute, c’est ce que quasiment toutes les jeunes filles endurent avec la puberté. Toutes les adolescentes sont un peu Cronenbergiennes finalement. 

Coralie Fargeat appuie aussi sur les souffrances psychologiques. C’est difficile pour les femmes qui ont toujours été désirées de ne plus recevoir le même traitement. Voir de se rendre compte que la valeur qu’on nous donne est juste sexuelle, et non pas un regard d’égal à égal. C’est déshumanisant. C’est violent. 

Je me suis fait la réflexion à un moment que Demi Moore a 61 ans, c’est une femme magnifique et on parle tout le temps de sa beauté, mais à aucun moment on parle des efforts qu’elle a fait pour ça. Tout le régime alimentaire, sportif, dermatologique, tous les efforts qu’il faut pour maintenir une routine comme ça, pour ne pas grossir, ne pas vieillir, tout ça c’est aussi une forme de sacrifice qui est occulté dans les médias. On veut voir des femmes belles mais on ne veut pas parler de comment elles sont « crées ».

Moi jeune vs Moi vieille

Dans The substance Fargeat propose une réflexion interessante sur l’ambivalence de la pensée qui peut s’exprimer dans une même personne à deux âges différents. Elisabeth et Sue son sensé ne faire qu’un mais à deux âgés différents qui ne leur permettent pas de se comprendre ou de communiquer.  

A 20 ans on est insouciant on méprise la vieillesse, les corps ridés et flasques. Et on le voit bien avec le personnage de Sue qui insulte Elisabeth à la télé en la traitant de dinosaure. Puis elle passe un cap quand elle l’a cannibalise carrément et profanant son corps. Parallèlement à ca Elisabeth veut punir son double plus jeune, une fois qu’elle à commencé lui a voler ce qui lui restait de sa jeunesse. La projetant dans un avenir où son corps n’a plus 50 ans avec ce qui lui reste de beauté, mais un corps de femme encore plus vieille, décrépie, les articulations qui forment des noeuds, la peau tachée, les ongles jaunis. La dissociation du corps et des expériences des deux personnages entraînent une perte de soi et c’est pourtant par le respect de soi même qu’elles auraient pu profiter pleinement de l’élixir de jeunesse. 

Trajectoire tragique de la soumission ou de l’auto-détestation

Dans The substance les femmes sont belles et puissantes au début du récit mais se perdent en chemin, à cause des pressions subies et du regard déformé qu’elles ont sur elles-mêmes.

La jeune beauté engendre une créature difforme et monstrueuse qui n’est plus que la somme de la vision des hommes qui veulent la contrôler. Elle reprend les codes de beauté mainstream : robe, sourire, rouge a lèvres, elle se plante des boucles oreilles dans la chair pour être coquette et bien propre sur elle. Ensuite quand elle est sur scène exposée au regard de tous ces hommes, un sein jaillit de son visage, rappelant les commentaires du directeur de casting à propos d’une fille pas très jolie qui «aurait dû avoir des nichons à la place du visage pour avoir au moins un truc à offrir». Le sein qui jaillit et s’écrase au sol est comme un vomi en réponse à la violence reçue par ce commentaire misogyne. 

La femme de 50 ans, Hag domestiquée, devenue recluse qui s’auto déteste à cause du regard des autres. N’ose plus s’exposer au monde, n’ose plus chercher l’amour, vit dans la crasse, se gave de nourriture grasse pour se punir (ou du moins punir son corps plus jeune). Elle finit littéralement par incarner une vieille sorcière bossue, aux doigts crochus, avec les seins qui pendent. C’est une trajectoire tragique.

John Merrick au bal du diable

Le calvaire prend fin lorsque la créature Monstre ElisaSue monte sur scène et dans une scène digne de Carrie au bal du diable, inonde de son sang le public d’hommes-enfants pervers tel un John Merrick (Elephant man), figure martyrisée qui viendrait se venger. Prend ça dans la gueule patriarcat !

Malgré toute la violence infligée ou auto-infligée, The substance à aussi un message qui est : apprendre à s’aimer. Assez de voir des femmes magnifiques se détester a cause de vieux dégueulasses qui se servent d’elles. Finalement les rides, le gras, les défauts, on s’en fout parce que le corps c’est juste un sac de viande. C’est ce qu’on dégage, notre force de caractère qui nous rend beau tout au long de la vie. 

L’article [Critique] The Substance: l’élixir anti patriarcal est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Le mythe du vampire

Le mythe du vampire est tellement ancien qu’il est impossible de le dater vraiment (sauf si on prend en compte nos représentations contemporaines liées à Bram Stoker).
Un des premiers écrits n’est pas un roman mais un livre plus ou moins religieux, écrit par Dom Calmet en 1751: Le Traité sur les apparitions et les vampires. Il se base sur des témoignages recueillis à travers l’Europe sur l’existence de ce que les gens appellent des vampires. Philippe Charlier, médecin et archéologue explique dans une émission de France Culture, que cette croyance s’ancre dans un contexte de conflit en Europe (pressions militaires des Ottomans, catholique romain et orthodoxe, oppositions de comtés), mais aussi de mauvaise alimentation. Cette peur quotidienne se cristallise sur celui qui meurt « mal », sur l’autre qui fait peur. Par exemple, un mauvais chrétien qui n’a pas expié ses péchés, ou une personne qui a trop tué (en somme on anticipe déjà ceux qui deviendront vampires). Les rituels en réaction à ces « vampires » étaient nombreux et radicaux: les cadavres étaient exhumés, mutilés (pieu dans le cœur, tête coupée), brûlés. On évitait que ces créatures déambulent: on a retrouvé des cadavres avec des pieds et des mains mis à la place de l’un et l’autre, et les chaussures étaient brûlées. On utilisait des pieux pour détruire l’organe vital qu’est le cœur, et pour les fixer dans leur tombe.
Pour éviter qu’ils sucent le sang et/ou pour éviter que l’âme se perde, on mettait une brique dans la bouche des cadavres. Une véritable nécrophobie était donc très ancrée.

Les premières apparitions du vampire

Au 18e siècle, le vampire n’est pas le dandy actuel dans la représentation populaire. Le vampire est plutôt un amas d’éléments en putréfaction, proche d’un zombie. Les deux figures sont évidemment proches, le vampire se caractérisant avec des capacités de réflexion.
Dom Calmet relate des témoignages décrivant des vaisseaux palpables et gonflés, du sang qui coule. Philippe Charlier explique que quand on meurt, le sang coagule et se reliquifie, la production de gaz fait circuler le sang. Beaucoup d’organes se liquéfient et cela donne une mixture jaunâtre et rougeâtre.
Les gens ne comprenaient pas ces changements, et en concluaient donc qu’ils s’agissait de vampires ou de créatures maléfiques.

Il y a aussi des individus enterrés vivants. Ils se réveillent, tapent et essayent de sortir mais ils finissent par avoir faim et soif et griffent le cercueil. Certains ont même mangé leur main. En ouvrant les caveaux (et notamment suite à des épidémies de peste), on les trouvait avec des blessures et du sang partout.
Des sonnettes ont dont été mises en place (élément qu’on retrouve dans La Nonne), permettant aux faux morts d’alerter les vivants en cas de réveil.
Ces éléments conduisent la population à croire à des créatures revenues de l’enfer, prêtes à se venger, qu’il faut arrêter.

Sur les traces des vampires

Les premiers écrits datent du 18e siècle, et n’évoquent pas explicitement la notion de vampire. On note par exemple des poèmes, Lénore (1774), qui raconte qu’une jeune femme croit retrouver son fiancé de retour de guerre, alors qu’il s’agit d’un mort ou d’un fantôme. Il y a également le Vourdalak en 1840.
En 1872, Sheridan Le Fanu publie Carmilla, avec une vampire lesbienne. Cette nouvelle sera fondatrice de la représentation actuelle du vampire, dont Bram Stoker s’inspirera. On y retrouve en effet beaucoup de points communs comme l’épidémie et la séduction du vampire.
Le premier vampire marquant est donc une femme, qui se fera voler la vedette du mythe par des hommes, Dracula, puis Nosferatu. Bram Stoker arrive ainsi avec Dracula en 1897, et c’est surtout le cinéma qui va populariser cette histoire (bizarrement on ne choisira pas l’histoire originelle, avec une femme ?!). On trouve une vingtaine de films directement liés à Dracula, sans compter les diverses versions plus ou moins éloignées, qui doit dépasser la centaine de films.
Il faut avoir à l’esprit que dans l’écrit de Stoker est teinté d’une grande peur de l’autre, qui se matérialise notamment par des descriptions à connotations antisémites. L’émission La science, CQFD évoque rapidement ce point.

Le vampire s’adapte aux inquiétudes de son époque

L’époque victorienne est le moment idéal et propice au développement de créatures morbides comme les fantômes et les vampires. Il y a une forte croissance économique et industrielle, mais aussi scientifique et médicale. La transfusion sanguine apparait et se pratique de plus en plus. Tout cela est perçu comme une grosse avancée futuriste, qui peut faire peur, du moins questionne (on retrouve la base de Frankenstein qui est lui même un mort vivant, pile entre le zombie et le vampire). C’est explicitement cité par le chasseur de vampires Van Helsing, qui associe ces événements au Malin.
La révolution industrielle est aussi le début de l’expansion du capitalisme qui va devenir un véritable monstre décennie après décennie. Un vrai vampire qui puise sa force dans celle des autres.

Autant d’éléments riches et variés qui ne pouvaient que nourrir pendant des décennies et encore maintenant, des réflexions diverses. Sur le sexe, la mort, le rapport à l’autre et à la société de manière globale, mais aussi des interrogations liées à sa propre identité. Le vampire permet de questionner tout cela, et les thématiques des films évoluent avec le temps.
Avec l’époque sida, le vampire est un outil idéal pour représenter cette inquiétude.

Maintenant qu’on sait que la première vraie histoire de vampire était une femme, et que le vampire a une très grande histoire chargée de symboles, comment ces thèmes sont traités selon le genre? On l’a vu, le genre féminin et masculin sont présents dans la mythologie du vampire depuis le début. Pourtant avec l’icône pop de Dracula, on a souvent l’image du vampire masculin qui domine, et les vampires féminines séductrices et fatales.
Je vous propose d’entrer dans le vif du sujet de la représentation du vampire selon le genre.

La revanche de Carmilla

Si Carmilla n’a pas bénéficié de la popularité de Dracula, les femmes vampire au cinéma ont largement occupé l’espace. En effet, si on exclu les innombrables versions de Dracula (personnage masculin donc), je compte une trentaine de personnages féminins principaux sur environ 70 de films de mon corpus. Et c’est sans compter les films qui mettent en scène des groupes qui sont souvent mixtes ( Near Dark, Génération perdue, Suck, etc..).
Malheureusement, cela s’explique en partie avec de (trop) nombreux films plus ou moins (parfois plus) érotiques, surfant sur le fantasme de la vampire avide de sexe et de sang. Il va sans dire que ce n’est pas nécessaire d’analyser davantage cette représentation (et que je vous laisse chercher les titres), uniquement là pour satisfaire le plaisir masculin.

Quand il s’agit de groupes, ceux composés de filles sont également largement majoritaires (Nous sommes la nuit, Bit, Carmilla, Byzantium, Les deux orphelines vampires, Bliss…). Dans tous les cas, le vampire est représenté davantage en duo qu’en groupe (Entretien avec un vampire, Byzantium, Only lovers left alive, Renfield, Thirst…). Il est donc plus vu comme un « animal » solitaire, qui cherche éventuellement à créer une relation forte plutôt que de s’entourer.
Et quand il est représenté en groupe, il se rapproche régulièrement de son cousin le zombie, avec des hordes et des vampires qui ne sont pas, ou moins caractérisés (Vampires, 30 jours de nuit, Blade, Une nuit en enfer, Je suis une légende..).

Voici les particularités que j’ai remarqué sur les vampires féminins:

• elles se lient davantage avec un homme humain (sans les tuer ou les utiliser). Je pense à A girl walks home alone at night, Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, Morse, Near Dark, Génération perdue... L’inverse est beaucoup moins vrai. Sur les 70 films de mon corpus, je n’ai pas une seule histoire où l’intrigue principale est un vampire qui se lie d’amitié, d’amitié amoureuse ou d’amour avec une humaine…à part…Twilight.
• elles sont souvent la représentation d’un récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, All the moons, Byzantium, Carmilla, Bit…). Je compte En attendant la nuit et L’assistant du vampire qui mettent en scène un vampire adolescent.
• elles sont parfois mères (Blood red sky, Byzantium, Nous sommes la nuit, All the moons...), contrairement aux hommes pour qui ce n’est quasiment jamais le cas (L’assistant du vampire étant le seul exemple où on peut parler d’un père involontaire). Nous sommes la nuit aborde même la douleur pour une mère de voir partir avant elle, sa fille humaine qui meurt de vieillesse.
  Je ne considère pas que le personnage de Louis dans Entretien avec un vampire est un père, car ses sentiments envers Claudia sont extrêmement ambigus (tout comme le film sur cet aspect). Dans le livre, les descriptions de Claudia (qui a 5 ans et non 11) sont très sexualisées. Le podcast Adapte moi si tu peux évoque ce point pour le moins gênant.

• elles peuvent subir des problématiques d’addictions qui se voient parfois physiquement (The addiction, Bliss, Thrist…), tandis que les vampires masculins sont davantage en contrôle, car plus rapidement en position de prédateur. A noter que la misogynie de Thirst amène même le vampire à décider à la place de la vampire de sa propre vie, jugeant qu’elle est irresponsable.

La vampire plurielle

L’avantage d’avoir de nombreuses vampires représentées, c’est que cela permet d’avoir une richesse de personnages et de thématiques (c’est pas faute de le répéter depuis la création de ce blog). Et c’est assez rare pour le souligner (même s’il y a des progrès à faire rassurez-vous, je n’ai pas fini de râler).
Que ça soit une justicière, une mère, une adolescente, une femme tout simplement, de nombreux films ont montré des personnages féminins complexes.

L’eau et le sang, vecteurs de cette identité plurielle

Ces thématiques sont traitées à travers la représentation d’une vampire plurielle, qui fait cohabiter plusieurs aspects. En termes de mise en scène, l’eau est le symbole de cette pluralité (reflets déformants, effet miroir, et c’est un liquide essentiel à la vie, comme le sang).
All the moons est un des seuls films qui met en scène une petite vampire, Amaia qui est seule quasiment tout le film. Elle apprend constamment par elle même. Et pour apprendre, on passe fatalement par se mettre en danger. C’est très intelligemment représenté par le fait que, déterminée à sortir le jour, elle brûle légèrement sa peau au soleil. Puis elle se rend compte qu’elle peut décoller sa peau abîmée, et donc mue, ce qui lui permettra de supporter le soleil par la suite. On peut y avoir également une métaphore d’une maladie dont elle guérie.
Cet élément déclencheur non fantastique (ou presque), appuie le côté humain de la vampire (dans le sens où notre propre peau peut avoir ce type de réaction), qui nous annonce qu’Amaia a envie de renouer avec cette part là. Elle va d’ailleurs se tourner vers un père de substitution par la suite. Mais pour apprendre, elle a accepté la douleur qui va parfois avec le fait de prendre des risques.
L’aboutissement de cet apprentissage se matérialise dans l’eau, quand elle plonge (dans le grand bain ^^). Le liquide est aussi présent à travers ses règles qui marquent surtout son retour à l’humanité.

Dans Carmilla (qui reprend donc l’histoire de la première vampire), il s’agit d’une relation entre deux adolescentes. Pas de baiser, pas de sexe, mais des regards, des câlins, et des échanges de fluides à travers le sang. C’est surtout le récit initiatique de Lara qu’on suit (objet des désirs de Carmilla), car à travers son désir, elle a surtout besoin d’émancipation, face à une gouvernante autoritaire et un père absent.
A la fin du film, on se rend compte que Carmilla est en fait un aspect de Lara, et qu’elles ne font qu’une, car dans le reflet de Lara dans l’eau, apparait Carmilla. Ce final fait écho à plusieurs scènes où le lac est souvent dans le cadre, mais particulièrement à la scène où Lara regarde son reflet dans l’eau, comme si elle cherchait à savoir qui elle était.

C’est aussi le lieu de la métamorphose de Lena marginale SDF transformée en vampire dans Nous sommes la nuit. Dans son bain, les changements s’opèrent: les blessures du passé guérissent, les tatouages disparaissent, et les cheveux poussent. Une mort qui prend vie.

L’eau est également un élément important qui est lié à la mort, à travers le personnage de Virginia dans Twixt, que Demoiselles d’Horreur a analysé entre autres choses, dans cette vidéo (à partir de la 14e minute):

On retrouve l’eau comme un des éléments de résolutions dans un film qui emprunte des codes vampiriques comme La nuée. Virginie est victime d’une sorte de vampires: des sauterelles qui lui sucent le sang. Elle est pour ainsi dire, vampirisée par ses insectes qui deviennent une obsession. Elle parvient à s’en libérer dans l’eau, pour venir en aide à sa fille qui elle même, avait opté pour une barque pour se protéger.
Les retrouvailles entre une mère vampirisée et une fille négligée se fait donc en plein milieu d’un lac.

Une métaphore adéquate des violences sexistes et sexuelles

La représentation de la vampire a souvent été sexualisée par des films érotico horreur, surfant parfois sur le fantasme hétéro de la vampire lesbienne (1ère « véritable » vampire en littérature).
Une fois qu’on a dit cela, on ne peut pas passer à côté de l’aspect sexuel de la vampire, ce mythe étant particulièrement représentatif de l’acte sexuel.

Si le et la vampire peuvent utiliser tous les deux leurs charmes pour se nourrir (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer, Nous sommes la nuit, Suck, etc..), le vampire utilise moins ses atouts physique que son « charme naturel », contrairement à son homologue féminine. D’ailleurs, ce sont mêmes les humaines charmées dont on voit les corps (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer).

Contrairement à d’autres sous genre de l’horreur, on a la chance de voir des vampires féminines réinventer la représentation de la séduction et le récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, A girl walks home alone at night, Morse, La fille de Dracula, Carmilla, etc..). Ces films n’utilisent pas les atouts physiques des vampires pour évoquer ses thématiques.

Dans mon corpus de films, je note qu’une majorité de films évoquent des transformations subies (Bit, Entretien avec un vampire, Dracula, Génération perdue, The addiction, Abigail, Daybreakers, Blackula, Jakob’s wife, etc..). Pour les autres, la plupart du temps on ne sait pas comment ils sont devenus vampires. La notion de non consentement prend tout son sens dans les films de vampires. Le fait qu’une personne utilise le corps d’un autre, en le faisant saigner, se nourrissant de son fluide, en le manipulant, le dominant pour assouvir sa propre satisfaction est la représentation même du violences sexuelles. Sans compter que la transformation d’une personne en vampire peut être associée à la répétition de violences que l’on remarque souvent chez les personnes qui commettent des violences, notamment sexuelles.
Les violences sexistes et sexuelles sont régulièrement abordées de manières très diverses dans les films de genre, et bien souvent ce sont les violences faites aux femmes qui sont représentées. Rarement les enfants et encore moins les hommes. Pourtant, ces violences sont systémiques, et même si les femmes sont majoritairement touchées, le patriarcat peut toucher toute personne.

La transformation de Louis par Lestan (donc un homme qui agresse un homme), dans Entretien avec un vampire fait clairement écho à une scène de violence sexuelle. Par ailleurs, il est intéressant de noter que Louis refuse de tuer des humains mais la seule personne avec qui il ne se retient pas est Claudia, une petite fille orpheline (cf le podcast sur le sujet de la pédophilie du livre que j’évoque plus haut).
La pédophilie est une thématique que l’on retrouve dans le mythe de La Lamia, une créature greco romaine qui n’a pas pu avoir d’enfant et qui suce le sang des enfants la nuit en passant par la fenêtre. On l’a longtemps rendue responsable de la mort subite du nourrisson. On retrouve les traces de ce mythe notamment dans Dracula avec les « draculettes », et Lucy qui se nourrissent principalement d’enfants.

Dans un Vampire à Brooklyn, le vampire est à la recherche d’un femme, manipule son entourage, et finalement la mord lors d’une soirée chez lui. Des schémas que l’on retrouve régulièrement chez des agresseurs.

Belle meuf tu seras

Devenir une femme vampire c’est être plus puissante certes, mais c’est aussi l’occasion de faire une liaison avec un autre trope que l’on retrouve souvent les teenage movies: la transformation d’un personnage féminin qui passe de femme transparente au mieux, moche au pire, à femme canon.
Je vous conseille la vidéo d’analyse de Zoétrope sur le sujet:

Ainsi la transformation de Lena dans Nous sommes la nuit évoqué plus haut, correspond tout à fait à ce trope. D’ailleurs quand elle sort de sa transformation, elle est filmée exactement comme dans les films teenage où l’héroïne descend de l’escalier pour aller au bal de promo.

Même observation dans Suck, avec Jennifer, la bassiste un peu transparente qui devient la bassiste sexy:

Ou encore dans Jakob’s wife (qui par ailleurs est très pertinent sur d’autres points que j’évoque plus loin):

Je vous vois venir, évidemment que tous les personnages de vampires féminins ne sont pas représentés de cette manière. En revanche, il y a quand même plusieurs exemples et surtout, ce n’est pas quelque chose qu’on observe chez leurs collègues masculins. Chez les femmes, la notion de transformation passe par son apparence physique, qui répond aux codes établis par le patriarcat, sans que ça soit remis en question (ou presque).

Girl power vampirique

On l’a vu plus haut, la majorité des films de vampires ont pour personnage central, une héroïne. C’est donc en tout logique que beaucoup de films mettent en scène des femmes qui cherchent à s’émanciper, se rebeller, se venger du patriarcat.
Le plus ingénieux et politique reste à mon sens A girl walks home alone at night qui se réapproprie deux symboles du patriarcat:

• le titre en lui même (les femmes souvent souvent infantilisées/blâmées pour rentrer seule la nuit,
• le hijab qui lui permet d’agir incognito ou presque, pour punir les hommes et avertir les petits garçons d’un potentiel futur mauvais comportement.

Nous sommes la nuit et Bit fonctionnent mettent en scène des gangs de vampires exclusivement féminines. Le premier raconte le changement d’identité d’une femme marginale en devenant vampire, quand l’autre raconte l’émancipation d’une adolescente. Les deux personnages sont intégrés à une bande féminine qui tentera de leur prouver à quel point la vie de vampire est jouissive, dans la mesure où il n’y a plus d’hommes pour dicter leur vie.
L’élément pertinent, qui marque à la fois la limite de l’exercice (montrer des bandes féminine) de ces deux films, est qu’ils montrent que la pression et la structure hiérarchique d’un groupe, quel que soit son genre est voué à l’échec. La cheffe vampire de Nous sommes la nuit se réjouit qu’il n’y a pas plus d’hommes pour dicter leurs vies. Elle explique même qu’il n’y a plus d’homme vampire car ils se sont tués entre eux. Mais elle reproduit exactement le même schéma (elle ne respecte pas le consentement de la vampire dont elle tombe amoureuse, elle est violente, despotique et elles aussi finissent par se tuer entre elles). On peut se dire que ça montre que le patriarcat ne vit pas qu’à travers les hommes. Mais c’est dommage car cela aurait été l’occasion de montrer une représentation plus positive, avec surtout un système différent.

Vive les vieilles vampires

En revanche, Jakob’s wife réutilise les marqueurs vampiriques (les rats, le vampire-monstre, etc..) de manière très inventive. Pour la première fois on a une vampire qui a une soixantaine d’année, interprétée par Barbara Crampton. Elle s’ennuie profondément dans sa vie et sa rencontre avec un Nosferatu croisé avec Freddy Kruger va évidemment faire tourbillonner sa vie (et celle de son pasteur de mari). La mise en scène raconte que la thématique du film est l’affirmation de cette femme face à son mari pour qu’ils réinventent leur couple et qu’ils fassent équipe. Et ça, c’est nouveau, surtout si on prend en compte l’âge de la protagoniste. Sa problématique pourrait être celle d’une femme de 30 ou 40 ans. Comment exister dans son couple, quelle est notre identité au sein de ce couple?
Dès le début, Anne est toujours cadrée derrière son mari, ou avec le visage barré. Par ailleurs, quand ils sont seuls ils sont séparés par un objet (le journal), ou l’espace.

Au premier plan, il y a toujours le pasteur, qui est devant elle, pour bien signifier qu’il occupe tellement l’espace qu’il ne la laisse pas ne serait-ce que s’exprimer.
Juste après la transformation, la première action que fait Anne c’est se retrouver face au miroir conjugal pour se regarder la nouvelle femme qu’elle est devenue. Par la suite, elle est cadrée soit au premier plan, soit à égalité avec son époux, mais en tous cas plus jamais cachée par sa main ou son visage. Elle existe.

Le film est d’autant plus pertinent qu’il n’y a pas vraiment de happy end. Ils sont de nouveau unis, mais on ne sait pas de quelle manière ils vont fonctionner en équipe. Leur combat contre le Nosferatu bleu, les a menés à avoir ce questionnement.
On a une sorte de triangulaire entre Jakob, Anne et Nosferatu. Un schéma que l’on retrouve dans un passage de la bible où Jacob qui comptait épouser Rachel, se retrouve piégé et marié à la soeur de Rachel, Leah. Jacob devra se battre et travailler pendant plusieurs années pour réussir à retrouver Rachel. C’est précisément le sujet du film, où Jakob doit lui apprendre à se battre, après avoir réalisé qu’il est amoureux d’Anne.

Pour continuer sur les personnages féminins plus âgés, Gisèle dans Les vampires (même si elle ne mord pas, mais se nourrit de sang malgré tout), reprend la légende de la fameuse comtesse de Bathory (largement remise en question depuis un moment). Cette comtesse reste emblématique pour représenter l’équivalent féminin de Dracula. En effet, on y retrouve la notion de manipulation (que ça soit ses complices ou son entourage) et d’utilisation de corps de jeunes femmes. Mais évidemment, Bathory se voit à travers le regard masculin, seul capable de valider sa valeur physique.

On retrouve un profil similaire avec Lady MacBeth dans The tragedy of MacBeth, de Joel Coen. Avide de pouvoir (alors qu’elle ne peut pas l’exercer vraiment), elle pousse son mari à tuer pour devenir roi. Il en sera incapable, Lady Macbeth souillera ses mains de sang pour exécuter son plan. C’est à partir de ce moment, qu’elle semble se transformer en créature vampirique. La goutte d’eau qu’elle reçoit sur ses mains fait référence au meurtre qu’elle a commis, et donc du sang dont elle s’est servie. C’est assez claire dans la mise en scène:

Lady macbeth a finalement un côté cruel et manipulateur qui est très proche de Dracula. Elle est motivée avant tout par ses propres besoins, au détriment de tout, même de sa santé mentale.

La représentation du mâl(e)

Les vampires féminines sont souvent liées à des intrigues qui sont centrées principalement sur leur identité et ressenti. Même dans La fille de Dracula, celle-ci cherche à s’émanciper de l’héritage de son père qui lui pèse.
Les vampires masculins sont plus souvent tournés vers l’extérieur, dans la conquête d’un monde ou des femmes (coïncidence?). Par exemple, dans Blade, ce mi humain mi vampire se donne comme mission de chasser les vampires qu’il tient responsable de ses malheurs et ceux des autres (et notamment le grand chef).
Dans Daybreakers, Ethan Hawke joue le rôle d’un vampire qui vit dans une société vampirique au sens propre comme au figuré: des élevage d’êtres humains sont mis en place pour nourrir cette société. Mais comme ils se comportent comme des humains de la vraie vie, ils arrivent au bout de ces ressources.
Ethan Hawke veut s’allier aux humains pour stopper les vampires qui se comportent en véritables fachos. Le film est un des rares à associer explicitement capitalisme et vampirisme (alors que c’est sujet d’autant plus pertinent à creuser aujourd’hui). Malheureusement je trouve qu’il n’exploite pas entièrement le sujet car il se contente de constater les effets du capitalisme et du combat évident qui en découle, pour dire que la réponse à cela serait simplement de…redevenir humain. Un peu gonflé. Or là encore, que ça soit des vampires ou des humains qui épuisent des ressources, ce n’est pas le problème. C’est le système.

Dans un Vampire à Brooklyn, Fright Night, Génération perdue, Nosferatu, Vampires, etc…la motivation des personnages est de conquérir un territoire ou une femme (notion proche de l’éco féminisme). Dans Thirst, le vampire cherche à assouvir son appétit sexuel pour ensuite contrôler sa nouvelle compagne Dans Nosferatu cela se manifeste aussi à travers le fait qu’il est une représentation de la peste et de la maladie en général, qui se propage pour décimer une population et donc un espace. Cela fait directement écho à ce que j’ai évoqué dans la première partie, à savoir que le vampire représente une crainte de l’autre et de son environnement.

On peut remarquer globalement chez les vampires masculins:

• que quand on un contexte de société de vampires, c’est toujours un homme qui est au pouvoir (Blade, Daybreakers, Vampires, Underworld, Suck..)
• qu’ils sont beaucoup moins marginalisés que les femmes. Ils sont même parfois très bien insérés dans la société (Entretien avec un vampire, Fright Night, L’assistant du vampire, Thirst, Blade…). Alors que je ne compte plus les femmes vampires qui doit gérer une marginalité plus ou moins bien vécue (Bliss, The addiction, Morse, A girl walks home at night, Bit…). Et même lorsqu’elles sont bien insérées comme dans Nous sommes la nuit, elles finissent mal (l’une est tuée, l’autre se suicide et la 3e est tuée par une de ses paires).
• ils sont très peu victimes d’une métaphore d’une maladie, contrairement aux femmes (The addiction, Bliss, All the moons, La nuée, The tragedy of lady Macbeth…). Ainsi, la déchéance physique des femmes est plus souvent filmée.

Je note principalement trois films qui mettent sur un pied d’égalité de traitement les vampires masculins et féminins, à savoir Near Dark, et Only lovers left alive.
Near Dark traite de la thématique de la marginalité vécue en groupe mixte. Les personnages quel que soit leur genre sont caractérisés de manière relativement équitable. Cela permet de comprendre les complexités de chacun-e à gérer cette marginalité en groupe.
Only lovers left alive a quant à lui une mise en scène suspendue dans le temps, avec ce couple de vampires qui tentent de s’occuper métaphysiquement, culturellement dans un huis clos hypnotisant.

Le cas de Suck, comédie sympathique, est intéressant. On pourrait penser que les personnages sont motivés par la même envie, à savoir d’attiser la gloire de rock star grâce à leurs nouveaux statuts de vampires. Or, la première à devenir vampire ne l’a pas souhaité, elle s’est fait hypnotiser et transformer (=agresser), par un gourou. On comprendra par la suite que par lassitude de son petit ami de chanteur idiot, elle a voulu se changer les idées en allant à la soirée du gourou.
Devenue cool sur scène grâce à sa nouvelle apparence, les membres de son groupe de rock veulent à leur tour devenir vampire pour avoir leur heure de gloire. Ainsi, leur collègue finit par s’exécuter devant l’insistance. C’est pourtant elle qui sera blâmée par son entourage (donc son ex petit ami), qui s’empressera d’alerter tout le monde sur le fait qu’il faut s’en méfier.

Un empire vampirique

Cette créature permet d’explorer des thèmes complexes de l’identité , de la sexualité, des agressions. Avec les vampires, on a la chance d’avoir des propositions riches en termes d’héroïnes, et c’est assez rare pour le souligner. J’espère l’avoir démontré du moins, en partie.
Pour autant, voici des sujets pas ou peu abordés qui seraient passionnants et nécessaires à traiter:

• Le genre peine encore à représenter et à écrire des histoires de collectifs féminins crédibles. Alors que c’est une source inépuisable de thèmes (quelle société? quelles dynamiques? Comment êtres soudées face à un monde hostile?).
• On a vu plus haut que le vampire a pu être associé à l’inceste, problème endémique, pourtant absent de ce corpus,
• J’aimerais aussi voir des histoires queer, car le phénomène de transformation est une occasion idéale pour évoquer divers sujets (frontière entre les genres, transidentité, monde de la nuit, etc…).
• Avec Nosferatu qui propage la maladie, pourquoi ne pas avoir des histoires qui traitent du colonialisme ou du post colonialisme? De la manière dont les blancs se sont appropriés des territoires.
• Daybreakers l’évoque indirectement et maladroitement, mais il serait intéressant de se pencher sur la vampirisation des ressources qui nous mènent à notre propre perte.

Le vampire est aussi intimement lié à d’autres thèmes comme le cannibalisme, dont Vorace, est un bon exemple. Les protagonistes mangent la chair pour se nourrir et s’approprier leur puissance. Les humains sont considérés comme de la viande, tout comme le vampire. Là encore il s’agit de domination de l’autre.
Il y aurait sans doute beaucoup à dire sur les points communs et les différences entre ces deux types de personnages, et comment les intégrer dans des problématiques actuelles d’anti spécisme et d’écologie.

Finalement, les créatures vampiriques ont beau exister depuis des siècles, faire l’objet de centaines d’écrits et de films, c’est une source inépuisable de thématiques contemporaines qui n’ont pas été encore exploitées.

Corpus:

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Les personnes ayant un handicap sont souvent victimes d’une double invisibilisation. Dans l’imaginaire commun, handicap = fauteuil roulant. Or, il y a énormément de formes d’handicaps différents, visibles ou non. L’oppression concernant le handicap se nomme le validisme.
J’avais déjà évoqué la psychophobie dans le cinéma de genre, que je ne vais donc pas évoquer ici.
Cet article propose de balayer les différentes formes d’handicaps représentées dans les films de genre, et la signification de ces représentations. Pour compléter mes propos, j’ai demandé à des personnes concernées de répondre à mes questions.

1-Le handicap dans l’imaginaire collectif

Longtemps, le handicap n’a été visible qu’à travers le prisme du physique. Une personne ayant un handicap l’était parce que le handicap était visible. On s’en souciait au moment du Telethon, qui met en scène ces personnes pour créer de l’émotion en les faisant exister uniquement à travers leur handicap.
Depuis, grâce aux réseaux sociaux et à des personnes concerné-es qui reprennent leur histoire en main, des éclairages ont permis de politiser la question du handicap, dans une logique de lutte de droits.
Elisa Rojas, avocate, fait partie des militant-es les plus médiatiques mais plusieurs personnes évoquent le sujet sur les réseaux sociaux: Elsa on se laisse la nuit, Les dévalideuses, etc..

Le concept d' »inspiration porn » (dont le Telethon est le parfait exemple), a été établi par Stella Young, militante handicapée. C’est l’idée que les personnes ayant un handicap sont promues à un statut héroïque, exemple de persévérance aux yeux des valides. Or, ces personnes n’ont pas le choix de lutter pour leurs droits, pour vivre du mieux possible dans une société qui ne les prend pas en compte. Le problème avant leur handicap, c’est surtout l’incapacité de nos sociétés validistes à changer de prisme et à s’adapter.
Par ailleurs, l’idée de donner du courage à des personnes valides voyant pire que soi est particulièrement cynique.
Cela participe également à occulter la question politique et sociale du validisme. Il ne s’agit pas de voir le handicap à travers des histoires individuelles, mais bien comme un problème systémique que les valides devraient s’emparer. Au même titre que d’autres oppressions systémiques.
Stella Young est longuement revenue sur ce concept dans une conférence Tedx.

Cette manière d’objectiver les personne ayant un handicap se retrouve également dans la manière de traiter le handicap au cinéma. Comme beaucoup d’autres minorités (au hasard, les personnes transgenres), les personnages handicapés sont souvent le coeur du sujet. Le pire étant que dans la plupart des cas ils ne sont pas interprétés par des personnes concernées. Un homme à la hauteur, Tout le monde debout, Intouchables, Nos étoiles contraires, De rouille et d’os, Million Dollar Baby…A chaque fois il est question de dépasser son handicap dans une idée de rédemption.

C’est d’ailleurs la même idée que l’on retrouve dans le cinéma de genre. Le handicap étant une difficulté dans notre monde validiste, c’est un ressort scénaristique idéal voire facile pour mettre à mal un personnage. On peut le faire paniquer, pourchasser, souffrir encore plus facilement. D’autant que l’on va questionner et tester sa force et sa vivacité à utiliser les caractéristiques de son environnement pour l’aider à survivre.
On sait qu’un personnage valide face à l’adversité (ou un psychopathe) va devoir trouver des ressources, donc on imagine d’autant plus la difficulté si c’est un personnage en situation d’handicap.
Cela rejoint tout à fait la notion d’inspiration porn évoqué plus haut.

Cela sous entend que les personnes en situation d’handicaps sont forcément plus dépendantes que les valides. Alors qu’on constate tous-tes au quotidien que même valides, nous avons besoin des autres, que ça soit sous une forme matérielle, psychologique, etc…C’est surtout notre société validiste qui fait barrage aux personnes handicapées.
Ce sujet est abordé par Charlotte Puiseux, de l’association Les Dévalideuses:

2-Handicap et cinéma de genre: la marginalité

La représentation des personnes handicapées dans le cinéma de genre est loin d’être parfaite. Mais comme le cinéma de genre traite de la marginalité, le handicap est forcément plus présent que dans d’autres genres de cinéma, d’autant que le handicap fait peur. Le cinéma de genre a le mérite de faire vivre ses personnages dans une histoire qui n’est pas directement et uniquement liée au handicap.

Si les sujets du sexisme et du racisme au cinéma ont dorénavant leur part dans le débat (pour le meilleur et pour le pire), le reste des oppressions, et notamment le validisme reste ignoré. Ce qui est logique, quand on constate quotidiennement que le handicap visible ou non, n’est pas pris en compte.

Le handicap physique, notamment facial avec des déformations, est régulièrement utilisé pour symboliser le monstre, et créer un sentiment de dégoût d’emblée. C’est ce pourquoi les personnages de Freaks sont utilisés évidemment, mais on retrouve cette notion dans les Colline a des yeux, Massacre à la tronçonneuse, ou dans tous les films avec un être humain qui n’a pas assez vu la lumière du jour, se transforme en créature (Barbarian ou Castle Freak par exemple).
L’écriture donne rarement une autre dimension à ces personnages qui sont souvent des antagonistes. Seul Massacre à la tronçonneuse apporte une complexité à Leatherface, bien démontré par la chaîne Ratelrock:

L’association systématique de déformation faciale avec Mal, basée sur notre réaction naturelle de peur face à la singularité physique, pénalise forcément les personnes concernées. Renverser la tendance pourrait donner lieu à de nouveaux protagonistes et histoires permettant plus d’originalité.

Dans le cinéma de genre, ce qui angoisse le plus visiblement c’est la cécité. Sur une trentaine de films, la moitié ont un personnage aveugle. Les autres sens comme la surdité ne représentent que 5 films.
Cela peut s’expliquer pour plusieurs raisons. Les yeux font écho à des aspects essentiels dans le cinéma de genre:

• Ils sont considérés comme le « reflet de l’âme« , permettant de savoir à qui on a affaire, mais aussi donnant accès aux émotions,
• Sa fonction étant de voir, cela permet d’appréhender son environnement et ses dangers et d’agir en conséquences. Donc si on ne voit plus, on est dans une situation apriori d’extrême vulnérabilité.
• Voir est lié à la question du point de vue. Le cinéma de genre regorge de séquences où le personnage principal ne voit pas la même chose que son entourage. Il n’a pas non plus accès au regard que l’on porte sur lui,
• Voir semble être un sens essentiel pour regarder un film (mais pas indispensable). Donc ce n’est pas étonnant qu’il représente une grosse angoisse pour les cinéastes. A ce sujet je vous conseille la vidéo de La Manie du Cinéma sur l’expérience d’un public aveugle et de l’importance de l’audio description:

3- Le handicap moteur

Dans Action Mutante il s’agit d’un groupe de personnes ayant uniquement des handicaps moteurs et physiques. Ici, les personnes ayant un handicap représentent le monstre, qui terrifie la société et donc les exclue (finalement un peu comme dans la société actuelle, où ces personnes considérées comme inutiles car non productives de PIB, sont écartées).
Malheureusement, le réalisateur Alex de la Iglesia ne fait qu’utiliser ces handicaps pour renforcer l’aspect freak/obsédé de ses personnages. Cette insistance à aller à l’encontre du point de vue des bourgeois ne sert pas ses personnages, ni le propos politique initial du film.
Dans l’efficace Fragile, le handicap touche à la fois des protagonistes (des enfants hospitalisés), et l’antagoniste (un fantôme d’une infirmière en fauteuil qui s’attaque aux enfants et notamment une en particulier pour les garder près d’elle). Là aussi le handicap sert de ressort horrifique destiné à faire peur notamment à travers la figure d’une femme « mécanique ». Ce n’est malheureusement pas contrebalancé par le traitement des enfants ayant eux aussi un handicap, dont l’écriture est faiblarde.

On notera que dans Massacre à la tronçonneuse et Alien Résurrection sont des films où les personnages en fauteuil ont la même place dans l’histoire que les autres. Leur handicap n’est pas un sujet (on ne sait pas d’où vient leur handicap), ni même particulièrement une difficulté, ou du moins pas plus compliquée à surmonter qu’une autre. Franklin de Massacre à la tronçonneuse est au même plan que les autres personnages et est même le dernier à être tué. Vriess d’Alien Résurrection est un mercenaire comme les autres, à voler des munitions et tirer sur les aliens.
Le meilleur exemple est Silver Bullet, où le personnage en fauteuil est un adolescent (une représentation encore plus rare!).

Le handicap représenté par l’utilisation d’un fauteuil est celui le plus reconnu par le grand public (j’emploi le mot « reconnu » dans le sens où c’est souvent le seul handicap validé par les valides si je puis dire).
Pourtant, c’est le handicap le moins représenté dans la cinéma de genre (sur une trentaine de films, une dizaine ont un personnage en fauteuil dont 4 où c’est le personnage principal).
Cela parait sans doute plus compliqué aux scénaristes de mettre en scène un personnage utilisant un fauteuil, car le cinéma de genre étant souvent lié à des actions comme courir, sauter, se battre, etc…il parait plus compliqué de proposer une écriture solide.

Mais pas impossible ! Run et Ropes sont d’excellents exemples, qui racontent une émancipation de manière différente. L’une à travers un « classique » parcours initiatique, l’autre à travers le deuil.
Run reprend le postulat de la grandiose série The Act (adapté d’une histoire vraie), à savoir une mère malade psychologiquement qui drogue sciemment sa fille pour la rendre handicapée et la garder à la fois sous sa coupe et comme source de revenus. Le film parvient à installer une grande tension en jouant sur l’intrigue de l’émancipation de la fille en fauteuil, et matérialiser cette émancipation par l’action qu’elle déploie pour échapper aux griffes de sa mère. On se rend compte de chaque détail anodin qui peut s’avérer être d’une grande difficulté pour une personne en fauteuil. L’actrice principale, Kiera Allen, est d’ailleurs réellement en fauteuil dans la vie.

Ropes raconte une autre émancipation à travers un deuil, celui d’Elena, tétraplégique suite à un accident qui a coûté la vie de sa soeur. Recluse et taciturne comme on peut l’imaginer, elle se retrouve coincée dans une maison, avec un chien enragé à l’extérieur. En huis clos, le film resserre la tension en utilisant le même procédé que Run.
On retrouve également la notion de deuil dans le très plaisant La malédiction de Chucky, où Nica, en fauteuil depuis sa naissance, voit sa famille décimée par Chucky. La seule final girl en situation d’handicap !

Dans Incidents de parcours, sous estimé film de George Romero, un homme en fauteuil suite à un accident reprend goût à la vie grâce à un singe pour lui tenir compagnie (qui va s’avérer évidemment dangereux). Ici on ne s’intéresse pas aux conséquences pratiques d’être en fauteuil (sauf sexuellement), mais plutôt à l’impact que cela a sur le psyché.
Pour autant on retrouve le cliché validiste de représenter un homme en fauteuil, sauvé par une femme issue du care (incarnant ici le fameux syndrome de l’infirmière).

Le personnage féminin central d’Hurler de peur présenté comme handicapée, s’avère être un subterfuge pour piéger les 2 méchants du films. Ici, on ne s’intéresse pas au handicap et encore moins à la situation d’une personne handicapée. En revanche, Penny utilise les préjugés des valides et leurs projections sur les personnes handicapées par rapport à ce qu’ils considèrent comme de la vulnérabilité, pour les tromper. Mais le film nous dit que si la personne s’en sort vivante, c’est précisément parce que Penny n’est pas handicapée en réalité.

Le regard d’une personne concernée sur les œuvres traitant du handicap moteur

Pour compléter cette analyse, j’ai voulu questionner le point de vue de personnes concernées, et Emmanuel a accepté de me livrer son regard. Il a un infirmité motrice cérébrale dû au fait que qu’il est né prématuré. Un handicap qui fait qu’il n’a pas d’équilibre et a des soucis d’orientation dans l’espace. Il a également quelques difficultés à évaluer les distances et un temps de réaction plus lent que la moyenne pour ne citer que les symptômes que je remarque le plus chez moi.

Peux-tu expliquer les conséquences que cela a concrètement dans ton quotidien, et dans le fait de vivre dans une société validiste ?

Je me déplace principalement en fauteuil roulant électrique dehors et manuel en intérieur, et quelquefois en béquilles ou déambulateur.
J’ai des auxiliaires de vie pour les tâches quotidiennes (toilette, habillage, repas…). 

Je ne peux pas avoir le permis de conduire donc très peu de marge pour l’improvisation quand je veux/doit sortir. (Et encore j’habite en ville près des transports en commun donc je fais à peu près ce que je veux si je prévois bien le truc).
Et même si de nets progrès ont été faits, toujours vérifier l’accessibilité d’un lieu avant de s’y rendre pour éviter les malentendus.

Le cinéma de genre a pour essence de mettre en scène des personnages marginaux, oubliés, ignorés, discriminés par la société, dont les personnes ayant un handicap font parties. Est-ce que tu trouves que c’est plutôt une bonne chose ou tu aimerais au contraire que ces personnes soit plus « normalisées »?

Je vais passer pour le gars qui ne veut pas se mouiller mais j’ai envie de répondre que ça dépend de ce que le film veut faire.
Je pense que c’est aussi une question de dosage. Ne pas tomber dans le piège de surligner le fait qu’un personnage est handicapé, et ne pas non plus faire comme si ça ne changeait rien niveau relation entre les personnages, ou même niveau mise en scène cinématographique.

Quelles séries/films représente bien ton handicap selon toi?

Breaking Bad avec le personnage de Walter JR. Déjà, l’interprète est réellement handicapé (RJ Mitte), le même que moi en plus et, même s’ils en ont rajouté un peu car il n’a pas de béquilles dans la vraie vie, ça se sent. En plus, ils ne font pas des caisses avec son handicap , il y a une scène de moquerie au début de la série et c’est tout. Les scénaristes ne se forcent pas.

Il y a aussi Stevie de Malcolm que j’aime beaucoup principalement car il sait en tirer profit (et surtout il est drôle)
Run que j’ai découvert grâce à tes suggestions.

Quelles séries/films ont une représentation de ton handicap problématique selon toi?

C’est là que je me rends compte que je n’ai pas vu beaucoup d’œuvres avec des handicapés.

Peut-être le personnage de Dwight dans Scary Movie 2 qui était un peu lourd à la longue mais c’est à l’image du souvenir lointain que j’ai du film. Et puis ça va tellement loin que ça en devient plus absurde qu’offensant ou problématique. Le problème étant que le public du film étant essentiellement des adolescents, il ne faudrait pas qu’ils n’aient que ça comme représentation. Mais je pense que ce serait les sous-estimer que de croire qu’ils prendraient ce personnage comme représentatif des personnes en fauteuil.

En quoi la représentation des personnes ayant des handicaps dans le cinéma est importante selon toi?

Comme toutes les représentations, montrer qu’on existe. Peut-être aussi une porte d’entrée pour les plus jeunes et un début de réponse aux questions qu’ils peuvent se poser, même si je ne pense pas que le cinéma doit obligatoirement servir à « éduquer ».

Quel type de représentation de personnes ayant un handicap aimerais tu voir dans un film?

Plus de méchants. Ne pas forcément associer handicap et pathos. Et peut-être un peu plus d’handicapés de naissance aussi pour sortir de l’archétype (cliché?) accident.

Penses-tu que les interprètes qui jouent un personnage handicapé doivent l’être aussi?

Je suis partagé là-dessus. Comme je l’ai dit au dessus, Stevie de Malcolm est un de mes préférés et son interprète n’est pas handicapé.
D’un autre côté, les interprètes handicapés ne peuvent pas jouer des valides donc pour citer South Park « ils nous volent notre travail ».
Dans la mesure du possible, privilégiez les interprètes handicapés.

Connais tu des interprètes/réalisateur-rices/scénaristes ayant un handicap? (pas forcément personnellement)

Rj mitt qui joue dans Breaking Bad donc et Fabien Héraud qui joue dans De toute nos forces de Nils Tavernier pour des handicaps ressemblant au mien. Mais je ne les connais que pour un seul rôle, ce qui veut soit dire que je suis quelqu’un de très peu curieux, soit qu’il n’y a pas beaucoup d’opportunités lorsque tu es handicapé physique.

Beaucoup de films de genre utilisent le fauteuil pour représenter le handicap (Ropes, Chucky 6, Silver Bullet, Alien la résurrection, Incident de parcours…).

Je pense que visuellement et scénaristiquement, c’est très pratique pour faire naître la tension (ça marche souvent sur moi d’ailleurs) d’un point de vue purement cinématographique c’est plutôt cool.

Pas forcément de reproches à faire à part peut-être le fait qu’il s’agit un peu trop souvent de personnages qui ne sont pas handicapé de naissance mais c’est certainement parce que je suis concerné.

Quels sont les principaux clichés liés au handicap représentés dans les films?

Le personnage handicapé suite d’ un accident. Je comprends que ça soit un bon ressort dramatique et un vecteur d’empathie pratique pour un scénariste mais c’est un peu répétitif.
Je sais pas si c’est un cliché mais les parents qui discutent du handicap de leur enfant comme s’il le découvrait, alors qu’il a plus de 10 ans. Après ça me fait plus rire qu’autre chose. Et ma mère ne trouve pas ça si absurde donc ça vient peut-être de moi.

4-Le handicap lié aux sens

En termes de narration, on a souvent affaire à de l’ironie dramatique, le public en sait plus que le personnage. Cela nous donne un temps d’avance, mais permet également de développer l’empathie pour le personnage car on a très vite envie de l’aider pour contrer le danger. C’est donc un élément facile pour créer du suspens: on voit le danger arriver et on angoisse de ce qui peut arriver.

On peut donc noter Blink, Castle freak, The eye, See for me, Eyes of a stranger, Mischieft night, Silent Night Deadly night 3 ou encore Don’t breathe dont l’intrigue (ou une partie de l’intrigue) est basée sur le fait que les personnages sont aveugles.
The Eye et Blink ont des points communs:

• les personnages féminins de Blink et The Eye sont violonistes (qui donne plus de grâce au personnage?).
• elles subissent une opération des yeux destinée à leur rendre la vue, du moins en partie. Mais ce sont précisément ces opérations qui perturbent la vie de ces femmes.
  L’une voit flou et est déstabilisée par des visions qu’elle peine à comprendre, quand l’autre est parasitée par des représentations paranormales. Alors que la société validiste pense que le mieux est de retrouver la vue, le résultat est pour le moins pénible pour les concernées. D’ailleurs à la fin de The Eye, Sidney redevient aveugle.
• un personnage masculin vient les protéger (et surtout faire une fois de plus preuve de gaslighting), avec qui il y a tension sexuelle/amoureuse.

Vient ensuite la caractéristique d’être sourde et/ou muette. On a les exemples de Témoin muet, Hush, ou Midnight silence. Dans ce cas, même s’il s’agit aussi souvent d’ironie dramatique, le personnage est moins vulnérable d’une certaine manière, car il a le même référentiel que le public. Il voit la même chose. Ainsi, de mon point de vue, une distance s’installe plus facilement avec le public, car on sent moins le personnage en danger. Le point central est davantage lié au suspens créé par le handicap, et la situation de danger dans laquelle est (ou sera) le personnage.
Par exemple dans Témoin muet, le public et l’héroïne, Billy sont tous les deux témoins d’un meurtre. Et comme on sait qu’elle sait déjà communiquer avec une partie de son environnement, on ne doute pas qu’elle va pouvoir témoigner. D’ailleurs, les meurtriers l’ont bien compris et c’est pour cette raison qu’ils la pourchassent.

Récemment peu de films ont proposé de nouvelles manières de filmer la cécité. Il faut attendre See for me en 2021 pour voir un renouvellement dans une certaine mesure.
On suit Sophie, jeune femme aveugle qui est tout à fait autonome au point de faire du catsitting sans problème, dans une immense maison (un lieu inconnu décuple les difficultés pour une personne aveugle).
C’est un vrai plaisir de voir une sororité entre elle et une gameuse qui va l’aider à lutter pour sa survie l’épauler suite à l’intrusion de meurtriers. A l’aide d’une application nommée « see for me », la gameuse va l’aider à distance. Le film manque de mise en scène efficace pour susciter une vraie tension, mais regorge de bonnes idées.

On peut noter un biais validiste qui est régulièrement intégré dans le scénario: le fait de guérir de son handicap, comme si c’était un point positif qui viendra forcément améliorer la vie de la protagoniste.
C’est le cas dans Blink, dans Incidents de parcours où le personnage retrouve l’usage de ses jambes ou encore Le Calendrier. On peut aussi noter Mischieft Night et Eyes of a stranger. Dans les deux derniers cas sont même assez douteux, car les protagonistes retrouvent la vue grâce au trama des agressions subies.
C’est déjà un ressort scénaristique que l’on trouvait en 1946 dans Deux mains la nuit. L’héroïne muette retrouve sa voix après la résolution des meurtres.
On peut faire un parallèle avec les personnages féminins dont on découvre la force suite à un viol.

The Eye est un des seuls à présenter la « validité » comme vrai handicap pour une personne aveugle. En effet, le médecin apprend à Sidney que son cerveau va être considérablement troublé par la vue retrouvée et ainsi sa capacité à trier les informations. A la fin du film, elle redevient même aveugle et s’en porte mieux.
C’est aussi finalement l’idée qu’on peut en retirer de Sans un bruit, avec le personnage de l’adolescente sourde. Son handicap la met précisément plus en danger que les autres, car non consciente du bruit qu’elle peut faire (qui attire les bestioles ultra sensibles au son).
Cela la rend plus dépendante de sa famille qui doit l’alerter. En revanche, elle devient la clef de résolution du film, en utilisant son appareil auditif pour déclencher une fréquence si puissante qu’elle repousse les créatures. D’un coup, elle devient plus puissante que les valides.

5- L’enfer c’est les autres (ou pas)

La plupart de ces films avec un personnage principal ayant un handicap sont des femmes (Run, Ropes, Hush, Blink, The Eye, Seule dans la nuit, Terreur aveugle, etc…), et empruntent les codes du home invasion. Elles habitent seules. On joue sur la peur de voir une personne supposément doublement vulnérable face à un danger, et cela ne peut qu’être une femme. Cela reste compliqué dans l’imaginaire collectif de mettre un homme dans une situation d’emblée vulnérable qui a vocation à le devenir encore plus. C’est dire si les stéréotypes ont toujours de beaux jours.

Il faut voir comment les affiches sentent le sexisme à plein nez, se délectant de placer une figure masculine qui s’apprête à fondre sur une jeune femme vulnérable (bien souvent aveugle par ailleurs), bien souvent sexualisée.
Deux mains la nuit (qui mérite le détour), en fait même son pitch: le tueur en série qui rôde ne s’attaque qu’à des femmes ayant un handicap, quel qu’il soit. Sa justification à ces meurtres est directement lié à un trauma d’enfance. Celui d’un père prônant la masculinité hégémonique que notre tueur en série n’a pas su honorer. Il tue des femmes handicapées pour éliminer la représentation de la faiblesse.

Je n’ai vu qu’un film avec un personnage masculin ayant un handicap au centre de l’intrigue: Incident de parcours de Romero. Et encore, il est entouré de sa copine et son meilleur ami, contrairement aux personnages féminins qui sont restent souvent seules.

Cela permet en tous cas d’asseoir une certaine force et résistance aux personnages féminins, qui finissent toujours gagnantes. Car il y a en effet, toujours des happy end. Tuer une personne ayant un handicap reste certainement un grand tabou, comme celui de tuer des enfants, même dans le cinéma de genre.

Ce postulat est cependant valable si le film ne joue pas sur cette double vulnérabilité citée plus haut. En effet, des films projettent des caractéristiques sexistes et validistes à la fois. Comment cela se matérialise? Avec un personnage:

• Qui n’est caractérisé qu’à travers son handicap, et où celui-ci est particulièrement marqué comme un aspect vulnérable,
• Qui est objectifié, notamment sexuellement.
• Qui est une adolescente (permettant d’avoir un personnage en apparence diminué à la fois en raison de l’âge, du genre et du handicap).

C’est le cas de Castle Freak, Eyes of a stranger ou Silent Night, Deadly Night 3. Ces adolescentes sont poursuivies par l’antagoniste en intégrant une dimension (d’agression) sexuelle.
Elles n’ont pas d’autres fonctions que d’être l’obsession du mauvais personnage.
Le pire étant Eyes of a stranger (1er rôle de Jennifer Jason Leigh), qui est le personnage permettant à sa soeur d’avancer dans l’action sans qu’elle même en fasse, car elle est au final absente pendant les 3 /4 du film. Elle tient une place centrale à la fin, quand elle est agressée par le psycho killer qui s’en prend à elle parce que sa soeur a deviné son identité et le menace.
Castle Freak et Eyes of a stranger ont en plus le point commun que le personnage aveugle soit l’objet moteur pour le personnage valide (le père pour Castle Freak, la soeur pour Eyes of a stranger).

On remarque également qu’avoir un handicap l’est aussi pour les relations amoureuses. Comme vu plus haut les protagonistes sont seuls. Dans Hush, l’héroïne est récemment séparée, et dans The Eye, aucune relation n’est mentionnée et une tension plus amoureuse que sexuelle est suggérée sans concrétisation. Le personnage principal de Témoin muet est présentée comme la bonne copine d’un couple avec qui elle fera équipe au long du film. Dans Blink, on assiste au bon vieux « jeu » de séduction du flic qui craque sur l’héroïne, Emma, mais qui lui reproche d’être violente alors que c’est lui même qui se permet de la secouer. D’ailleurs, Emma est subitement prise « d’hystérie » quand elle est en interaction avec ce personnage masculin, alors que le reste du temps le personnage est déterminée et indépendante.
Exception dans le très mauvais Mischief Night, où l’adolescente (par ailleurs très bien incarnée par Noell Coet) a un amoureux. « L’écriture » du film n’est pas développée à ce sujet, contrairement à Terreur aveugle où le personnage de Mia Farrow qui est aveugle, est aimée par un homme qui a la même passion des chevaux qu’elle. Le soin apporté à la relation entre les 2 personnages est particulièrement touchante.

Dans Incidents de parcours, le personnage devient tétraplégique et il laisse sa compagne partir, visiblement mal à l’aise de gérer cet handicap avec lui. Mais il va retrouver l’amour en la personne de sa kinésithérapeute (donc une femme qui prend soin de lui). Cela donne lieu à une scène de sexe hors norme au cinéma, à savoir qu’un homme impuissant fait un cunnilingus à sa partenaire (et lui donne du plaisir). C’est très rare de voir un acte sexuel hétérosexuel au cinéma qui ne passe pas par une pénétration, qui plus est avec un homme impuissant.
De tous les films où le personnage principal a un handicap, c’est un homme qui peut avoir des relations amoureuses stables.

Concernant le handicap moteur, l’adolescent de Silvet Bullet est très bien écrit. Marty vit dans une petite ville frappée de plusieurs meurtres. Il se met en tête qu’un loup garou en est à l’origine. Il a une relation complexe avec sa soeur (dont on montre aussi la répercussion sur sa vie de vivre avec un frère ayant un handicap), avec son oncle (qui est le seul adulte à l’écouter mais avec prudence). Son handicap n’est pas un sujet mais n’est pas non plus oublié (son oncle ne cesse de perfectionner son moyen de déplacement).
Marty est également au coeur de scènes d’action efficaces et crédibles, il n’est pas démuni malgré son handicap. L’équilibre est parfaitement trouvé.

Il est également question de relation de soeurs dans le merveilleux What happened to baby Jane? Blanche, soeur paraplégique de Jane, est prisonnière de celle-ci. Mais le fauteuil symbolise aussi un piège psychologique. Blanche garde pour elle un mensonge qui culpabilise sa soeur qui se déconnecter chaque jour un peu plus de la réalité.

Sexisme et validisme: une double violence

J’ai remarqué deux films qui soulignent qu’être une femme handicapée, c’est être victime aussi de sexisme.

Dans Hush, Maddie est une écrivaine sourde, vivant seule (encore). La 1ère partie accentue la vulnérabilité de la protagoniste. En effet, on voit le meurtrier entrer tranquillement derrière elle, ce qui déclenche chez lui l’envie de jouer avec cette proie qui lui semble encore plus fragile car inconsciente du danger imminent.
A ce propos, le film est très bien écrit selon moi, pour illustrer la misogynie et la manière dont les femmes ripostent plus efficacement avec leurs propres armes.
Voici comment le film structure en plusieurs étapes:

• Quand le tueur arrive et se rend compte de son handicap, il décide de jouer avec sa proie. Il cherche à jouir de sa domination et à la faire souffrir = illustration de la violence masculine. C’est le moment où Maddie est le + vulnérable.

• Dans la 1ère partie de la confrontation, elle réalise le danger et cherche à survivre, elle n’est pas prête à riposter, c’est cohérent.

• La misogynie donne tellement la confiance= le tueur n’hésite pas à enlever son masque pour lui montrer son visage: il est persuadé qu’il peut la tuer easy donc autant s’amuser. On lit souvent que c dommage que le masque soit enlevé si tôt, je trouve au contraire que c brillant.

• Le point de bascule c’est qu’au delà du danger, elle réalise la cruauté et la violence de l’intrus quand il utilise le corps de sa pote pour lui faire peur. Alors que la caméra était loin de Maddie, la cadrant sur les côtés, elle revient au centre et on assiste à sa terreur.

• C’est tentant de s’emparer de l’arbalète du tueur mais ce n’est pas son arme: elle n’arrive pas à la faire fonctionner. C’est rare pour le noter: les final girls reprennent très souvent l’arme du tueur pour la retourner contre lui signifiant sa reprise de pouvoir.

• Un autre aspect de la misogynie est montré. Quand un pote de Maddie arrive, le tueur le manipule pour détourner son attention = manipuler l’entourage permet de continuer les violences tranquille. (très souvent dans ce type de home invasion, le tueur irait direct au frontal)

• Après avoir vite fait touché finalement le tueur avec l’arbalète, Maddie utilise ensuite son autre arme: sa créativité narrative. Elle imagine tous les scénarios possibles pour savoir lequel lui permettra de s’en sortir (en + on sort du classic « mais naaaaan c’était un rêve »)

• Le tueur se croit toujours plus puissant; il parle derrière elle avant de l’attaquer. Mais elle sent son souffle et le poignarde: elle utilise ses autres sens, plus affutés que son adversaire. Elle utilise ensuite son alarme qu’elle sait très agressive pour les entendants.

• Le coup fatal est porté par le tire bouchon, qui est littéralement le 2e plan du film au tout début. L’ustensile lié à la cuisine, qui ne lui portait pas chance au début, qu’elle parvient à utiliser à son avantage.

Midnight Silence propose une écriture pertinente. Car le personnage féminin, Kyung-mi est caractérisée au delà de sa surdité. Finalement, il y a assez peu de ressorts scénaristiques sur son handicap, l’idée est de la faire exister à travers une sororité dans une société patriarcale:

• Dès le début, on nous montre qu’elle comprend les remarques sexistes de ses collègues et qu’elle se moque d’eux sans qu’eux, comprennent.
• Sa relation avec sa mère est riche: elles représentent une vraie force alliée,
• Alors qu’elle est poursuivie par le tueur dans la foule, il se fait passer pour son frère et les gens ne réagissent pas, trouvant normal qu’un homme contraigne sa soeur apparemment folle,
• Elle réalise que pour s’en sortir, le tueur doit la poignarder à la vue de tous pour être considérée comme victime.

7- Le handicap est présent depuis toujours dans le cinéma de genre

On remarque que de tout temps, le handicap est représenté à l’écran. Bien qu’il le soit beaucoup plus ces dernières années, le traitement des personnages handicapés n’a pas tellement évolué.
Si les personnages sont parfois plus complexes (Ropes, Run, Midnight silence…), il manque en revanche un traitement plus politique de la situation de ces personnes. La difficulté quotidienne d’évoluer dans une société validiste est finalement très peu abordée. Alors qu’elle représente pour le coup de véritables obstacles et angoisses au quotidien.

On notera que les personnes handicapées sont rarement des antagonistes. On en note quelqu’uns comme Don’t breathe, Fragile, Incassable ou Angoisse.
De même, la plupart des films cités dans cet article sont plus ou moins confidentiels. En tous cas, ils n’appartiennent pas à des films d’une grande popularité. Et quand ils le sont (comme Freddy 3), ce sont des personnages annexes. Les personnages principaux handicapés se retrouvent quasiment toujours dans des « petits » films.

Enfin, je note qu’il n’y a aucun film de mon corpus réalisé par une femme.

6- Le handicap invisible l’est tout autant à l’écran

Vous avez sans doute remarqué que tous ces handicaps sont visibles ou du moins rapidement identifiable comme la surdité.
Pourtant, la majorité des handicaps sont invisibles. Il n’est pas facile voire impossible de les caractériser rapidement, et dans ce cas ces handicaps ne sont pas réels. Pour les valides, un handicap doit se voir et être tangible car sinon ils n’ont aucun moyen de s’assurer que la personne ne ment pas et n’essaye pas t’en tirer profit.

Mais comme le cinéma est majoritairement pensé par et pour les valides, il est très rare voir quasi inexistant de voir au cinéma ces handicaps représentés.
C’est notamment le cas de l’autisme qui est très peu représenté. On peut noter Cube, dont la personne autiste s’avère être la plus futée et qui le seul qui s’en sort. Mais aussi le trop méconnu Come Play, où il s’agit d’un petit garçon autiste. Le film prend soin de contextualiser l’autisme au sein d’un cercle familial en rupture et amical. Il met en valeur l’utilité des écrans pour ces personnes, permettant de nuancer le discours souvent négatif et anxiogène envers les nouvelles technologies, très présent dans le cinéma de genre.

Cela me paraissait d’autant plus important d’évoquer cette question. Pour cela, je laisse la parole à des personnes concernées.
J’ai échangé avec Mylène, de la chaîne Welcome to prime time bitch ! et Nicolas.

Est-ce que tu peux décrire ton ou tes handicaps ? 

Mylène: Oui, bien sûr, je suis atteinte d’une malformation de Arnold Chiari. C’est une malformation rare qui touche le cervelet. Pour faire simple, le cervelet prend trop de place, ce qui augmente la pression sur la moelle épinière et le cerveau.

Cette malformation me cause des malaises réguliers, une fatigue chronique, un trouble de l’équilibre et de nombreux vertiges ainsi que l’incapacité de réaliser certains mouvements. J’ai aussi subit une décompression du cervelet, on m’a endommagé un nerf durant cette opération. Depuis, je souffre de douleurs chroniques et d’une névralgie d’Arnold. 

Nicolas: J’ai une maladie de Crohn, qui se résume par une inflammation du tube digestif, mais qui touche principalement les intestins. C’est une maladie auto-immune, qui agit différemment selon les personnes, mais qui se manifeste, sans rentrer dans les détails, par de soudaines envies d’aller aux toilettes, de fatigue, d’amaigrissement, de douleurs intestinales, voire de vomissements (et j’en passe). 

Peux-tu expliquer les conséquences que cela a concrètement dans ton quotidien, et dans le fait de vivre dans une société validiste ?

Mylène: Je suis très limitée dans mes mouvements et mes déplacements même dans mon propre appartement. Certains gestes du quotidien comme le fait de me baisser ou encore me laver les cheveux peuvent devenir un vrai challenge. 

Depuis peu, j’ai une béquille qui m’aide dans mes déplacements et me permet d’être un peu plus autonome mais tout devient une charge mentale supplémentaire quand il s’agit de me déplacer, car rien n’est vraiment adapté aux personnes en situation de handicap. 

Lorsque je n’ai pas ma béquille mon handicap est réellement invisible et il est parfois très compliqué de devoir justifier mon handicap avec le monde qui m’entoure. Bien souvent, on ne comprend pas vraiment mon handicap car je ne coche pas les cases de la personne handicapée lambda tel que l’entend la société. 

Nicolas: Pour ma part, je l’ai eu très jeune et j’ai appris à vivre avec. J’ai longtemps eu énormément de problèmes dans mon quotidien, notamment dans mes déplacements car j’ai grandi avec cette peur de toujours vouloir aller aux toilettes, et la peur de ne pas en trouver à temps.
De plus, il y a des moments où je n’ai pas la même énergie, de grosses fatigues dûes aux anémies (on peut perdre beaucoup de sang à la selle) et aux douleurs. Par conséquent, cela devient aussi difficile de gérer avec son entourage car tout le monde n’est pas forcément à même de comprendre les situations par lesquelles on passe. Surtout, ce n’est pas forcément une partie de plaisir que d’expliquer les causes et les effets de sa maladie aux autres, relations amoureuses incluses. 

Le cinéma de genre a pour essence de mettre en scène des personnages marginaux, oubliés, ignorés, discriminés par la société, dont les personnes ayant un handicap font parties. Est-ce que tu trouves que c’est plutôt une bonne chose ou tu aimerais au contraire que ces personnes soit plus « normalisées »?

Mylène: Heureusement que le cinéma de genre existe pour illustrer (pas toujours de manière pertinente) des personnages marginaux et oubliés sinon il n’y aurait pas vraiment de place pour leur représentation dans les autres genres. Le film Freaks est notamment un film qui a beaucoup parlé aux personnes en situation de handicap car ici, ce ne sont pas les Freaks la menace mais bel et bien les valides qui vont en avoir pour l’argent de Hans, un personnage atteint de nanisme.

Cependant, j’aimerai que les marginaux, les personnages discriminés ne soient plus les monstres cachés dans l’ombre comme dans Basket Case ou encore La colline à des yeux, la monstruosité peut prendre bien des formes, et il serait temps que la représentation change de ce point de vue-là. 

J’aimerai qu’un personnage en situation de handicap soit illustré sans que son handicap soit son seul arc narratif et qu’il ou elle évolue avec son handicap mais pas seulement à travers ça. Notre handicap nous définit et fait la personne que nous sommes en un sens, mais pas seulement. Pour changer cette vision erronée il faudrait bien plus de personnes en situation de handicap engagées en tant que scénaristes. 

Nicolas: Je crois que c’est un peu des deux. Ces personnes devraient êtres représentées pour ce qu’elles sont, dans l’humanité la plus absolue. De mon point de vue, je suis très attiré par les réalisateurs/réalisatrices qui parlent de ces « oubliés » comme des gens de tous les jours, car c’est ce qu’ils sont. J’aime énormément le cinéma de Ken Loach, entre autres, qui trouve avec justesse l’équilibre afin de parler de sujets sociétaux qui affectent la majeure partie de la population. Il n’est pas directement impacté par ses sujets, et pourtant, il arrive à puiser dans sa sensibilité, son humanité, pour parler des autres. 

Dernièrement j’ai regardé la mini-série de María Belén Poncio et Rosario Perazolo Masjoan, un mètre vingt sur Arte, qui traite du sujet de l’adolescence et du désir lorsque l’on est atteint d’un handicap (en l’occurrence dans la série l’héroïne est atteinte par un handicap moteur).  Rosario Perazolo Masjoan (qui a co-réalisé la série) parle de sa vie, et de son handicap à travers son œuvre, et à l’instar de Ken Loach, elle est directement liée à son sujet et en parle avec énormément de justesse et de sensibilité. 

Pour résumer, je crois que chacun devrait être libre de parler de toutes ces personnes comme des sujets normaux dans leurs œuvres, tant que cela est fait avec sensibilité et humanité. 

Quelles séries/films  de genre représente bien ton handicap selon toi?

Mylène: Ah ah, comme ça je dirai aucun, c’est la chance d’avoir une maladie rare que même les médecins ne maitrise pas vraiment. J’ai vu quelques épisodes de séries traitant (mal) directement de la malformation de Chiari tel que Dr House ou encore The resident mais je vous laisse imaginer le résultat. 

Cependant, je m’identifie souvent sur des petits éléments comme dans la série The 100 où les personnages subissent une opération au niveau du crâne afin de se faire implanter un nouvel esprit. Ou encore dans Invasion From Mars où les aliens s’implante dans le cou de leur victimes. 

Mais plus récemment c’est vraiment le film Malignant qui m’a beaucoup parlé. On suit une jeune femme qui suite à une blessure derrière la tête commence à avoir d’étranges visions (Spoiler). Très vite on va se rendre compte qu’elle a rouvert une énorme cicatrice où se logeait son jumeaux diabolique, Gabriel. J’ai moi-même une cicatrice de plus de 15 cm au niveau de mon crâne et j’avoue que suite au visionnage de ce film je me suis demandé si Gabriel n’allait pas sortir de mon crâne à tout moment.
Plus sérieusement suite à mon opération j’avais très peur que la cicatrice s’ouvre et que (rire) mon cerveau sorte de mon crâne, ce film m’a donc beaucoup parlé et je crois que c’est pour ça que je l’aime autant. De plus, je peux à présent faire de ma cicatrice un élément de cosplay badass. 

Nicolas:  Malheureusement aucun/aucune à mon grand regret. Mis à part quelques épisodes d’Urgence ou Dr House, qui mentionnent quasiment toutes les maladies qui existent, je n’ai jamais vu de personnages, aussi bien principaux que secondaires, parler de ce handicap ou en être atteint.

Dans le film Les Chèvres du Pentagone, George Clooney mentionne être atteint d’une maladie de Crohn, mais pourtant arrive à exister dans le film sans trace apparente de son handicap, ce qui m’avait énormément surpris à l’époque. Partant du principe que l’on mentionne la maladie du personnage, pourquoi ne pas avoir aussi représenté les problématiques que cela représente, au lieu de nous montrer quelqu’un qui est clairement en voie de rémission ?

Quelles séries/films de genre ont une représentation de ton handicap problématique selon toi? 

Mylène: Il n’y a pas de représentation de mon handicap dans le cinéma de genre malheureusement mais ça viendra peut-être un jour. Cependant, depuis que j’ai ma béquille (qui porte le nom de Janine) je me suis bien rendue compte que les personnages à canne ou à béquille sont presque toujours les méchants dans les films d’horreur et qu’il faut toujours se méfier de quelqu’un qui boite.
Dans le film The Mangler réalisé par Tobe Hopper, la canne est même un moyen sans détour d’identifier le ou la méchante. 

En quoi la représentation des personnes ayant des handicaps dans le cinéma est importante selon toi?

Mylène: La représentation est nécessaire parce qu’on a besoin de se sentir représenter, d’exister. Peu après mon opération, je me suis retrouvée dans une grande errance médicale et avec peu de témoignage sur ma maladie. Je suis alors partie en quête de représentation mais comme je l’ai évoqué un peu avant ça n’a pas été concluant. J’avais besoin de me sentir représentée, de pouvoir m’identifier à un personnage, à quelqu’un qui me ressemble même de loin mais ce n’était malheureusement pas possible. Le cinéma c’est une vraie catharsis pour moi, je digère et j’intègre les images que je vois et elles me font du bien. 

Nicolas: Pour moi cette représentation est primordiale. J’ai énormément appris du monde et des gens qui m’entourent grâce au cinéma ! Par conséquent, je crois qu’il est l’un des meilleurs exemples pour représenter ces personnes qui vivent de ces conditions, parfois même invivables, insurmontables.

L’idée n’étant pas de véhiculer de la pitié envers ces personnes, mais plutôt de la compassion, une prise de conscience. Donc oui, cette représentation est importante pour moi, essentielle même. 

Quel type de représentation de personnes ayant un handicap aimerais tu voir dans un film de genre?

Mylène: Je rêverai de voir une final girl ayant un handicap (un handicap qui me ressemble). La voir survivre, combattre le boogeyman et ce, en prenant en compte les symptômes qui pourront possiblement la ralentir, la mettre en danger mais aussi être une force mentale incroyable pour elle car son quotidien est déjà un combat même s’il prend une tout autre forme.
On a déjà vu des final girl qui ont subit des drames et en ont fait une force comme Sidney dans Scream. Mais pas de final girl ayant dû combattre pour son quotidien face à un handicap qui peut parfois être très lourd.
Exception faite de Nica dans Chucky 6 qui est une final girl en fauteuil roulant qui va devoir combattre Chucky et ce, durant plusieurs opus de la franchise et même dans la série. Chucky est un très bon exemple de représentation et surtout la série en cours qui fait suite aux films, je vous la conseille fortement. 

Dernièrement j’ai eu la chance de lire le scénario du court métrage d’Elsa Bouyeron, qui met en scène des personnes en situation de handicaps qui jouent tous les soirs dans un cabaret. C’est un court métrage de genre, je ne peux pas vous en dire plus pour ne pas vous spoiler car le court n’a pas encore été tourné. Mais ce que je peux vous dire c’est que lorsque que j’ai lu les dernières phrases du scénario, j’ai pleuré. Elsa est elle-même en situation de handicap, son scénario est un cri du cœur et il m’a profondément touchée. 

Penses-tu que les interprètes qui jouent un personnage handicapé doivent l’être aussi?

Mylène: Bien sûr, les personnes en situation de handicap sont bien souvent discriminées en raison de leur handicap. Mais lorsqu’il s’agit de les faire jouer un personnage en situation de handicap elles sont souvent considérées comme moins pertinentes que des personnes valides et c’est là tout le problème. 

Sont-elles vraiment moins douées pour représenter un handicap qu’ils ou elles vivent au quotidien ou sont elles moins pertinentes pour illustrer le handicap tel que les valides veulent le voir ? 

Nicolas:  Il fut un temps où je ne le pensais pas, car j’admirais les performances des acteurs/actrices capables d’interpréter de tels rôles (et c’est toujours le cas pour certain-es). C’est un sujet qui fait énormément débat, par conséquent, je ne peux me positionner pour les autres, donc je ne parlerais qu’en mon nom et mon handicap. 

Je n’aurais aucun souci à ce que cette maladie soit représentée par un acteur qui n’est pas atteint par Crohn. Premièrement, c’est un handicap quasi invisible, et il est sans difficulté de le représenter à cette échelle par quelqu’un de tout à fait « normalement constitué ».
Deuxièmement, si la personne qui est au commande est directement touchée par le sujet et est capable de représenter, à travers son comédien, l’essence même du sujet, je n’y vois encore aucun inconvénient. Il faudrait dans tous les cas que des personnes directement atteintes par le sujet soient en charge de beaucoup de choses autours de l’œuvre, afin de représenter avec beaucoup de véracité l’exactitude des conditions et de ce que cela représente. 

Connais tu des interprètes/réalisateur-rices/scénaristes ayant un handicap?

Mylène: Je mentionnerai Kiera Allen qui joue dans le film Run, elle joue une jeune femme en fauteuil roulant séquestrée par sa mère atteinte du syndrome de Munchhausen. Elle est incroyable dans ce long métrage. Ou encore Melanie Gaydos qui souffre d’une maladie génétique rare, une dysplasie ectodermique, elle est mannequin est à notamment joué dans Tous les dieux du ciel. 

Enfin pour terminer je nommerai Selma Blair qui est atteinte d’une sclérose en plaques, c’est véritable grâce à elle que j’ai passé le douloureux cap de la béquille. J’ai mis beaucoup de temps à me résoudre à prendre une béquille pas tant parce que je n’assume pas mon handicap mais parce que je ne pouvais pas me résoudre à accepter cette aide. La force de Selma Blair, sa classe avec sa nouvelle compagnonne de route, sa canne m’a vraiment donné la force nécessaire.

Nicolas: Malheureusement aucun-es ne me viennent à l’esprit. Je dois en connaître, mais rien ne me vient pour le coup… Ce qui est la preuve directe que, derrière la caméra (ou devant), les personnes atteintes de handicap ne sont clairement pas assez présentes. Ou alors je ne suis pas au courant. 

J’ai le sentiment que dans le milieu du cinéma les gens parlent rarement de leur handicap, alors que c’est évident qu’il y a des gens concernés. C’est tabou/pénalisant de parler de handicap?

Mylène: C’est un tabou bien sûr même si les mentalités changent c’est bien trop long à mon goût. Parler de son handicap c’est possiblement se faire ranger dans une petite case et se faire mettre de côté par une industrie qui à du mal à faire de la place à la différence. De même qu’une actrice en surpoids sera toujours plus discriminée qu’une actrice rentrant la « norme » du monde du cinéma.

D’ailleurs cette année, je n’ai pas le souvenir d’avoir vu une personne en situation de handicap sur le magnifique tapis rouge de Cannes. Je ne suis pas sûre que ces longues files d’attentes et ces nombreuses marches soient très accueillantes pour une personnes comme moi. Et ça ne sera malheureusement pas le dernier ni le premier festival de cinéma qui n’est pas du tout accessible pour les personnes en situation de handicap. Le cinéma a le pouvoir de changer les choses, mais faut-il encore le vouloir ! 

Un personnage de fiction ayant un handicap qui t’a marqué positivement?

Nicolas: Je suis un grand GRAND fan du cinéma d’Arthur Penn !  Pour le coup, je trouve qu’il parle vraiment bien, et justement, des classes marginales, des oubliés… Il a réalisé en 1962 l’un de mes films préférés Miracle en Alabama, qui raconte l’enfance de Helen Keller (qui était sourde, muette et aveugle) et de sa tutrice qui va tenter de l’ouvrir et la connecter au monde qui l’entoure.
C’est un film d’une puissance inouïe, porté par deux actrices absolument magistrales. Patty Duke y interprète le rôle de Helen, et je crois n’avoir jamais été autant touché par un rôle représentant un handicap que celui-ci (sachant qu’elle n’avait aucun handicap). Anne Bancroft vient, de par sa justesse et sa sensibilité de jeu, sublimer et cristalliser toute l’essence du sujet. 
Bref, c’est un film que je ne cesserai de recommander, pour son sujet et pour son intensité !

Films cités et/ou correspondant à la thématique:

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