L’ANNÉE DES RÉALISATRICES À L’ÉTRANGE FESTIVAL

Les réalisatrices s’imposent progressivement dans le champ du cinéma de genre, du cinéma du bizarre. Et il était temps. La S’Horrorité (dont Jessica, fondatrice du site, et moi-même, Léo, sommes membres et cofondatrices) œuvre à recenser les films de réalisatrices programmés en festivals, un travail disponible sur le compte Instagram de l’association.
Si leur présence s’accroît d’année en année, l’Étrange Festival accusait jusqu’ici un certain retard en matière de représentation féminine.
L’édition 2025 rompt heureusement avec cette tendance : plusieurs réalisatrices passionnantes y ont présenté leur travail sur grand écran :

• l’Américaine Annapurna Sriram et son excentrique et jubilatoire Fucktoys ;
  
• la Grecque Evi Kalogiropoulou avec Gorgona, relecture du mythe de la gorgone ;
  
• le duo canadien Madeleine Sims-Fewer et Dusty Mancinelli, révélé par Violation (2020). De retour avec Honey Bunch, variation autour du  gaslighting ;
  
• la Française Julia Kowalski et son film sensible Que ma volonté soit faite ;
  
• les Australiennes Emma Hough Hobbs et Leela Varghese, autrices du délirant space opera Lesbian Space Princess ;
  
• Julie Pacino, fille d’Al Pacino, venue présenter son cauchemar fiévreux I Live Here Now ;
  
• la Canadienne Grace Glowicki et son déjanté Dead Lover ;
  
• et, Lucile Hadžihalilović, incontournable du festival, avec La tour de glace, réécriture du conte d’Hans Andersen La Reine des neiges.
  

Cette sélection est riche, variée, et traversée d’un souffle politique. Elle ne saurait toutefois masquer l’ampleur du chemin restant encore à parcourir.

IL Y A FLUIDE ET FLUIDITÉ

L’Étrange Festival n’a jamais ménagé sa générosité en matière de fluides corporels. Cette édition se distingue toutefois par une générosité en termes de représentation de fluidité dans le genre. La forte présence de réalisatrices n’est certainement pas étrangère à ce phénomène.

Deux œuvres dépeignent avec finesse l’éveil amoureux et sensuel lesbien de jeunes héroïnes :
– la protagoniste, un peu sorcière, de Que ma volonté soit faite (Julia Kowalski), fascinée par sa voisine ;
– l’orpheline de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović), entraînée dans un univers glacial dominé par une Marion Cotillard inquiétante.

Fucktoys (Annapurna Sriram)célèbre, par un casting vitaminé et inclusif, la joie d’exister envers et contre tout ; Dead Lover (Grace Glowicki) met en scène un amour qui dépasse la mort et l’enveloppe corporelle. Quant à Lesbian Space Princess (Emma Hough Hobbs et  Leela Varghese), véritable space opera à la Rick et Morty, il propose une aventure déjantée, résolument queer mais accessible à tous.

Dans un registre très différent, Cadet interroge avec acuité la masculinité rigide et toxique au sein d’une école militaire. Il s’agit du premier film d’horreur du Kazakh Adilkhan Yerzhanov

EXPERTS EN EXPÉRIMENTATION

En termes de genre, certaines années font la part belle à l’horreur, d’autres au polar et d’autres encore au fantastique. 2025 se targue d’une programmation particulièrement expérimentale. Au programme, l’avant-première complète de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović) qui reçoit un accueil particulièrement chaleureux (pun intended). La réalisatrice continue de nous régaler avec son style aussi fascinant qu’énigmatique. 

Parmi les “grands” noms, le retour du réalisateur Ben Wheatley en terre nerdique. Après une poignée de films (très) grand public, le joyeux barbu semble ravi de venir présenter Bulk. Il s’agit d’un objet filmique non identifié qui fut projeté devant une audience de cinéphiles invétérés.

2025 signe également la conclusion de la trilogie souterraine du cinéaste autrichien Norbert Pfaffenbichler. Comme chaque année, de jeunes réalisateurs se risquent à l’expérimental. Et pas toujours pour le meilleur. On pense notamment à Exit Medea ou Girl America. 

DES REGARDS SUR LE MONDE

UN REGARD SUR LE MONDE : LA MENACE RUSSE

L’Étrange Festival s’intéresse à toutes cinématographies, peu importe son origine. Il prend ainsi le poul du cinéma à l’international et effleure aussi les préoccupations du moment. 

L’événement marquant de cette année demeure la venue à Paris du prodige Kazakh Adilkhan Yerzhanov. Ce dernier étant particulièrement apprécié du public du festival. Il présentait trois œuvres – deux films et une série:
– Kadet, son premier film d’horreur, antimilitariste et critique de la virilité toxique ;
– Moor, un polar sombre ;
– Kazakh Scary Tales, série fantastique inspirée des contes traditionnels.

Sa présence a également permis l’organisation d’une carte blanche. Au cours de laquelle il a choisi de projeter Heathers (ou Fatal Games), teen movie à l’humour noir explosif.

Toute l’œuvre de Yerzhanov porte la marque diffuse de la menace russe. Cette thématique apparaît également dans Girl America de l’auteur tchèque Viktor Tauš, plongée saisissante dans le psyché d’une orpheline vivant sous la Tchécoslovaquie totalitaire.

UN REGARD SUR LE MONDE : LE COMPLOTISME ANGLOPHONE

Côté anglophone, une thématique s’impose nettement : celle du complotisme. Elle irrigue A Scanner Darkly de Richard Linklater, proposé dans le cadre de la carte blanche au média électronique francophone La Spirale. On y suit la lente dissolution psychique d’un policier enquêtant sur la mystérieuse substance M, qu’il finit par consommer lui-même. Un brûlot anticapitaliste, plus actuel que jamais à l’heure des réalités alternatives.

Dans la même veine, Bulk de Ben Wheatley déploie un univers aux vérités multiples, où la réalité semble se dérober. Le film s’inscrit dans la lignée des œuvres cultes et anxiogènes des années soixante et soixante-dix, notamment la série Le Prisonnier (1967- Patrick McGoohan), reflet d’une Angleterre instable en pleine guerre froide.

UN REGARD SUR LE MONDE : QUID DE L’ASIE DE L’EST ?

Fidèle à son histoire, l’Étrange Festival poursuit son rôle de défenseur des cinématographies est -asiatiques. Cette année, un focus est consacré à la figure de Lady Yakuza, héroïne vengeresse ayant inspiré Lady Snowblood puis l’héroïne de Kill Bill. L’intégralité des huit films (1968-1972) était ainsi projetée.

Après des années très fastes pour le cinéma coréen, parfois jusqu’à saturation, 2025 laisse entrevoir une période de disette.
Seuls trois films sud-coréens sont programmés : The Old Woman with the Knife (thriller mâtiné d’action), The Curse : Insatiable Desires (anthologie horrifique) et The Last Woman on Earth (comédie de science-fiction). 

Quand on pense à certaines années où pratiquement la moitié des films en compétition étaient coréens, la question se pose. Après des années de politique de productions cinématographique assez agressive, la Corée du Sud semble se tourner vers une autre stratégie, par obligation ou par choix.

LE RÉCIT GOTHIQUE : UN RETOUR EN FORCE

Le récit gothique n’a jamais véritablement quitté nos écrans, mais il connaît ces dernières années un renouveau manifeste – du Frankenstein de Guillermo del Toro à The Bride de Maggie Gyllenhaal, en passant par les Hauts de Hurlevent revisité par Emerald Fennell ou encore la série Mercredi supervisée par Tim Burton.

L’Étrange Festival s’inscrit dans cette tendance avec :
– le superbe film d’animation Je suis Frankelda des frères Ambriz, protégés de Del Toro, qui proposent un univers fantasmagorique et une réflexion sur la peur en elle-même ;
– Dead Lover de Grace Glowicki, comédie potache nourrie d’imaginaire gothique ;
– Honey Bunch, dont l’héroïne se voit gaslightée dans une grande et belle demeure labyrinthique.

Si le genre du gothique a toujours été très proche du féminin avec ses nombreuses héroïnes complexes, on observe actuellement une hyper féminisation du genre avec de nombreuses réalisatrices qui s’emparent de ces histoires d’amours maudits, de fantômes et de maisons inquiétantes.

L’invitation de l’icône du cinéma gothique italien Barbara Steele, venue présenter Le Spectre du professeur Hichcock (Riccardo Freda – 1964) et donner une masterclass, a couronné cette mise en avant du gothique.

NO COUNTRY FOR OLD WOMEN

L’âgisme fait débat dans le cinéma actuellement. On se questionne particulièrement sur la disparition des actrices passé un certain âge, mais aussi sur l’omniprésence de la chirurgie esthétique dans une industrie où il est pourtant indispensable d’être expressif. 

La coïncidence a voulu que la programmation propose deux films sur cette thématique : le coréen The Old Woman with the Knife (Min Kyu-dong) qui suit une tueuse à gage vieillissante dont le quotidien se verra bouleversé dans une profession où il ne fait pas bon vieillir. Bel écrin pour son actrice, Lee Hye-young, le film bien que pas exceptionnel propose de jolis moments notamment à propos du vieillissement de son personnage. 

Dans un tout autre registre, le scénariste Stephen Sayadian est venu présenter Lady in a Cage (Walter Grauman – 1965), fleuron de l’hagsploitation étatsunienne qui montre une Olivia de Havilland handicapée bloquée dans l’ascenseur privé de sa belle résidence pillée par de jeunes malfrats.

REVISITER LES MYTHES GRECS

Trois réappropriations de la mythologie gréco-romaine étaient présentées :
– Exit Medea (Tony Paraskeva), road movie expérimental et trash revisitant l’histoire d’amour entre Médée et Jason ;
– Odyssey (Gerard Johnson), qui évoque succinctement l’Odyssée d’Homère par l’idée de parcours complexe de son héroïne pour retrouver ses racines ;
– Gorgonà, remarquable premier film d’Evi Kalogiropoulou, portrait d’une société patriarcale réduisant la femme à une monnaie d’échange. La figure de la gorgone avait déjà été remise en avant dans le film Medusa (Anita Rocha da Silveira – 2021) qui montrait une révolution féminine au Brésil parmi des jeunes femmes conservatrices.

Ces relectures féminines de figures monstrueuses s’inscrivent dans un mouvement littéraire féministe actuel, porté notamment par Murielle Szac et Madeline Miller, qui réhabilitent les héroïnes antiques dans toute leur complexité.

LE LAUREAT DE LA FIN DE L’EDITION DE L’ÉTRANGE FESTIVAL

Pour conclure ce panorama (presque) succinct de l’édition 2025 de l’Étrange Festival, arrêtons-nous sur le grand lauréat de la compétition : The Forbidden City de l’Italien Gabriele Mainetti. Ce film d’action mêle clichés chinois et italiens dans un chaos soigneusement orchestré.
À Rome, une jeune femme chinoise cherche désespérément sa sœur disparue. Elle croise le chemin d’un jeune homme, fils d’un restaurateur endetté lui aussi porté disparu. Malgré la barrière linguistique et culturelle, tous deux s’unissent pour affronter la pègre. Moins politique que Freaks Out, le film séduit néanmoins par ses qualités plastiques et sa mise en scène fluide.

Son sacre interroge toutefois : nombre d’œuvres plus audacieuses, plus singulières, semblaient plus conformes à l’esprit traditionnellement anticonformiste de l’Étrange Festival. Est-ce qu’un festival qui se veut l’étendard d’une certaine contre-culture peut rester fidèle à son identité, tout en attirant un public de plus en plus nombreux et divers ? Mon avis est que malgré tout, l’Etrange a trouvé un équilibre entre ces deux concepts antinomiques.

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Second long-métrage de la réalisatrice Julia Kowalski qui avait déjà épaté Cannes avec son premier long, Crache coeur, et son court, J’ai vu le visage du diable; Que ma volonté soit faite est une oeuvre sensuelle et aboutie qui continue sa réflexion autour du désir et de la spiritualité.

Que ma volonté soit faite : un film charnel

Pour montrer cet aspect charnel, la réalisatrice a fait le choix de filmer en pellicule 16mm. Ce choix permet de rendre avec plus de nuances, les couleurs et matières. Indispensable dans un film où le feu côtoie la boue. La peau animale est traitée avec autant de déférence qu’une cicatrice sur une jambe humaine. Les désirs et maux de notre héroïne se matérialisent sous la forme d’une masse visqueuse et blanchâtre mortellement fascinante. Cet étrange matière ajoute au mystère qui entoure ce village et cette jeune fille.

La manière de filmer les corps n’est pas anodine.
Naw se protège encore dans des couches de vêtements informes, coquille d’une enfance qui touche à sa fin. C’est pour elle une manière de montrer son refus d’admettre son corps et ses désirs. L’objet de ces derniers; la voisine, a elle, une féminité assumée. Son corps sera lui, filmé pendant la première partie du film à la façon male gaze : morcelé avec des travellings révélateurs. Cela jusqu’au point de rupture, une séquence particulièrement violente qui agira comme un déclencheur sur Naw. Cet événement l’obligera à confronter ses désirs et ses biais patriarcaux. Une transformation qui passera par l’abandon de sa chrysalide, ces couches de vêtements et l’acceptation de son corps, nu, pour ce qu’il est, prêt à s’émanciper.
Le duo d’actrices, Maria Wróbel et Roxane Mesquida, sont le choix parfait pour incarner ce duo ambigu.

Un film spirituel

Que ma volonté soit faite, comme son titre l’indique, s’intéresse à la spiritualité. Celui-ci référence une citation de la prière du “Notre père”, “Que ta volonté soit faite” qui voudrait que Dieu souhaite la sanctification de ses croyants, et les invite à être la meilleure version d’eux-même. Le titre est assez ambigu car il montre la culture chrétienne dont vient Naw. Culture qui prend une place importante dans sa vie, son quotidien et sa façon d’appréhender le monde. A la fois, il montre aussi une rupture avec ces mêmes préceptes, par l’utilisation de la première personne. Première personne qui montre ce besoin d’émancipation et le désir d’individualité du personnage

Cette rupture semble d’abord passer par une possession par le diable, antagoniste habituel dans la religion chrétienne. Le film ne s’arrête pas à cette conception manichéenne, cliché du cinéma horrifique. Il propose plutôt une variation autour de la figure de la sorcière et ses trois visages :

• l’ancienne: la mère de Naw morte par le feu dans des conditions étranges et considérée comme folle,
• la tentatrice, la voisine à la beauté hypnotisante et à la sexualité assurée
• la vierge, Naw qui se trouve à un croisement de sa vie.

Chacun des trois personnages parait être la facette d’une même personne. Les deux aînées de Naw semblent être des avertissements de ce qui peut l’attendre dans cette société patriarcale.

Une réflexion sur le patriarcat et la différence

Que ma volonté soit faite dépeint la condition féminine dans une société patriarcale représentée par une galerie de personnages masculins variés :

• les frères qui font tout, même le pire, pour s’intégrer,
• le vétérinaire qui joue un double jeu en se servant de son statut social et de son image de nice guy pour s’autoriser le pire
• et surtout le père qui tente de faire au mieux et doit jongler entre soucis économiques, amour pour sa femme, sa fille et sa Pologne natale et besoin de s’adapter à son nouveau pays.

Julia Kowalski joue habilement avec les genres et notamment avec le fantastique.
Elle flirte avec ce dernier en proposant des images marquantes qui font appel à notre imaginaire commun (le corps tordu de la possédée, le rituel dans la forêt, les troupeau décimée…), sans jamais pencher pour une explication rationnelle et surtout en ancrant l’intrigue dans un hyperréalisme amené par la photographie à fleur de peau et le travail précis sur les matières.

Que ma volonté soit faite est un récit d’émancipation de la condition féminine par la figure de la sorcière, ainsi qu’une réflexion sur l’altérité. Que ce soit dans un contexte d’intégration d’une famille immigrée, ou le mépris pour ceux qui sont différents et ne se plient pas aux conventions du groupe.
La réalisatrice le fait avec un beau travail tout en nuance que ce soit dans l’écriture et la photographie.

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Comment vous est venue l’idée de The Ugly Stepsister ? 

C’est une drôle d’histoire. L’idée m’est venue alors que je faisais une sieste, la meilleure que je n’ai jamais faite. Je fais souvent des siestes pendant que je travaille. Je les appelle des “siestes créatives”. C’est un bon moyen pour laisser mon inconscient travailler. Ainsi, tout n’est pas si logique, si pragmatique. Cela permet de connecter les idées de manière plus organique. 

Je travaillais sur un court métrage dont le sujet était une femme mesurant deux mètres avec des rondeurs et qui manquait de confiance en elle. Dans mon rêve, je la voyais en Cendrillon. Le prince arrivait et la chaussure était magiquement à la bonne taille. Cette si petite chaussure sur cette immense femme… Ils partaient ensuite vers le château. Sur le chemin, elle baisse le regard et observe ses pieds. Elle voit ses chaussures en sang. Et là, l’idée devient plus claire. Je ne suis pas Cendrillon. Je suis la demi-sœur qui a eu besoin de couper ses orteils pour enfiler la chaussure. 

Au réveil, j’étais en choc parce que pour la première fois, je me suis identifiée à ce personnage pour lequel je n’avais eu aucune compassion par le passé. Mais j’ai ressenti exactement ce qu’elle a dû ressentir. J’étais elle. J’étais la demi-sœur. J’ai trouvé l’idée super. Je l’ai trouvé si bien qu’un long-métrage m’a paru bien plus adapté que le format court. 

Quelles furent vos inspirations pour The Ugly Stepsister ? 

Comme c’est un conte de fée qui prend ses racines dans le passé, j’ai fais pas mal de recherches sur les costumes, l’époque. En particulier sur les procédures de chirurgie cosmétique. J’ai choisi de placer mon film au XIXe siècle, une époque qui a vu de nombreuses évolutions sur cet aspect. Je me suis juste permise certaines libertés car il s’agit d’un conte de fée. Par exemple, le ver doit normalement sortir par le bas plutôt que par la bouche. Mais j’ai voulu être prévenante avec mon public (rire).  

Un autre aspect génial avec la fin du XIXe siècle est que j’ai pu m’amuser avec les silhouettes des robes. Cendrillon porte une robe 1850 alors que les sœurs ont des robes à faux-culs façon 1880. C’est une façon subtile de montrer leur différence de classe. Cendrillon est “old money” et a un “bon goût” alors que les soeurs font partie des nouveaux riches et sont à l’affût des nouvelles tendances au point d’en devenir un peu “ridicules”. J’avais envie que lorsque les spectateurs regardent à nouveau la version de Disney, ils en aient une lecture différente suite au visionnage de mon film. 

J’ai aussi beaucoup été inspirée par les films de contes de fée d’Europe de l’Est, particulièrement ceux des années 70. Ils sont en général tournés en lumière naturelle, dans de vrais décors avec de vrais corps à cause d’un budget en général très mince. Et pourtant les costumes sont sublimes et les effets incroyables. Ils arrivent à retranscrire cette étrangeté émanant des contes de fée. Je voulais contraster avec l’aspect trop brillant, très “plastique” du Disney. Surtout que The Ugly Stepsister est un film de body horror. Je voulais que l’audience ressente cet aspect organique.  Comme s’il s’agissait d’un univers parallèle au nôtre avec de véritables personnes qui l’habitent. 

Je voulais donner à The Ugly Stepsister une impression d’intemporalité. Effectivement, le film se passe au XIXe siècle mais vu sous le prisme des années 1970 pour rendre plus nébuleuse l’époque à laquelle l’histoire se passe. La mise en beauté des personnages a été inspirée par les années 60/70. Je ne voulais pas qu’on ait l’impression de se trouver face à un film d’époque, mais je ne voulais pas non plus que le film fasse trop 2025. Ajouter cette petite pincée d’années 70 permet d’éviter cela. 

Puisque nous parlons de l’esthétique de The Ugly Stepsister, qui est particulièrement importante. Pouvez-vous nous parler de votre relation avec votre chef opérateur (Marcel Zyskind) ? Ainsi qu’avec votre cheffe décoratrice (Sabine Hviid) ?  

J’ai eu la chance de pouvoir travailler avec des personnes très créatives qui, en plus, n’en sont pas à leur premier essai. Ma plus grande leçon sur le tournage est l’importance de l’alchimie. Les gens peuvent avoir le meilleur CV du monde, s’il n’est pas possible de se comprendre, si nous ne sommes pas enthousiasmés par les mêmes choses, il n’est pas possible de travailler ensemble. J’ai eu vraiment beaucoup de chance de trouver une équipe passionnée par The Ugly Stepsister, qui voulait s’amuser et tenter des choses. 

Pour ce qui est du chef opérateur, nous avons beaucoup préparé en amont. Tous les chefs de postes ont été humbles et ont accueilli gracieusement ma vision du film, mes idées. À la fin, j’avais l’impression que nous ne formions plus qu’un seul grand cerveau. 

Donc il y avait beaucoup d’alchimie ?

Oui mais aussi d’amusement. Je ne suis pas vraiment du type Wes Anderson. J’adore son travail mais je ne pourrais pas être autant dans le contrôle. J’aime les heureux accidents. J’aime la créativité qui émerge de la rencontre entre deux personnes. J’ai un peu le même type de relations avec mes acteurs et actrices. Je leur explique qu’ils en savent autant, voire plus que moi sur leur personnage. C’est leur corps qui joue cette personne. J’aime être surprise. 

Il me semble qu’en Islande, ils appellent le réalisateur ou la réalisatrice, le maître du jeu et les acteurs et actrices, les joueurs ou joueuses. Je suis la personne qui rédige la notice du jeu mais ce sont elleux qui vont y jouer. C’est un peu la même chose avec les chef.fes de postes. Je ne suis pas capable de faire leur travail. C’est à eux de le faire. Moi, tout ce que je fais c’est mettre en place les règles. Et peut-être à la limite, leur demander de jouer légèrement différemment. Mais eux aussi peuvent me demander de changer un peu certaines règles en contrepartie.   

J’aime beaucoup cette analogie. The Ugly Stepsister est votre premier long-métrage. Tourner un premier film peut-être une expérience difficile, plus particulièrement en tant que femme, et encore plus, en tant que femme qui fait de l’horreur. Comment avez-vous vécu cette expérience ? 

Je profite des nombreuses réalisatrices qui sont venues avant moi. D’autant plus qu’en Norvège, nous avons beaucoup de chance car nous avons un système de quota grâce au Norwegian Film Institute. Ainsi, la réflexion autour de la question de genre ne se fait pas juste au niveau individuel mais aussi au niveau systémique. Cela habitue les gens à voir plus de femmes dans le paysage cinématographique. Les spectateurs ne sont plus étonnés de voir autant de femmes réalisatrices.  

Nous sommes une génération de réalisatrices norvégiennes qui a pu devenir mère avant de faire un premier long et cela sans que cela pose problème.  C’est du jamais vu. Il y a dix ans de cela, personne n’aurait pris au sérieux une jeune mère. Il était alors impossible d’avoir l’ambition de faire des films. Je suis reconnaissante envers les générations passées. Je ne souhaite pas être une femme à une autre époque que celle-ci. 

Sur The Ugly Stepsister, j’ai pu travailler avec la meilleure des productrices en Norvège, Maria Ekerhovd qui a également travaillé sur Valeur Sentimentale, le dernier Joachim Trier qui est passé par Cannes. Elle est géniale, à la fois très cool et très douée. J’ai donc eu un entourage qui a cru en mon film dès le début.  

Autre exemple, mon chef opérateur qui est danois avec des origines polonaises m’a traitée comme son égale, et ainsi toute son équipe, majoritairement polonaise, a fait pareil. L’équipe caméra qui devait être principalement française m’ouvrait la porte et était particulièrement galante avec moi. Au lieu d’être offusquée par ce comportement, je l’ai pris comme une marque de respect. Cela fait partie de leur culture. Ils ne le faisaient pas de manière condescendante. C’était juste une habitude. Ce n’était pas pour me rabaisser. 

Le premier jour, le clappeur, qui est un sacré personnage, m’a fait la révérence et m’a appelé “Madame la directrice”. J’étais assez impressionnée car il s’agissait de mon premier film. Cela m’a flattée, un peu embarrassée, mais aussi détendue. Cela m’a fait sourire. Ils ont pu voir que je trouvais cela drôle et gentil. Le jour d’après, ils avaient écrit “Madame Directrice” avec des coeurs sur mon moniteur. C’était vraiment un acte gentil et respectueux.

Je pense qu’il est important de toujours s’adapter à la culture de l’autre, de ne pas imaginer que quelqu’un va se comporter de la même manière que soi. Il faut voir les gens pour ce qu’ils sont et ce qu’ils font. Je n’ai donc pas eu l’impression que le fait d’être une femme dans ce cas fut un problème. 

Est-ce que vous aimez les films d’horreur ?

Il me semble. Surtout le body horror car l’horreur me fait, en fait, très peur. 

Cela m’amène à ma prochaine question. Appréciez-vous l’horreur ou était-ce simplement pertinent pour l’histoire que vous souhaitiez raconter ? 

J’ai une obsession pour le body horror. J’étais particulièrement heureuse lorsque j’ai réalisé que mon idée me permettait de faire un film de body horror. 

Ce qui me plait dans le cinéma de genre, peu importe le genre, est son côté “boite à outils”. Je ne me considère pas comme une réalisatrice de films d’horreur ou de comédie. Je raconte une histoire et en fonction de celle-ci, j’utilise le genre, la boîte à outils la plus pertinente. 

Du coup, quel est votre film de body horror préféré ? 

C’est une question difficile. J’aime tout ce que fait Cronenberg. C’est un maître. Je suis aussi très fan de Grave de Julia Ducournau. C’est un vraiment un film exceptionnel, alors que je trouve Titane plus contrôlé, plus lourd. Je n’ai pas encore vu Alpha. Grave a ce petit quelque chose en plus que j’apprécie particulièrement. 

J’aime aussi Existenz, Videodrome, La mouche, Faux semblants. Un peu tous ses films en fait. 

En plus Julia Ducournau a ouvert tellement de portes pour les réalisatrices qui veulent faire ce type de film. 

Oui. Je pense que certaines personnes ont un peu la vue courte et pensent face à The Ugly Stepsister que j’ai voulu faire un second The Substance alors que je n’ai pas pu le voir avant de faire mon film. Il est impossible pour moi de faire un film en moins d’un an. 

Vous partagez (ndlr avec The Substance) le thème de la critique des normes de beauté qui est très actuel

Je comprends tout à fait la comparaison. D’autant plus que The Substance a ouvert la voie pour The Ugly Stepsister et a rendu le body horror grand public. Au départ, ma productrice ne voulait pas utiliser le terme “body horror” car cela aurait fait trop niche. Alors que maintenant c’est un mot qui est sur toutes les bouches. 

Je vois aussi un peu de misogynie dans cette comparaison. Il n’y a de la place que pour un film de femme sur un sujet en particulier, alors que les hommes peuvent faire plusieurs fois les même film sans que ce soit un problème. Et nous avons en plus une approche très différente du sujet. Elle évoque la célébrité et le vieillissement, alors que je parle de tout autre chose dans The Ugly Stepsister. 

Ceci dit, la comparaison est tout à fait valide. J’espère juste que les gens ne vont pas commencer à se demander lequel des deux films est le meilleur. Il faut laisser les deux films dire ce qu’ils ont à dire ensemble. 

Je trouve cela super que les deux films sortent à la même période

Oui, qu’ils ouvrent la conversation !

Exactement. Il me semble que le sujet de la beauté était également au cœur de certains de vos courts métrages. Je n’ai malheureusement pas réussi à les voir. Est-ce un sujet important pour vous ? 

L’idée m’est venue de mon subconscient mais j’étais déjà en train de travailler sur un court dont le sujet était similaire, Sarah’s Intimate Confessions, et mon premier court également. 

S’il y a si peu de jeunes réalisateurs ou réalisatrices qui émergent et peuvent faire un premier long métrage, c’est que nous ne sommes pas tous des Xavier Dolan. Outre les difficultés pragmatiques, il n’est pas toujours simple d’être en contact avec ses idées quand on est jeune. 

Lorsque j’étais toute jeune réalisatrice, je ne savais pas quelle pouvait être mon histoire. Pour mon premier court, How Do You Like My Hair ?, j’ai littéralement raconté mon histoire. Il y a quinze ans j’ai décidé d’arrêter de me raser. C’était en pleine quatrième vague du féminisme en Scandinavie. Nous pouvions trouver des femmes non rasées dans les magazines et il y avait tout une discussion autour du sujet. Cela n’a pas duré longtemps.

Ceci dit, je pense que plus de femmes ont continué à ne plus raser après cela. J’ai donc eu un coup d’un soir suite à cette décision, histoire que j’ai raconté à mes amis. Ils ont trouvé cette anecdote drôle. J’ai trouvé le fait d’en parler très libératoire et surtout j’ai apprécié le fait de me sentir vulnérable après. 

Je me suis dit que c’était une bonne histoire à raconter comme une confession face caméra. J’ai joué mon propre rôle et je parlais à la caméra. J’ai ensuite joué la scène avec des acteurs. Face au résultat, c’était évident pour moi que j’avais trouvé mon histoire, à la fois intime, vraie et rassembleuse.

En général, on se sent seul et vulnérable face à nos complexes. Parce que cela touche à notre capacité à être aimé. Ai-je assez de valeur pour être aimé ? C’est une question si existentielle et si vulnérable que des grosses entreprises s’en sont emparé pour que l’on achète des produits de beauté. Que je préfère appeler des “produits d’apparences” parce qu’ils n’ont rien à voir avec la beauté. Ma beauté m’appartient, je ne veux pas l’acheter. 

C’était un moment important pour moi. Je me suis rendu compte que j’avais tout un tas d’histoires à raconter sur le sujet et si je ne devais raconter que cela jusqu’à la fin, ce serait incroyable. Avec l’âge, je me suis aussi rendu compte que de nouvelles histoires me viennent plus facilement.
Effectivement, cette question est prépondérante dans le fait d’être femme et tant que je fais des films sur des femmes, cela risque d’en faire partie. 

Pourriez-vous me parler du casting de vos actrices ? 

C’était des castings tout à fait conventionnels. Les deux personnages principaux furent difficiles à trouver. Et pourtant dès que j’ai rencontré les deux actrices, ce fut évident. Elles étaient les personnages. 

Lea (Myren) se donne la liberté d’être expressive. Je pensais trouver quelqu’un qui rencontre les mêmes problèmes que moi ou Elvira, mais Lea est en fait très libre dans son corps. Elle a grandi avec une mère féministe qui l’a éduquée sans ce regard contrôlant sur son corps. Elle est totalement libre et ne s’empêche pas de faire des choses folles et ne s’intéresse pas au qu’en dira-t-on. Elle est libre de montrer toutes ses émotions. 

C’est génial d’avoir un tel modèle pour jouer Elvira, car si des gens décident de googler son nom, ils trouveront tout un tas de photos folles d’elle, de red carpet look très excentriques. Elle représente cet espoir pour la nouvelle génération. 

Merci pour votre temps et cet entretien. J’espère le mieux pour la sortie du film!

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Reflet dans un diamant mort : 007 chez les wokistes

Le duo (presque) belge, Hélène Cattet et Bruno Forzani, revient avec un nouveau bijou d’orfèvrerie cinématographique à l’esthétique – encore une fois – très léchée. Il s’attaque dans Reflet dans un diamant mort au genre codifié et très ancré dans les années 70 du film d’espionnage. Impossible de ne pas penser au très British 007, James Bond face au film. Même si le duo évoque aussi et principalement les copies italienne, façon Fumetti Neri, avec notamment le personnage de Satanik qui est l’inspiration de Serpentik, l’antagoniste principal. Les deux sont pensées à l’image de l’Irma Vep de musidora, personnage iconique du muet dont la silhouette et la combinaison noire ont marqué la mythologie du cinéma. 

Si Reflet dans un diamant mort reprend l’aspect ludique de ces séries de films, comics et autre romans seventies, il porte un regard beaucoup plus critique sur le machisme et l’eurocentrisme de l’époque. La robe façon Paco Rabanne en est un bon exemple. La robe est une pièce iconique de 1966 qui marqua une véritable rupture dans le monde de la mode de par son matériau non-conventionnel. Elle est le symbole d’une époque grâce à sa modernité, son côté ludique mais aussi son aspect très contraignant pour qui la porte. Car oui, s’assoir sur des petites pièces de métal, ce n’est pas agréable. Le film décide lui d’en faire un gadget tueur et puissant au style increvable.  

Reflet dans un diamant mort s’inscrit dans un contexte de réécriture des œuvres passées avec un œil critique actuel. Le symbole même du diamant n’est pas anodin. L’homme blanc s’est permis les pires atrocités en exploitant la terre au nom de l’industrialisation, du capitalisme et de son ego. Le réalisateur et la réalisatrice semblent exorciser ces démons passés par l’intermédiaire de séquences hallucinantes qui mêlent diamants (vrais ou faux ?), pétrole et corps nus féminins en souffrance. 

Une narration éclatée et un style imparable

Le duo emploie une narration non linéaire où chaque séquence semble être le reflet disparate d’un même diamant. Si ce type de narration permet le plaisir de se perdre dans l’univers du film, il est aussi un moyen de montrer l’esprit vieillissant du héros qui devient incohérent. Il fait parti de l’ancien monde et le nouveau lui demande de payer l’addition. 

Cattet et Forzani font dialoguer leurs influences. Il y a bien-sûr les films d’espionnage cités précédemment, mais aussi de nombreuses œuvres picturales. On trouve de nombreuses références au peintre belge, Magritte, grand artiste surréaliste à l’esprit ludique qui s’est amusé avec son audience de la même manière que le duo de réalisateurs joue avec son spectateur notamment en cassant le quatrième mur. Iels les invitent à réagir, à sortir de la torpeur, à arrêter de croire au confort de la salle de cinéma comme but en soi, métaphore qui invite nos sociétés bourgeoise à agir. 

Les James Bond girls disent non au male gaze

Si Reflet dans un diamant mort est du point de vue d’un homme, le film l’entoure de personnages féminins plutôt fascinants. Entre autres, la masquée Serpentik et l’intriguant personnage de l’autrice interprété par la trop rare Maria de Medeiros. Le film donne le ton dès le début du film. L’ancien agent se détend sur une terrasse d’un hôtel de la côte d’Azur et en profite pour reluquer sa jeune voisine en maillot de bain. Cette dernière s’en va et fait savoir au majordome que ce comportement l’importune. Le film marque une rupture claire avec le machisme de ses aînés.

Les James Bond girls ne veulent plus être reluquer en maillot de bain. Le male gaze peut aller se rhabiller. Ce qui n’empêche pas le film de continuer à fétichiser le corps de ses actrices dans des séquences, effectivement, sublimes (merci au chef opérateur de génie Manu Dacosse) mais qui posent parfois question quant à la sublimation de la douleur au féminin.

Reflet dans un diamant mort est une relecture moderne et artistique des films d’espionnage des années 70. Il pose un regard critique sur ces derniers, notamment sur le machisme ambiant et les douleurs causés par la surexploitation liées à l’industrialisation de la société de l’époque. Le duo n’oublie pas sa signature en proposant un film à la limite de l’expérimental et à l’esthétique léchée.

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The Ugly Stepsister : le villain pov de Cendrillon

Premier long-métrage de la réalisatrice norvégienne Emilie Blichfeldt, The Ugly Stepsister joue avec Cendrillon, le conte des frères Grimm en en modifiant le point de vue. La réalisatrice nous place dans les chaussures de l’une des « affreuses demi-soeurs » en lui conférant une humanité rafraichissante.

Elle n’est pas le seul personnage à recevoir ce traitement de faveur. Le film s’écarte du manichéisme un peu bêta de l’adaptation de 1950 de Disney et ancre chacun de ses protagonistes dans un contexte socio-économique, dans un univers irréel, certes, mais tangible. Cette contextualisation apporte une justification et de la nuance à des actions qui paraissent gratuites et cruelles dans les adaptations passées : la dureté de la mère, la jalousie envers Cendrillon… Ainsi, The Ugly Stepsister semble prendre certains codes à la Jane Austen, mais adapté par James Wan et Sofia Coppola.

Gorecore baroque

Si The Ugly Stepsister se joue des points de vue de manière actuelle et féministe, il n’oublie pas d’être diablement divertissant grâce à une dose de body-horror inventif qui tient pas mal du torture porn. Gore en général considéré comme gratuit, il est dans ce film amené avec plus d’intelligence, et ce, pour deux bonnes raisons.

Tout d’abord, la réalisatrice fait en sorte que l’audience ait de l’empathie pour Elvira qui est plus que de la chair à torture remplaçable. Ensuite, parce que toutes les atrocités qu’elle subit sont infligées soit par sa mère, soit par elle-même au nom d’une beauté factice et inatteignable. Le film rejoint The Substance dans son propos, et présente une fable autour de la détestation de soi dans une société patriarcale qui n’est pas prête à accepter la féminité dans toute sa vérité et sa diversité.

Un boy’s club de conte de fée

Puisque nous sommes dans une société d’hommes, arrêtons-nous un instant sur les personnages masculins qui partagent de nombreux traits de dégueulasserie avec ceux de The Substance. Emilie Blichfeldt se fait un malin plaisir à tordre l’image d’amoureux courtois du prince charmant pour en faire un sale type privilégié qui pérore bêtement et écrit de la poésie graveleuse, toujours entouré de son boy’s club du même acabit que lui.
Quant au bon père de Cendrillon/Agnès (Thea Sofie Loch Næss), s’il n’a pas bénéficié de beaucoup de temps d’écran, il est suffisant pour le montrer condescendant envers ses nouvelles belles-filles laissant clairement comprendre la différence de classe entre les deux familles.

Une sororité complexe

L’écriture du personnage de Cendrillon aurait pu tomber dans une caricature inverse. Si elle agace par son allure hautaine et ses privilèges de classe et de beauté, en tant que jeune-femme seule et dans le pétrin, ses attitudes ne semblent pas injustifiées. The Ugly Stepsister ne considère pas la jalousie supposée entre les jeunes-filles comme inée, mais la montre comme la création d’une société qui ne laisse peu de place aux femmes qui doivent se montrer hargneuses pour survivre.

La deuxième sœur, Alma (Flo Fagerli), vient en contrepoint de ses relations malsaines, car elle a tout simplement et très consciemment décidé de se tenir à l’écart de cette mascarade qu’est l’apprentissage de la féminité.

La mascarade de la féminité

Cet apprentissage de la féminité est le coeur de The Ugly Stepsister car on y voit principalement un enchainement de séquences qui montre les deux aspects de cette mascarade : les scènes de chirurgie esthétique barbares, entremêlées à celles des cours de bonnes conduites pour jeunes filles bien élevées.

On voit dans The Ugly Stepsister une réminiscence d’Innocence de Lucile Hadžihalilović qui entourait cet enseignement désuet d’un voile étrange et mortifère. Si les films partagent un sens de l’esthétique prononcé, quoique bien plus fourni et baroque pour le norvégien, Emilie Blichfeldt est nettement moins métaphorique, mais certainement plus rentre-dedans et terriblement efficace, d’autant plus lorsqu’elle se permet des embardées vers un humour noir mordant qui donne du rythme au long-métrage.

The Ugly Stepsister est une relecture maline et mordante du conte de Cendrillon qui ne lésine pas ni sur le body horror bien gruesome, ni sur une esthétique baroque et bordélique pour délivrer son message : une réflexion autour de la détestation de soi dans une société patriarcale.

The Ugly Stepsister sera à retrouver en salle à partir du 2 juillet

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A l’image de ma démarche pour les sagas Candyman et Freddy, je commence cet article par une analyse des symboles qui entourent le film. Je vous conseille fortement de voir les films avant d’aller plus loin. Parce que ça spoil sévère.

SOMMAIRE

1-Les symboles

2-Willard de Daniel Mann (1972)

3-Ben de Phil Karlson (1972)

4-Willard de Glen Morgan (2003)

1-Les symboles

Ratatouille

18,6 milliards de rats en 2016. C’est dire si le rat prend de la place. Heureusement pour nous, plutôt dans les bas fond.
Il fait parti des rongeurs les plus détestés. Il est considéré (en parti à tort) responsable de la propagation de la peste noire au XIVème siècle.
Or on sait que si les rats était porteurs de la bactérie (jusqu’à 5 millions sous chaque patte!), la mauvaise hygiène, la mobilité croissante des échanges commerciaux ont joué un rôle déterminant dans cette pandémie. Par ailleurs, c’est aussi parce qu’on avait tué trop de chats noirs par superstition, que les rats ont pu proliféré. Quand le chat n’est pas là, les rats dansent!
Associé à la saleté, à la prolifération, il inquiète par sa capacité à se multiplier rapidement. Par ailleurs, il est aussi utilisé dans des expressions courantes, de manière négative: « fait comme un rat », « les rats quittent le navire », « s’ennuyer comme un rat mort »…
C’est un animal dont on a du mal à estimer la valeur individuelle, ses forces étant représentées à travers la synergie d’un groupe de rats. Il représente la foule.

Rat, animal des bas fonds et égouts, est la parfaite métaphore pour évoquer la population d’en bas. Celle qui est non seulement rejetée, mais invisible. Celle qui parait facilement maitrisable de par sa petite taille, mais qui s’avérera plus puissante grâce à son nombre.

Un animal intelligent

Pourtant, le rat est un animal doué d’une certaine intelligence. Ce n’est pas pour rien que malheureusement il est souvent utilisé pour tester des expériences. Par conséquent, on peut aussi faire un lien avec le fait que le rat représente un enfermement, une privation de liberté.
Dans la religion hindoue, il sert à transporter le dieu Ganesh qui représente la sagesse et l’intelligence.
Il a également servi de nourriture lors de famines.
Souvent, au cinéma, quand des personnages sont coincés, les rats symbolisent leur salut, du moins leur espoir de réussir à sortir vivant.

Le rat est un animal en rondeurs, souvent associés à un élément rassurant. Mais sa queue longue et poreuse accentue un effet de dégoût. Alors que la souris est similaire, elle est souvent mieux reçue, car plus petite. Il peut être de toutes les nuances de brun, noir, blanc. Des couleurs passe partout, qui se marient bien avec une notion de groupe.
Il est aussi difficile de discerner une émotion sur le rat. On ne voit pas de joues, de gueule, seulement des petits yeux sans expression, et parfois même rouges.

Le rat est un animal d’horreur par excellence. On ne compte plus le nombre de films mettant en scène un rat meurtrier: Les rats attaquent de Robert Clouse, La créature du cimetière de Ralph S. Singleton, The Rats de John Lafia ou même l’excellent documentaire horrifique Rats de Morgan Spurlock (réalisateur du documentaire Super Size Me).

Socrate

Socrate est le rat blanc de Willard. Par sa couleur, il est symboliquement mis en opposition avec le rat noir, Ben.
Je ne vous apprend rien, Socrate est un philosophe du Vème siècle avant JC. La particularité de Socrate est d’axer ses réflexions en lien avec une certaine éthique. Notion plutôt adéquate avec la blancheur du rat.

Socrate n’a laissé aucun écrit. On connait sa philosophie à travers Platon. C’était un homme qui conversait avec les habitant-es d’Athènes, qui était un simple citoyen. Cette dernière caractéristique est importante, car on le verra plus loin, mais c’est précisément la situation de Willard. Il est donc naturel que celui ci s’identifie à ce rat, qui plus est, qui représente le bien.

La philosophie de Socrate est connue pour l’idée que le mauvais en soi n’existe pas chez l’Homme. C’est son ignorance qui l’amène à être mauvais. Par conséquent, pour y remédier, il faut apprendre à se connaître. Et à se connaître bien. Ce qui n’est pas le goût de tout le monde. J’imagine que vous avez tous-tes connu la situation où une personne vous met face à vos contradictions. Ou vice versa.

Le procès de Socrate

Mais c’est le procès de Socrate qui reste sans doute le plus dans les mémoires. Accusé de corrompre la jeunesse de certains esprits (et oui déjà!), il sera condamné à mort. Lors de son procès, il démontera brillamment les arguments de ses accusateurs cependant. En pointant notamment le fait qu’il ne peut pas avoir corrompu volontairement les esprits, car ne voulait pas souffrir, il ne va pas commettre le mal sur autrui.
Par ailleurs, même si sa condamnation est injuste, il refusera les offres de fuite de ses amis. Estimant que les lois d’Athènes l’ont élevé et qu’elles sont justes. Ce sont les hommes qui sont injustes. Il devra faire sacrifice de sa vie pour prouver à l’Histoire l’injustice de sa condamnation.

Dans Willard, Socrate meurt, tué à coups de batte par le mauvais patron de Willard. Cet événement marquera également un point de rupture dans la vie de Willard avec ses rats. Une injustice qui ne fera qu’alimenter la haine de Ben, le rat noir. Le rat symbolisant le bien n’était plus là, c’est une fois de plus la force maléfique qui gagnera.

2-Willard de Daniel Mann (1971)

Willard (Bruce Davison) est un jeune homme qui tente de se faire une place dans l’entreprise familiale. Mal dans sa peau, il se prend d’affection pour un rat, puis deux, puis trois, puis…

Daniel Mann était loin d’être un réalisateur débutant quand il a dirigé Willard. Avec plus d’une quinzaine de longs métrages, et une quinzaine qui suivront Willard, avant sa mort en 1991, Daniel Mann a eu une carrière honorable. Sans éclat, il a réussit néanmoins à tourner régulièrement.

Take the power back

L’enjeu principal de Willard est clair. C’est un homme qui cherche à reprendre le contrôle sur sa vie, ses émotions. C’est un sujet que je trouve personnellement passionnant, car nous sommes tous-tes confronté-es à diverses contraintes, qu’elles soit professionnelles ou personnelles. Si les compromis sont nécessaires, à partir de quel moment les contraintes dépassent les limites? Et quelles limites? Sans oublier qu’il n’est pas toujours facile de se rendre compte qu’on nous brime.
Nos sociétés, et notamment le travail, sont basés sur des principes très contraignants: horaires, salaires, conditions de travail, sens de ce que l’on fait…

Tuer la mère

Et l’oppression du travail est au coeur de Willard. Engagé par défaut dans l’entreprise familiale à la mort de son père, il peine à se faire respecter. D’emblée catalogué comme boulet, il est régulièrement humilié par son patron malgré ses efforts. C’est une tragique mais classique manière de développer de l’empathie pour un personnage, très claire pour le-a spectateur-rice.

L’oppression continue dans un univers que l’on ne peut pas choisir en revanche; la famille. Celle de Willard est composée de sa mère, et de quelques ami-es de celle ci. Cette famille ne manque pas d’amour, mais de respect de zone d’intimité. On lui dit quoi faire, quoi dire, quoi penser.
La mère est particulièrement invasive, pratiquant une certaine violence psychologique en le culpabilisant ou le rabaissant. Elle est d’ailleurs toujours filmée comme dominante.
Mais malade, elle est aussi très faible et dépendante de Willard. Cette dépendance, elle tente de la contrebalancer en faisant pression sur son fils.

Le basculement

Au hasard d’une balade dans son jardin (qui a fait office de jardin légèrement onirique rappelant le point de départ d’Alice au pays des merveilles), Willard repère un rat qu’il commence à nourrir. Il en découvre d’autres, et alors qu’il s’apprête à les tuer en les noyant dans un bassin (qui sera donc notre fusil de tchekhov), il découvre son pouvoir de vie et de mort sur ces bêtes, en les épargnant.
Dès lors, il se sent plus fort. Et c’est montré simplement par ces plans en opposition:

La faiblesse de la mère est montrée à travers sa pénible montée de l’escalier grâce à son fauteuil. Plus loin, Willard utilise ce même fauteuil pour monter alors que sa mère l’appelle sans relâche. Non seulement il remplace symboliquement cette mère pour le moins pénible, mais en plus il est devenu détendu et confiant, tenant entre ses mains son rat, Socrate.
Ce pouvoir enivrant de contrôler qu’on exerce fortement sur lui, il en ressent les effets très rapidement. Comme une drogue. Parce que très vite, il développe une armée de rats, dans sa cave. Comme une envie irrépressible d’aller toujours plus loin, et d’accroître son pouvoir à mesure que son groupe de rats grandit.

L’enfer c’est les autres

On ne peut qu’être en empathie avec Willard. Son patron est un type qui prend plaisir à manipuler et rabaisser ses employé-es. On a évidemment sa mère envahissante, mais aussi une amie de celle ci. A la mort de la mère de Willard, cette femme ne cesse de s’immiscer dans la vie de Willard sous prétexte de lui rendre service. Sans tenir compte de ses besoins, elle ne comprendra même pas ses torts quand Willard se montrera plus ferme. L’illustration parfaite de la personne qui parce qu’elle se rend serviable avant même d’avoir été sollicitée, ne se rend pas compte qu’elle ne respecte pas l’autre.
Il faut voir comme le cadrage en contre plongée accentue un effet presque diabolique.

Et à ce propos, je vous conseille d’écouter cet épisode d’Affaires sensibles. Sur un sujet complètement différent (l’infanticide), il est expliqué que dans l’enfance de la mère meurtrière, elle était gavée. Jamais elle n’a pu exprimer ses besoins, ses envies de manger ou pas. Pour avoir la paix, elle était nourrie constamment. Et il est expliqué qu’un enfant à qui on ne donne pas l’opportunité d’exprimer ses besoins, peut créer des névroses.

La domination entre blancs

Willard n’a pas d’ami-es, il est profondément seul et haï. On comprend aisément sa passion pour les rats, animaux rejetés.
Ceci dit, c’est son entourage qui sont mis en scène pour rappeler les rats. Alors que l’enterrement a à peine eu lieu, ils se jettent sur la nourriture.
Par ailleurs, au début, quand ils accueillent Willard pour son anniversaire, ils se pressent autour de lui. Leurs têtes occupent le devant de la caméra.

Enfin, la notion de domination de l’autre passe par le personnage du patron. Evidemment à travers les diverses humiliations et rabaissements. Mais aussi à travers le fait que le patron se doit d’être respecté et admiré pour garder son pouvoir. Ainsi, le rapport de domination vacille quand la fête du patron est gâchée par les rats. A son tour, il est l’objet de moqueries. Son statut se modifie.
Il ne remontera dans l’estime sociale que quand il fera preuve de force physique en tuant Socrate. Une manière de montrer que la domination ne va pas forcément de paire avec le statut. Et qu’il faut régulièrement s’imposer pour conserver son pouvoir.

Le créateur dépassé par la créature

Il est inévitable de rapprocher Willard avec l’histoire de Frankenstein créé par Mary Shelley.

Tout d’abord parce que c’est Willard qui donne véritablement vie et pouvoir aux rats, et en particulier à Ben. Tout comme Victor Frankenstein, Willard utilise les rats à ses fins personnelles, pour se revaloriser.
Sans se soucier des conséquences, ni de la manière dont cette situation peut durer dans le temps, il est concentré sur ce que les rats lui apportent sur l’instant. Comme Frankenstein, qui se dépasse pour réussir à donner vie à la créature.
Et tout comme le héros de Mary Shelley, il pense avoir un réel contrôle sur sa création. A plusieurs reprises, on le voit interagir avec ses rats, les informant de règles de vie à suivre. Tout comme Victor, qui pense avoir le dessus sur son monstre, quand celui ci montre sa dangerosité.
De plus, les rats et la créature sont considérés comme répugnants.
Enfin, la rébellion des rats contre Willard est évidemment similaire à celle de la créature envers Frankenstein. Les deux bêtes sont blessées de la trahison de leurs créateurs. Et cherchent à se venger.

Frankenstein sur la planète des singes

Mais l’analogie peut aussi se poursuivre concernant la situation de classe de Willard. Je vous invite à lire mon article sur une conférences donnée aux Utopiales, à propos du lien entre le livre de Shelley et Marx. Pour faire court, Frankenstein renvoie au corps du travailleur qu’on utilise.
Comme nous l’avons vu précédemment, Willard est en bas de l’échelle. Il est en plus méprisé et humilié. Il est clairement vu comme un objet à utiliser par son patron. Que ça soit concernant son travail, mais aussi en lui arrachant sa maison, par intérêt immobilier.

On peut également faire un parallèle entre Willard et La Planète des Singes. Cette manière d’utiliser les animaux (les rats et les singes étant intelligents), pour servir ses intérêts, et sans se soucier véritablement d’eux est un thème en commun entre les deux films. Tout comme leur soulèvement.
Une manière de montrer aussi que l’Homme, en voulant tout s’approprier et tout contrôler, finit par le payer.
Ce rapprochement se fera d’autant plus dans la suite de Willard, Ben.

Créateurs face à leurs créatures…Encore une belle illustration de l’Homme qui se prend pour Dieu.

Un beau personnage féminin

Mais mon coup de coeur pour Willard est aussi dû à ce personnage féminin bien écrit. Pas assez important, mais très positif, surtout pour l’époque.

Joan (Sondra Locke), est la collègue embauchée en renfort pour aider Willard. Willard étant vu comme un incapable par son patron, Joan, est embauchée temporairement en renfort pour aider Willard. C’est un personnage en position de force par rapport à lui: elle n’a pas d’attaches à l’entreprise, et elle sait qu’elle est là car Willard est considéré comme incompétent. Celui ci occupe la place la plus déconsidérée dans l’entreprise. Il est mal payé, moqué, humilié, écarté des festivités de l’entreprise…Joan a donc forcément une image de looser de Willard. Et pourtant elle fait preuve constamment de bienveillance. Même si c’est une caractéristique habituellement attribuée aux femmes, ici ça ne fait pas d’elle une nunuche pour autant. On sent qu’elle est touchée par Willard, sans aller jusqu’à l’infantilisation. Elle est la seule qui l’écoute, l’encourage et surtout lui fait prendre conscience qu’il n’est pas traité correctement.
Ce personnage de femme est attirée par le looser de l’histoire, non par pitié, mais par réelle considération de sa personne.

Un vrai soutien

Elle est aussi le symbole d’un basculement de Willard en lui offrant un chat. C’est la prise de conscience que sa situation au milieu des rats n’est pas tenable. Et son comportement bienveillant envers lui, ne peut que l’encourager à aller de l’avant et à envisager des relations humaines saines.
Par ailleurs, elle fait preuve d’éthique, en tenant tête sans éclat mais fermement, au patron qui tente de la liguer contre Willard.
Sa distinction par rapport à l’entourage de Willard se traduit aussi par ses vêtements. Elle est toujours habillée non seulement avec des vêtements à motif renvoyant à une jovialité, mais ils sont surtout en opposition avec ceux de l’entourage de Willard, qui sont eux, unis.
Elle est également blonde, et c’est souvent une couleur de cheveux associée à la pureté au cinéma.

Willard s’avère être un très bon thriller horrifique, qui prend son propos au sérieux. Notamment au travers du traitement des rats, qui sont filmés tel quels, sans artifices. Une belle peinture d’une comédie humaine.

3-Ben de Phil Karlson (1972)

Ben, le leader des rats, et sa meute terrorisent la ville. Ils sont recherchés par la police. Parrallèlement il fait la rencontre avec un petit garçon David, se lie d’amitié avec Ben.

A peine les résultats du box office sont connus, que la suite est dans les tuyaux. Les producteurs ont besoin de sortir Ben rapidement. Il faut donc un réalisateur efficace, à l’heure, et connu pour ne pas dépasser le budget. C’est le cas de Phil Karlson qui réalise plutôt des westerns, ou des films de gangsters. Il co réalise également Roger Corman, producteur qu’on ne présente plus, connu pour boucler des films à petits budgets.
Ben est plutôt un film de commande pour Phil Karlson. Il est écrit par le même scénariste que Willard.

David au pays des rats

Le point commun entre David, le petit garçon, et Willard est leur isolement et leur sentiment de solitude. Mais je dirais que la comparaison s’arrête là.
David est un enfant, il a donc une véritable part de naïveté qui est la bienvenue (contrairement à Willard qui est handicapante). Par ailleurs, il est gravement malade. Atteint d’un problème au coeur, il doit faire attention à ne pas trop s’agiter. Compliqué pour un enfant. Il a également perdu son père récemment. Et l’amour de sa mère et de sa grande soeur ne suffisent pas à son épanouissement.
C’est dans ce contexte, qu’il voit en Ben, un compagnon idéal.

Viens jouer avec moi

La mise en scène de la rencontre est très astucieuse. On voit David, qui joue aux marionnettes laissées par son père. En un plan, on nous montre la solitude que ressent le petit garçon. Mais on peut aussi y voir la notion de manipulation et de contrôle grâce à la marionnette. Et le plan d’après, on voit Ben arriver, en premier plan, qui nous semble deux fois plus gros que David. On sait ainsi, qui va véritablement prendre le contrôle.

Si Ben est venu sauver David de la solitude, celui ci viendra à son tour sauver le rat d’une mort certaine. Le petit garçon se savant en danger, tente également de protéger son ami. C’est en fait lui même qui tente de se battre contre la fatalité.

Par ailleurs c’est un personnage de petit garçon assez inhabituel au cinéma. Bien sûr, pour les besoins de l’intrigue il est normal qu’il soit marginalisé. Mais des détails ne font qu’apporter épaisseur au personnage.
Par exemple il chante et joue divinement bien du piano. Il fait preuve de maturité en étant capable d’entendre des vérités brutales sa possible mort.

Distinguer le bien et le mal

Il est aussi très lié avec sa mère et surtout sa soeur. Celle ci lui tient un discours particulièrement honnête sur le fait que la maladie de David peut le tuer. Cette relation basée sur la pure vérité entre entre eux, procure un vrai dilemme à David. Comment peut il continuer de mentir alors que dès qu’il dévoilera la présence de Ben, il en sera privé?
De plus, il ment régulièrement pour protéger son rat. Tout en étant conscient de l’abus de Ben, qui fait peur à une partie de Los Angeles.
A mon sens, David fait aussi là, l’apprentissage du bien et du mal.
C’est par ailleurs, symbolisé par le fait qu’il se plonge dans l’univers des rats, comme Alice au pays des merveilles. A travers un tunnel, il cherche à comprendre comment ses amis vivent. Tout comme à la fin, lorsqu’il se surpasse en venant aider Ben.

Des rats pas si diaboliques

Le traitement à l’image des rats est particulièrement réussi. Bien mieux que dans Willard à mon sens. Il faut noter qu’il faut être particulièrement habile de montrer des rats agressifs, mais d’en faire un compagnon de jeu mignon.
Phil Karlson parvient à montrer Ben comme véritable chef, avec des gros plans, et des contre plongées. Mais c’est surtout qu’il capte une certaine noirceur dans son regard. On a vraiment le sentiment qu’on va se faire attaquer.
Le reste des rats sont filmés uniquement de manière à montrer une meute. Toute la concentration est portée sur Ben.
Et le lien entre David et Ben permet au spectateur d’être en empathie avec les personnages. On sait que cette curieuse amitié est bénéfique pour David, malgré les actes de terreur de Ben. Par ailleurs, Ben possède de belles scènes qui illustrent ce lien amical, comme la chanson de David qu’il utilise en manipulant une marionnette à l’effigie de Ben.

Le rat philanthrope

Ben s’avère être un personnage plus complexe que dans beaucoup de films d’horreur. Il tue quand il se sent menacé: par Willard, le policier. Il est responsable de sa meute et il faut la nourrir, donc les rats vont dévaliser un supermarché. Au passage, on peut voir cette séquence comme le saccage de grande consommation, par un symbole underground et sale, les rats. C’est appuyé par la réplique d’un journaliste qui répond « On dira que c’est une action écolo » quand un des flics demandent ce qu’on pourra en dire. Une des scènes les plus impressionnantes du film.
Enfin, Ben attaque aussi les personnages qui s’en prennent à son ami. Bref, en vrai, il est loin d’être un être diabolique. Il cherche juste sa place. Comme David, comme tout le monde.

Mais même si cette violence est modérée, on voit à quel point cette marginalité peut poser problème.

Los Angeles infesté

Entre toutes les scènes avec David, on assiste à la terreur répandue par les rats. Ils touchent des lieux emblématiques d’une ville: les hôpitaux, les supermarchés. Mais aussi des lieux spécialisés qui s’adressent à une clientèle plus haut de gamme: une belle fromagerie, et un spa.
Ces lieux ne sont pas choisis au hasard, ils renvoient au fait que les rats, créatures d’en bas, veulent viser plus haut. Du bon fromage de qualité, par exemple. Ou reprendre une certaine forme de pouvoir sur des dominants se croyant à l’abri.

Par ailleurs, Ben insiste fortement sur l’attraction de la population pour le fait divers. Il y a plusieurs plans généraux montrant la foule (qui fait aussi référence à la meute des rats). Mais on peut aussi noter un détail sur chaque visage par la suite. L’idée est de montrer que c’est le comportement individuel qui finit par former un comportement de groupe.
On constate également leur passivité extrême face à l’horreur de meurtres ou de saccages. On les sent comme hypnotisés face à quelque chose qui devrait les révolter ou les faire fuir.

A feu et à rats

Même s’il a un peu vieilli, le final avec la tentative d’exterminer les rats dans les égouts est prenante. On a bien assimilé l’intelligence et la capacité des rats à se défendre, alors on se demande bien comment l’affrontement va se dérouler. Cette fin fait directement référence au film Les monstres attaquent la ville (1954) de Gordon Douglas. Dans ce dernier, ce sont des fourmis géantes qui sont détruites au lance flamme à Los Angeles également.

Ben s’avère être une suite très pertinente car elle utilise des sujets similaires à Willard, tout en renouvelant son traitement. Même si le film dépasse un peu plus de quoi rembourser le film, les recettes s’avèrent décevantes et le troisième opus est annulé.

Détails amusants: le rat incarnant Ben a été récompensé deux fois de l’équivalent des Oscars des animaux, les PATSY awards. Et la chanson originale du film est interprétée par…Mickaël Jackson.

4-Willard de Glen Morgan (2003)

Willard (Crispin Glover) est un homme taciturne et isolé avec sa mère dans la grande maison familiale. Il se lie d’amitié avec un rat blanc, Socrate, et s’entoure de rats pour tenter de prendre sa revanche face à cette société qui le méprise.

Je vous avouerai que j’étais moyennement emballée devant ce remake du premier opus. Et même s’il s’avère moins percutant, il n’est pas dénué de qualités.

Le duel Ben/Willard

Willard a l’intelligence de se démarquer sur un point principal: la relation du personnage avec Ben, le rat noir. D’emblée, on comprend que Ben est et sera toujours le vrai chef. Et surtout, à aucun moment Willard n’a de sympathie pour lui. Contrairement au film original, où la relation se dégrade petit à petit. Le film est donc centré sur le duel permanent entre Willard et Ben.
Le premier problème c’est que ça en fait un film très prévisible. Malgré les quelques tentatives de Willard de faire barrage à Ben, on sait que le rat prendra le dessus. Et nous montrant Ben qui désobéit dès les premières minutes du film, le cadre est posé. Il aurait été plus pertinent de se pencher sur les raisons du rat à se comporter ainsi . Pourquoi et comment se distingue t il de Socrate, qui s’avère être un ami protecteur de Willard.

Le deuxième problème c’est que ça empêche le film de déployer le processus de marginalisation de Willard. Finalement, il y a peu de scènes avec le patron de Willard. Et globalement Willard est même filmé majoritairement chez lui, coupé du monde extérieur.
A tel point que les personnages secondaires sont tellement négligés qu’ils en deviennent insignifiants, voire gênants. Comme le patron, et surtout Cathryn incarnée par Laura Harring, qui incarne la collègue sympa. Un personnage féminin qui n’a aucun intérêt.

La mise en scène et le scénario s’appliquent à mettre en lumière le poids de la famille, qui ont fait de lui un marginal. Plus que le monde extérieur.

Le pingouin au pays des rats

A mon sens, Willard a beaucoup de points communs avec le pingouin dans Batman le défi de Tim Burton.
Ainsi on peut remarquer que Willard est:

• considéré comme répugnant,
• se lie d’amitié avec des bêtes du bas fond,
• a une attitude corporelle assez proche,
• n’est pas aimé par sa famille. Sa mère va jusqu’à lui faire perdre son identité en l’appelant par un autre prénom car elle juge celui de Willard comme laid,
• vient d’une famille riche mais finit pauvre.

Par ailleurs, en termes visuel, le générique m’a fortement fait pensé à l’univers de Tim Burton. Cette typo gothique, ces cadres étranges, et tous ces élément sortis d’un rêve qui penche vers le cauchemar.

Par conséquent, à mon sens, il est davantage en quête d’amour, que de pouvoir, contrairement au film original.
On voit qu’il est très attaché à Socrate, la relation avec le rat blanc est plus significative. Le rat le sauve de sa tentative de suicide par exemple.

Le poids de la famille

Au contraire, Ben est associé à l’héritage financier et entreprenarial perdus du père, au poids de la famille. Willard a peur d’avancer, de faire face à cette catastrophe qu’il ne peut pas éviter. Cette famille qui l’empêche d’avancer et d’être lui même. La mise en scène le dit clairement en liant Ben au portrait du père.

Par ailleurs, contrairement au premier film où la mère est dépeinte comme envahissante et dominante, ici elle fait peur. C’est presque le fantôme qui hante la maison. La mise en scène le traduit avec des séquences de dialogue avec Willard où on la voit pas. On entend juste sa voix inquiétante.
Et la scène où elle crache du sang en vociférant n’est pas sans rappeler L’Exorciste.

Fait comme un rat

Cette peur s’exprime aussi à travers le fait que Willard est enfermé dans cet héritage, dans son travail. Toute la mise en scène est basée sur cette notion d’enfermement, beaucoup plus que sur marginalisation. Et ce de manière différente. On le classique du grillage sous toutes ses formes:

Mais la notion de piège se traduit aussi par les décors. L’entreprise ressemble à une prison. Sa chambre est quadrillée. Les plans du dessus dans sa maison donne l’impression qu’il est dominé.
Sans compter qu’il termine par être véritable enfermé, en asile.

Cette peur de tout, lié à l’enfermement, traduit un besoin d’appeler à l’aide. Et cette aide se traduit à travers sa tentative de suicide devant Socrate, les 911 que l’on voit régulièrement dans le film. Aussi bien sûr via le final, qui apporte une note d’espoir pour Willard, avec ce rat blanc qui vient lui rendre visite dans sa chambre.

Dommage que le personnage manque de cohérences. Sa rencontre et surtout sa maitrise des rats apparait soudainement, sans un quelconque lien. On ne comprend pas non plus pourquoi il veut tuer tous les rats après avoir attaqué son patron. Il n’a aucune raison de s’en prendre à eux. Ici le personnage féminin ne peut pas être une raison.

Les rats contre attaquent

Mais Willard se distingue surtout par ses séquences emblématiques de la masse de rats qui attaquent. Je pense à la scène de l’ascenseur (avec ce débordement de rats qui fait penser à la vague de sang dans Shining). Mais surtout à celle avec le chat qui tente désespérément d’échapper à la horde de rats. Une très belle séquence.
Par ailleurs, le film montre les toilettes comme conduit pour les rats. Et le documentaire Rats nous prouve que c’est une porte d’entrée pour les rats pour s’introduire dans les maisons.

Willard est un remake qui apporte une dimension nouvelle au personnage mais qui pêche par la négligence de ses personnages secondaires. Cela ne fait que renforcer les incohérences qui traversent le film. Et l’empêche d’être aussi percutant que l’original. Mais c’est un thriller efficace, à découvrir.

Une saga tristement méconnue

Si Willard ne marquera pas par sa dimension horrifique, les thèmes abordés sont divers et passionnants: rapports de domination entre blancs, isolement, poids familial. En cela, les films se distinguent nettement malgré une intrigue similaire. Il est dommage qu’elle ne soit pas plus évoquée et restée dans les mémoires.
Et vous? Aimez vous cette saga?

Pour naviguer sur l’article:

1-Les symboles

2-Willard de Daniel Mann (1972)

3-Ben de Phil Karlson (1972)

4-Willard de Glen Morgan (2003)

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« L’important c’est le film, pas de savoir si c’est un réalisateur ou une réalisatrice« . Cette phrase on l’entend régulièrement lors de débats houleux autour de la parité dans le cinéma. On retrouve la même logique dans la critique d’art. Dont la parité est loin d’être une réalité.

J’ai lu et entendu des arguments qui non seulement sont d’un grand mépris, mais aussi hors sol. Si Slate (dont l’article donne déjà quelques chiffres) et Madame Figaro se sont déjà emparées du sujet, la place des critiques cinéma femme reste un sujet touchy.
Alors, pourquoi est il important d’avoir aussi la parité dans la critique cinéma?

Les oppressions systémiques, ennemis de la parité

Je partirai du principe que c’est acquis que vous ayez conscience que nous vivons dans une société sexiste, raciste, validiste, homophobe, psychophobe, classiste, transphobe, etc…

Notre société est pensée par et pour des hommes blancs cis hétéro, et pour des personnes se conformant aux attentes d’un système basé sur le capitalisme. Que vous en soyez un mec cis hétéro sympa ne change rien au problème. On parle ici de société structurelle, systémique, pas d’anecdotes personnelles. Si vous n’êtes pas d’accord avec ça, ou que ça vous paraît obscur, le reste de l’article n’aura pas beaucoup de sens pour vous.
Et la recherche de parité est une partie de la solution à ce problème. A savoir, réduire les inégalités.

La difficulté de remettre en question ses certitudes

Mais si vous êtes d’accord avec ça, peut être êtes-vous moins sensibles au fait que vous avez forcément des biais qui font que vous avez des réflexions de sexisme ou de racisme ordinaire.
Je m’explique. Je suis blanche. Vivant dans une société structurellement raciste, j’ai forcément des biais qui font que je peux avoir des réflexions racistes sans le savoir, sans le repérer, sans le comprendre tout de suite. Suis je raciste pour autant? Non. L’exemple le plus parlant ce sont des blanc-hes qui disent ne pas voir les couleurs de la peau. Ca part d’un bon sentiment. Mais ça participe à nier l’identité des personnes, ses oppressions, ses problématiques propres. Et ça ne fait pas disparaître le racisme. Au contraire, ça participe à invisibiliser le réel problème. Ca parait anodin, et pourtant, la problématique liée aux cheveux crépus par exemple, est un véritable axe politique dans Black Panthers.

Toujours est il que c’est valable pour n’importe quelle oppression que nous ne vivons pas. Ainsi, il faut avant tout avoir une capacité à se remettre en question. Et si cette démarche peut vous paraître curieuse, plongez vous dans des études sociologiques qui expliquent par des faits et analyses comment la société est construite de ces oppressions. Nous avons des visions à déconstruire.

Voilà pourquoi il est important d’avoir une diversité et une parité dans la critique, qui nous permet de poser d’autres regards sur les oeuvres. De nous ouvrir à d’autres lectures et surtout d’élargir notre esprit critique.

Le cinéma s’inscrit dans la réalité

Tout ça pour dire que comme nous ne vivons pas tous-tes les mêmes oppressions systémiques (voire certains aucune), nous ne pouvons pas avoir le même regard sur le monde. Donc sur le cinéma. Par conséquent, certain-es peuvent comprendre ou déceler et voir des choses que d’autres ne comprendront jamais. Et c’est plutôt une richesse de prendre connaissance d’un regard que vous n’avez peut être pas sur un film non?

Ce qui est plus problématique, c’est d’insinuer que des arguments basés sur la réalité du terrain, ne sont pas recevables pour critiquer un film. Si on pense cela, ça veut dire qu’on conçoit le cinéma déconnecté du monde, de la réalité, des enjeux de société.
Or, on sait que le cinéma est un formidable outil pour refléter notre monde. Donc ces arguments n’ont aucun sens. Si ce n’est préserver une sorte de « liberté » à tout prix. Dans tous les cas, les films ne sont pas censurés non? Alors où est le problème? Ils continuent de faire des entrées et d’êtres récompensés, à l’image de J’accuse de Polanski.
La parité n’est pas synonyme de liberté en danger. Mais plutôt de varier les points de vue sur un film.

L’important ce sont les arguments

Mais oui. C’est vrai. Evidemment que critiquer un film nécessite de s’appuyer sur la mise en scène, l’écriture des personnages, montage, etc. Et il me semble que nous avons tous-tes des avis différents, et une manière de recevoir un film qui diffère. Cela est lié à notre personnalité, notre histoire, nos vécus actuels, nos évolutions…Nous nous nourrissons de cela pour apprécier ou pas un film. Nous avons pour la plupart des engagements dans notre vie (associatifs, artistiques, humains…). Et l’engagement féministe peut faire parti d’un quotidien.
Pourquoi, alors cet engagement n’aurait pas de légitimité? Pourquoi n’aurait il pas sa place dans la critique?
Il y a aussi des critiques féminines qui sans parler d’un engagement au quotidien, ont envie de voir à l’écran des représentations de personnages de femmes qui leur ressemblent, qui ne sont pas majoritairement vides ou sous traités.
Et on peut tout à fait avoir des arguments solides pour démontrer une vision misogyne d’un personnage.

Par ailleurs, des hommes sont tout à fait capables de démontrer la force d’une oeuvre féministe. Je pense par exemple à Alphi qui décortique la mise en scène magistrale de Fleabag.

La censure

La critique féministe est souvent associée à la censure. A ce sujet, je vous conseille d’écouter le podcast de Sorociné à ce sujet.
Si parfois on ne peut que noter une certaine mauvaise foi, il est bon de rappeler que la critique féministe n’a pas vocation à brûler les oeuvres d’antan. Celles ci sont même des témoignages d’une époque, d’une manière de filmer. La critique féministe a plutôt comme objectif de proposer une nouvelle lecture de scènes, de personnages qui peuvent être problématiques. Dans l’idée d’encourager à créer des choses différentes aussi car je ne vois pas l’intérêt pour l’art de perpétuer les mêmes représentations. Je trouve cela même positif de valoriser un cinéma qui essaye de renouveler des schémas afin d’être à son tour, un témoin de son époque.

Si on reprend l’exemple des nominations de Polanski aux Césars, il y a des critiques féministes qui ont fait des recherches basées sur des faits pour montrer l’absurdité d’une soi disant censure. On a le droit ne pas être d’accord, mais on ne peut pas dire que c’est basé sur des convictions personnelles qui ne sont pas ancrées dans la réalité. Je vous propose de regarder la vidéo de Dolorès Critiques qui est tout à fait pertinente:

La parité, ce mirage

Je me suis donc penchée sur les représentations des critiques dans des revues de cinéma et des sites web. Ces chiffres sont donnés à titre d’éclairage, ce n’est pas une critique du contenu. La question n’est pas non plus de savoir si ces media sont conscients du problème ou pas, s’ils y travaillent ou pas et dans quelles mesures. Ici c’est simplement un constat.

Presse papier

Première

J’ai passé en revue 40 critiques publiées sur leur site et j’ai compté 16 critiques dont 4 femmes. Par ailleurs, les critiques sont rédigées majoritairement par 3 journalistes hommes (dont un qui cumule 13 critiques quand le second qui le talonne en a 5). Les noms de ces femmes critiques ne reviennent qu’une fois ou deux.

Les Inrockuptibles

Je suis remontée jusqu’à février 2020 donc 72 critiques. J’ai noté le nom de 13 critiques dont 3 femmes. Point positif, l’une des critiques femmes Marilou Duponchel revient 12 fois et celui de Bruno Duruisseau 18 fois. Elle fait partie des trois principaux critiques qui reviennent le plus.

Mad Movies

Sur l’ensemble des critiques postées, j’ai noté 8 critiques hommes. J’ai aussi été vérifier dans les quelques numéros que je possède et aucune femme. En même temps Mad Movies est aussi connu pour ses rhétoriques parfois bien teintées de sexisme.

Web

Ecran Large

Sur Ecran Large je compte 10 critiques dont 3 femmes, sachant que là aussi, la majorité des critiques sont rédigées par 2 hommes (surtout un qui en compte 27 sur 55 que j’ai parcourues).

Le Bleu du Miroir

Le Bleu du Miroir est l’un des seuls sites qui répertorie le nom de ses contributeur-rices dans sa barre de navigation. Il y a donc 12 personnes dont 3 femmes. Et sur les 3, 2 ont droit à 9 et 11 pages de critiques, relativement similaire aux hommes.

Télé, radio, YouTube

Le Cercle

Seule émission télé de critiques de films Le Cercle est diffusé sur Canal plus, et existe depuis 2004. Je compte 31 intervenant-es dont 12 sont des femmes. Donc on peut dire qu’on est vraiment pas loin de la parité, d’autant plus que celle ci est toujours respectée sur le plateau. Le problème de la télé c’est que ça se voit tout de suite quand il manque de femmes, du coup l’effort est d’autant plus nécessaire. En revanche, on y voit majoritairement des blanc-hes.

Le Masque et La Plume

Cette émission phare et historique de France Inter qui continue à ne pas remettre en cause ses différentes sorties sexistes et homophobes comptent 35 intervenant-es dont 8 femmes. La parité est globalement respectée lors des émissions.

YouTube

Si vous tapez « les cent premières chaînes de cinéma YouTube », ou « chaîne YouTube cinéma » il y a deux chaînes tenues par des femmes qui sont citées: Perle ou Navet et Les Chroniques de Vesper (citée une fois).

En 2017, la seule chaîne tenue par une femme qui apparaissait dans le top 10 est Ginger Force (et encore elle ne traite pas que de cinéma) qui compte 48 400 abonnés malgré que la chaîne n’existe plus.
Maintenant, la youtubeuse en tête est Clara Runaway qui a eu droit à un article dans les Inrocks et Télérama, avec 100 000 abonné-es.
Si on compare avec les plus grosses chaînes YouTube c’est cacahuète:

-Le Fossoyeur de films: 783 000 abonné-es,
-Captain Popcorn: 481 000 abonné-es,
-In the Panda: 319 000 abonné-es,
-Durendal: 297 000 abonné-es,
-Alt 236: 243 000 abonné-es,
-Nexus VI: 211 000 abonné-es,
-Scinéma: 126 000 abonné-es,
-Versus: 121 000 abonné-es,
-Licarion: 113 000 abonné-es,
-Azz l’épouvantail: 106 abonné-es…

Paye ton invisibilité

Conclusion: Une YouTubeuse cinéma dépasse les 100 000 abonné-es quand on compte au moins 6 youtubeurs qui dépassent les 200K. Et n’allez pas me dire que c’est une question de qualité de contenu parce que vous comme moi, on sait que ne serait ce que dans cette liste, il y a à redire.
La parité est un idéal que les YouTubeuses sont loin d’approcher.
Après si jamais vous en trouvez une, n’hésitez pas à me la signaler, je la noterai avec plaisir!

Alors pourquoi? Par manque de confiance, par manque de crédibilité accordée aux femmes de façon consciente ou non et aussi par peur des représailles. Le cyber harcèlement concerne principalement les femmes.

J’en profite pour vous conseiller des chaînes tenues par des femmes:

–Demoiselles d’Horreur,
–Laura Fait Genre,
–Vidédrome,
–Dolorès Critiques,
–Welcome to Prime Time Bitch,
–SweetBerry,
–Amazing Lucy,
–Cinémaniaque,
–La Manie du Cinéma,
–Cinéma et politique,
–Zoétrope,
–AnneLyse Desanto,
–Les Nécroniques de Laya

Enfin, s’il est déjà assez compliqué d’avoir une vision globale du problème pour les femmes, c’est d’autant plus difficile pour les personnes racisées. Mais le problème de fond est le même. Le cinéma a vocation à raconter les histoires de personnes aussi différentes soient elles de par le monde. Il parait logique que la critique cinéma doit être aussi diversifiée.
Le problème n’est pas de « censurer » des oeuvres, mais plutôt d’offrir un maximum de points de vue possibles sur un film. Mais aussi de visibiliser des films qui s’attacher à proposer des histoires différentes, des personnages riches, des mises en scènes innovantes…Et ce n’est pas en valorisant un seul point de vue que le cinéma va s’enrichir (sauf le tiroir caisse).

L’absence de parité est un problème qui touche tous les secteurs. Seulement, ce problème reste un non sujet dans la critique cinéma, notamment dans le milieu amateur. Il est temps que ça change.

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Dans la société comme au cinéma, les femmes non blanches subissent une double oppression: le sexisme et le racisme.

Avant d’aller plus loin, je vais préciser d’où je parle. Je suis une femme blanche. Je ne suis donc pas concernée par le racisme et malgré ma déconstruction sur le sujet, il se peut que je n’ai pas toutes les clefs pour comprendre ou expliquer. Ça me paraissait important d’évoquer ce sujet, encore peu abordé massivement. N’hésitez pas à commenter si besoin.
Je vais me concentrer sur la France. Les personnes non blanches dans le cinéma américain par exemple mériteraient un autre article tant les problématiques sont différentes.

Il est toujours très compliqué d’évoquer précisément le manque de présence de personnes non blanches dans le cinéma. Car comme dans tous secteurs, le fait de dresser un état des lieux du nombre de personnes par couleur de peau est interdit en France. Les dérives qui peuvent en découler sont compréhensibles. Pour autant, si on ne connaît pas la situation exacte, comment s’attaquer au problème?

Si on ne sait pas combien de personnes non blanches sont actives dans un secteur, comment combattre la non représentation, le racisme?

Cliché mon amour

Pour entrer en matière, je vous propose l’article de l’association Lallab, qui recense la plupart des clichés que l’on rencontre vis à vis des personnes non blanches. Certains sont d’emblée maladroits, ou racistes involontairement (même si toute personne blanche l’est, car notre société est construite sur du sexisme et du racisme, donc il est difficile d’éviter des pensées/remarques racistes). D’autres partent d’une bonne intention comme dirait l’autre. Dans tous les cas, ils illustrent la manière dont les personnes racisées sont le plus souvent représentées au cinéma. Et ces clichés ont tous un point commun: montrer un aspect négatif. Voleur-euse, bruyant-e, illetré-es, faibles, fanatiques, superficiel-les…

Et quoi qu’on en dise, cela a une influence sur la façon dont nous percevons ces personnes ensuite dans notre quotidien. Surtout que ces clichés existent…comme pour des blanc-che-s! Mais, le peu de personnes racisées que nous voyons dans cet art populaire qu’est le cinéma, sont toujours dans les mêmes situations.

On a beaucoup parlé de la sortie fracassante d’Adèle Haenel aux Césars 2020, mais le discours politique est venu d’Aïssa Maïga, qui a provoqué un énorme malaise. Elle dénonce sur un ton à la fois ferme et taquin le manque cruel de diversité. Elle a mis tout le monde mal sûrement, mais il faut nous mettre mal pour comprendre ces enjeux.

Attention, ici je m’attarde peu sur la qualité des films. C’est vraiment la représentation des personnages qui m’intéresse.

Représentation des personnes non blanches

Mi figue mi raisin

Les films suivants ont le mérite de représenter des minorités, et dans des rôles qui volent plus haut que les vulgaires clichés que l’on trouve dans 95% des comédies françaises. Ils sont loin d’être parfaits car ils se rapprochent de ces clichés. Mais la force qui s’en dégage et les interprétations réussies en font des objets cinématographiques utiles.

Divines de Houda Benyamina

Réalisé par une femme arabe, avec des personnages féminins forts, j’aime beaucoup Divines.
Force est de constater que les personnages principaux joués par Oulaya Amamra, Jisca Kalvanda et Déborah Lukumuena. Deux femmes noires et une femme arabe.
Ces trois actrices jouent des rôles femmes guerrières, indépendantes, autonomes qui cherchent à s’en sortir. Et c’est surtout une des plus belles histoires d’amitié que j’ai pu voir au cinéma.

Pour autant, ces femmes noires et arabes vivent dans un quartier dit « sensible », et touchent le fond de la pauvreté. Elles utilisent également le cliché de la manière de parler type « banlieue ». Donc si Divines renouvellent la manière de filmer des jeunes femmes, ce n’est pas le cas concernant les minorités.

Bande de filles de Célina Sciamma

On retrouve ici la même problématique que pour Divines. Céline Sciamma film des jeunes femmes noires en banlieue, sur fond de trafic de drogue. Bande de filles met au centre quatre personnages de femmes noires. Du jamais vu.
Elles sont jouées par Karidja Touré, Assa Sylla, Lindsay Karamoh, et Mariétou Touré. Le problème c’est qui se souvient de ces actrices? Elles n’ont pas fait grand chose depuis, sinon des petits rôles pour certaines.
Elles ont bien fait fonctionner cette bande de filles, quitte à ce qu’elles ne forment plus qu’un unique personnage. Sacrifiant leur personnalité propre. D’où sans doute l’oublie (peut être temporaire!), en plus de la discrimination?
De plus, des jeunes femmes noires sont présentées comme délinquantes, et pauvres. Cet article explique bien le problème que pose le film, malgré ses bonnes intentions.

Il reste intéressant d’entendre la directrice de photographie, Crytel Fournier, qui explique qu’elle n’aurait pas pu faire l’éclairage du film avec des peaux blanches.

Mustang de Deniz Gamze Ergüven

Même si le contexte, personnages, narration sont différents, Mustang fait penser à Virgin Suicides de Sofia Coppola par certains aspects. Une bande de sœurs plus ou moins blondes, jolies, séquestrées par leur famille.
Ici l’action se passe dans un village de Turquie. L’intention de la réalisatrice est de montrer la montée de l’intégrisme religieux en Turquie, réduisant les libertés de plus en plus.
Les personnages sont travaillés, et le film est traversé de différents ton: bonheur, espoir, drame..
Mais on reste dans la problématique de montrer des personnages d’origine arabe, d’autant plus féminins, et opprimés par la religion.

Nous trois ou rien de Kheiron

Changement de registre avec Nous trois ou rien de l’humoriste Kheiron vu dans la série Bref.
Une des meilleurs comédies de ces décennies. Un film intelligent, qui retrace le parcours des propres parents de Kheiron qui ont fuit la dictature de l’Iran.
C’est très drôle, triste, et le courage des parents est criant de vérité. Mais un peu comme dans Mustang, on montre des minorités pour montrer un aspect triste, sous le poids de libertés brimées.

L’exception ne confirme pas la règle

Pour finir sur une note positive, voici une liste de films français avec des personnes non blanches qui ne tombent pas dans les clichés. Et la plupart viennent du cinéma de genre…A bon entendeur!

Martyrs de Pascal Laugier

Mylène Jampanoi et Morjana Alaoui sont des actrices issues des minorités (asiatique et arabe). Elles tiennent les rôles principaux de Martyrs, film incontournable du cinéma de genre en France.
Et à aucun instant dans le film, la question de leur couleur de peau est ne serait ce que mentionnée dans le film. Ni les rôles, ni les dialogues, ni le contexte, et encore moins le récit utilise la couleur de peau pour une situation.

Frontières de Xavier Gens

Karine Testa, d’origine kabyle tient le rôle principal de l’inégal mais efficace Frontières de Xavier Gens. Et là encore, sa couleur n’a d’influence sur aucun élément dans le film. Même si elle est issue d’un groupe de voleurs, nous n’avons pas d’informations ni sur leur origine sociale, intentions, etc..

Grave de Julia Ducournau

Le personnage de Rabah Naït Oufella, est algérien et gay dans le film. Julia Ducournau ne fait pas référence dans Grave, à son origine mais plutôt à son orientation sexuelle, qui a pu en crisper certains. En effet, on peut voir une négation de son orientation sexuelle au fur et à mesure du film. Je vous laisse lire ma critique.

Le chant du loup d’Antonin Baudry

ENFIN un film où Omar Sy ne joue pas le noir de service! Le chant du loup est un excellent thriller, avec un travail sur le son incroyable. Aux côtés de Reta Kateb, ces deux personnages issus des minorités ne sont pas un élément construisant le récit. Ils jouent même des rôles de chefs.

Les trois frères des Inconnus

Vous avez vu comme je finis en beauté? Les trois frères qui restent la meilleure comédie des Inconnus, met en scène Pascal Légitimus, avant qu’il se fasse écarter. Le personnage de Pascal est présenté comme cadre supérieur dans une entreprise. Le film survole même des questions de discrimination et de racisme plutôt intelligemment.

Et vous? Avez vous des exemples?

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Une impression de voir plus de femmes?

J’ai compté 201 films français sortis en 2019, tous genres confondus. Avec des durées divers (certains autour de 60 minutes). La liste contient également des coproductions avec différents pays (Belgique, Japon, Turquie…).
Je ne parle pas ici de qualité, mais de représentations.

Avant d’entrer dans le détail, voici la liste ci dessous des films dirigés par des femmes. Cela peut paraître long, mais il me semble nécessaire de leur donner un peu de visibilité. Pour chaque film, vous aurez un lien renvoyant plus d’informations. Si je peux aider à faciliter l’envie de se renseigner sur ces films (bons ou mauvais, encore une fois là n’est pas le débat).
Au moins, ça donne l’opportunité de se questionner sur ce cinéma (invisible).

Une place réduite

Je compte donc 35 films réalisés par des femmes, dont 3 coréalisés avec un homme. Autant dire que qu’elles ne représentent pas grand chose.
Je compte quatre réalisatrices non blanches, mais je peux en avoir oubliées.
Sur ces 35 films, on peut dire qu’une petite douzaine ont été vraiment médiatisés. Et encore, je suis généreuse. Et moitié moins ont bénéficié d’un nombre de copies correct. Évidemment on ne va pas donner le même nombre de copie à Portrait de la Jeune Fille en Feu, et Le Corps Sauvage, on est d’accord.
N’empêche que sur ces 35 films, on peut compter sur les doigts d’une main ceux qui ont pu avoir la chance d’être suffisamment visibles pour espérer toucher le public.

Liberté, Inégalité, Sororité

Il m’a semblé important de rappeler que malgré le fait que le problème du sexisme et des représentations soient maintenant régulièrement évoqué dans les media, dans les faits, on est loin d’approcher de l’égalité.
Julia Ducournau, réalisatrice de Grave, s’était énervée sur un plateau télé, car les invité-es et animateurs commençaient à évoquer un soi disant « assaut » des femmes dans le monde du cinéma. Un frémissement éventuellement.

La vérité c’est que sur le terrain, les réalisatrices n’avancent pas beaucoup.
C’est pourquoi le travail du Collectif 50/50 est non seulement essentiel, mais surtout au tout début de son travail.
D’autant plus que l’écart de salaire entre réalisateur et réalisatrice est le plus important dans le monde du cinéma: 42%!
La part des réalisatrices est de 24%. Quand on voit que 18% ont sorti un film en 2019, ça laisse songeur…

Qualifie ton genre!

Mais pourquoi tant s’embêter avec ces questions? Les réalisatrices ne créent pas forcément des meilleurs films que les hommes. Certes. Ne serait ce que dans cette liste, on peut constater quelques accidents comme Alien Crystal Palace ou Blanche Comme Neige.
Pour autant, je vous laisse regarder la liste des 166 films restants, on ne constate pas que de chefs d’œuvre, alors que la visibilité des réalisateurs, ou du moins l’accessibilité à faire des films, domine.

Par ailleurs, il serait intéressant, dans le cas où une parité existerait, de comparer réellement les sujets, et les types de rôles dirigés par des réalisatrices. Pour le moment, c’est compliqué. On ne sais pas vraiment combien de films proposés par des femmes à des financeurs ont été refusés, et pour quelles raisons.
Encore une fois, comme je l’expliquais dans mon article consacré à l’absurdité de séparer l’homme de l’artiste, c’est une question d’égalité à l’accès à faire des films. Et cela mènera forcément à des nouvelles histoires, rôles, mises en scènes à découvrir.

Faire plus de place passe par abandonner des privilèges

Cela implique un élément dont personne ne veut évoquer: le fait que les hommes devront céder plus de place, plus de sous. Et ça, personne n’en a envie. On veut bien clamer qu’on aime les femmes et qu’on souhaite l’égalité. Renoncer à des privilèges est plus compliqué.
Pourtant, serait ce un problème que de temps à autre un réalisateur ait moins de sous pour un film? Encore une fois, quand on voit la qualité de certains films, on pourrait se poser la question.
Le vrai nerf de la guerre c’est l’industrie du cinéma. Comme dans tous domaines, il faut produire vite et plus. Qualité ou pas.

Dans le documentaire Tout peut changer d’Avi Lewis sur la place des femmes à Hollywood, un cinéaste noir évoque le reproche principal fait à la nécessité de la parité. A savoir que cette exigence de quota, fait que des hommes peuvent être écartés de projets, et qu’ainsi ça serait se priver de qualité potentielle. Or lui pointe que dans la mesure où le point de vue dominant reste celui d’un homme blanc, l’introduction de plus de réalisatrices permettrait au contraire d’apporter enfin plus de richesse.

On peut constater déjà que les réalisatrices investissent à peu près tous les genres : drame, comédie, fantastique, documentaire, animation…
Ce qu’il manque c’est de la place (et des financements).

L’article [Focus] Les réalisatrices françaises en 2019 est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Emporté par la foule

Premier constat qui ne date pas d’hier, la foule. Cette année (jour férié oblige), le festival de science fiction a été plus que victime de son succès. On peut faire la queue 30/60 minutes et ne pas être sûr-e de pouvoir assister à une conférence ou un film. J’ai par exemple, fait la queue une demi heure (j’étais en milieu de queue, pas du tout en fin), pour une conférence et arrivée au bout, on annonce que la salle est pleine. Du coup les gens sont passés par l’autre côté de la salle, ce que j’ai également fait…
Ensuite l’évacuation de la salle était imposée par une petite sortie difficile d’accès pour l’ensemble de la salle…Et accéder à l’extrémité du bâtiment pour assister à une projection s’est révélé être le parcours du combattant.
La science fiction passionne et c’est tant mieux.

Le pire a été les conditions d’accès à la projection de Weathering with you. Au départ, le festival a confirmé qu’il n’était pas nécessaire d’avoir un billet. Puis devant l’effervescence, un système de contremarques a été mis en place, pendant la projection de The Room. Donc autant dire que la festivalière à côté de moi qui avait planifié d’aller faire la queue pour Weathering with you dès que The Room finissait, a été déçue.
Je n’ai pas de mérite, grâce à l’accréditation, j’ai pu avoir une contremarque dès le début des Utopiales. Je remercie d’ailleurs le service relation presse qui a bien communiqué les informations.

Les réactions sur les réseaux sociaux ne se sont pas fait attendre. Mais le festival a tenté de réagir en mieux en suspendant la billetterie du samedi, et en affirmant qu’ils réfléchissaient à de nouvelles solutions pour l’année prochaine…La suite au prochain épisode!

Le choix de Sophie

Toujours est il que la bonne nouvelle, c’est que les gens s’intéressent, et pas qu’au côté imaginaire de la Science Fiction. Parce que les Utopiales s’attachent à relier des problématiques présentes, d’actualité, à la Science Fiction. Cela veut dire que les gens se posent des questions sur leur monde, et son fonctionnement. Et surtout, sur son évolution, comment y faire face.

La mauvaise nouvelle si l’on peut dire c’est qu’il est très compliqué de faire un choix. La plupart des conférences sont toutes aussi intéressantes les unes que les autres pour une personne (trop) curieuse comme moi. Sans compter que si l’on veut aussi assister aux métrages qu’ils soient courts ou longs, on est obligé-es de faire des compromis.
Je privilégie toujours les longs métrages qui ne sortiront pas (ou peu) en France. Cette année j’ai pu notamment voir en avant première Little Joe (prix d’interprétation féminine), ou Proxima.
J’ai mis de côté les courts, tant j’ai été déçue de l’année dernière.

Parité y es tu?

Sur 234 intervenant-e-s tout confondu (littérature, sciences, BD, cinéma, expositions, pôle ludique, pôle asiatique et jeux vidéo), je compte 68 femmes. On est donc loin de la parité, ou de son approche.
Par contre, s’agissant du jury, on ne pouvait attendre mieux: sur 5 personnes, 4 sont des femmes!
Quand on entre dans le détail de la compétition internationale, les statistiques chutent. Et ce, malgré une nette amélioration de la représentation des femmes, par rapport à l’année précédente, il faut le noter. Ainsi, sur les 30 courts métrages, seuls 5 sont réalisés par des femmes. Concernant les longs métrages, 3 sur 8 ont une réalisatrice.

Par contre, il y a eu plusieurs conférences autour des questions du genre, ou des problématiques féministes. « Le genre est il un code? », « l’autrice et son ombre », « mon corps, mon choix », etc..Peu nombreuses au regard du nombre total de conférences, mais ce n’était pas non plus le thème du festival. Par ailleurs, les thématiques de ces conférences sont clairement assumées, avec des intervenant-e-s affirmant leur engagement (contrairement à l’année dernière).

Malgré la foule et le manque de temps pour couvrir un maximum de conférences et de projections, les Utopiales restent un rendez vous de la Science Fiction de haute qualité. J’en suis ressorti avec des réflexions enrichies sur la connexion entre notre société actuelle et la manière dont la Science Fiction s’en empare.

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