Second long-métrage de la réalisatrice Julia Kowalski qui avait déjà épaté Cannes avec son premier long, Crache coeur, et son court, J’ai vu le visage du diable; Que ma volonté soit faite est une oeuvre sensuelle et aboutie qui continue sa réflexion autour du désir et de la spiritualité.

Que ma volonté soit faite : un film charnel

Pour montrer cet aspect charnel, la réalisatrice a fait le choix de filmer en pellicule 16mm. Ce choix permet de rendre avec plus de nuances, les couleurs et matières. Indispensable dans un film où le feu côtoie la boue. La peau animale est traitée avec autant de déférence qu’une cicatrice sur une jambe humaine. Les désirs et maux de notre héroïne se matérialisent sous la forme d’une masse visqueuse et blanchâtre mortellement fascinante. Cet étrange matière ajoute au mystère qui entoure ce village et cette jeune fille.

La manière de filmer les corps n’est pas anodine.
Naw se protège encore dans des couches de vêtements informes, coquille d’une enfance qui touche à sa fin. C’est pour elle une manière de montrer son refus d’admettre son corps et ses désirs. L’objet de ces derniers; la voisine, a elle, une féminité assumée. Son corps sera lui, filmé pendant la première partie du film à la façon male gaze : morcelé avec des travellings révélateurs. Cela jusqu’au point de rupture, une séquence particulièrement violente qui agira comme un déclencheur sur Naw. Cet événement l’obligera à confronter ses désirs et ses biais patriarcaux. Une transformation qui passera par l’abandon de sa chrysalide, ces couches de vêtements et l’acceptation de son corps, nu, pour ce qu’il est, prêt à s’émanciper.
Le duo d’actrices, Maria Wróbel et Roxane Mesquida, sont le choix parfait pour incarner ce duo ambigu.

Un film spirituel

Que ma volonté soit faite, comme son titre l’indique, s’intéresse à la spiritualité. Celui-ci référence une citation de la prière du “Notre père”, “Que ta volonté soit faite” qui voudrait que Dieu souhaite la sanctification de ses croyants, et les invite à être la meilleure version d’eux-même. Le titre est assez ambigu car il montre la culture chrétienne dont vient Naw. Culture qui prend une place importante dans sa vie, son quotidien et sa façon d’appréhender le monde. A la fois, il montre aussi une rupture avec ces mêmes préceptes, par l’utilisation de la première personne. Première personne qui montre ce besoin d’émancipation et le désir d’individualité du personnage

Cette rupture semble d’abord passer par une possession par le diable, antagoniste habituel dans la religion chrétienne. Le film ne s’arrête pas à cette conception manichéenne, cliché du cinéma horrifique. Il propose plutôt une variation autour de la figure de la sorcière et ses trois visages :

• l’ancienne: la mère de Naw morte par le feu dans des conditions étranges et considérée comme folle,
• la tentatrice, la voisine à la beauté hypnotisante et à la sexualité assurée
• la vierge, Naw qui se trouve à un croisement de sa vie.

Chacun des trois personnages parait être la facette d’une même personne. Les deux aînées de Naw semblent être des avertissements de ce qui peut l’attendre dans cette société patriarcale.

Une réflexion sur le patriarcat et la différence

Que ma volonté soit faite dépeint la condition féminine dans une société patriarcale représentée par une galerie de personnages masculins variés :

• les frères qui font tout, même le pire, pour s’intégrer,
• le vétérinaire qui joue un double jeu en se servant de son statut social et de son image de nice guy pour s’autoriser le pire
• et surtout le père qui tente de faire au mieux et doit jongler entre soucis économiques, amour pour sa femme, sa fille et sa Pologne natale et besoin de s’adapter à son nouveau pays.

Julia Kowalski joue habilement avec les genres et notamment avec le fantastique.
Elle flirte avec ce dernier en proposant des images marquantes qui font appel à notre imaginaire commun (le corps tordu de la possédée, le rituel dans la forêt, les troupeau décimée…), sans jamais pencher pour une explication rationnelle et surtout en ancrant l’intrigue dans un hyperréalisme amené par la photographie à fleur de peau et le travail précis sur les matières.

Que ma volonté soit faite est un récit d’émancipation de la condition féminine par la figure de la sorcière, ainsi qu’une réflexion sur l’altérité. Que ce soit dans un contexte d’intégration d’une famille immigrée, ou le mépris pour ceux qui sont différents et ne se plient pas aux conventions du groupe.
La réalisatrice le fait avec un beau travail tout en nuance que ce soit dans l’écriture et la photographie.

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Comment vous est venue l’idée de The Ugly Stepsister ? 

C’est une drôle d’histoire. L’idée m’est venue alors que je faisais une sieste, la meilleure que je n’ai jamais faite. Je fais souvent des siestes pendant que je travaille. Je les appelle des “siestes créatives”. C’est un bon moyen pour laisser mon inconscient travailler. Ainsi, tout n’est pas si logique, si pragmatique. Cela permet de connecter les idées de manière plus organique. 

Je travaillais sur un court métrage dont le sujet était une femme mesurant deux mètres avec des rondeurs et qui manquait de confiance en elle. Dans mon rêve, je la voyais en Cendrillon. Le prince arrivait et la chaussure était magiquement à la bonne taille. Cette si petite chaussure sur cette immense femme… Ils partaient ensuite vers le château. Sur le chemin, elle baisse le regard et observe ses pieds. Elle voit ses chaussures en sang. Et là, l’idée devient plus claire. Je ne suis pas Cendrillon. Je suis la demi-sœur qui a eu besoin de couper ses orteils pour enfiler la chaussure. 

Au réveil, j’étais en choc parce que pour la première fois, je me suis identifiée à ce personnage pour lequel je n’avais eu aucune compassion par le passé. Mais j’ai ressenti exactement ce qu’elle a dû ressentir. J’étais elle. J’étais la demi-sœur. J’ai trouvé l’idée super. Je l’ai trouvé si bien qu’un long-métrage m’a paru bien plus adapté que le format court. 

Quelles furent vos inspirations pour The Ugly Stepsister ? 

Comme c’est un conte de fée qui prend ses racines dans le passé, j’ai fais pas mal de recherches sur les costumes, l’époque. En particulier sur les procédures de chirurgie cosmétique. J’ai choisi de placer mon film au XIXe siècle, une époque qui a vu de nombreuses évolutions sur cet aspect. Je me suis juste permise certaines libertés car il s’agit d’un conte de fée. Par exemple, le ver doit normalement sortir par le bas plutôt que par la bouche. Mais j’ai voulu être prévenante avec mon public (rire).  

Un autre aspect génial avec la fin du XIXe siècle est que j’ai pu m’amuser avec les silhouettes des robes. Cendrillon porte une robe 1850 alors que les sœurs ont des robes à faux-culs façon 1880. C’est une façon subtile de montrer leur différence de classe. Cendrillon est “old money” et a un “bon goût” alors que les soeurs font partie des nouveaux riches et sont à l’affût des nouvelles tendances au point d’en devenir un peu “ridicules”. J’avais envie que lorsque les spectateurs regardent à nouveau la version de Disney, ils en aient une lecture différente suite au visionnage de mon film. 

J’ai aussi beaucoup été inspirée par les films de contes de fée d’Europe de l’Est, particulièrement ceux des années 70. Ils sont en général tournés en lumière naturelle, dans de vrais décors avec de vrais corps à cause d’un budget en général très mince. Et pourtant les costumes sont sublimes et les effets incroyables. Ils arrivent à retranscrire cette étrangeté émanant des contes de fée. Je voulais contraster avec l’aspect trop brillant, très “plastique” du Disney. Surtout que The Ugly Stepsister est un film de body horror. Je voulais que l’audience ressente cet aspect organique.  Comme s’il s’agissait d’un univers parallèle au nôtre avec de véritables personnes qui l’habitent. 

Je voulais donner à The Ugly Stepsister une impression d’intemporalité. Effectivement, le film se passe au XIXe siècle mais vu sous le prisme des années 1970 pour rendre plus nébuleuse l’époque à laquelle l’histoire se passe. La mise en beauté des personnages a été inspirée par les années 60/70. Je ne voulais pas qu’on ait l’impression de se trouver face à un film d’époque, mais je ne voulais pas non plus que le film fasse trop 2025. Ajouter cette petite pincée d’années 70 permet d’éviter cela. 

Puisque nous parlons de l’esthétique de The Ugly Stepsister, qui est particulièrement importante. Pouvez-vous nous parler de votre relation avec votre chef opérateur (Marcel Zyskind) ? Ainsi qu’avec votre cheffe décoratrice (Sabine Hviid) ?  

J’ai eu la chance de pouvoir travailler avec des personnes très créatives qui, en plus, n’en sont pas à leur premier essai. Ma plus grande leçon sur le tournage est l’importance de l’alchimie. Les gens peuvent avoir le meilleur CV du monde, s’il n’est pas possible de se comprendre, si nous ne sommes pas enthousiasmés par les mêmes choses, il n’est pas possible de travailler ensemble. J’ai eu vraiment beaucoup de chance de trouver une équipe passionnée par The Ugly Stepsister, qui voulait s’amuser et tenter des choses. 

Pour ce qui est du chef opérateur, nous avons beaucoup préparé en amont. Tous les chefs de postes ont été humbles et ont accueilli gracieusement ma vision du film, mes idées. À la fin, j’avais l’impression que nous ne formions plus qu’un seul grand cerveau. 

Donc il y avait beaucoup d’alchimie ?

Oui mais aussi d’amusement. Je ne suis pas vraiment du type Wes Anderson. J’adore son travail mais je ne pourrais pas être autant dans le contrôle. J’aime les heureux accidents. J’aime la créativité qui émerge de la rencontre entre deux personnes. J’ai un peu le même type de relations avec mes acteurs et actrices. Je leur explique qu’ils en savent autant, voire plus que moi sur leur personnage. C’est leur corps qui joue cette personne. J’aime être surprise. 

Il me semble qu’en Islande, ils appellent le réalisateur ou la réalisatrice, le maître du jeu et les acteurs et actrices, les joueurs ou joueuses. Je suis la personne qui rédige la notice du jeu mais ce sont elleux qui vont y jouer. C’est un peu la même chose avec les chef.fes de postes. Je ne suis pas capable de faire leur travail. C’est à eux de le faire. Moi, tout ce que je fais c’est mettre en place les règles. Et peut-être à la limite, leur demander de jouer légèrement différemment. Mais eux aussi peuvent me demander de changer un peu certaines règles en contrepartie.   

J’aime beaucoup cette analogie. The Ugly Stepsister est votre premier long-métrage. Tourner un premier film peut-être une expérience difficile, plus particulièrement en tant que femme, et encore plus, en tant que femme qui fait de l’horreur. Comment avez-vous vécu cette expérience ? 

Je profite des nombreuses réalisatrices qui sont venues avant moi. D’autant plus qu’en Norvège, nous avons beaucoup de chance car nous avons un système de quota grâce au Norwegian Film Institute. Ainsi, la réflexion autour de la question de genre ne se fait pas juste au niveau individuel mais aussi au niveau systémique. Cela habitue les gens à voir plus de femmes dans le paysage cinématographique. Les spectateurs ne sont plus étonnés de voir autant de femmes réalisatrices.  

Nous sommes une génération de réalisatrices norvégiennes qui a pu devenir mère avant de faire un premier long et cela sans que cela pose problème.  C’est du jamais vu. Il y a dix ans de cela, personne n’aurait pris au sérieux une jeune mère. Il était alors impossible d’avoir l’ambition de faire des films. Je suis reconnaissante envers les générations passées. Je ne souhaite pas être une femme à une autre époque que celle-ci. 

Sur The Ugly Stepsister, j’ai pu travailler avec la meilleure des productrices en Norvège, Maria Ekerhovd qui a également travaillé sur Valeur Sentimentale, le dernier Joachim Trier qui est passé par Cannes. Elle est géniale, à la fois très cool et très douée. J’ai donc eu un entourage qui a cru en mon film dès le début.  

Autre exemple, mon chef opérateur qui est danois avec des origines polonaises m’a traitée comme son égale, et ainsi toute son équipe, majoritairement polonaise, a fait pareil. L’équipe caméra qui devait être principalement française m’ouvrait la porte et était particulièrement galante avec moi. Au lieu d’être offusquée par ce comportement, je l’ai pris comme une marque de respect. Cela fait partie de leur culture. Ils ne le faisaient pas de manière condescendante. C’était juste une habitude. Ce n’était pas pour me rabaisser. 

Le premier jour, le clappeur, qui est un sacré personnage, m’a fait la révérence et m’a appelé “Madame la directrice”. J’étais assez impressionnée car il s’agissait de mon premier film. Cela m’a flattée, un peu embarrassée, mais aussi détendue. Cela m’a fait sourire. Ils ont pu voir que je trouvais cela drôle et gentil. Le jour d’après, ils avaient écrit “Madame Directrice” avec des coeurs sur mon moniteur. C’était vraiment un acte gentil et respectueux.

Je pense qu’il est important de toujours s’adapter à la culture de l’autre, de ne pas imaginer que quelqu’un va se comporter de la même manière que soi. Il faut voir les gens pour ce qu’ils sont et ce qu’ils font. Je n’ai donc pas eu l’impression que le fait d’être une femme dans ce cas fut un problème. 

Est-ce que vous aimez les films d’horreur ?

Il me semble. Surtout le body horror car l’horreur me fait, en fait, très peur. 

Cela m’amène à ma prochaine question. Appréciez-vous l’horreur ou était-ce simplement pertinent pour l’histoire que vous souhaitiez raconter ? 

J’ai une obsession pour le body horror. J’étais particulièrement heureuse lorsque j’ai réalisé que mon idée me permettait de faire un film de body horror. 

Ce qui me plait dans le cinéma de genre, peu importe le genre, est son côté “boite à outils”. Je ne me considère pas comme une réalisatrice de films d’horreur ou de comédie. Je raconte une histoire et en fonction de celle-ci, j’utilise le genre, la boîte à outils la plus pertinente. 

Du coup, quel est votre film de body horror préféré ? 

C’est une question difficile. J’aime tout ce que fait Cronenberg. C’est un maître. Je suis aussi très fan de Grave de Julia Ducournau. C’est un vraiment un film exceptionnel, alors que je trouve Titane plus contrôlé, plus lourd. Je n’ai pas encore vu Alpha. Grave a ce petit quelque chose en plus que j’apprécie particulièrement. 

J’aime aussi Existenz, Videodrome, La mouche, Faux semblants. Un peu tous ses films en fait. 

En plus Julia Ducournau a ouvert tellement de portes pour les réalisatrices qui veulent faire ce type de film. 

Oui. Je pense que certaines personnes ont un peu la vue courte et pensent face à The Ugly Stepsister que j’ai voulu faire un second The Substance alors que je n’ai pas pu le voir avant de faire mon film. Il est impossible pour moi de faire un film en moins d’un an. 

Vous partagez (ndlr avec The Substance) le thème de la critique des normes de beauté qui est très actuel

Je comprends tout à fait la comparaison. D’autant plus que The Substance a ouvert la voie pour The Ugly Stepsister et a rendu le body horror grand public. Au départ, ma productrice ne voulait pas utiliser le terme “body horror” car cela aurait fait trop niche. Alors que maintenant c’est un mot qui est sur toutes les bouches. 

Je vois aussi un peu de misogynie dans cette comparaison. Il n’y a de la place que pour un film de femme sur un sujet en particulier, alors que les hommes peuvent faire plusieurs fois les même film sans que ce soit un problème. Et nous avons en plus une approche très différente du sujet. Elle évoque la célébrité et le vieillissement, alors que je parle de tout autre chose dans The Ugly Stepsister. 

Ceci dit, la comparaison est tout à fait valide. J’espère juste que les gens ne vont pas commencer à se demander lequel des deux films est le meilleur. Il faut laisser les deux films dire ce qu’ils ont à dire ensemble. 

Je trouve cela super que les deux films sortent à la même période

Oui, qu’ils ouvrent la conversation !

Exactement. Il me semble que le sujet de la beauté était également au cœur de certains de vos courts métrages. Je n’ai malheureusement pas réussi à les voir. Est-ce un sujet important pour vous ? 

L’idée m’est venue de mon subconscient mais j’étais déjà en train de travailler sur un court dont le sujet était similaire, Sarah’s Intimate Confessions, et mon premier court également. 

S’il y a si peu de jeunes réalisateurs ou réalisatrices qui émergent et peuvent faire un premier long métrage, c’est que nous ne sommes pas tous des Xavier Dolan. Outre les difficultés pragmatiques, il n’est pas toujours simple d’être en contact avec ses idées quand on est jeune. 

Lorsque j’étais toute jeune réalisatrice, je ne savais pas quelle pouvait être mon histoire. Pour mon premier court, How Do You Like My Hair ?, j’ai littéralement raconté mon histoire. Il y a quinze ans j’ai décidé d’arrêter de me raser. C’était en pleine quatrième vague du féminisme en Scandinavie. Nous pouvions trouver des femmes non rasées dans les magazines et il y avait tout une discussion autour du sujet. Cela n’a pas duré longtemps.

Ceci dit, je pense que plus de femmes ont continué à ne plus raser après cela. J’ai donc eu un coup d’un soir suite à cette décision, histoire que j’ai raconté à mes amis. Ils ont trouvé cette anecdote drôle. J’ai trouvé le fait d’en parler très libératoire et surtout j’ai apprécié le fait de me sentir vulnérable après. 

Je me suis dit que c’était une bonne histoire à raconter comme une confession face caméra. J’ai joué mon propre rôle et je parlais à la caméra. J’ai ensuite joué la scène avec des acteurs. Face au résultat, c’était évident pour moi que j’avais trouvé mon histoire, à la fois intime, vraie et rassembleuse.

En général, on se sent seul et vulnérable face à nos complexes. Parce que cela touche à notre capacité à être aimé. Ai-je assez de valeur pour être aimé ? C’est une question si existentielle et si vulnérable que des grosses entreprises s’en sont emparé pour que l’on achète des produits de beauté. Que je préfère appeler des “produits d’apparences” parce qu’ils n’ont rien à voir avec la beauté. Ma beauté m’appartient, je ne veux pas l’acheter. 

C’était un moment important pour moi. Je me suis rendu compte que j’avais tout un tas d’histoires à raconter sur le sujet et si je ne devais raconter que cela jusqu’à la fin, ce serait incroyable. Avec l’âge, je me suis aussi rendu compte que de nouvelles histoires me viennent plus facilement.
Effectivement, cette question est prépondérante dans le fait d’être femme et tant que je fais des films sur des femmes, cela risque d’en faire partie. 

Pourriez-vous me parler du casting de vos actrices ? 

C’était des castings tout à fait conventionnels. Les deux personnages principaux furent difficiles à trouver. Et pourtant dès que j’ai rencontré les deux actrices, ce fut évident. Elles étaient les personnages. 

Lea (Myren) se donne la liberté d’être expressive. Je pensais trouver quelqu’un qui rencontre les mêmes problèmes que moi ou Elvira, mais Lea est en fait très libre dans son corps. Elle a grandi avec une mère féministe qui l’a éduquée sans ce regard contrôlant sur son corps. Elle est totalement libre et ne s’empêche pas de faire des choses folles et ne s’intéresse pas au qu’en dira-t-on. Elle est libre de montrer toutes ses émotions. 

C’est génial d’avoir un tel modèle pour jouer Elvira, car si des gens décident de googler son nom, ils trouveront tout un tas de photos folles d’elle, de red carpet look très excentriques. Elle représente cet espoir pour la nouvelle génération. 

Merci pour votre temps et cet entretien. J’espère le mieux pour la sortie du film!

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Qu’est ce qu’un duo féminin dans le cinéma de genre?
Attention spoilers! Il est de toutes façons préférable d’avoir vu les films avant de lire cet article.
Il sera question des films suivants:

• A l’intérieur d’Alexandre Bustillo et Julien Maury,
• Grave de Julia Ducournau,
• Haute Tension d’Alexandre Aja,
• Les Yeux sans visage de Georges Franju,
• Martyrs de Pascal Laugier,
• Frontières de Xavier Gens,

1-La famille

S’horrorité!

Dans Grave, Justine et sa grande soeur Alexia se retrouvent dans la même école vétérinaire. Celle-ci, déjà initiée à la violence du bizutage, tente d’intégrer sa petite soeur, par la même violence.
On est donc loin du schéma habituel de la grande soeur protectrice. Alexia participe à plonger Justine dans l’enfer de la pression sociale, écrasée par les pouvoirs des dominants.
Pourtant, lorsqu’elles sont seules, une vraie complicité existe.

Pression psychologique donc, mais aussi pression sur son propre corps, pour se conformer. Justine subira les assauts de sa soeur qui tentera de raser ses poils pubiens. Justine répondra pour la 1ère fois par la violence.
Son cannibalisme dirigé contre sa soeur prend tout son sens: elle reprend le pouvoir sur son corps en prenant possession de celui de sa soeur, et d’une certaine manière reproduit l’idée qu’on se fait en mangeant de la viande: s’approprier les pouvoirs d’un tiers. Cet acte sera aussi le 1er qui la rapprochera d’Alexia, celle-ci étant également cannibale.

Dès lors Alexia remplira son rôle de soeur animale. Protectrice en initiant Justine à la chasse qui symbolise à la fois le passage à l’âge adulte de Justine, et une technique de survie dans un monde hostile.
Mais aussi répondant à une notion de meute, en oubliant pas qu’elle appartient aux dominants, quand elle humilie publiquement Justine. Ce qui donnera lieu à un affrontement violent entre elles. Une bataille de pouvoir.
C’est finalement Justine qui aura le dessus, Alexia étant incapable de dominer sa soif de sang. Les rôles finissent par s’inverser, Justine prend soin de sa soeur au propre (en la lavant de son crime), comme au figuré (en allant la voir en prison). Cette expérience les lie à jamais.

Maternage féroce

Dans A l’intérieur, les deux héroïnes ne sont pas de la même famille. Mais Sarah et « la femme » incarnée par Béatrice Dalle, sont unies par un désir de liens familiaux, matérialisé par la maternité.

Si dans Grave l’affrontement débouche sur une sororité, ici le duel s’avère pour le moins saignant.
Fait inhabituel, leur point commun ne peut que les diviser. La femme a perdu le bébé dans son ventre dans un accident de voiture causé par Sarah. Et celle-ci a perdu, dans le même accident, son compagnon. Un deuil à faire pour les deux femmes. Mais la femme considère l’enfant de Sarah comme son dû. Elle va donc littéralement l’arracher à Sarah, et assouvir sa vengeance à travers le sang.

Don de sang

Le sang est d’ailleurs l’élément central qui unit les 2 héroïnes d’A l’intérieur. Au sens propre (quitte à en faire un peu trop), mais également au sens figuré.
Le sang réunit la femme et Sarah, à travers la figure de l’enfant qui reste absent à l’écran. A noter que l’absence d’enfant est source de saignements (règles). Au même titre que s’il est là (saignements de l »accouchement et post accouchement). Dans tous les cas, la symbolique du sang lié à la maternité n’a jamais été aussi clair.

Alors que Sarah est visiblement anesthésiée par la perte de son compagnon, l’intrusion de la femme va tout remettre en question. Les deux se livrent un combat acharné. L’une défend deux vies, l’autre veut récupérer son statut de future mère.
Alors que les 2 femmes ont en commun n’avoir jamais eu le statut officiel de mères, on constate que pour l’une, c’est inscrit dans sa chair et coeur, quand pour l’autre, il s’agit d’abord de sauver sa vie.

Si on sait que l’instinct maternel n’existe pas, le désir d’être mère peut être si fort qu’il peut déclencher des événements tragiques (meurtres, enlèvements dans le pire des cas). Mais aussi des effets psychiques stupéfiants (déni de grossesse, incapacité de tomber enceinte…).
Une thématique assez inépuisable, donc.

C’est la rencontre parfaite entre le sang, symbole de vie et de mort, et des liens du sang.

Par ailleurs, l’accouchement est un événement qui rapproche de nos instincts les plus primitifs. Nous sommes au plus prêt d’un état animal. Sarah devient ainsi un animal sacrifié par la femme.
On peut noter que lors de sacrifices d’animaux, et notamment d’expiation, la couleur du pelage de l’animal est le plus souvent blanc (comme la robe de Sarah). Une manière pour la femme d’expier son péché d’envie?

2-L’amour

C’est plus fort que toi

Si l‘amour n’est pas au centre de Martyrs et Haute Tension, c’est pourtant ce qui anime les protagonistes.

Pascal Laugier l’avait expliqué lors d’avant premières de Martyrs. Pour lui, son film est aussi l’illustration de l’amour absolu qui peut conduire à tout, même à sa propre perte. Le jusqu’au boutisme d’Anna la conduit à non seulement entrer en enfer, mais à y rester, même après la mort de sa bien aimée.
Un duo féminin qui n’est pas à égalité, puisque Lucy n’a pas de sentiment amoureux pour Anna. Et celle-ci paiera cher ce désavantage. D’une certaine manière, sa situation finale dramatique lui permettra d’aller à la rencontre de Lucy, en subissant le même sort. Est-ce cet amour qu’elle voit dans cette souffrance ultime?

Je me permets une disgression hors du cinéma genre, pour évoquer rapidement un parallèle avec Mauvaises Fréquentations qui illustre de la même manière, comment on peut basculer dans l’horreur par amour. Avec un duo féminin autour de l’amitié et de l’amour absolu, dans les deux films.
C’est intéressant de noter que deux films qui n’ont rien à voir, ont le même angle pour traite de l’amour mêlé à de l’amitié.

Dans Martyrs, Anna accepte d’être complice de meurtres. Puis, acceptant avec difficulté la mort de sa bien aimée, elle finira piégée dans la maison de l’horreur.
Delphine, 15 ans, acceptera, à la demande de son 1er amour, de se prostituer dans les toilettes d’un parc.
On peut aussi remarquer que dans les deux films, celle présentée comme ascendante (Lucie dans Martyrs et Olivia dans Mauvaises Fréquentations), s’avère finalement être le personnage dominé. Malgré sa vengeance, Lucie se suicide, car le traumatisme est toujours là.
Olivia, initiatrice de Delphine à la rébellion de l’adolescence, accepte de se prostituer par amitié, pour ne pas la laisser seule.
On ressent donc à la fois de la terreur face à ces situations, et de la pitié. Deux piliers essentiels au fameux catharsis.

« Amour » en toute toxicité

Dans Haute Tension le duo féminin est limité, car il s’agit d’un amour obsessionnel, toxique (qui n’est donc pas véritablement de l’amour). Marie veut posséder Alexia. Le film représente une relation toxique ou un harcèlement d’un homme envers une femme. Marie prend les traits d’un homme vieux, blanc qui élimine les proches d’Alexia. Elle reste également bâillonnée tout au long du film. Marie est persuadée de savoir ce qu’il y a de mieux pour son amie, sans l’écouter, reflétant l’isolement de la victime, et le silence qui sont des éléments courants dans les violences sexistes.

D’une certaine manière, Aja joue avec les clichés habituels de l’homme prédateur et violent, en faisant de Marie, la tueuse sans pitié (même si on se demande bien comment elle a pu avoir autant de force).
Ainsi, on doit admettre la possibilité qu’une femme peut être violente et tuer. On imagine encore assez peu une femme capable de violence, car notre imaginaire reste encore beaucoup imprégné d’aprioris sexistes. Ce qui a permis a de nombreuses femmes de passer entre les mailles du filet d’enquêteurs.
La différence majeure avec la représentation habituelle des tueurs masculins, c’est qu’ici Marie n’est pas une prédatrice. Elle agit obsédée par son amour.

3-Femmes piégées

Les yeux sans visage de Georges Franju et Frontières de Xavier Gens n’ont pas grand chose en commun, je vous l’accorde. L’un est un chef d’oeuvre, l’autre est….bon, un spectacle qui ne demande pas beaucoup d’exigence. Mais ici, je m’intéresse à la représentation.
On note dans les deux films, une relation étrange presque maternelle qui lie les duos féminins. Dans les deux cas, ce sont des femmes qui sont piégées. L’une par une obligation morale, l’autre par sa condition. Dans les deux films, ces quatre femmes ont la condition d’objet. D’où leur lutte.

Visage possédé

Louise semble jouer un rôle de mère pour Christiane, la jeune femme défigurée des Yeux Sans Visage. On lui devine une relation intime avec le médecin, et père de Christiane.
Elle est dévouée au médecin qui veut réparer le visage de sa fille. Louise se dévoue entièrement à Genessier, qui l’a soignée, dans le passé. Telle une création de Frankenstein, Louise représente une réussite pour Genessier. Qu’il compte bien réitérer avec sa fille.
Lui devant son salut, Louise est aveuglée par la folie meurtrière de son mentor. Son attachement (au sens presque propre du terme!) est symbolisé par le collier qu’elle porte, au même titre que les colliers des chiens du chenil.
Louise est l’objet du docteur. Elle lui appartient.

Mais elle comprend aussi le désarroi de Christiane qui est plongée dans le désespoir de retrouver un visage et celui d’être victime de la folie de son père. Christiane est elle aussi, considérée comme un objet par son père. Elle n’existe pour lui, qu’à travers l’expérience scientifique qu’elle représente. Genessier n’évoque sa fille que pour constater l’évolution de ses opérations chirurgicales, avec une grande froideur.
Par ailleurs, le visage est l’ultime symbole de l’individualité, de notre identité unique.
Or, utiliser n’importe quel visage, pour reconstruire sa fille, appuie le fait que le visage n’est qu’un masque, presque neutre.
C’est également l’occasion de garder sa fille, près de lui. En maintenant son contrôle sur son visage (son corps), et donc son rapport aux autres. Il ne supporte pas que Christiane tente de communiquer avec son ex compagnon.

Ce duo féminin est donc soumis au même homme. Louise est la seule source de réconfort de Christiane. Elle finira par « tuer la mère » en portant un coup fatal à Louise et se libérera.

Donne moi ton ventre

La femme, un objet-projet, c’est également une thématique que l’on retrouve dans Frontières.

On constate un schéma similaire aux Yeux Sans Visage de duo féminin.
Dans Frontières, on suit Eva (interprétée maladroitement par Maud Forget de Mauvaises Fréquentations) et Yasmine.
Eva, jadis kidnappée, et victime d’abus, sera le seul soutien de Yasmine. Le patriarche de la famille de cannibales a besoin de femmes enceintes pour perpétuer une race pure.
Et pour cela, il utilise Eva, femme objet-projet(la consanguinité sera responsable de bébés handicapés), puis Yasmine.

Sous l’emprise du père fasciste, Eva reste animée par sa maternité monstrueuse. C’est ce qui la rapprochera de Yasmine, elle-même enceinte. Après un long calvaire, Yasmine trouvera finalement un peu de réconfort auprès d’Eva.
Les deux personnages sont piégés, en raison de leur maternité (et donc leurs corps). L’une moralement, l’autre physiquement.

Eva est le cliché même de la mère. Elle a le fameux « instinct » maternel en devinant la grossesse de Yasmine. Vêtue de blanc (donc de pureté), elle reste attachée à ses enfants indésirés et indésirables.
C’est cette fameuse force maternelle qui l’amènera à aider Yasmine. Mais qui causera aussi sa perte, car elle se retrouvera seule, incapable d’abandonner ses enfants monstrueux.

Les deux soutiens des héroïnes des deux films finiront donc tragiquement, incapables de s’extraire d’une emprise.

Sororité, amitié, maternité…avec seulement 6 films pour exemple, on constate un échantillon des relations représentées, qui montre leur complexité.
Dans un monde fait par et pour les hommes, ces femmes doivent non seulement survivre, mais aussi appréhender leurs propres relations. Car un monde sexiste n’est pas sans conséquences sur les relations qu’entretiennent les femmes entre elles. Elles doivent faire preuve à la fois de solidarité, mais leur précarité les amènent aussi à avoir des comportements toxiques, voire dangereux.

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Quand les uns crient au chef d’œuvre, les autres crient à l’ennui. A girl walks home alone at night ne laisse donc pas indifférent.
Il faut dire que le film d’Ana Lily Amirpour ne choisit pas la facilité pour son premier film. A girl walks home alone at night est un film en noir et blanc, avec peu de scènes d’actions comme on pourrait en attendre de la part d’un film de genre.

Si le vampire m’était conté

Tourné dans une ville abandonnée des États Unis, A girl walks home alone at night prend le parti de placer son récit dans une ville fictive, Bad City. Ce n’est pas sans rappeler le procédé régulièrement utilisé par Tim Burton notamment dans Edward aux Mains d’Argent.
D’ailleurs, les fumées de la ville, la noirceur et l’aspect glacial de la ville peuvent faire penser à Gotham City. La ville de Bad City est filmée comme un vrai personnage à part entière. Qui observe, qui expire de la fumée, comme une respiration.

Le film se rapproche dans l’esthétique de l’expressionnisme allemand, dont le but est de créer une expression du monde, non de le montrer véritablement. La photographie est particulièrement soignée, faisant ressortir les yeux, les émotions, les regards échangés dans un silence. Car la particularité du film est son aspect presque mutique. Dans un contexte où la plupart des fictions, font place aux dialogues, aux bruits, à la musiques, au montage dynamique, ici on peut rester de longues secondes sans une ligne de dialogue, et peu de variations de plans.
Et pourtant, ça a opéré une magie incroyable sur mon ressenti. Comme un apaisement, et un plaisir à savourer des échanges forts à travers des regards et des corps, A girl walks home alone at night s’adresse directement à la sensibilité du spectateur-rice. Ça passe ou ça casse évidemment.

Le noir et blanc est utilisé ici pour appuyer la dimension du rêve. Ainsi, les déplacements, le temps qui passe…tout est suspendu à Bad City. On nous emmène à l’intérieur d’un conte horrifique.

Elle est féministe, radicale, et en colère

J’ai souvent lu que A girl walks home alone at night est un film féministe. Ce n’est pas faux: une héroïne voilée, s’en sert pour déambuler habilement dans les rues et assouvir une vengeance dont on ne connait pas l’origine.
J’y vois une arme, une illustration de la force que le voile peut aussi donner qui est là un outil d’émancipation, de rébellion. C’est également un personnage qui fait plutôt des choix défendant les femmes opprimées. Et puis surtout le titre, A girl walks home alone at night, fait clairement référence à ce que toute femme a entendu comme avertissement: ne pas se promener seule la nuit.
Pour autant, le personnage est ambigu, ses intentions et ce qui l’anime, restent flous. Elle n’est pas une héroïne parfaite, gardant une part animale, liée à son état de vampire.

Une expérience sensorielle

A girl walks home alone at night offre quelques moments bien saignants qui assoit sa volonté d’être dans l’horreur. Ces séquences sont dans la première partie du film. Le reste attise notre curiosité sur le déroule de cette relation naissante entre la vampire et le jeune homme dont on ne peut deviner l’issue.
On pourrait juger une incohérence quant à la réaction du jeune homme à la fin du film. Là encore j’y vois un message on ne peut plus clair: quel que soit le statut de la personne qui commet des actes répréhensibles, la punition est nécessaire.

Sheila Vand dans le rôle de la vampire est hypnotisante. Et Arash Marandi rappelle fortement James Dean. Le couple ne s’embrasse pas une seule fois, et pourtant une tendresse se dégage de ces deux êtres qui sont déboussolés face à leur solitude, et aux mots qui manquent. Une scène à laquelle Ariane Louis Seize rendra hommage dans Vampire humaniste cherche suicidaire consentant.
A girl walks home alone at night symbolise les oppressions faites aux femmes dans un noir et blanc somptueux. Une peinture à chaque image. Une nouvelle héroïne vampire est née.

Pour un premier long, Ana Lily Amirpour livre un film très maitrisé techniquement, avec une vraie proposition de cinéma, et une prise de risque indéniable. Il vous embarquera dans son ambiance onirique, où on peut enfin se poser et profiter de douceur, le tout tranché avec des scènes inquiétantes.

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Bien qu’il est impossible de répondre objectivement à ces questions, il m’a paru opportun d’évoquer ce que j’entends par film féministe, tant on peut lire/entendre un peu de tout. Dans un contexte tendu après #metoo, la question du féminisme au cinéma crispe.
C’est une question qui touche évidemment le monde des séries.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je vous propose de nous accorder sur la définition de certains termes. Cela permettra de faciliter la compréhension des enjeux par la suite.

Glossaire féministe

Féminisme: Ce sont différents mouvements qui défendent le fait que les femmes et les hommes doivent être égaux. Égaux en termes d’accès à l’emploi, niveau de salaire, répartitions des tâches ménagères, liberté sexuelles, du corps, etc…Il existe des divergences entre les mouvements qui existent. Parfois sur la manière de lutter, mais aussi sur des questions de fond (abolition du travail du sexe ou pas, voile ou pas, etc…). Par ailleurs, les femmes transgenres ne sont pas toujours inclues (voire carrément niées), dans ces mouvements. Tout comme les femmes handicapées.
Contrairement à ce qu’on peut penser, il n’y a pas un féminisme. Ce qui explique pourquoi parfois, certaines féministes ne sont pas d’accord entre elles.

Féminisme au cinéma: J’apporte cette nuance parce qu’on confond très souvent film féministe et film sur des combats féministes. Un film féministe propose un point de vue encore marginal sur ses personnages, souvent à travers des détails (vêtements, comportements, métiers, etc…). Mais il n’évoque pas un combat spécifique (pour la liberté, la reconnaissance de droits, etc…).

Féminin: Dans la société sexiste et patriarcale dans laquelle nous vivons, le féminin est souvent associé à des qualités attribuées à l’idéal de la femme. Elle doit être douce, belle, fine, discrète, attentionnée, maternelle, etc…
Si on s’écarte de ces clichés, une femme doit pouvoir être ce qu’elle veut. Bruyante ou pas, poilue ou pas, femme au foyer ou pas, maquillée ou pas, etc…Tout cela, c’est féminin. L’importance se situe dans ce que nous mettons derrière notre identité de genre.

Glossaire identité de genre

Femme / Homme cis: C’est une personne qui est en accord avec le genre attribué à la naissance. Par exemple, je suis une femme, et je me suis toujours sentie à ma place dans mon corps comme personne de genre féminin.

Femme/ Homme transgenre: C’est une personne qui n’est pas en accord avec le genre attribué à la naissance. Par exemple une personne née fille qui ne sent pas à l’aise dans ce corps par la suite, décide de transitionner (ou non et à l’aide d’opérations ou non) pour être à l’aise avec son identité de genre masculin.

Non binarité: C’est une personne qui peut se sentir ni homme, ni femme, ou un peu des deux, ou un peu plus l’un que l’autre, etc…Nous vivons dans une société binaire, dans un pays qui aime les étiquettes. La non binarité laisse encore plus perplexe, et difficilement compréhensible. N’hésitez pas à aller voir les vidéos de Bric-à-Brac de Brieuc, qui expliquera bien mieux que moi le sujet.

Les combats féministes au cinéma

Maintenant que nous sommes à jour, posons la question du fameux film féministe.
Depuis longtemps, le cinéma s’empare de sujets liés au combat pour la liberté des femmes. Ainsi, l’histoire de Marie-Louise Giraud, avorteuse est portée à l’écran par Claude Chabrol dans Une affaire de femmes. Les actions des Suffragettes ont été mises en scène par Sarah Gavron. Ou encore le combat des femmes noires (subissant donc une double oppression sexisme/racisme) pour la reconnaissance de leur travail à la NASA dans Les figures de l’ombre. Haifaa Al Mansour raconte l’histoire de Wadja, petite fille en Arabie Saoudite, déterminée à utiliser son vélo seule, objet interdit.
On peut également noter Mustang de Deniz Gamze Ergüven, racontant le combat de soeurs en Turquie, enfermées chez elles. Dans le même registre, on peut noter Virgin Suicides de Sofia Coppola.
La Belle et la Meute de Kaouther Ben Hania raconte le calvaire de Maram qui veut porter plainte pour viol. Boys don’t cry de Kimberly Peirce raconte l’histoire de l’homme transgenre, Brandon Teena assassiné dans les années 90.

Ces films ont leurs défauts ou leurs qualités, la question ici, est de noter que ce sont des films à connotation féministe. Ils ont pour but de mettre en lumière un parcours qui contribue aux droits des femmes, ou qui dénonce des persécutions. Après, est ce que dans leur traitement des personnages, ils le sont vraiment…C’est autre chose!

Dans tous les cas, on peut leur attribuer le mériter de faire connaître des histoires de luttes, souvent oubliées quand il s’agit des femmes.

Le film féminisme là tu ne l’attends pas

Ensuite, intéressons nous à des films féministes de par leur regard sur leurs personnages féminins.

Grave n’a pas pour sujet le féminisme, mais il l’est. Le personnage féminin principal va à l’encontre de tous les stéréotypes que l’on retrouve régulièrement au cinéma. C’est un film féministe indéniablement, même si le mot n’est jamais prononcé.
Même chose pour le personnage de Ripley, dans la saga Alien. En 1979, à la sortie du premier opus, un personnage féminin guerrier, autonome, actif en premier plan n’avait jamais été vu.
On retrouve le même genre de personnage dans la saga Terminator 2. On ne présente plus Sarah Connor, pleine de muscles, sur les dents.

Dans un autre registre, Divines de Houda Benyamina, met en scène des personnages féminins racisés en premiers rôles. Elles s’avèrent être actives, mais surtout meneuses. Avec un vrai affrontement entre elles, uniquement.

Récemment l’actrice noire Lupita Nyong’o s’est illustrée dans deux longs métrages où l’héroïne tient les rennes de A à Z de l’intrigue: Little Monsters de Abe Forsythe et Us de Jordan Peele.
Dans Tangerine, des actrices transgenres jouent le rôle de prostituées (ok cliché), mais leurs personnalités vont à l’encontre de ce qu’on peut voir habituellement ( dynamiques et maîtresses de leurs envies, drôles, etc…). Et puis pour une fois, leur transidentité n’est pas le sujet.

Dans le passable In the Fade de Fatih Akın , Diane Kruger joue le rôle d’une mère très différente de ce que l’on voit habituellement à l’écran. Tatouée, plutôt rock n’rool. Mais ce n’en est pas le sujet. Jamais cet aspect est évoqué ou même sous entendu. Son apparence est intégrée comme telle, au personnage de cette mère dévastée. C’est un film féministe dans le sens où il banalise le look inhabituelle d’une mère (mais pas ses enjeux par contre).

Pourquoi la nuance est importante?

Qu’on le veuille ou non, le cinéma est un influenceur capital dans la façon de voir notre monde. Et de nous voir représenter. Donc, comme c’est un media de masse, il a son importante en termes de représentativité, de valorisation ou non.

Cela a d’autant plus d’impact si le féminisme n’est pas le sujet principal, paradoxalement. Car le regard n’est pas biaisé d’emblée par le sujet abordé (par exemple la lutte pour le droit de vote des femmes). Nous abordons le film avec plus de simplicité, et moins d’apriori. Et les questionnements ne se centrent pas forcément sur des aspects politiques. Mais sur des éléments qu’on retrouve dans notre vie de tous les jours: des attitudes, des mots, des activités, etc…On se reconnait dans des attitudes. Et si ce n’est pas le cas, le film propose en tout cas, une autre manière de représenter une femme, une mère, une travailleuse. Un film féministe c’est aussi un film qui challenge nos idées de représentations!

Par exemple, le fait de montrer une petite fille jouer à des jeux vidéos (autre que les Sims) alors que ce n’est pas un ressort narratif important, ne fait que renforcer l’aspect naturel de cette activité. C’est une représentation qui non seulement apporte une diversité, mais aide à considérer cette activité comme normale.

De même pour un petit garçon qui porterait du rose, ou pratiquerait de la couture. Ça serait même d’autant plus fort, dans la mesure où les activités dites « féminines » sont encore plus mal vues si elles sont pratiquées par des hommes, que l’inverse. Et même si l’histoire de Billy Elliot de Stephen Daldry est magnifique, elle est présentée de façon tellement marginale (à juste titre), que ça n’aide pas à la considérer comme normale.

C’est là que le film féministe et le film qui parle d’une lutte féministes se complètent. Il faut les deux pour tenter d’atteindre une diversité des représentations.

Pourquoi la parité est importante

Un film féministe objectivement parlant, ça n’existe pas. Pourquoi? Parce que des films considérés comme féministes par un certain public, peuvent ne pas l’être pour son auteur-e même! Exemple le plus parlant: Mon Roi de Maiween. Si on regarde la structure du personnage toxique de Vincent Cassel, et les répercussions sur sa compagne jouée par Emmanuelle Bercot, le film fait profondément appel au vécu de nombreuses femmes. C’est clairement une domination masculine, et une manipulation que l’on voit à l’écran. Pourtant Maiween se défend totalement d’avoir réalisé un film féministe. Alors soit elle est passée à côté de son sujet, soit elle est féministe sans le savoir! Mais compte tenu de ses déclarations, je penche plutôt pour la 1ère option.

Un film est-il féministe parce qu’il est réalisé par une femme? Réponse (binaire!): non. D’ailleurs, le film de genre le plus féministe que j’ai vu pu voir pour le moment a été réalisé par un homme. Assassination Nation de Sam Levinson, cerne parfaitement la problématique de la culture du viol par exemple. Et l’explique de façon beaucoup plus efficace que des films qui vont en faire leur sujet.

Pour autant, nous avons toujours un réel problème de place des femmes au cinéma. En termes de réalisatrices (environ 30% des réalisations!) de rôle pour les actrices etc…

J’entends qu’il ne faut pas sélectionner un film parce qu’il est réalisé par une femme, et que les quotas ne reflètent pas la qualité d’un film. Très bien. Le problème c’est que dans la mesure où les hommes dominent la profession, ils ont des privilèges qu’il va falloir partager. Donc avoir un pouvoir plus faible. Est on vraiment sûr-es que ces hommes vont laisser ces avantages sans broncher?

Permettez moi d’en douter. Jusqu’à maintenant la place pour les femmes n’a pas été faite. Et il ne sort pas dans les salles, un chef d’œuvre tous les mois. Alors je ne vois pas pourquoi les femmes n’ont pas plus de place.

En tout cas, le fait d’avoir la parité permettraient de diversifier les points de vue. Car les femmes/hommes cis ou trans, ont forcément des vécus différents.

Un besoin de diversifier l’art de faire du cinéma

Enfin, j’attends de voir plus de films féministes dans leurs traitements des personnages. Car, s’il fallait un argument de plus, il suffit de constater l’énorme échec sanctionné par le fameux test de Bechdel. Pour rappel, pour réussi à passer le test il faut remplir ces trois conditions:
– Y a-t-il au moins deux personnages féminins nommés ?
-Se parlent-elles ?
-Et parlent-elles d’autres choses que d’un homme ?
Ça parait d’une simplicité déconcertante, et pourtant..
Je ne sais pas si les films qui échouent sont sexistes. En tout cas, ils s’ancrent souvent dans un point de vue considéré comme neutre depuis toujours.

Attention, le test de Bechdel n’est pas suffisant pour pointer les aspects problématiques d’un film. On est au cinéma, donc l’image a une importance capitale. Le livre d’Iris Brey, Un regard féminin l’explique bien. Je vous conseille fortement de le lire. Il est éclairant sur la manière dont les femmes, le sexe, et les violences sexuelles sont représentées au cinéma. Nous sommes tellement habitué-es à ces images qu’on ne les questionne plus. Or, je ne crois pas avoir été la seule à me demander parfois si je voyais une scène de sexe ou une scène de viol. Ou à compter sur les doigts d’une main des scènes de jouissance féminines.

Virginie Despentes, qui dépeint le cinéma comme l’art le plus anti féministe au possible. Elle a raison. Mais oeuvrons plutôt à ouvrir nos nouveaux champs de possibilité à écrire, filmer, monter un film. Au lieu de crier à une soi disante censure. Les oeuvres, quelle qu’elles soient, sont toujours là. En revanche, les façons nouvelles de montrer et raconter des histoires ont encore du mal à se faire une place. Tant elles sont accueillies avec beaucoup de rejet.

La complexité se cache dans les détails

Un film qui ne passe pas le test de Bechdel ou qui n’a pas de représentations féministes n’est pas mauvais pour autant. Ou à jeter. Ils peuvent être parfaitement pertinents sur d’autres aspects. Je prends souvent l’exemple des Misérables. Il n’est ni féministe, ne passe pas le test de Bechdel, et ne s’intéresse pas à ses personnages féminins. Montrer des personnages féminins faisant autre chose que d’être dénudés, ou faire de la cuisine, n’induit pas qu’ils sont forts. Encore moins intéressants. Et pourtant j’aime beaucoup le film.
Par ailleurs, le test de Bechdel donne une indication sur la pauvreté des rôles féminins. Mais le passer, n’en fait pas forcément un film féministe pour autant. Tout dépend des intentions du film!

J’aime également des films qui au contraire, contiennent des scènes problématiques. Comme Boulevard de la Mort de Quentin Tarantino. Il a beau mettre en scène des femmes, puissantes, il n’en reste pas moins que la scène où trois femmes échangent le corps de leur amie contre un tour en voiture s’ancre profondément dans la culture du viol. Elle banalise totalement le viol. Et il n’y a rien de drôle ou potache à ça. Etre consciente de ça, n’empêche pas de beaucoup aimer le film.
L’important est de voir un peu plus loin, et de comprendre ce que la réalisation nous montre vraiment.

Un film féministe n’a rien à voir avec le politiquement correct. Le champ des possibles en terme de représentativité et diversité est grand ouvert…Ce qui va plutôt à l’encontre de la notion de censure non?

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On note chez Revenge plusieurs points qui en font sa particularité:

• Il s’inscrit dans le rape & revenge, sous genre touchy du cinéma de genre qui a foisonné dans les années 70 et dont on a enfin une relecture plus féministe aujourd’hui. Pour rappel, la structure narrative d’un rape & revenge repose sur le fait que suite à un viol, une femme (ou une personne de son entourage cherche à se venger en se passant de la justice),
• Un rape & revenge réalisé par une femme Française est rare pour ne pas dire inexistant,
• Hasard du calendrier, le film sorti en 2018 a été propulsé par l’actualité #metoo et autre #balancetonporc, et a bénéficié d’une visibilité qui lui a permis de voyager l’étranger.

En plein me too, Coralie Fargeat assume sa position féministe lors de la promotion du film.
Elle présente son film comme une métaphore de l’empowerment (la reprise de pouvoir par une victime).

Revenge entre dans le sillon du cinéma américain de divertissement, tant au niveau du décor à la Mad Max, que dans le grand guignolesque sanguinolant. Le film utilise des ressorts fantastiques pour porter une histoire réaliste, permettant de montrer métaphoriquement toute la force qu’une victime peut posséder.
Mais est-ce qu’un rape & revenge réalisé par une femme change la donne?

La culture du viol illustrée

Oui et non.
Non parce qu’en termes de scénario, on est dans un classique rape&revenge. C’est souvent un prétexte narratif pour déployer la force d’un personnage féminin. C’est problématique de montrer un personnage féminin qui se bat, à travers l’unique ressort scénaristique du viol. Comme si elle avait besoin de ça pour se révéler. Mais comme toujours, c’est une vision à nuancer (que je détaille dans mon article sur les personnages de femmes fortes).

Le traitement de l’héroïne est original car ambivalent.
Jennifer représente un archétype éculé d’un personnage féminin. Elle parle très peu, voire plus du tout une fois que sa résurrection a lieu et qu’elle chasse ses agresseurs. Elle n’est pas vraiment une femme qui exprime et s’impose en termes de point de vue. Mais elle se transforme en une autre espèce, comme animale qui évolue dans un décor hostile, ce qui en fait malgré tout un sujet. Elle correspond par ailleurs, totalement aux normes du canon féminin. Blonde, sexy, avec un corps de rêve. Un cliché de plus sur le viol, qui concernerait davantage des femmes jolies.

Mais là où Coralie Fargeat a eu une idée merveilleuse (que je n’attendais plus à vrai dire), c’est de positionner son héroïne, Jennifer, comme une femme qui aime séduire, et s’amuser, qui souhaite utiliser son corps comme elle l’entend. Une femme visiblement à l’aise avec sa sexualité.
Dans la première partie, Fargeat joue à fond tous les codes de la super sexualisation du corps, en filmant de près les formes de Jennifer (même prénom que l’héroïne de I Spit on Your Grave), s’attardant sur les regards des hommes. On montre la mécanique de la culture du viol qui rôde avec des regards d’objectivation des hommes sur Jennifer. Si une femme se montre sexy, c’est qu’elle cherche du sexe, évidemment.
Ce sont des scènes qu’on a tellement vu dans des films sexistes, que l’on est mal à l’aise. Fargeat nous force à faire face à notre slut shaming, car en tant que femme on sait que ce genre de comportement a toujours été risqué. Et en même temps, le problème est bien l’interprétation des hommes de l’attitude de Jennifer. Elle est libre de son corps, et de ses envies.
En 2016,  une enquête a révélé que 27% des français-e-s pense que l’auteur d’un viol est moins responsable si la victime portait une tenue sexy. On est donc en plein dans un sujet réaliste.

Concernant la scène du viol (genre de séquences que j’ai personnellement de + en + de mal à regarder), on suit le regard de l’héroïne qui implore un complice de ne plus l’être. La scène fait froid dans le dos, même si elle est éludée. L’effet est finalement beaucoup plus efficace, car c’est bien la détresse de la victime que l’on entend et comprend (contrairement à la plupart des rape & revenge).
De même, l’agresseur est une personne de l’entourage du compagnon de Jennifer. Même si elle-même ne le connait pas, ça reste une personne à qui elle fait naturellement confiance, dans la mesure où c’est un ami de son compagnon.

Catwoman en Tomb Raider

Telle une renaissance à la Catwoman, l’heroïne se mue en guerrière sanguinaire.
Le corps de Jennifer est toujours filmé de près, notamment lors de sa « mutation ». Mais là on voit des blessures, une hargne, un corps qui se prépare au combat (et un nouveau tatouage). Jennifer se débarrasse d’un symbole phallique, son bout de bois qui la transperce. Le personnage devient mutique, on entendra plus le son de sa voix (sauf pour crier sa douleur). Déterminée, résistante (c’est le moins qu’on puisse dire!), Jennifer ne quittera plus l’idée de satisfaire sa vengeance.
J’ai lu des critique reprochant le fait que l’héroïne est toujours en petite tenue.
Le regard porté n’est plus du tout le même. C’est un corps qui lutte, qui se met en position de combat que l’on voit, qui n’a plus d’artifices.

Bain de sang

Fargeat se fait un plaisir de nous faire grincer les dents à travers quelques scènes bien gore. On oscille entre dégoût et amusement, tant les scènes deviennent complètement folles.
La réalisatrice a souvent souligné lors de conférences (notamment celle ci avec Julia Ducournau et Alexandre Aja), que le cinéma de genre Français a du mal à dépasser l’aspect « film d’auteur » (qui a permis à Ducournau de décrocher notamment de financements). Il n’y a pas assez de films de genre assumant leur aspect série B décomplexé et gore. Qu’on soit client ou pas, Fargeat est donc force de proposition, on aimerait donc qu’elle puisse le faire également en langue Française !

Le final est particulièrement soigné, avec un plan séquence et une caméra qui suit de près l’agresseur, devenu traqué, nous embarquant dans un labyrinthe. De chasseur, il devient chassé, et cette impression est amplifiée parce labyrinthe dans lequel lui et le-a spectateur-rice se perdra.
Et pour une fois, c’est l’homme qui se retrouve nu pour cet affrontement final.

Le but de Revenge est assumé: la rage, la hargne face aux diverses violences faites aux femmes: objectivation, rabaissement, violences verbales, physiques. Et le regard final en dit long sur la lutte à venir.

Revenge de Coralie Fargeat,
Avec Mathilda Lutz, Kevin Janssen,
Scénario et dialogues Coralie Fargeat,
Photographie: Robrecht Heyvaert,
Montage Coralie Fargeat, Bruno Safar et Jérôme Eltabet
Musique Robin Coudert

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La ville de Salem est prise dans une folie meurtrière suite au hackage de données de la moitié de la population. Quatre amies vont devoir affronter les habitant-es…

Assassination Nation de Sam Levinson,
Avec Odessa Young, Suki Waterhouse, Hari Nef, Abra,
Scénario: Sam Levinson,
Photographie: Marcell Rèv,
Montage: Ron Patane

Assassination Nation est le deuxième film de Sam Levinson, fils de Barry Levinson, réalisateur entre autres de Sleepers.
Juste avant la projection, le programmateur annonce qu’Assassination Nation a été projeté pour la première fois au festival de Sundance en février 2018. Par la suite, le film a été bloqué, il a été impossible pour les programmateurs de l’obtenir. Pourtant, il est produit en parti par Universal. A priori, l’explication serait qu’Assassination Nation est un tel réquisitoire contre ce qui se passe aux USA actuellement, qu’Universal a été gêné de diffuser le film par la suite. Il arrive finalement en France aux Utopiales (où il a gagné le prix du jury). Ma curiosité a décuplé d’un coup.

Assassination Patriarchy

Assassination Nation s’avère être pamphlet féministe, rageur, vengeur, jouissif. Dans mes souvenirs, je ne crois pas avoir vu un film de genre aussi assumé dans son propos. Si vous en avez assez d’entendre les discours féministes, passez votre chemin.

Sans s’excuser de rien, Levinson appuie et même enfonce là où ça fait mal. Parmi les thèmes abordés: le puritanisme, la chasse aux sorcières (on est à Salem), le sexisme, la perception du corps, la culture du viol, les pauvres mâles blessés dans leur égo…
J’ai lu des reproches similaires qui avaient été fait à Revenge de Coralie Fargeat. A savoir les corps dénudés, sexualisés qui soi disant viendraient en contradiction du propos féministe. Etre féministe et vouloir montrer son corps, dénudé ou pas, n’est pas paradoxal. C’est ce qu’on appelle l’empowerment. La capacité de chaque femme a être maitresse de son corps, que ça soit pour le montrer ou non. Que ça soit pour jouir sexuellement ou non.

A l’ère des réseaux sociaux où tout est frénétique (la communication, les relations sociales, les fêtes…), on est entraîné-es dans un tourbillon où l’on sait que le bain de sang n’est pas loin. Mais on ne sait pas comment il va se déclencher. Et la grande force d’Assassination Nation est d’être tout à fait crédible. Et c’est aussi ce qui effraie le plus.

Enfin, là où Assassination Nation m’a impressionnée, c’est dans sa capacité à avoir compris les enjeux actuels des revendications féministes. Notamment sur le fait que ce sont bien les hommes qui ont construit les règles de notre société. Alors s’ils en sont frustrés, c’est bien de leur responsabilité.

The Craft à Salem

Les quatre actrices principales (Odessa Young, Suki Waterhouse, Hari Nef et Abra), forment un gang qui se complètent avec intelligence, dirigées avec brio et bénéficiant de dialogues pertinents.
Hari Nef est par ailleurs mannequin, et femme transgenre…et ce n’est pas un sujet dans le film! C’est rapidement évoqué, simplement pour signifier qu’elle fait partie d’une minorité qui subit des discriminations. Je crois que c’est l’un des seuls films (avec Tangerine de Sean Baker) où l’identité d’une personne trans n’est finalement pas le sujet.

Niveau mise en scène, Levinson utilise des split screens (l’écran est séparé en deux ou trois pour montrer des actions différentes au même moment). Cela renforce l’idée d’affluence d’informations et d’images, tout en nous permettant d’être en lien avec les quatre amies. Un très beau plan séquence amorce le début de la nuit de l’horreur, qui amorce l’action en plusieurs étapes. J’y vois une métaphore des oppressions multiples, qui, cumulées, atteignent une violence sans retour.
On n’est d’ailleurs pas déçu-e du résultat du climax, saignant à souhait. On reste même sur un goût de trop peu.

Assassination Nation fait clairement des liens avec des références historiques fortes. Je pense aux Suffragettes, qui dans les années 1900 en Angleterre, s’alliaient pour obtenir le droit de vote, en y laissant enfants, et vie. Ici la conclusion est similaire.

Le teen movie féministe de notre époque qui deviendra culte qui parvient à manier propos politique sans concession, illustré par une colère saignante.

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