L’ANNÉE DES RÉALISATRICES À L’ÉTRANGE FESTIVAL

Les réalisatrices s’imposent progressivement dans le champ du cinéma de genre, du cinéma du bizarre. Et il était temps. La S’Horrorité (dont Jessica, fondatrice du site, et moi-même, Léo, sommes membres et cofondatrices) œuvre à recenser les films de réalisatrices programmés en festivals, un travail disponible sur le compte Instagram de l’association.
Si leur présence s’accroît d’année en année, l’Étrange Festival accusait jusqu’ici un certain retard en matière de représentation féminine.
L’édition 2025 rompt heureusement avec cette tendance : plusieurs réalisatrices passionnantes y ont présenté leur travail sur grand écran :

• l’Américaine Annapurna Sriram et son excentrique et jubilatoire Fucktoys ;
  
• la Grecque Evi Kalogiropoulou avec Gorgona, relecture du mythe de la gorgone ;
  
• le duo canadien Madeleine Sims-Fewer et Dusty Mancinelli, révélé par Violation (2020). De retour avec Honey Bunch, variation autour du  gaslighting ;
  
• la Française Julia Kowalski et son film sensible Que ma volonté soit faite ;
  
• les Australiennes Emma Hough Hobbs et Leela Varghese, autrices du délirant space opera Lesbian Space Princess ;
  
• Julie Pacino, fille d’Al Pacino, venue présenter son cauchemar fiévreux I Live Here Now ;
  
• la Canadienne Grace Glowicki et son déjanté Dead Lover ;
  
• et, Lucile Hadžihalilović, incontournable du festival, avec La tour de glace, réécriture du conte d’Hans Andersen La Reine des neiges.
  

Cette sélection est riche, variée, et traversée d’un souffle politique. Elle ne saurait toutefois masquer l’ampleur du chemin restant encore à parcourir.

IL Y A FLUIDE ET FLUIDITÉ

L’Étrange Festival n’a jamais ménagé sa générosité en matière de fluides corporels. Cette édition se distingue toutefois par une générosité en termes de représentation de fluidité dans le genre. La forte présence de réalisatrices n’est certainement pas étrangère à ce phénomène.

Deux œuvres dépeignent avec finesse l’éveil amoureux et sensuel lesbien de jeunes héroïnes :
– la protagoniste, un peu sorcière, de Que ma volonté soit faite (Julia Kowalski), fascinée par sa voisine ;
– l’orpheline de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović), entraînée dans un univers glacial dominé par une Marion Cotillard inquiétante.

Fucktoys (Annapurna Sriram)célèbre, par un casting vitaminé et inclusif, la joie d’exister envers et contre tout ; Dead Lover (Grace Glowicki) met en scène un amour qui dépasse la mort et l’enveloppe corporelle. Quant à Lesbian Space Princess (Emma Hough Hobbs et  Leela Varghese), véritable space opera à la Rick et Morty, il propose une aventure déjantée, résolument queer mais accessible à tous.

Dans un registre très différent, Cadet interroge avec acuité la masculinité rigide et toxique au sein d’une école militaire. Il s’agit du premier film d’horreur du Kazakh Adilkhan Yerzhanov

EXPERTS EN EXPÉRIMENTATION

En termes de genre, certaines années font la part belle à l’horreur, d’autres au polar et d’autres encore au fantastique. 2025 se targue d’une programmation particulièrement expérimentale. Au programme, l’avant-première complète de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović) qui reçoit un accueil particulièrement chaleureux (pun intended). La réalisatrice continue de nous régaler avec son style aussi fascinant qu’énigmatique. 

Parmi les “grands” noms, le retour du réalisateur Ben Wheatley en terre nerdique. Après une poignée de films (très) grand public, le joyeux barbu semble ravi de venir présenter Bulk. Il s’agit d’un objet filmique non identifié qui fut projeté devant une audience de cinéphiles invétérés.

2025 signe également la conclusion de la trilogie souterraine du cinéaste autrichien Norbert Pfaffenbichler. Comme chaque année, de jeunes réalisateurs se risquent à l’expérimental. Et pas toujours pour le meilleur. On pense notamment à Exit Medea ou Girl America. 

DES REGARDS SUR LE MONDE

UN REGARD SUR LE MONDE : LA MENACE RUSSE

L’Étrange Festival s’intéresse à toutes cinématographies, peu importe son origine. Il prend ainsi le poul du cinéma à l’international et effleure aussi les préoccupations du moment. 

L’événement marquant de cette année demeure la venue à Paris du prodige Kazakh Adilkhan Yerzhanov. Ce dernier étant particulièrement apprécié du public du festival. Il présentait trois œuvres – deux films et une série:
– Kadet, son premier film d’horreur, antimilitariste et critique de la virilité toxique ;
– Moor, un polar sombre ;
– Kazakh Scary Tales, série fantastique inspirée des contes traditionnels.

Sa présence a également permis l’organisation d’une carte blanche. Au cours de laquelle il a choisi de projeter Heathers (ou Fatal Games), teen movie à l’humour noir explosif.

Toute l’œuvre de Yerzhanov porte la marque diffuse de la menace russe. Cette thématique apparaît également dans Girl America de l’auteur tchèque Viktor Tauš, plongée saisissante dans le psyché d’une orpheline vivant sous la Tchécoslovaquie totalitaire.

UN REGARD SUR LE MONDE : LE COMPLOTISME ANGLOPHONE

Côté anglophone, une thématique s’impose nettement : celle du complotisme. Elle irrigue A Scanner Darkly de Richard Linklater, proposé dans le cadre de la carte blanche au média électronique francophone La Spirale. On y suit la lente dissolution psychique d’un policier enquêtant sur la mystérieuse substance M, qu’il finit par consommer lui-même. Un brûlot anticapitaliste, plus actuel que jamais à l’heure des réalités alternatives.

Dans la même veine, Bulk de Ben Wheatley déploie un univers aux vérités multiples, où la réalité semble se dérober. Le film s’inscrit dans la lignée des œuvres cultes et anxiogènes des années soixante et soixante-dix, notamment la série Le Prisonnier (1967- Patrick McGoohan), reflet d’une Angleterre instable en pleine guerre froide.

UN REGARD SUR LE MONDE : QUID DE L’ASIE DE L’EST ?

Fidèle à son histoire, l’Étrange Festival poursuit son rôle de défenseur des cinématographies est -asiatiques. Cette année, un focus est consacré à la figure de Lady Yakuza, héroïne vengeresse ayant inspiré Lady Snowblood puis l’héroïne de Kill Bill. L’intégralité des huit films (1968-1972) était ainsi projetée.

Après des années très fastes pour le cinéma coréen, parfois jusqu’à saturation, 2025 laisse entrevoir une période de disette.
Seuls trois films sud-coréens sont programmés : The Old Woman with the Knife (thriller mâtiné d’action), The Curse : Insatiable Desires (anthologie horrifique) et The Last Woman on Earth (comédie de science-fiction). 

Quand on pense à certaines années où pratiquement la moitié des films en compétition étaient coréens, la question se pose. Après des années de politique de productions cinématographique assez agressive, la Corée du Sud semble se tourner vers une autre stratégie, par obligation ou par choix.

LE RÉCIT GOTHIQUE : UN RETOUR EN FORCE

Le récit gothique n’a jamais véritablement quitté nos écrans, mais il connaît ces dernières années un renouveau manifeste – du Frankenstein de Guillermo del Toro à The Bride de Maggie Gyllenhaal, en passant par les Hauts de Hurlevent revisité par Emerald Fennell ou encore la série Mercredi supervisée par Tim Burton.

L’Étrange Festival s’inscrit dans cette tendance avec :
– le superbe film d’animation Je suis Frankelda des frères Ambriz, protégés de Del Toro, qui proposent un univers fantasmagorique et une réflexion sur la peur en elle-même ;
– Dead Lover de Grace Glowicki, comédie potache nourrie d’imaginaire gothique ;
– Honey Bunch, dont l’héroïne se voit gaslightée dans une grande et belle demeure labyrinthique.

Si le genre du gothique a toujours été très proche du féminin avec ses nombreuses héroïnes complexes, on observe actuellement une hyper féminisation du genre avec de nombreuses réalisatrices qui s’emparent de ces histoires d’amours maudits, de fantômes et de maisons inquiétantes.

L’invitation de l’icône du cinéma gothique italien Barbara Steele, venue présenter Le Spectre du professeur Hichcock (Riccardo Freda – 1964) et donner une masterclass, a couronné cette mise en avant du gothique.

NO COUNTRY FOR OLD WOMEN

L’âgisme fait débat dans le cinéma actuellement. On se questionne particulièrement sur la disparition des actrices passé un certain âge, mais aussi sur l’omniprésence de la chirurgie esthétique dans une industrie où il est pourtant indispensable d’être expressif. 

La coïncidence a voulu que la programmation propose deux films sur cette thématique : le coréen The Old Woman with the Knife (Min Kyu-dong) qui suit une tueuse à gage vieillissante dont le quotidien se verra bouleversé dans une profession où il ne fait pas bon vieillir. Bel écrin pour son actrice, Lee Hye-young, le film bien que pas exceptionnel propose de jolis moments notamment à propos du vieillissement de son personnage. 

Dans un tout autre registre, le scénariste Stephen Sayadian est venu présenter Lady in a Cage (Walter Grauman – 1965), fleuron de l’hagsploitation étatsunienne qui montre une Olivia de Havilland handicapée bloquée dans l’ascenseur privé de sa belle résidence pillée par de jeunes malfrats.

REVISITER LES MYTHES GRECS

Trois réappropriations de la mythologie gréco-romaine étaient présentées :
– Exit Medea (Tony Paraskeva), road movie expérimental et trash revisitant l’histoire d’amour entre Médée et Jason ;
– Odyssey (Gerard Johnson), qui évoque succinctement l’Odyssée d’Homère par l’idée de parcours complexe de son héroïne pour retrouver ses racines ;
– Gorgonà, remarquable premier film d’Evi Kalogiropoulou, portrait d’une société patriarcale réduisant la femme à une monnaie d’échange. La figure de la gorgone avait déjà été remise en avant dans le film Medusa (Anita Rocha da Silveira – 2021) qui montrait une révolution féminine au Brésil parmi des jeunes femmes conservatrices.

Ces relectures féminines de figures monstrueuses s’inscrivent dans un mouvement littéraire féministe actuel, porté notamment par Murielle Szac et Madeline Miller, qui réhabilitent les héroïnes antiques dans toute leur complexité.

LE LAUREAT DE LA FIN DE L’EDITION DE L’ÉTRANGE FESTIVAL

Pour conclure ce panorama (presque) succinct de l’édition 2025 de l’Étrange Festival, arrêtons-nous sur le grand lauréat de la compétition : The Forbidden City de l’Italien Gabriele Mainetti. Ce film d’action mêle clichés chinois et italiens dans un chaos soigneusement orchestré.
À Rome, une jeune femme chinoise cherche désespérément sa sœur disparue. Elle croise le chemin d’un jeune homme, fils d’un restaurateur endetté lui aussi porté disparu. Malgré la barrière linguistique et culturelle, tous deux s’unissent pour affronter la pègre. Moins politique que Freaks Out, le film séduit néanmoins par ses qualités plastiques et sa mise en scène fluide.

Son sacre interroge toutefois : nombre d’œuvres plus audacieuses, plus singulières, semblaient plus conformes à l’esprit traditionnellement anticonformiste de l’Étrange Festival. Est-ce qu’un festival qui se veut l’étendard d’une certaine contre-culture peut rester fidèle à son identité, tout en attirant un public de plus en plus nombreux et divers ? Mon avis est que malgré tout, l’Etrange a trouvé un équilibre entre ces deux concepts antinomiques.

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Le PIFFF se déroule au cinéma Max Linder qui a une salle unique, sur deux étages qui visiblement impressionne plus d’un cinéaste, car le réalisateur de The Wailing l’a qualifiée de « cathédrale du cinéma ».
C’est effectivement une très belle salle, prestigieuse mais aussi confortable, point qui est presque le plus important quand on festivale !

Toujours est-il que je débarque de mon train pour sauter littéralement sur la première séance Blood Star (USA) de Lawrence Jacomelli issu de la pub. Il signe ici son premier long métrage sur un road trip sur fond d’ ACAB (jamais pour me déplaire on va pas se mentir), en filmant la traque d’une jeune femme par le shérif du coin. Il s’avère que le film est divertissant, bien rythmé avec une actrice convaincante, Britni Camacho. Le film pêche en revanche avec son antagoniste qui ne fait pas bien peur, et dont on peine à percevoir la cruauté. Blood Star manque par ailleurs de séquences impactante (surtout avec ce type de pitch vu et revu), avec un personnage féminin qui met du temps à démarrer franchement l’offensive ou la défensive, malgré le harcèlement constant. Tout cela n’a pas pu me procurer beaucoup de tensions, mais je n’ai pas boudé mon plaisir pour autant et c’était une parfaite mise en bouche (yeux).

Blood Star n’est que le début d’une liste de films dont la thématique commune est suivre/poursuivre une jeune femme. Car on retrouve cette similarité avec Strange Darling (USA) de JT Mollner. Dans le cadre d’un montage en plusieurs chapitres mélangés, le public reconstruit peu à peu une histoire plus « complexe » que ce que la première séquence laisse présager. Parfois très drôle, brillant dans sa manière d’accompagner le public dans son univers, Strange Darling gâche tout en utilisant la culture du viol pour sans doute faire la démonstration qu’il ne faut pas se fier aux apparences. Le problème c’est que quand on se trompe de cible en se moquant ouvertement des femmes (entre le personnage principale féminin, et une flic qui pour une fois prend les violences sexuelles au sérieux), non seulement on tape à côté, mais en plus on participe au problème.

On reste dans le médiocre (sexiste mais au moins pas misogyne) avec Daniela Forever, une sorte de croisement entre Eternal sunshine pour le concept fantastique, et 300 jours ensemble pour l’illustration emblématique du trope de la manic pixie dream girl. Suite à la mort accidentel de sa compagne, un homme teste un traitement lui permettant de naviguer avec elle dans ses rêves. Le problème c’est que toute l’intrigue est centrée sur cet homme qui profite surtout de ses rêves pour s’auto kiffer et contrôler sa Daniela, qui ressemble plus à un vague robot, que l’incarnation de l’amour de sa vie.

On passe à une autre recherche de femme et d’amour mais cette fois de manière beaucoup plus réussie avec le film Ukrainien U are the universe. C’est peu vous dire que c’était une projection particulière entre le mot en vidéo du réalisateur Pavlo Ostrikov avant la séance, le fait de savoir que la moitié de l’équipe est au front (dont l’acteur), et que le responsable des effets spéciaux a été tué. Le film a d’autant plus de résonance avec cette guerre, qu’il raconte un ouvrier de l’espace qui commence à communiquer avec une femme, après l’explosion purement et simplement de la Terre. U are the universe (qui a raflé tous les prix), arrive à capter tout du long malgré qu’on soit confronté uniquement à un homme et son robot déambulant dans un vaisseau. On assiste à leurs questionnements, difficultés, espoirs, et comment est-ce qu’on exerce son libre arbitre quand on est le dernier humain. C’est très doux et mignon car cela évoque l’amour à travers des voix et un feeling qui ne s’explique pas, mais qui se ressent.

Changement d’ambiance avec Sew Torn de Freddy Macdonald, jeune réalisateur de 23 ans qui adapte ici son court en long. On y retrouve toujours une femme traquée mais pas des moindres: une couturière blasée et introvertie qui se mêle à une histoire de drogue et donc d’argent. Le réalisateur explore 3 possibilités que l’héroïne vit selon des choix différents et je dois avouer que je suis particulièrement friande de ce genre de format. Car oui j’aimerais pouvoir voir les conséquences de mes choix, donc là encore le cinéma m’aide à comprendre. Toujours est-il que le film se démarque surtout par les compétences en couture de notre héroïne et la photo splendide qui permettent de rendre le film assez divertissant malgré des redondances.

Plusieurs films ont exploré la thématique des violences des dynamiques de pouvoir. The Wailing utilise la figure du fantôme qui passe de génération en génération pour hanter et violenter des femmes mais également leur entourage. Ce film Espagnol de Pedre Martin Calero (venu présenté le film), m’a procuré de grands frissons en évitant les jumpscares et en utilisant de manière très maligne son décor. Le fil entre les différentes époques est tenu par les personnages, mais aussi par des objets, comme les écrans. Malgré quelques passages un peu mous, l’ensemble est solide et la banalisation des violences intrafamiliales qui se suit est encore trop peu traitée.
Le pouvoir d’une communauté sur l’une des leurs, est également le sujet d’Heresy, film Néerlandais de Didier Konings (venu présenter le film avec une certaine timidité par ailleurs). Ce moyen métrage qui puise son inspiration dans The Witch, fourni un travail très réussi sur sa direction artistique avec des créatures charismatiques, une forêt envoutante. Dommage que l’histoire nous serve une énième association de femme et dame nature reproductrice (réduisant totalement le propos politique de l’éco féminisme en passant), et une écriture faiblarde des personnages.

On parle du pouvoir d’une autre communauté, celle de l’audience du web avec Dead Talents Society (Taiwann) de John Hsu. Des fantômes doivent effrayer les vivants pour ne pas être oubliés et gagner en popularité. Le film est brillant d’inventivités, très très drôle, et n’oublie pas d’être intelligent pour autant en ayant plein d’amour pour des personnages de « loosers » qui n’en sont pas. Le film évoque les pressions extérieures, le collectif et est mine de rien un réquisitoire contre la pression capitaliste qui nous pousse à penser qu’il nous faut être talentueux pour avoir une raison d’exister.
Pour traiter ces messages, les fantômes sont ici presque faits de chair et de sang (qui les rapproche des humains); le film n’est en plus pas avare en effet gory.
Autre pression mais pas des moindres: celle des dynamiques de pouvoir au sein des maisons de retraite avec The rule of Jenny Pen. Ou comment les vieux sont infantilisés, agressés. Le film souffre d’une écriture maladroite qui lance plusieurs axes sans les exploiter (je pense notamment à la poupée qui s’avère peu flippante et surtout superflue). Mais le duo d’acteur au sommet (John Listhgow et Geoffrey Rush) nous offre un spectacle tout à fait appréciable.

On finit en beauté avec Desert Road qui est un peu un mix de toutes ces thématiques, de l’Américaine Shannon Triplett, qui est venue présenter son film avec un grand enthousiasme. Elle propose un nouveau récit de la boucle temporelle (et ça faut quand même réussir à le faire), en s’appuyant sur l’histoire d’une femme coincée sur une route dans le désert. Le film repose sur la performance bluffante de Kristen Froseth (vue dans How to blow a pipe line), et une écriture très fine qui permet d’être accroché à la quête du personnage et à ses rebondissements. Impossible de prédire comment le film va finir, ça en fait donc une bonne raison pour le voir.

On ne fait pas un festival sans une séance de courts métrages; je suis donc allée à la séance des courts internationaux. Là encore on peut noter une grande qualité sur la forme de tous les courts, dont les styles et les histoires étaient très variées. On a eu une créature sous un lit, un voyage mélancolique dans l’espace, un dieu de la pizza étrange, une aire de jeux maléfique (mon pref), et une marionnette qui a fait rire toute la salle. Un beau moment de cinéma.
J’avais interviewé Véro qui fait parti du comité de sélection de courts métrages, qui partage son point de vue notamment sur la place des femmes dans le cinéma de genre !

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Beaucoup de courts métrages et films présentés ne sont malheureusement pas trouvables, mais le festival à un partenariat avec Vimeo qui vous permettra de les voir. Donc ça vaut le coup de prendre un ‘pass vidéo’ si vous ne pouvez pas vous rendre sur place, et que vous voulez découvrir de petites pépites.

Pénétrons à présent dans un monde merveilleux, un monde où on ne vous dira pas « calmez-vous madame, ça va bien se passer ». Un monde de créativité et de critique sociale. Bienvenue au Final Girls Berlin Film Festival.

1- You are not my mother (Samhain)

de Kate Dolan (2021) 

Charlotte, une adolescente isolée, habite dans un quartier résidentiel modeste avec sa mère et sa grand mère. Peu avant Halloween, sa mère disparait plusieurs jours et revient à la maison en refusant de donner des explications à ses comportements de plus en plus étranges. 

You are not my mother est un film Irlandais que je classerai dans le « Family horror ». Genre qui dissèque les dynamiques complexes de la famille, généralement dysfonctionnelle. Les problèmes soulevés dans ces films sont souvent plus profonds et psychologiques que dans les autres genres de l’horreur. 

Au croisement de Babadook et de Relic, You are not my mother parle à travers ces 3 générations de femmes, de la fragilité mentale et du poids de la maternité, sous le prisme des « Changelings ». Dans ces contes du folklore Irlandais, les fées et les trolls volent les bébés des humains et les échangent avec des copies vides : les Changelings. Qui se nourrissent de l’énergie vitale des mères pendant des semaines avant que ces dernières ne finissent par mourir. 

Une petite bande annonce pour se mettre en appétit ?

Et une chouette interview de la réalisatrice Kate Dolan à retrouver sur le blog fais pas genre

2- Knocking

de Frida Kempff (2021)

Molly aménage dans un nouvel appartement après un petit séjour en institut. Un nouveau départ qui devrait bien se passer, mais elle commence à entendre des bruits étranges dans son immeuble…  

Knoking est un film Suédois à la fois très doux dans la caractérisation du personnage principal, et très dur dans le propos. A travers la mise en scène, le film parle de la charge mentale du trauma et comment celui-ci ne nous quitte plus, en s’imposant dans nos pensées, nous interrompant dans les petits moments de tous les jours.
Plus largement, le film pose la question de la santé mentale et de la résilience : si on sait qu’on ne va pas bien, à quel point peut-on se faire confiance ?

Le film est très beau, très intense. J’ai personnellement été touchée par le jeu subtile des couleurs rouge et vert, qui racontent une histoire plus émotionnelle, venant rajouter une couche narrative à l’histoire que la réalisatrice est en train de nous montrer. 

Le film parfait à regarder seul.e dans ton nouvel appart …

3- Mlungu Wam (The good madam)

de Jenna Cato Bass (2021) 

Suite au décès de sa grand mère, Tsidi refuse de se soumettre à son oncle, qui a décidé d’investir la maison de la grand mère. Mère célibataire, ne pouvant pas compter sur le père de sa fille, Tsidi fait le sacrifice de retourner habiter quelques temps avec sa mère, Mavis, une domestique vieillissante qui ne veut pas quitter sa maitresse de maison. 

Mlungu Wam est un film psychologique qui propose plusieurs couches de réflexion autour des dynamiques raciales et sociétales spécifiques à l’Afrique du Sud, dans un contexte post-apartheid. Le rêve d’une société prospère, sans classes, multi ethnique et égalitaire a-t-il vraiment abouti ? Les blancs ont-ils maintenu un système qu’ils dominent financièrement ? Essaient-ils d’atténuer l’impression de domination par des discours paternalistes, sans avoir totalement renoncé à leurs privilèges?

Les noirs exercent en majorité des métiers de service. Sont-ils encore réduits à des sujets, au même titre que l’artisanat Africain qui peuple la maison des maitres ? Dans ce contexte de maison hantée, où les fantômes représentent le(s) trauma(s) hérité(s), Tsidi incarne la lutte contre le déterminisme et la domination des corps.

Pas de trailer disponible malheureusement pour ce film, en tout cas je n’en ai pas trouvé. Mais c’est vraiment un film à voir et bonne nouvelle, le film a été acheté par la plate-forme Shudder et devrait être accessible d’ici la fin de l’année 2022.

Vous pouvez aussi lire notre compte rendu de la conférence passionnante organisée au Final Girls Berlin Film Festival, sur la représentation des femmes noires dans le cinéma de genre.

On retournera en février 2023 participer à la 8ème édition du Final Girls Berlin Film Festival, en attendant vous pouvez les suivre ici : 

https://www.finalgirlsberlin.com/

https://www.facebook.com/finalgirlsberlin/

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Avant d’évoquer les conférences, je souhaite faire un zoom sur l’exposition de l’auteur de la (magnifique) affiche des Utopiales 2019: Mathieu Bablet.
Traditionnellement, l’exposition du travail de l’auteur-e de l’affiche est exposée au début du parcours de chaque festivalier-ère.
J’aime beaucoup son travail, avec une précision extrême sur la perspective, qui donne vraiment une impression à la fois d’immensité des bâtiments, et de vertige.

« Âmes et thèmes de la Science Fiction chinoise »/ Wang. N et Zhang R.

Loin des yeux, près du cœur

Je ne sais pas pour vous, mais quand je pense à la science fiction, j’associe rarement des auteur-rices chinois-es. Alors quand j’ai vu sur le programme cette conférence, elle m’a de suite intriguée.
Et je n’ai pas été la seule. Une foule incroyable s’est agglutinée.

S’il y a une chose que l’on peut retenir c’est que malgré l’éloignement culturel de la Chine, les deux auteur-es disent que les problématiques qu’ils abordent ne sont pas loin de la culture occidentale. Les différences se situent davantage sur les éléments du quotidien (on utilise plus du bois,soie, bambou, et le pétrole est plus utilisé pour allumer le feu). Mais aussi dans la manière d’exprimer les sentiments, et surtout les relations avec les ancêtres/ainés. L’autrice conclue que finalement leur génération (20/30 ans) est plus proche de la culture occidentale que celle de leurs propres parents.

Ils ont grandi avec Jules Verne, mais aussi de la science fiction soviétique, mais peu de SF contemporaine.

J’ai noté également que la cyber littérature apparue plus dans les années 2000 est un véritable biais pour lire de la littérature SF. Les auteur-es écrivent des chapitres qui peuvent être commentés directement par les internautes. La rémunération se fait au nombre de vues.

La censure et la SF

Les Chinoi-se-s lisent beaucoup de littérature SF, sur leur téléphone et dans le métro. Il existe plusieurs conventions SF en Chine mais ils constatent que les personnes viennent pour faire dédicacer des ouvrages, pas pour écouter des conférences, comme aux Utopiales.

La question de la censure n’a pas été éludée. Mais la réponse a été attendue. Tous les deux disent que les auteur-es savent ce qu’ils peuvent dire ou pas, et comment les contourner au mieux, si besoin. De plus, la censure évolue au fil du temps, et rapidement. Elle est fluctuante. A un instant T, tel élément peut ne pas être un problème, mais peut le devenir 3 mois plus tard. Par ailleurs, il est possible de s’attaquer aux personnes politiques les plus basses au niveau hiérarchique. Plus on monte, plus c’est problématique.

Enfin, j’ai noté quelques ouvrages qui m’ont semblé intéressants à lire:
-Le problème à trois corps,
-L’insondable profondeur de la solitude,
et la plupart des livres écrits par Hansong.

J’ai enregistré une partie de la conférence. Le son n’est pas toujours terrible mais vous aurez le plaisir d’entendre les auteur-es Wang. N et Zhang R. parler leur langue.

Rencontre avec Agnès Florin, la femme qui fait parler les enfants

Agnès Florin, psychologue le précise d’emblée: le titre de la conférence ne lui correspond pas. En effet, elle dit qu’elle parle avec les enfants, mais les faire parler, non.
Compliqué d’aborder la communication des enfants en 1H. Le principe de la conférence a été de balayer l’évolution de la communication et de la compréhension du bébé et de l’enfant.
Petite pensée pour la personne pour posait des questions à Agnès Florin. Celle ci a pris un malin plaisir à ne pas être toujours très sympathique, ce qui a donné lieu à quelques moments un peu gênants.

Les bases

Elle commence par tenter de définir le langage. C’est une forme de communication. Le langage peut se manifester de différentes manière: physique, orale, via une langue. La langue renvoie à un code, une culture, une façon spécifique de se faire comprendre.

L’appareil auditif est quasi formé à la 25ème semaine de vie fœtale et à la 27ème semaine, il est similaire à celui des adultes. Agnès Florin nous apprend que si le fœtus peut déjà différencier les sons, il ne peut évidemment pas les associer à un sens.

L’évolution de la communication

Ainsi le regard est le premier élément de communication entre l’adulte et le bébé. Car l’adulte va parler au bébé tant que celui le regarde. En général, il s’arrête si le bébé détourne le regard.
A partir de 3/4 mois, l’apprentissage de la règle du dialogue s’instaure. Le bébé se tait pour laisser l’adulte lui répondre et vice versa.
Puis à 7/10 mois, c’est le début de la compréhension dans un contexte. C’est à dire que le mot chaussure n’est pas compréhensible. Mais associé à des actes (se préparer pour une promenade, avec un manteau), oui.
Ensuite, à 12 mois, 30 mots sont compréhensibles dans leur contexte et quelques uns hors contexte.
Enfin, vers 18 mois, on peut noter environ 50 mots dans un contexte.

Les 50 premiers mots des enfants varieront aussi en fonction des pays, et de leur culture.
Aux USA on a plus retrouvé des termes liés à l’argent, dans les pays du Nord c’est davantage des mots évoquant la maison. Et les petits français-es…la nourriture.

Le langage et sa culture

Elle indique que les mois qui précédent la parole sont primordiaux pour le développement de celui ci. L’écrit s’ancre dans l’apprentissage de l’oral.
D’ailleurs, à ce sujet, Agnès Florin soulève un point très intéressant concernant l’évaluation des enfants. Le système éducatif s’attache à juger la production, et non la compréhension des enfants. Parce que c’est plus simple à évaluer car factuel. Or, la production reflète-t-elle forcément la compréhension que nous avons d’un problème ou d’une situation?

Les nouveaux nés/bébés ont besoin de comprendre et d’apprendre. Mais aussi d’être reconnus pour leurs compétences. Il n’y a pas d’enfant compétent, si aucun adulte ne lui reconnait des compétences. Tout cela s’inscrit dans une relation avec les adultes où les bébés se sentent en sécurité pour explorer.

Enfin, elle indique qu’il ne faut pas oublier que pendant les 6 premières années de vie, l’extérieur de la vie familiale joue un rôle important (assistantes maternelles, écoles, crèches, etc…).
La question des écrans a été évidemment abordée, et sans surprise, Agnès Florin confirme leur nocivité. Surtout en termes de passivité. Car on apprend en faisant.
Par contre elle soulève un point peu entendu: le digital est mauvais d’abord pour les enfants qui ne sont pas favorisés (que l’on parle de relations sociales ou d’initiation à la culture).

Une conférence très intéressante pour aborder les bases du langages.

Rencontre avec Virginie Raisson Victor, la femme qui scrute le futur

Pour commencer, Virginie Raisson Victor est une géopolitologue. Elle est en charge du Laboratoire d’études prospectives et d’analyses cartographiques, qu’elle a créé avec son mari, Jean Christophe Victor.

Ensuite, il faut avoir en tête que le but de la conférence était d’apporter un regard sur comment aborder les changements futurs du climat de notre planète, mais aussi des comportements sociaux. Les deux étant intimement liés.

Puis, elle a rappelé que bien qu’on sait qu’un changement climatique est en cours, les proportions dramatiques du scénario qui va se dérouler, sont très floues.
En fonction des scientifiques, le degré de réchauffement varie non seulement entre eux, mais au fil du temps. On entend parfois 2°, 10°, 20…
Par conséquent, il est compliqué de se projeter sur des conséquences.

D’ailleurs, ces conséquences étant liés aux comportement sociétaux, la tâche s’avère d’autant plus difficile.
Lors de la conférence, Virginie Raisson prend l’exemple du mouvement de la honte de prendre l’avion (le flygskam). Ce mouvement n’avait absolument pas été anticipé, détecté. Et grâce aux réseaux sociaux, il a pris de l’ampleur rapidement. Ainsi, c’est un problème dont les compagnies aériennes commencent à s’emparer.

Par la suite, pour faire face aux changements, Virginie Raisson pense que la meilleure attitude à avoir c’est la capacité de s’adapter. Être capable de prendre du recul, et observer s’il est possible d’opérer des modifications, quelles qu’elles soient.
Car que nous le voulions ou non, ce changement va avoir lieu. Et elle précise que c’est ce qu’elle transmet à ses enfants. Elle évoque pendant la conférence, la mort de son mari en 2016, qui a demandé de la part de la famille, de s’adapter.

Cette conférence fût particulièrement intéressante parce que je me suis retrouvée sur beaucoup d’éléments de son discours. Et même si elle est en accord avec le fait de dire que le monde va mal, il ne faut pas baisser les bras alors qu’on ne connait pas encore précisément ce que sera fait notre futur…

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Emporté par la foule

Premier constat qui ne date pas d’hier, la foule. Cette année (jour férié oblige), le festival de science fiction a été plus que victime de son succès. On peut faire la queue 30/60 minutes et ne pas être sûr-e de pouvoir assister à une conférence ou un film. J’ai par exemple, fait la queue une demi heure (j’étais en milieu de queue, pas du tout en fin), pour une conférence et arrivée au bout, on annonce que la salle est pleine. Du coup les gens sont passés par l’autre côté de la salle, ce que j’ai également fait…
Ensuite l’évacuation de la salle était imposée par une petite sortie difficile d’accès pour l’ensemble de la salle…Et accéder à l’extrémité du bâtiment pour assister à une projection s’est révélé être le parcours du combattant.
La science fiction passionne et c’est tant mieux.

Le pire a été les conditions d’accès à la projection de Weathering with you. Au départ, le festival a confirmé qu’il n’était pas nécessaire d’avoir un billet. Puis devant l’effervescence, un système de contremarques a été mis en place, pendant la projection de The Room. Donc autant dire que la festivalière à côté de moi qui avait planifié d’aller faire la queue pour Weathering with you dès que The Room finissait, a été déçue.
Je n’ai pas de mérite, grâce à l’accréditation, j’ai pu avoir une contremarque dès le début des Utopiales. Je remercie d’ailleurs le service relation presse qui a bien communiqué les informations.

Les réactions sur les réseaux sociaux ne se sont pas fait attendre. Mais le festival a tenté de réagir en mieux en suspendant la billetterie du samedi, et en affirmant qu’ils réfléchissaient à de nouvelles solutions pour l’année prochaine…La suite au prochain épisode!

Le choix de Sophie

Toujours est il que la bonne nouvelle, c’est que les gens s’intéressent, et pas qu’au côté imaginaire de la Science Fiction. Parce que les Utopiales s’attachent à relier des problématiques présentes, d’actualité, à la Science Fiction. Cela veut dire que les gens se posent des questions sur leur monde, et son fonctionnement. Et surtout, sur son évolution, comment y faire face.

La mauvaise nouvelle si l’on peut dire c’est qu’il est très compliqué de faire un choix. La plupart des conférences sont toutes aussi intéressantes les unes que les autres pour une personne (trop) curieuse comme moi. Sans compter que si l’on veut aussi assister aux métrages qu’ils soient courts ou longs, on est obligé-es de faire des compromis.
Je privilégie toujours les longs métrages qui ne sortiront pas (ou peu) en France. Cette année j’ai pu notamment voir en avant première Little Joe (prix d’interprétation féminine), ou Proxima.
J’ai mis de côté les courts, tant j’ai été déçue de l’année dernière.

Parité y es tu?

Sur 234 intervenant-e-s tout confondu (littérature, sciences, BD, cinéma, expositions, pôle ludique, pôle asiatique et jeux vidéo), je compte 68 femmes. On est donc loin de la parité, ou de son approche.
Par contre, s’agissant du jury, on ne pouvait attendre mieux: sur 5 personnes, 4 sont des femmes!
Quand on entre dans le détail de la compétition internationale, les statistiques chutent. Et ce, malgré une nette amélioration de la représentation des femmes, par rapport à l’année précédente, il faut le noter. Ainsi, sur les 30 courts métrages, seuls 5 sont réalisés par des femmes. Concernant les longs métrages, 3 sur 8 ont une réalisatrice.

Par contre, il y a eu plusieurs conférences autour des questions du genre, ou des problématiques féministes. « Le genre est il un code? », « l’autrice et son ombre », « mon corps, mon choix », etc..Peu nombreuses au regard du nombre total de conférences, mais ce n’était pas non plus le thème du festival. Par ailleurs, les thématiques de ces conférences sont clairement assumées, avec des intervenant-e-s affirmant leur engagement (contrairement à l’année dernière).

Malgré la foule et le manque de temps pour couvrir un maximum de conférences et de projections, les Utopiales restent un rendez vous de la Science Fiction de haute qualité. J’en suis ressorti avec des réflexions enrichies sur la connexion entre notre société actuelle et la manière dont la Science Fiction s’en empare.

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Cela fait plusieurs années que j’entends parler du Festival Court Métrange. Il se positionne sur une niche: le court métrage de genre. Il existe depuis 2003, et compte tenu de la richesse de la programmation, il ne cesse de grandir.
Je n’avais jamais pris le temps d’y aller. Mais cette année, Pascal Laugier, un de mes réalisateurs fétiches (Martyrs, Ghostland), était le Président du Jury. Une double raison de me déplacer cette année.

Court Métrange, le petit festival qui voit grand

Pour prendre la température d’un festival de cinéma qui m’est inconnu, la meilleure approche est d’aller à la conférence de presse.
Elle est organisée au café des Champs Libres de Rennes. Les Champs Libres est un lieu culturel multiple: bibliothèque, salle d’exposition, lieu de conférence…
Dès le début, je prends conscience que c’est un festival d’habitué-es: tout le monde se connaît, papote avant le début de la conférence, alors que nous sommes peu nombreux-ses (à peine une vingtaine je dirais). Et la (nouvelle) directrice du Festival constate également les têtes connues.

Ce que je retiendrai de la conférence de presse c’est la richesse du festival. Expositions, conférences, séances spéciales jeune publics, pitch dating, soirées longs métrages, partenariats avec le Conservatoire de Rennes, burger spécial pour le Festival…A peu près toutes les thématiques culturelles sont touchées.

Comme dans beaucoup de festivals, une thématique fil rouge est proposée. Cette année c’était le fantôme. A vrai dire, on le retrouve finalement peu: à travers quelques conférences, et la diffusion du grandiose A ghost story de David Lowery. C’est vraiment un outil pour aider à communiquer.

Court Métrange s’engage tout court

En tant que mère, je félicite particulièrement l’idée de s’adresser au jeune public. On pense souvent, à tort, que les enfants ne sont pas capables d’apprécier ou de recevoir ce cinéma. Cette approche permet de valoriser le cinéma de genre, mine de rien. C’est un parti pris encore peu vu.
Ainsi, une programmation primaire, collège, lycée est organisée. Et chaque section aura la chance de décerner un prix à l’un des courts.

Autre point positif: le cinéma d’animation est mélangé aux œuvres de fiction. Une manière assumée de montrer que le cinéma d’animation est un style comme un autre, et qu’il n’y a pas de raisons de le classifier à part. C’est un point commun que le cinéma de genre et d’animation ont: celui d’être considéré comme un genre mineur. L’un est dénigré généralement pour sa violence ou soi disant son manque d’intérêt, l’autre reste cantonné à un public enfantin.

Le cinéma d’animation est considéré au même titre que les autres courts

Le festival Court Métrange fait un effort particulier pour rendre son festival accessible aux personnes ayant un handicap. Ainsi, le Festival travaille avec Zanzan Films, dont l’objectif est de rendre la Culture accessible au mieux à tous-tes. Les cérémonies sont donc traduites en langues des signes, et un écran retranscrit ce qui se dit. De plus, le festival a conçu spécialement un programme Facile à Lire, pour les personnes ayant des difficultés de lecture.
Évidemment rien n’est parfait (café des Champs Libres reste petit donc compliqué d’avoir plusieurs fauteuils roulant, films ne sont pas tous en audio description, etc..), mais Court Métrange est un des rares festival à faire un réel effort. Et on sent que c’est une question qui leur importe.

Les courts en compétition

Pas facile d’organiser une compétition avec uniquement des courts métrages. Les 72 films ont été regroupés avec un titre: love on the beast, boulevard des allongées, débordements en tous genres..
Les courts sont mis à disposition en ligne pour la presse. Une chance pour moi qui n’habite pas à Rennes. Mais j’ai assisté à une projection spéciale pour la presse, en présence du jury. L’ensemble des séances étaient organisées au Gaumont. Des très bonnes conditions de projection.

J’ai toujours trouvé difficile d’enchaîner les courts métrages, à la suite. Les longueurs sont inégales, on ne sait jamais combien de temps on a pour rentre dans un film. Et à chaque fois, il faut se replonger dans une nouvelle histoire, esthétique, système de narration.
Pour ma part, j’ai classé les films (que j’ai vus), selon mon degré d’appréciation, tout simplement.

Ça n’est pas nécessaire

1-Morning Wormhole de Michael Vasquez

Un métrage d’animation expérimental. Ca n’a pas d’intérêt profond, si ce n’est tenter d’embarquer le-a spectateur-rice dans une spirale bruyante et colorée. On adhère ou pas. Ça n’a pas été mon cas.

2-Rémission de John Charter, USA

Aux allures de rois mages, avec des créatures qui ressemblent étrangement aux extra terrestres bedonnants du cinquième élément. C’est agréable à regarder, mais trop maladroit pour être pris au sérieux.

3-Fest de Nikita Diakur, Allemagne

Mêmes reproches que Morning Wormhole. Pas besoin d’en dire beaucoup plus tellement ça laisse perplexe.

4-Woe is me de Simon Cartwright, Royaume Uni

Beaucoup de bruit pour rien. Le dénouement est long alors on s’attend à une chute intéressante, en lien avec la thérapie du groupe qui est au cœur de l’histoire. Par ailleurs, les interprétations sont très pertinentes, on se sent vraiment en empathie avec les deux personnages principaux. Mais du coup la chute est tellement simple, voire hors propos (on doit s’accepter soi même ou pas?!), que le message est brouillé. Sans compter une incursion musicale un peu saugrenue.

5-Nyet! de Alex Helfrecht, Jörg Tittel, Royaume Uni

Le premier souci c’est que ce n’est pas un film de genre. Au mieux, un vague film dystopique rigolo. Mais on n’a pas peur, on ne voyage pas, on ne voit pas de sang. C’est une réflexion primaire sur les conséquences du Brexit.

6-A Estranha Casa na Bruma de Guilherme Daniel, Portugal

C’est le genre de métrage contemplatif, qui essaye de délivrer un message métaphysique. Le problème c’est que comme souvent dans ces cas là, on reste de marbre face à des personnages froids.

7-The Voorman problem de Mark Gill, Royaume Uni

Une histoire classique d’un psychologue qui tente de comprendre un détenu se prenant pour Dieu. Prévisible, interprétations hasardeuses, ce court n’éveille que peu d’intérêt.

8-Ce goût en bouche de Laura Passalacqua, France

J’aime beaucoup le style de dessin, et les couleurs chaudes qui tranchent avec l’aspect étrange des actions que l’on voit à l’écran. Un personnage entouré d’une géante. Mais c’est plus un enchaînement de séquences, qu’un métrage.

Ça se laisse regarder

1-Leuki de Julien Leconte, France

Film d’animation jouant sur les contrastes entre deux couleurs, Leuki narre les mésaventures d’un grand père. A la manière d’un personnage proche du héros de Là Haut, le court métrage s’avère être un bon divertissement. C’est propre, c’est simple.

2-La tête dans les orties de Paul Cabon, France

J’adhère peu à ce type de dessin, avec des traits vifs et brouillon, mais force est de constater qu’il est cohérent avec l’histoire. Le personnage est plongé dans une aventure dont on mesure mal les enjeux.

3-Re possessed homes de Matthew Evans Landry, Canada

Lors de la remise des prix, Pascal Laugier l’a affirmé haut et fort: il a détesté ce film. Un des autres jury avait précisé que Laugier n’aimait pas la comédie dans le cinéma de genre. En fait ce qu’il n’aime pas, c’est le prétexte de la comédie utilisée pour se moquer du genre. Et in fine, s’adresser (et plaire) à un public qui ne correspond pas au cinéma de genre.
Ce court est plutôt plaisant en termes de rythme et l’actrice principal nous emporte bien dans sa mission. Mais le film tourne vite en rond sur lui même.

4- Ça mouille de Alexis Godard, Nan Huang

Quand la cyprine permet la fertilité d’une terre et au final d’animaux étranges…Le côté positif est l’aspect audacieux du film. Il montre frontalement (même si c’est de l’animation), une vulve, un clitoris. Mais après on en fait quoi? Pas grand chose. Un divertissement qu’on oublie finalement vite.

5-Hopes de Raùl Monge, Espagne

Belle photographie, effets spéciaux plutôt réussis, avec un dénouement inattendu, Hopes se démarque. C’est sans compter sur le jeu approximatif des acteur-rices, et une conclusion maladroite. Par conséquent, on a du mal à se sentir concerné-e-s par cette petite fille à la rue, qui se lie avec une personne également sdf. Mais bel effort visuel.

4-Metamorphosis de Junfran Jacinto, Carla Pereira, France, Espagne

Un court métrage d’animation très réussi techniquement (stop motion). Les personnages sont attachants. Mais le court n’a pas éveillé ma curiosité. Trop classique dans son approche et son propos.

5-Next floor de Denis Villeneuve, France, Canada

J’ai trouvé ce métrage particulièrement maîtrisé techniquement. Et pour cause: il est réalisé par Denis Villeneuve…en 2008! J’avoue ne pas comprendre ce que fait un court métrage de Villeneuve datant d’il y a 10 ans, en compétition officielle…Et ce n’est pas pour le coup de pub parce que je n’ai lu/entendu aucune communication de Court Métrange à ce sujet.
Cette sorte de Grande Bouffe, amuse et répugne en même temps. Ici, c’est le poids des convives qui n’en finit plus de percer au fur et à mesure les plafonds et les sols.

6-Spoiler de Vgeny Kolyadintsev, Russie

Spoiler est très maladroit technique, on sent qu’il a été réalisé de façon très fragile. Le principe est simple mais efficace: une jeune femme seule chez elle (bonjour le cliché), reçoit des dessins, en dessous de sa porte. Et ces dessins prédisent ce qui arrive. Le court est suffisamment malin pour nous surprendre.

7-Ulises de Jorge Malpica, Mexique

Enfin un métrage qui parle de la vraie origine des sirènes, à savoir des êtres maléfiques usant de leurs cordes vocales pour noyer les marins. Il faut saluer les effets spéciaux qui sont très réussis pour un budget minimal. C’est plaisant mais on reste sur notre faim. Il reste très conventionnel dans la forme et les intentions.

8-Grand Bouquet de Nao Yoshigai, Japon

Ce court métrage m’a fait penser à une clip de Björk. Des effusions de fleurs, des branchages qui attaque une jeune femme symbolisant la naissance de la nature. Visuellement c’est maladroit mais ça tient à peu près la route. Narrativement il ne se passe pas grand chose.

9-Boy’s club de Troy Dewinne, USA

Dans un bunker sur fond de fin du monde causé par des monstres qui continuent de rôder, un jeune homme en manque de poupée gonflable risque sa vie. C’est bête (bonjour le cliché du mec obsédé), pas drôle, mais le monstre est particulièrement réussi, avec une petite tension qui fonctionne.

10-Snaggletooth de Colin Bishopp, USA

Une histoire de vampire classique. Photographie gothique appréciable, qui accompagne l’attente du spectateur-rice face à ce curieux rendez vous. Mais l’attente est longue comparée à la chute qui déçoit. Ce court a été présenté dans la sélection Collège.

11-Mémorable de Bruno Collet, France

Un très beau court métrage d’animation qui parle de la maladie d’Alzheimer, du point de vue du malade. C’est du stop motion, sous forme de sculpture. C’est joli, mélancolique et déstabilisant. Mais le tout manque d’émotions entre les personnages pour vraiment aller au bout de son concept.

Ça envoie du bois

1-Maw de Jasper Vrancken, Belgique

C’est ce court qui a obtenu le Grand Prix du Jury. Pas étonnant quand on voit la radicalité de Maw. Un homme sexuellement attiré par les monstres tente d’apprivoiser cette partie de lui. Il rencontre un homme dans le même cas que lui, qui va l’accompagner dans ce changement. C’est sombre, mais bienveillant malgré le sujet. On ne sent pas de jugement, du coup on entre totalement en empathie avec le personnage. Beau tour de force avec un sujet pareil.

2-Limbo de Daniel Viqueira, Espagne

Autre radicalité, mais plus en termes graphique. On suit le parcours d’un homme piégé dans sa maison avec des entités démoniaques. C’est prenant et fou.

3-The dreamers de Kenneth Karlstad, Norvège

Court métrage très très classique dans son genre. Une petite fille est victime de terreurs nocturnes et sa mère tente d’y faire face. Aucune originalité, mais dans la forme on s’y laisse prendre. Et c’est bien ce que je demande à ce type de cinéma de genre.

4-Bailaora de Rubin Stein, Espagne

Sûrement le plus abouti si on parle de mise en scène. En noir et blanc, Bailora a déjà été récompensé dans d’autres festivals. On accompagne un groupe de soldats, qui inspecte une église où sont réfugiés des enfants en temps de guerre. C’est surprenant, même si on sent que le réalisateur se regarde un peu. Et malgré quelques incohérences (pourquoi les soldats se mettent à faire des sons?!), on se laisse happer par cette ambiance étrange.

5-Jeu des enfants de Ekin Koca, France.

Mon court d’animation préféré. Il illustre l’épidémie dansante qui a eu lieu à Strasbourg en 1518. Le dessin est épuré mais superbe, avec des lignes en noir et blanc, nettes. Une ambiance délirante, qui fait penser à une épidémie de peste, progresse petit à petit.

6-Acide de Just Philippot, France

Une pluie acide s’abat sur une population. Au milieu de tout ça, une famille tente de se mettre à l’abri. Le pitch est simple mais il fallait y penser. Que feriez vous si du sang d’Alien tombait sur vous?
C’est prenant, bien rythmé. J’aurais bien aimé que ça continue..

L’étrange Palmarès

L’avantage c’est que la cérémonie de clôture de Court Métrange ne s’éternise pas. Seulement trois prix sont remis:

–MAW de Jasper Vrancken remporte le prix le plus prestigieux, celui du Jury.
Pascal Laugier explique que le film a gagné l’adhésion du jury par sa proposition audacieuse.

–LIMBO de Daniel Viqueira remporte Le Méliès d’argent, pour saluer sa radicalité et son approche originale des limbes.

–ULISES du Mexicain Jorge Malpica décroche Le prix spécial.

Je suis plutôt en accord avec le palmarès, à part Ulises. J’y aurais plus un film comme Bailaora, qui, malgré ses longueurs (et sa prétention), est une vraie proposition visuelle, au service d’une histoire captivante.

Mon passage fût relativement rapide, mais ça a été un vrai plaisir de passer du temps à se concentrer sur des courts métrages. On a peu l’occasion d’en découvrir, et on se sent presque privilégié-e, car on découvre sans doute en avant première, des futurs noms du cinéma de genre? A l’image de Just Philippot, réalisateur d’Acide. Ce dernier fait parti des trois heureux bénéficiaires de la nouvelle aides du CNC, consacré au cinéma de genre. Hâte de découvrir La Nuée, son premier long.

Pour aller plus loin:

Article sur les conférences du Festival Court Métrange 2019

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Sélection Mad Movies-Mad in France:

Rail d’Yvan George dit Doudril

Scénario et postulat de base (un homme traumatisé par une agression dont il a été victime se transforme en guerrier) mais qui bascule dans le fantastico horreur, faisant référence à La mouche de David Cronenberg). Les maquillages et effets spéciaux sont réussis, la mise en scène est brutale, c’est plutôt un coup de force.

Antoine et les héros de Patrick Bagot 

Un court métrage qui donne la banane. Un petit garçon, fan d’un acteur aux allures 70’s et d’une actrice blonde platine, ne peut se décider entre 2 films sortis, où ses vedettes sont à l’écran. Il se contraint donc à naviguer entre les  deux salles, entre deux scènes. L’un des films raconte les mésaventures de la blondinette au pays des zombies, l’autre suit les glorieuses aventures d’un combattant.
Ca ne se prend pas au sérieux mais le film est particulièrement soigné des couleurs, décors, et par conséquent une ambiance sucrée s’en dégage. On se retrouve plongé dans ce délirant parcours et on savoure comme le petit garçon.

Estomago de Camille Achour et Jean Thomas Seité 

Métaphore de la douleur, ce court métrage a été tourné à Nantes et produit par Cinécréatis. Jeux de lumière, interprétation muette mais dont les émotions ne passent que par le visage, Estomago arrive à mettre en place rapidement une tension palpable, avec un synopsis simple (vu et revu): un homme isolé dans une maison abandonnée doit faire face à des créatures. A voir si vous le pouvez.

Skom de Christophe Deroo

Dans la même lignée qu’Antoine et les héros, Skom a eu l’honneur d’être présenté par son réalisateur (timide). L’histoire?: La cour de recré devient le théâtre de choses étranges. C’est mignon, ça se regarde bien.

Seizures de Nicolas Simonin 

J’ai eu la sensation de voir Haute Tension d’Alexandre Aja, version courte, avec un personnage masculin. Donc ça vous résume bien ce que j’ai vu.

S.O.L.I.I.D de F.Manga

Vaguement inspiré de Terminator, ce court ressemble plus à un teaser qu’à un récit construit. Du coup, il y a beau avoir clairement des moyens pour les effets spéciaux, c’est assez creux et sans âme.

Animation

In Hanford de Chris Mars (USA)

Mieux vaut ne pas être en dépression quand on regarde ce court métrage d’animation. Animé par des dessins figés, et noir et blanc, In Hanford nous plonge dans un monde transformé par la radioactivité, qui devient le théâtre du malheur et du désespoir. C’est glauque, oppressant mais ça fonctionne. Les dessins (mélangés à des photos), et les décors, parviennent en quelques secondes à bien faire passer la sensation que la fin est proche…

Feral de Daniel Sousa (USA)

Feral c’est le conte de l’enfant sauvage. Les dessins sont pastels, tout est épuré. C’est joli, c’est mignon, et agréable à regarder mais honnêtement sans grand intérêt.

Cackle de Kim Ji-hye, Nam Bo-ra et Lee Dae-han (Corée du Sud)

La curiosité du jour. Ce court raconte un combat de poules qui se déroule dans une sorte de monde parallèle. Ambiance manga, le film est moyen car sans univers, dessin vraiment intéressant.

Zombirama de Nano Benayon et Ariel Lopez (Argentine)

Des zombies envahissent la ville, laissant des cadavres qui reprennent cependant leurs habitudes, ou presque. C’est drôle, c’est fun, c’est coloré. On en redemande.

Marcel, king of tervuren de Tom Schroeder (USA)

Une voix féminine un peu rauque, raconte l’histoire de Marcel, un coq habile qui connu un passage difficile. Rien de bien captivant, on se demande où le réalisateur veut en venir. C’est un fable comme une autre, assez quelconque.

Sewing Woman de Woo Jin (Corée du Sud)

Sûrement la plus grosse curiosité de tous les courts métrage d’animation. Dessin simple en noir et blanc, on assiste au travail de couture d’une femme, qui ne s’arrête pas. Et ce n’est pas n’importe quelle couture, il est question de parties humaines. Pourquoi? J’ai surtout retenu le bruitage assez désagréable de la chair qui se fait coudre…

Look de Jane Mumford (Suisse)

Mon petit coup de cœur. Des créatures rocailleuses vivent inanimées dans une grotte. Face à un faisceau lumineux, elles prennent vie et tentent de comprendre ce qui se passe. C’est bien fait, c’est poétique, c’est mignon, c’est noir, c’est simple mais efficace.

How Dave and Emma get pregnant de Joost Lieuwma (Pays Bas)

Dave et Emma veulent avoir un enfant mais n’y arrivent pas. Dave est tellement désespéré, qu’Emma se met à manger, à manger, à manger, et a finalement un ventre plus gros que son amie enceinte. Le trop plein de graisse la conduit aux urgences, et Dave se met à cajoler la graisse enlevée par le médecin.
Situations grotesques, absurde, ce court métrage est concentré d’humour qui fait du bien. Les dessins sont très simplistes, le tout est centré sur la narration.

The old man and the old woman de Basia Goszczynska (USA)

Deux créatures étranges vivent recluses dans une grotte. Malades, elles attendent la mort, et quand celle ci vient finalement frapper à leur porte pour les chercher, elles décident de ne plus sortir du tout. L’animation est mécanique, l’ensemble est assez appuyé, notamment les voix, je n’ai pas adhéré à l’univers.

KellerKind de Julia Ocker (Allemagne)

A mi chemin entre le conte et le thriller, KellerKind raconte comment une femme doit cacher son bébé, qui est pour le moins étrange. Elle doit faire face à la sauvagerie de son enfant, et celle des villageois.
Ambiance noire, dessins en noir et blanc, jouant sur les ombres, ce court métrage peut faire penser à Rosemary’s baby, Edward aux mains d’argent…L’atmosphère est en tout cas lourde, mais c’est une petite merveille, récompensée par le jury.

Les voiles du partage de Pierre Mousquet et Jérome Cauwe (France/Belgique)

Pour finir en beauté, voici la bonne blague des courts métrage d’animation. Narration à la Sin City, on suit les aventures pour le moins exagérées dans le mauvais goût, d’un vaillant hors la loi. C’est fun, ça dépote, on aime.

A lire:
-Festival Mauvais Genre- Edition 2013/ Longs métrages
-Festival Mauvais Genre- Edition 2013/ Conférences

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Rencontre avec Eriq Ebouaney, un des membres du jury

Je l’ai présenté rapidement au dessus, le sosie de Samuel L.Jackson, Eriq Ebouaney arrive dans le monde du cinéma et de la comédie à l’âge de 30 ans.
Son physique l’amène à faire des rôles un peu caricaturaux, puis peu à peu il se fait remarquer à l’international (Kingdom of heaven de Ridley Scott, Thirst de Park Chan-wook).
C’est un plaisir de l’entendre évoquer ses anecdotes de tournage. Il note les différences de travail entre les américains (les bosseurs), les français (les titilleurs appréciant l’apéro), et les coréens (les mecs qui tournent, montent et mangent en même temps).
L’entretien était mené par l’animateur et directeur du festival, Gary Constant.
Il était vraiment content d’évoquer son métier et son parcours, c’était vraiment agréable de l’écouter.

Conférence de Viktor Antonov:

Le célèbre (que je ne connaissais pas) designer Viktor Antonov est venu présenter les clefs, les sources d’inspiration pour créer un décor futuriste, que ça concerne les jeux vidéos (Dishonored…) ou le cinéma (Metropolis, Blade Runner…).

Les principale villes qui servent de modèles sont New York et Londres, avec souvent également des villes italiennes. Antonov précise que dorénavant, il cherche à s’inspirer de ville très peu utilisées. Il évoque ces décors comme des personnages à part entière, remplis de désespoir, mais pour autant avec une organisation fourmillante tel un village sympathique.

La conférence était illustrée de très beaux dessins, certains faisant office de brouillon, nécessitant une journée entière de travail.

Concert:  Fucking Butterfly

Les Fucking Butterfly est un groupe de « punk’n roll » composé de  4 mecs (batterie, guitare, basse, synthé) et 3 filles  au chant. Ils (elles) ont de l’énergie, les morceaux envoient, sans une grande originalité. Seul regret, les filles chantent la plupart du temps toutes ensemble alors qu’il y aurait un bon potentiel pour faire des choses originales avec trois voix.

Le concert se passait dans le square Sourdillon (en plein air donc), juste à côté du Petit Faucheux où les films étaient projetés.

Ciné concert: collectif Freaks on Sunday

Deux musiciens, Romain Coltier et Thibault Chevaillier, ont accompagné une sélection d’extraits de divers films (pour la plupart ceux qui ont marqué les années 90), à l’aide de la guitare, basse, synthé, percu..
L’exercice plutôt particulier, est agréable à entendre, mais ça manque d’élévation, de montée en puissance, qui peine à créer une véritable émotion.
Leur démarche reste expérimentale, ils le disent eux mêmes, avec une grosse part d’improvisation. Là, le spectateur est incité à prendre conscience de l’importance de la fusion de ces deux arts.

A lire:
-Festival Mauvais Genre- Edition 2013/ Courts métrages
-Festival Mauvais Genre- Edition 2013/ Longs métrages

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Le festival Mauvais Genre, kézako?

Le festival existait depuis 2007. Il est né d’ une association, présidée par Christophe Bret. Il était dirigé et animé par Gary Constant, journaliste.
Le festival dure 6 jours. Longs et courts métrages, master class, conférences, ciné concert, expos et dédicaces, la proposition du festival se veut variée. Plusieurs arts se connectent (cinéma, animation, musique, jeux vidéos).
La programmation est axée sur le cinéma de genre: horreur, fantastique, drame décalé…Le but étant de faire découvrir des œuvres insolites.

En 2013, le jury était composé de 4 membres:

• Eriq Ebouaney: Acteur français que je ne connaissais pas mais que  j’ai reconnu car je l’avais vu dans pas mal de films en fait: Femme Fatale de Brian De Palma, 2002 (que je n’avais pas trop aimé d’ailleurs), ou encore La Horde de Yannick Dahan et Benjamin Rocher (2010).
• Robinson Stévenin: acteur français que je connaissais car grand souvenir d’adolescente de Mauvaises Fréquentations de Jean Pierre Améris (1999).
• Coralin Trinh Thi: ancienne actrice porno française, pote de Virginie Despentes, avec qui elle a co réalisé le polémique Baise Moi (2000)
• Glen Ducan: écrivain américain dont le dernier roman, le dernier loup garou, a été acheté par Ridley Scott. Rien que ça.

Critiques longs métrages

Juan in a millon de Sergio Allard (2012)

Juan in a millon est un film financé par le Chili, des USA et du Brésil. Il met en scène la solitude et le désespoir de Juan, qui se retrouve seul au monde après avoir un peu trop dormi…(oui oui).
Un point de départ à la 28 jours plus tard, mais qui se dirige vers un drame, axé sur l’incapacité à faire des choix audacieux. Même (voire surtout) dans une situation pour le moins délicate. Coincé par ses souvenirs d’amoureux, Juan se laisser aller en attendant une issue qui viendrait d’autrui.
Le film est ponctué d’humour (qui n’a jamais rêvé de pouvoir se servir grassement dans les magasins? Puis bascule ensuite dans le drame glauque (la perdition totale de l’autre jeune homme qui reste).
Le film abuse un peu des flash back, se perd à la fin dans une théorie du complot qui manque de précisions pour qu’on s’y intéresse vraiment. Mais l’interprétation est impeccable, et on se laisse porter.

Juan in a millon est donc un petit film sans prétention, à savourer.

Errors of the human body d’Eron Sheean, (2012)

Présenté comme un film à la Cronenberg, Errors of the human body raconte l’histoire du docteur Geoffrey Burton. Brisé par la mort de son fils et sa rupture avec sa femme, il arrive en Allemagne, pour travailler sur un projet de cellules régénératrices.

Le film a été réalisé par le scénariste de l’excellent The Divide du français Xavier Gens (2011). Il mélange habilement science fiction et drame. On alterne entre recherches et révélations sur le gène, et démons qui habitent Geoffrey, le plongeant dans un flou constant.
L’ambiance médicale en opposition avec les détresses psychologiques de chacun est bien retranscrite et, Mickael Eklund (qui jouait aussi dans The Divide) est excellent. Son jeu étant complété de la charismatique Karoline Herfurth (vampire dans Nous sommes la nuit), désespérément amoureuse.

Errors of the human body  ne va pas suffisamment loin dans la réflexion et dans la chute de ses personnages pour créer un véritable choc. On ous laisse un peu sur notre faim.

Radio free albemuth de John Alan Simon (2010)

L’ovni du festival pour ma part revient à Radio free albemuth. Adapté d’un roman de Philip K.Dick, on trouve notamment au casting Jonathan Scarfe et….Alanis Morissette (oui vous avez bien lu).

Le film raconte l’histoire d’un jeune homme dont la vie est guidée par des visions venant d’un monde extérieur futuriste. Il se retrouve au cœur d’une conspiration politique et trouvera de l’aide auprès d’Alanis Morissette.

On voit le manque de moyens pour ce film, tant les scènes des hallucinations sont kitsch. Pour autant, l’interprétation sauve le film, ce qui limite notre ennui.

La projection du film s’est suivie d’une rencontre avec le réalisateur, qui avait acheté les droits du livre.

Funeral Kings des frères MacManus (2012)

La petite perle croustillante du week end. Premier film des frères MacManus, Funeral Kings met en scène la vie de 4 garnements.
Activité principale: la transgression.
Le tout donne une comédie plaisante, des dialogues mordants, avec une petite touche de douleur enfantine qui arrivé à nous sensibiliser. Le film est emmené par 4 jeunes comédiens prometteurs.

Bravo à l’équipe du festival Mauvais Genre d’avoir l’audace et l’énergie de proposer de telles œuvres. En espérant que le festival revive un jour…

A lire:
-Festival Mauvais Genre- Edition 2013/ Courts métrages
-Festival Mauvais Genre- Edition 2013/ Conférences

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Le festival Spasm, qu’est ce que c’est?

A la base, le concept était plutôt orienté autour d’une grosse fête d’Halloween, entourée de longs ou courts métrages exclusivement québécois. Petit à petit, le choix des films s’est élargi.

Le festival dure 8 jours. Tous les soirs, un ou deux films sont présentés. Un zombie walk est organisé, des « intervenants » musicaux jouent entre deux projections, des sélections diverses sont proposées,  des quizz, des débats ont lieu après une projection…Bref on ne risque pas de s’ennuyer! Le but du festival Spasm est de diffuser des œuvres « insolites » donc pas nécessairement orientées sur l’horreur. On peut ainsi trouver de la science fiction, du fantastique, voire de la comédie horrifique ou du kung fu…
L’équipe du Spasm Festival c’est une vingtaine de personnes, dont 7 qui se consacrent uniquement à établir la programmation.

J’ai découvert le festival Spasm en ayant pris connaissance du fameux Zombie Walk. Un Zombie Walk consiste tout simplement à réunir un maximum de personnes déguisés en zombie et ensuite à déambuler dans la rue.

Séance Crépuscule- Art/Crime

Je suis allée à la séance du lundi soir, qui proposait un court métrage et un documentaire « Art/Crime » sur l’histoire de Remy Couture.
J’arrive donc au Théâtre Plaza, salle assez grande, avec un étage et deux bars, et une grande scène. Sur la grande scène est installé un écran et je me fais la réflexion que c’est la 1ère fois que je vais voir un film dans un bar. En tout cas, le présentateur du festival Spasm, Jarrett Mann arrive tout pétillant pour annoncer le programme de la soirée. On débute donc avec le court métrage du québécois Eric Falardeau, Crépuscule. C’est un film d’animation en « stop motion » (c’est à dire filmé, image par image), qui raconte l’histoire d’un groupe de créatures dont leur fascination pour un couple d’humain va faire basculer leur destin…Film très curieux, c’est le moins qu’on puisse dire, sympathique à regarder, mais qui ne soulève pas plus d’interrogations que ça.

Débute ensuite le documentaire Art/Crime de Frédérick Maheux, dont c’est la 2ème réalisation. Remy Couture, est un créateur talentueux d’effets spéciaux et de maquillage. Tellement et trop talentueux qu’il est actuellement poursuivi en justice pour corruption des mœurs. A cause d’une plainte vieille de 3 ans, venant de l’Allemagne et lancée par Interpol, Remy Couture a été arrêté par la police québécoise. Avant de travailler pour le cinéma, Remy Couture faisait des séances photo et des courts métrages pour ainsi se perfectionner petit à petit. Tout était mis en ligne sur son site Inner Depravity. Sauf que, suite à une séance photo qui incluait un enfant de 10 ans, des gens ont réellement cru qu’un enfant s’était fait kidnappé et ont donné l’alerte. La plainte a mis 3 ans à venir au Québec, et a quasiment tout de suite eu pour conséquence l’arrestation de Remy Couture.

Frédérick Maheux a décidé de réaliser un documentaire sur ce sujet, en interviewant des modèles de Remy Couture, des personnalités du milieu du cinéma d’horreur, des avocats, des policiers…
Le documentaire reste objectif, se contentant de recueillir les propos des uns et des autres (d’après le réalisateur), mais on sent tout de même que le but est de démontrer que la liberté artistique sera en danger si Remy Couture est condamné. La chose intéressante bien réussie, est de faire croiser des propos de personnes qui se rejoignent, venant de différents milieux. C’est là qu’on voit qu’on peut tous parler de la même chose finalement. Qu’on soit contre ou pour ce qui arrive à Remy Couture, le documentaire se place comme un porte parole d’un problème de société. Qui peut décider de ce que les Québécois (ou le reste du monde) peut regarder? Quelle est la limite?
Remy Couture essaye de récolter des dons pour l’aider face aux démarches judiciaires qu’il doit assumer.
Il est finalement acquitté en 2012.

Après le film, le réalisateur et Remy Couture montent sur scène pour répondre aux questions du public. Au début, tout le monde est un peu timide, puis finalement les questions affluent et elles ne pourront pas être toutes posées. Les principales questions étaient sur le déroulement de la procédure judiciaire.
Remy Couture semble être un personnage sympathique mais complètement dépassé par ce qui lui arrive. Il a essayé de bien faire comprendre aux gens que non, ce n’est pas parce que tout le monde sait maintenant que ce n’était pas réel, qu’il est tiré d’affaire.

Séance du samedi 29 octobre: Grande soirée horreur- Party Halloween

Pour finir en beauté le festival et fêter en même temps Halloween, le festival Spasm propose une grande soirée horreur, costumée. La 1ère partie de la soirée se déroule au Club Soda, semblable au Théâtre Plaza, avec un étage en « U ».  Pas moins de 10 courts métrages seront présentés. La 2ème partie de soirée se déroule justement au Théâtre Plaza, pour la party d’Halloween.
Quand on rentre dans la salle, le marchandisage est cette fois présent. Le festival vend des DVDs de leur précédents éditions, avec les courts ou longs métrages présentés.
La soirée débute avec un numéro d’ombres chinoises orchestré par l’équipe de Gil Brousseau (le vice président lui même du festival Spasm). Ils reproduisent les grandes scènes de Psychose, d’Alfred Hitchcock (1960). C’est vraiment plaisant à regarder et ça fait une bonne intro!
Puis, de nouveau, notre Jarrett Mann vient présenter la soirée courts métrages:

1. Corps de Yan Moreau- Québec (10 minutes)
   
   C’est un film sur une petite équipe qui vient enquêter sur des bruits, apparitions étranges que des locataires auraient entendus et vus. Évidemment tourné avec des moyens réduits, le film contient quelques effets visuels bien réussis et nous donne quelques frayeurs. Mais si vous avez vu un bon nombre de films de fantômes et autres, cela ne vous percutera pas plus que ça. Le réalisateur était présent et est venu rapidement présenté le film.
   
2. Hambuster- France -réalisé par 5 étudiants de Supinfocom (6 minutes)
   Un vrai régal (c’est le cas de le dire). C’est l’histoire d’un hamburger tueur qui va mettre rapidement une ville sens dessus dessous…Le film est ingénieux, rythmé, dynamique, drôle, et très bien réalisé. Je suis super impressionnée du travail de ces étudiants, qui livrent ici un petit bijou, et qui est bien meilleur au niveau créativité que beaucoup de grosses productions d’animation. Il ne dure que 6 minutes, mais il s’en passe des choses…Un peu de gore, beaucoup d’humour et d’action, je vous le fais partager:[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=MRevA4DxL0o]
   Vous pouvez même aller sur le site officiel: http://hambuster.com
   J’ai d’ailleurs voté pour ce film!
   
3. Cauchemar- Québec- de Martin Manuel Beaulne et Myriam Gosselin (3 minutes)
   Le court métrage que j’ai moins aimé. Une femme fait des cauchemars et ne cesse de se réveiller et ainsi de suite…Le final est bon, mais le reste est trop lourd et confus. Les réalisateurs usent et abusent d’effets pour créer une ambiance déstabilisante et cauchemardesque, mais du coup ça ne prend pas. Les réalisateurs étaient aussi présents pour présenter le film.
   
4. Mon père- France- de Patrice Gablin (13 minutes)
   Très « dark » comme on aime bien dire ici. Un petit garçon souhaite inviter un camarade à dormir chez lui, ce qui terrifie la mère et ravi le père….La grosse difficulté à mon sens pour un court métrage, c’est de créer quelque chose d’efficace et d’original alors qu’on a très peu de temps. Et « mon père » réussit cela. Il évoque un sujet très peu évoqué au cinéma, installe tout de suite une ambiance très inquiétante et se finit de façon la plus sombre possible.
   
5. Brutal Relax- Espagne- d’Adrian Cardona, Rafa Dengra et David Munoz (15 minutes)
   La grosse rigolade de la soirée. Trash, gore rigolo (pas crédible pour un sou donc), divertissant. Efficace dans son genre, ça permet de décompresser quand on vient de voir « Mon père ».
   
6. Le lac noir- France/Suisse- de Victor Jacquier (19 minutes)
   Le film le plus beau esthétiquement parlant. Sur fond de conte, un couple recueille un enfant trouvé dans le ventre d’un gros poisson. Sa présence révèlera un lourd secret. Très « dark » aussi, c’est un film fantastique. La photographie est magnifique et l’histoire bien que simple, est prenante.
   
7. Le blanc c’est le meilleur- France- de Greg Rugeri (5 minutes)
   Encore pour décompresser, un court métrage bourré d’humour sur un duo de zombie, échangeant sur la saveur des humains. A voir absolument si vous le pouvez!
   
8. Red Balloon- Angleterre- de Damien Macé et Alexis Wajsbrot (14 minutes)
   Un petit bijou de suspens. Cela démarre lentement mais le film contient deux trois scènes de bonne tension.
   
9. Ethereal Crysalis- Québec- de Syl Disjonk (10 mintes)
   Les effets spéciaux et maquillages ont justement été réalisés par Remy Couture. Je n’ai pas accroché au film pour ma part. Trop mystique, trop lourd. Je ne pourrais même pas raconter l’histoire, mais je n’aime pas ces mélanges de magie, transformations dans un monde imaginaire (peu original).
   
10. Turbokid- Québec- d’Anouk Whissel, François Simard et Yoann Karl Whissel (6 minutes)
    Sympa à regarder mais sans plus. C’est l’histoire d’un « super héros » qui vient au secours d’une gente dame, retenue par des méchants bonhommes. Des meurtres ingénieux et un peu d’humour, c’est rigolo mais trop potache et manquant de rythme pour que j’apprécie vraiment.Je me rend compte que je ne suis pas trop sensible au cinéma québécois…

Au milieu de la soirée, deux humoristes (qui ont profité de se moquer gentiment de français en passant), sont venus animé un quizz, dit le « Quizz chinois ». Des extraits de films d’horreur (vraiment série Z), sont diffusés, et il y a ensuite plusieurs propositions pour deviner la suite. Le cinéma, ce n’est pas très interactif à la base, donc là ça faisait plaisir d’avoir un peu d’animation, autour du cinéma, avec les gens qui participaient. Je trouve que c’est une bonne idée pour faire une pause de courts métrages, et d’apporter en même temps quelque chose de différent pour un festival de cinéma. D’habitude, on attend une salle calme quand on va au cinéma, mais pas ici. Ici le cinéma, on le partage finalement.

Une fois la soirée finie, le festival Spasm avait prévu 4 cars (d’école jaune américains) pour tous nous emmener au Théâtre Plaza pour la party d’Halloween. On s’est donc retrouvées avec Sarah Palin et une tronçonneuse derrière nous…
Ambiance old school, on a pu admirer les différents et beaux (ou pas) costumes. Allant d’un vagin, à Bugs Bunny, et passant par Marla de Fight Club, une fille déguisée en tombe…Bref il y avait de tout!

Le prix du public a été décerné à…Turbo Kids (sans doute pour le côté fun j’imagine?)

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