Une impression de voir plus de femmes?

J’ai compté 201 films français sortis en 2019, tous genres confondus. Avec des durées divers (certains autour de 60 minutes). La liste contient également des coproductions avec différents pays (Belgique, Japon, Turquie…).
Je ne parle pas ici de qualité, mais de représentations.

Avant d’entrer dans le détail, voici la liste ci dessous des films dirigés par des femmes. Cela peut paraître long, mais il me semble nécessaire de leur donner un peu de visibilité. Pour chaque film, vous aurez un lien renvoyant plus d’informations. Si je peux aider à faciliter l’envie de se renseigner sur ces films (bons ou mauvais, encore une fois là n’est pas le débat).
Au moins, ça donne l’opportunité de se questionner sur ce cinéma (invisible).

Une place réduite

Je compte donc 35 films réalisés par des femmes, dont 3 coréalisés avec un homme. Autant dire que qu’elles ne représentent pas grand chose.
Je compte quatre réalisatrices non blanches, mais je peux en avoir oubliées.
Sur ces 35 films, on peut dire qu’une petite douzaine ont été vraiment médiatisés. Et encore, je suis généreuse. Et moitié moins ont bénéficié d’un nombre de copies correct. Évidemment on ne va pas donner le même nombre de copie à Portrait de la Jeune Fille en Feu, et Le Corps Sauvage, on est d’accord.
N’empêche que sur ces 35 films, on peut compter sur les doigts d’une main ceux qui ont pu avoir la chance d’être suffisamment visibles pour espérer toucher le public.

Liberté, Inégalité, Sororité

Il m’a semblé important de rappeler que malgré le fait que le problème du sexisme et des représentations soient maintenant régulièrement évoqué dans les media, dans les faits, on est loin d’approcher de l’égalité.
Julia Ducournau, réalisatrice de Grave, s’était énervée sur un plateau télé, car les invité-es et animateurs commençaient à évoquer un soi disant « assaut » des femmes dans le monde du cinéma. Un frémissement éventuellement.

La vérité c’est que sur le terrain, les réalisatrices n’avancent pas beaucoup.
C’est pourquoi le travail du Collectif 50/50 est non seulement essentiel, mais surtout au tout début de son travail.
D’autant plus que l’écart de salaire entre réalisateur et réalisatrice est le plus important dans le monde du cinéma: 42%!
La part des réalisatrices est de 24%. Quand on voit que 18% ont sorti un film en 2019, ça laisse songeur…

Qualifie ton genre!

Mais pourquoi tant s’embêter avec ces questions? Les réalisatrices ne créent pas forcément des meilleurs films que les hommes. Certes. Ne serait ce que dans cette liste, on peut constater quelques accidents comme Alien Crystal Palace ou Blanche Comme Neige.
Pour autant, je vous laisse regarder la liste des 166 films restants, on ne constate pas que de chefs d’œuvre, alors que la visibilité des réalisateurs, ou du moins l’accessibilité à faire des films, domine.

Par ailleurs, il serait intéressant, dans le cas où une parité existerait, de comparer réellement les sujets, et les types de rôles dirigés par des réalisatrices. Pour le moment, c’est compliqué. On ne sais pas vraiment combien de films proposés par des femmes à des financeurs ont été refusés, et pour quelles raisons.
Encore une fois, comme je l’expliquais dans mon article consacré à l’absurdité de séparer l’homme de l’artiste, c’est une question d’égalité à l’accès à faire des films. Et cela mènera forcément à des nouvelles histoires, rôles, mises en scènes à découvrir.

Faire plus de place passe par abandonner des privilèges

Cela implique un élément dont personne ne veut évoquer: le fait que les hommes devront céder plus de place, plus de sous. Et ça, personne n’en a envie. On veut bien clamer qu’on aime les femmes et qu’on souhaite l’égalité. Renoncer à des privilèges est plus compliqué.
Pourtant, serait ce un problème que de temps à autre un réalisateur ait moins de sous pour un film? Encore une fois, quand on voit la qualité de certains films, on pourrait se poser la question.
Le vrai nerf de la guerre c’est l’industrie du cinéma. Comme dans tous domaines, il faut produire vite et plus. Qualité ou pas.

Dans le documentaire Tout peut changer d’Avi Lewis sur la place des femmes à Hollywood, un cinéaste noir évoque le reproche principal fait à la nécessité de la parité. A savoir que cette exigence de quota, fait que des hommes peuvent être écartés de projets, et qu’ainsi ça serait se priver de qualité potentielle. Or lui pointe que dans la mesure où le point de vue dominant reste celui d’un homme blanc, l’introduction de plus de réalisatrices permettrait au contraire d’apporter enfin plus de richesse.

On peut constater déjà que les réalisatrices investissent à peu près tous les genres : drame, comédie, fantastique, documentaire, animation…
Ce qu’il manque c’est de la place (et des financements).

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Furie est inspiré d’une histoire vraie, à savoir des propriétaires mis à la porte après avoir prêté leur maison à leur nounou. Une situation qui finira dans le sang…

Furie d’Oliver Abbou
Avec Adama Niane, Stéphane Caillard, Paul Hamy 
Scénario de Olivier Abbou, Aurélien Molas
Produit par  Jean Christophe Barret, Léonard Glowinski
Société de production: Alliance de Production Cinématographique

Furie est un film de genre français; le deuxième long métrage d’Olivier Abbou, après Territoires. Il a été présenté en avant première lors du festival de l’Absurde Séance, à Nantes.

Avec son pitch de home invasion inversé, Furie utilise le film de genre, pour faire une critique acide de notre société raciste et patriarcale.

Fallait pas les inviter

Furie met en scène la descente aux enfers d’un homme noir (qui est donc déjà en position de dominé par rapport à son ennemi, homme blanc), qui suite à la perte de ses repères (sa maison, sa femme…) remet en question son identité. Et cherche à savoir par la même occasion, l’homme qu’il souhaite être. Selon quels codes.
Oliver Abbou reprend les clichés masculins ( fierté, violence, virilité, possession…), pour montrer leur toxicité. Leur absurdité.

Il croise cette quête d’identité de genre avec l’identité raciale. Choix plutôt malin et audacieux. Ainsi, Paul se retrouve confronté à deux problématiques: sa place en tant qu’homme (cis), et noir. En tant que professeur d’histoire, il est fortement influencé par la notion de liberté: devient il objet s’il laisse un blanc s’emparer de sa propriété?

On assiste à la déchéance de Paul, illustrée par une mise en scène à la manière d’un clip. Comme plongé dans un univers déconnecté, il suit aveuglément des hommes animés par la misogynie et la violence. Mais qui donnent une impression de puissance, désirable.
Ainsi, Abbou prend le temps d’installer les enjeux, les personnages. Et même si on n’est pas encore frontalement dans l’action, on sent monter petit à petit le malaise.

La masculinité: cette toxicité

Le dénouement final est efficace et surprenant, oscillant entre slasher et survival.
On sent un véritable amour d’Olivier Abbou pour ses personnages, qu’il souhaite élever vers le haut, sans mièvrerie, avec une évolution qui fait sens.
C’est sans doute la limite de Furie: les hommes toxiques ne sont pas toujours aussi identifiables, avec peu de nuances. Mention spéciale à Paul Hamy qui interprète à la perfection le salaud.
L’affrontement final est plus malaisant que graphique. N’attendez pas des effets gore, ou une forte tension. Malgré quelques scènes brutales, on est surtout très mal à l’aise face à tant de barbarie.

Furie a l’intelligence de prendre le temps de déployer sa thématique de l’identité à travers les spectres de la masculinité toxique. Un final détonnant, qui conclue brillamment les problématiques posées.

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Pour des questions de diffusion compliquée à la TV et de maigres scores au box office, il est très difficile de monter un film de genre en France. Si l’Italie est la mère des gialli, la France est bien précurseure dans l’histoire du cinéma de genre, George Méliès étant considéré comme le père du cinéma d’horreur (le Manoir du Diable, 1896).

Cercle visqueux

La situation du cinéma de genre français a toujours été complexe, malgré des essais récurrents. Quand Wes Craven a relancé le slasher avec Scream, il y a bien eu une tentative de surfer sur la vague avec le mauvais Promenons nous dans les bois de Lionel Delplanque. Mais, cet échec commercial a visiblement refroidi toute initiative de slasher à la française par la suite.
Nous avons eu ensuite des productions labellisée « french frayeur » lancée par Canal + avec A l’intérieur de Julien Maury et Alexandre Bustillo, 2007, Frontières de Xavier Gens, 2008 ou encore Haute Tension d’Alexandre Aja, 2003. Ces films ont cartonné outre Atlantique et en festival. Cette initiative a permis de lancer quelques réalisateurs (qui ne font pas forcément que du genre, comme Xavier Gens), mais n’a jamais été une aide pour les créateurs suivants.

Ces films sortant sous peu de copies (de 30 à 100 pour les plus chanceux, quand des films dits « populaires » sont facilement à plusieurs centaines), ils sont difficilement visibles. Du coup, ils ne restent pas longtemps à l’affiche. Dans ces conditions, il est impossible de toucher beaucoup de spectateurs (A l’intérieur n’a réalisé « que » 70 000 entrées environ, Ils de Xavier Palud et David Moreau, 2006, lui a réuni 250 000 spectateurs). Pas de copies, pas d’entrées, pas de succès, pas de financement les films suivants: le cycle infernal.

Je lis souvent que si le cinéma de genre en France a du mal à exister, c’est parce qu’il ne réalise pas d’entrées. Mais comment peut il en faire en sortant sous si peu de copies?

Pourtant, les amoureux et artistes du cinéma de genre français parviennent à faire paraître des initiatives originales comme pour Goal of the Dead de Benjamin Rocher et Thierry Poiraud (2014). A défaut de bénéficier d’une sortie en salle, les deux réalisateurs des deux films ont fait un tour de France des quelques cinémas qui ont bien voulu le diffuser lors d’une soirée.

Mal aimé, il est le mal aimé

Qu’on se le dise, je n’ai rien contre les comédies, drames, etc…Il y a de très bons films comme de mauvais. C’est le cas aussi dans le cinéma de genre. Mais pourquoi ne les laisse-t-on pas exister? Pourquoi les considère t-on comme un genre « bis »?

De plus, les films de genre nécessite souvent de budgets importants pour avoir de bons effets spéciaux, visuels…Or, là, personne ne veut les produire, donc ces films là apparaissent encore un peu comme des essais, avec les moyens du bord. Si un film de genre français a un budget de 2 millions d’euros (ce qui est très très peu comparé à un 11 millions du Prénom d’Alexandre De La Patellière et Matthieu Delaporte (2011).

Par conséquent, ils ont du mal à être reconnus auprès des fans de films d’horreur, qui sont habitués aux films américanisés. Et il faut que ça marche auprès du public pour que les producteurs acceptent de soutenir un film. Donc paradoxalement, le public, qui pourrait aider le cinéma de genre français, l’enfoncent peut être encore plus…On ne peut pas dire que la mauvaise qualité d’un film est uniquement dû aux effets spéciaux, mais ça joue énormément auprès d’un public habitué à des effets à gros budgets.

Récemment grâce à Grave de Julia Ducournau, le regard de la profession a légèrement changé. Le CNC a créé une aide pour le cinéma de genre (mais ils entendent par « genre » aussi une comédie musicale par exemple, donc il n’y aura pas forcément une aide chaque année pour du « vrai » genre).

On oublie souvent de le mentionner, mais Grave a également été nommé cinq fois aux Césars. Ces nominations font figure d’exception. Les derniers films de genre nommés aux Césars remontent à La cité des enfants perdus de Jeune et Caro en 1993 ! A l’époque il a même obtenu un César pour les meilleurs décors. Mais cette situation exceptionnelle n’a pas tracé une route pour d’autres films.
Grave a su séduire par la force de son récit. Son aspect de la fameuse étiquette « cinéma d’auteur ». Sans cela, le film aurait été ignoré. Il a été pris en compte pour cette raison par les Césars. Depuis, nous ne voyons pas d’autres exemples.
Le documentaire Viande d’origine française , montre bien toute les difficultés rencontrées par le cinéma de genre français.

Un outil de réflexion

Il ne faut pas associer le cinéma de genre français à uniquement le cinéma d’horreur ou d’épouvante. Il ne faut pas oublier le succès du Pacte des Loups de Christophe Gans sorti en 2001. Aux allures de blockbusters, jouant la carte du film d’époque, il a su séduire. On peut noter également Les Rivières Pourpres 1&2, films réalisés par Matthieu Kassovitz en 2000 et Olivier Dahan en 2004. A la limite du polar classique, ces films sont pourtant proches d’un film d’horreur.
Et que dire de Jusqu’à la garde de Xavier Legrand? Il comporte tous les ingrédients d’un film de genre.
C’est donc un cinéma riche de propositions.

Le cinéma est utilisé pour évoquer, pour proposer une réflexion sur la vie, que ça soit à propos d’amour, d’amitié. Mais aussi de choses peu plaisantes comme la maladie, le décès, l’abandon, la souffrance morale..Ces thématiques sont largement abordées dans les drames, notamment sociaux français.
Le cinéma de genre permet de représenter visuellement et concrètement ces souffrances, à travers l’imaginaire, permettant de mettre des images et des mots sur des sensations et émotions complexes.
Laissons le cinéma de genre français les exprimer.

Le cinéma de genre français ne demande qu’à exister: Djinns de Sandra et Hugues Martin (2010), le Village des Ombres de Fouad Benhammou. Mais aussi l’excellent Vertige d’Abel Ferry (2008), ou encore Night Fare de Julien Seri (2016). On peut noter Horsehead de Romain Basset (2014), ou encore Aux yeux des vivants de Julien Maury et Alexandre Bustillo (2014). Est-ce que tous ces films sont bons? Non. Mais est-ce que toutes les comédies et drames le sont?
D’autant que pour monter en qualité, il faut pouvoir produire aussi une certaine quantité pour donner l’occasion aux cinéastes et techniciens d’expérimenter.

Sang-sûr

La censure est une barrière de plus pour le cinéma de genre. Martyrs de Pascal Laugier en a fait les frais. Au départ interdit aux moins de 18 ans, après indignation, il a finalement été interdit aux moins de 16 ans.
Le fait est qu’interdire aux moins de 18 ans un film, c’est le tuer avant qu’il sorte. Il est encore plus limité concernant ses diffusions dans les salles, il ne peut pas passer à la télé, ou une fois par mois à Canal. Tout simplement parce qu’il est dans la même catégorie qu’un film X. Si on veut mettre des interdictions sévères au cinéma de genre français, donnons lui des salles au moins pour le diffuser correctement.

Dans un autre registre, le CNC a refusé de financer Les Misérables de Ladj Ly car trop violent. Quand on voit le film, on peut se demander où est le curseur chez le CNC. Et pourtant Les Misérables cartonnent en salle, c’est même le plus gros succès chez Le Pacte. Mais l’étiquette « film social » l’explique en grande partie.

Résister à l’envahisseur

Le cinéma de genre français est tellement méprisé (et parmi par les amateurs du genre en lui même), que les réalisateurs sont sollicités par les américains pour réaliser des films sur leur territoire. Ainsi, Xavier Palud et David Moreau (réalisateurs de Ils) ont réalisé le remake de The Eye en 2008. Alexandre Aja a par la suite magnifiquement remaké La colline a des yeux (2006), puis a réalisé Mirrors. Christophe Gans a tourné Silent Hill, sorti en 2006 également.

Depuis les trois dernières années on note des propositions très diverses et riches en thématiques et en spectacle. Titane, Deep House, Méandre, Acide, Le règne animal, Gueules Noires, Le Vouldarak, Vincent doit mourir…On remarque que l’intérêt pour le cinéma de genre français a progressé même s’il reste minoritaire. Cela reste inédit de voir autant de films de genre sortir en salles et pour certains connaitre un succès (Deep House). Espérons que ça ne soit qu’un début.
Il reste maintenant à faire la place à plus de réalisatrices française de genre, partie qui reste certainement la plus difficile.

Toi, amateur.rice de films de genre, soutiens le cinéma de genre français. De plus en plus on note des propositions insolites et passionnées. Donc sortons des sentiers battus et du formatage parfois trop américanisés pour donner sa chance à des films qui enrichissent notre culture.

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Jessica souffre de cauchemars récurrents qui s’empirent suite aux funérailles de sa grand-mère. Alors qu’ils s’intensifient, elle applique ses connaissances du rêve lucide afin de trouver l’origine de ces images.

Horsehead de Romain Basset,
Avec Lilly‑Fleur Pointeaux, Catriona MacColl,
Scénario de Romain Basset, Karim Chériguène,
Sociétés de production: HorseHead Productions Starflix
Montage de Frédéric Pons
Photographie de Vincent Vieillard-Baron

Jessica au pays des cauchemars

La première chose qu’il faut saluer à propos d’Horsehead, c’est bien la qualité de la mise en scène, sublimée par la lumière. Pour un budget aussi riquiqui, (et pour un premier long), c’est plutôt impressionnant.
L’entité maléfique à tête de cheval peut faire sourire au 1er abord mais le parti pris de mettre en scène cette tête au 1er degré fonctionne. La tête respire quelque chose d’organique, d’imposant, avec un corps filmé à moitié dans l’ombre. Suffisamment éclairé pour comprendre que Romain Basset n’a pas honte de filmer son entité, mais avec une part d’ombre qui participe à mystifier cette chose.
C’est donc un véritable tour de force de parvenir à proposer une nouvelle représentation du Mal, sous les traits d’un animal, crédible.
Malgré tout, Horsehead abuse parfois des effets de lumière, dont on sent parfois l’artifice.
Les séquences de cauchemars sont réussies (trip barré, bel éclairage, une ambiance gothico-mystérieuse…), et nous transportent dans un univers poético macabre.

On peut regretter que le film soit tourné en anglais, pour des questions de vente du film à l’international. On a déjà assez peu de réalisateurs français dans le cinéma de genre, dommage de ne pas pouvoir l’apprécier en français.
Lilly Fleur Pointeaux ne manque pas de charisme, mais peine à dégager quelque chose de fort, pour m’embarquer réellement dans sa quête. Catriona MacColl (actrice emblématique de Fulci), souffre surtout d’un personnage trop en surface, pas suffisamment exploité.
Mais la dynamique du duo d’actrices fonctionne bien, qui permet d’avoir envie de suivre leur collaboration familiale.

Las Vegas Trop Parano

La notion du cauchemar (donc je développe les signification et les mythes qui gravitent autour) est une thématique qui invite au traitement de traumatismes.

La vraie faiblesse de Horsehead, c’est le manque de scènes dans la vie réelle. Cela empêche de créer du lien avec l’héroïne, mais aussi à capter une réelle descente aux enfers. On a le sentiment d’être toujours en enfer finalement. Le spectateur ne pas pas comprendre l’essence même du personnage, et on peine à développer de l’empathie pour Jessica. Ni les cauchemars ne peuvent transmettre à eux seuls, une compréhension des tourments, des questionnements, des doutes.

Et pourtant, l’histoire se prêtait à une narration intéressante. Jessica est sujette à ce qu’on appelle des « rêves lucides ». Au delà d’être conscient-e de rêver, c’est le fait de mettre en pratique des techniques de maîtrise de soi et de ses actes, pendant un rêve. Sachant que nos rêves et cauchemars s’inspirent de ce que nous avons vu/vécu/parlé, les pistes étaient donc infinies pour explorer les rêves lucides.
Le cinéma de genre regorge d’œuvres autour des rêves, de la frontière entre l’imagination et le réel, mais cette notion de rêve lucide a peu été vue au cinéma.
Malheureusement cet aspect n’est pas approfondi, Basset s’intéresse plutôt à comment son personnage vit cette expérience, plutôt que pourquoi. Et on s’y perd parfois un peu.

On ne peut qu’encourager un film comme Horsehead, ne serait ce que pour montrer que des réalisateurs qui possèdent un réel univers. Mais il manque une narration percutante pour marquer durablement. Un beau premier essai. Et j’ai hâte de voir la suite!

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