L’ANNÉE DES RÉALISATRICES À L’ÉTRANGE FESTIVAL

Les réalisatrices s’imposent progressivement dans le champ du cinéma de genre, du cinéma du bizarre. Et il était temps. La S’Horrorité (dont Jessica, fondatrice du site, et moi-même, Léo, sommes membres et cofondatrices) œuvre à recenser les films de réalisatrices programmés en festivals, un travail disponible sur le compte Instagram de l’association.
Si leur présence s’accroît d’année en année, l’Étrange Festival accusait jusqu’ici un certain retard en matière de représentation féminine.
L’édition 2025 rompt heureusement avec cette tendance : plusieurs réalisatrices passionnantes y ont présenté leur travail sur grand écran :

• l’Américaine Annapurna Sriram et son excentrique et jubilatoire Fucktoys ;
  
• la Grecque Evi Kalogiropoulou avec Gorgona, relecture du mythe de la gorgone ;
  
• le duo canadien Madeleine Sims-Fewer et Dusty Mancinelli, révélé par Violation (2020). De retour avec Honey Bunch, variation autour du  gaslighting ;
  
• la Française Julia Kowalski et son film sensible Que ma volonté soit faite ;
  
• les Australiennes Emma Hough Hobbs et Leela Varghese, autrices du délirant space opera Lesbian Space Princess ;
  
• Julie Pacino, fille d’Al Pacino, venue présenter son cauchemar fiévreux I Live Here Now ;
  
• la Canadienne Grace Glowicki et son déjanté Dead Lover ;
  
• et, Lucile Hadžihalilović, incontournable du festival, avec La tour de glace, réécriture du conte d’Hans Andersen La Reine des neiges.
  

Cette sélection est riche, variée, et traversée d’un souffle politique. Elle ne saurait toutefois masquer l’ampleur du chemin restant encore à parcourir.

IL Y A FLUIDE ET FLUIDITÉ

L’Étrange Festival n’a jamais ménagé sa générosité en matière de fluides corporels. Cette édition se distingue toutefois par une générosité en termes de représentation de fluidité dans le genre. La forte présence de réalisatrices n’est certainement pas étrangère à ce phénomène.

Deux œuvres dépeignent avec finesse l’éveil amoureux et sensuel lesbien de jeunes héroïnes :
– la protagoniste, un peu sorcière, de Que ma volonté soit faite (Julia Kowalski), fascinée par sa voisine ;
– l’orpheline de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović), entraînée dans un univers glacial dominé par une Marion Cotillard inquiétante.

Fucktoys (Annapurna Sriram)célèbre, par un casting vitaminé et inclusif, la joie d’exister envers et contre tout ; Dead Lover (Grace Glowicki) met en scène un amour qui dépasse la mort et l’enveloppe corporelle. Quant à Lesbian Space Princess (Emma Hough Hobbs et  Leela Varghese), véritable space opera à la Rick et Morty, il propose une aventure déjantée, résolument queer mais accessible à tous.

Dans un registre très différent, Cadet interroge avec acuité la masculinité rigide et toxique au sein d’une école militaire. Il s’agit du premier film d’horreur du Kazakh Adilkhan Yerzhanov

EXPERTS EN EXPÉRIMENTATION

En termes de genre, certaines années font la part belle à l’horreur, d’autres au polar et d’autres encore au fantastique. 2025 se targue d’une programmation particulièrement expérimentale. Au programme, l’avant-première complète de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović) qui reçoit un accueil particulièrement chaleureux (pun intended). La réalisatrice continue de nous régaler avec son style aussi fascinant qu’énigmatique. 

Parmi les “grands” noms, le retour du réalisateur Ben Wheatley en terre nerdique. Après une poignée de films (très) grand public, le joyeux barbu semble ravi de venir présenter Bulk. Il s’agit d’un objet filmique non identifié qui fut projeté devant une audience de cinéphiles invétérés.

2025 signe également la conclusion de la trilogie souterraine du cinéaste autrichien Norbert Pfaffenbichler. Comme chaque année, de jeunes réalisateurs se risquent à l’expérimental. Et pas toujours pour le meilleur. On pense notamment à Exit Medea ou Girl America. 

DES REGARDS SUR LE MONDE

UN REGARD SUR LE MONDE : LA MENACE RUSSE

L’Étrange Festival s’intéresse à toutes cinématographies, peu importe son origine. Il prend ainsi le poul du cinéma à l’international et effleure aussi les préoccupations du moment. 

L’événement marquant de cette année demeure la venue à Paris du prodige Kazakh Adilkhan Yerzhanov. Ce dernier étant particulièrement apprécié du public du festival. Il présentait trois œuvres – deux films et une série:
– Kadet, son premier film d’horreur, antimilitariste et critique de la virilité toxique ;
– Moor, un polar sombre ;
– Kazakh Scary Tales, série fantastique inspirée des contes traditionnels.

Sa présence a également permis l’organisation d’une carte blanche. Au cours de laquelle il a choisi de projeter Heathers (ou Fatal Games), teen movie à l’humour noir explosif.

Toute l’œuvre de Yerzhanov porte la marque diffuse de la menace russe. Cette thématique apparaît également dans Girl America de l’auteur tchèque Viktor Tauš, plongée saisissante dans le psyché d’une orpheline vivant sous la Tchécoslovaquie totalitaire.

UN REGARD SUR LE MONDE : LE COMPLOTISME ANGLOPHONE

Côté anglophone, une thématique s’impose nettement : celle du complotisme. Elle irrigue A Scanner Darkly de Richard Linklater, proposé dans le cadre de la carte blanche au média électronique francophone La Spirale. On y suit la lente dissolution psychique d’un policier enquêtant sur la mystérieuse substance M, qu’il finit par consommer lui-même. Un brûlot anticapitaliste, plus actuel que jamais à l’heure des réalités alternatives.

Dans la même veine, Bulk de Ben Wheatley déploie un univers aux vérités multiples, où la réalité semble se dérober. Le film s’inscrit dans la lignée des œuvres cultes et anxiogènes des années soixante et soixante-dix, notamment la série Le Prisonnier (1967- Patrick McGoohan), reflet d’une Angleterre instable en pleine guerre froide.

UN REGARD SUR LE MONDE : QUID DE L’ASIE DE L’EST ?

Fidèle à son histoire, l’Étrange Festival poursuit son rôle de défenseur des cinématographies est -asiatiques. Cette année, un focus est consacré à la figure de Lady Yakuza, héroïne vengeresse ayant inspiré Lady Snowblood puis l’héroïne de Kill Bill. L’intégralité des huit films (1968-1972) était ainsi projetée.

Après des années très fastes pour le cinéma coréen, parfois jusqu’à saturation, 2025 laisse entrevoir une période de disette.
Seuls trois films sud-coréens sont programmés : The Old Woman with the Knife (thriller mâtiné d’action), The Curse : Insatiable Desires (anthologie horrifique) et The Last Woman on Earth (comédie de science-fiction). 

Quand on pense à certaines années où pratiquement la moitié des films en compétition étaient coréens, la question se pose. Après des années de politique de productions cinématographique assez agressive, la Corée du Sud semble se tourner vers une autre stratégie, par obligation ou par choix.

LE RÉCIT GOTHIQUE : UN RETOUR EN FORCE

Le récit gothique n’a jamais véritablement quitté nos écrans, mais il connaît ces dernières années un renouveau manifeste – du Frankenstein de Guillermo del Toro à The Bride de Maggie Gyllenhaal, en passant par les Hauts de Hurlevent revisité par Emerald Fennell ou encore la série Mercredi supervisée par Tim Burton.

L’Étrange Festival s’inscrit dans cette tendance avec :
– le superbe film d’animation Je suis Frankelda des frères Ambriz, protégés de Del Toro, qui proposent un univers fantasmagorique et une réflexion sur la peur en elle-même ;
– Dead Lover de Grace Glowicki, comédie potache nourrie d’imaginaire gothique ;
– Honey Bunch, dont l’héroïne se voit gaslightée dans une grande et belle demeure labyrinthique.

Si le genre du gothique a toujours été très proche du féminin avec ses nombreuses héroïnes complexes, on observe actuellement une hyper féminisation du genre avec de nombreuses réalisatrices qui s’emparent de ces histoires d’amours maudits, de fantômes et de maisons inquiétantes.

L’invitation de l’icône du cinéma gothique italien Barbara Steele, venue présenter Le Spectre du professeur Hichcock (Riccardo Freda – 1964) et donner une masterclass, a couronné cette mise en avant du gothique.

NO COUNTRY FOR OLD WOMEN

L’âgisme fait débat dans le cinéma actuellement. On se questionne particulièrement sur la disparition des actrices passé un certain âge, mais aussi sur l’omniprésence de la chirurgie esthétique dans une industrie où il est pourtant indispensable d’être expressif. 

La coïncidence a voulu que la programmation propose deux films sur cette thématique : le coréen The Old Woman with the Knife (Min Kyu-dong) qui suit une tueuse à gage vieillissante dont le quotidien se verra bouleversé dans une profession où il ne fait pas bon vieillir. Bel écrin pour son actrice, Lee Hye-young, le film bien que pas exceptionnel propose de jolis moments notamment à propos du vieillissement de son personnage. 

Dans un tout autre registre, le scénariste Stephen Sayadian est venu présenter Lady in a Cage (Walter Grauman – 1965), fleuron de l’hagsploitation étatsunienne qui montre une Olivia de Havilland handicapée bloquée dans l’ascenseur privé de sa belle résidence pillée par de jeunes malfrats.

REVISITER LES MYTHES GRECS

Trois réappropriations de la mythologie gréco-romaine étaient présentées :
– Exit Medea (Tony Paraskeva), road movie expérimental et trash revisitant l’histoire d’amour entre Médée et Jason ;
– Odyssey (Gerard Johnson), qui évoque succinctement l’Odyssée d’Homère par l’idée de parcours complexe de son héroïne pour retrouver ses racines ;
– Gorgonà, remarquable premier film d’Evi Kalogiropoulou, portrait d’une société patriarcale réduisant la femme à une monnaie d’échange. La figure de la gorgone avait déjà été remise en avant dans le film Medusa (Anita Rocha da Silveira – 2021) qui montrait une révolution féminine au Brésil parmi des jeunes femmes conservatrices.

Ces relectures féminines de figures monstrueuses s’inscrivent dans un mouvement littéraire féministe actuel, porté notamment par Murielle Szac et Madeline Miller, qui réhabilitent les héroïnes antiques dans toute leur complexité.

LE LAUREAT DE LA FIN DE L’EDITION DE L’ÉTRANGE FESTIVAL

Pour conclure ce panorama (presque) succinct de l’édition 2025 de l’Étrange Festival, arrêtons-nous sur le grand lauréat de la compétition : The Forbidden City de l’Italien Gabriele Mainetti. Ce film d’action mêle clichés chinois et italiens dans un chaos soigneusement orchestré.
À Rome, une jeune femme chinoise cherche désespérément sa sœur disparue. Elle croise le chemin d’un jeune homme, fils d’un restaurateur endetté lui aussi porté disparu. Malgré la barrière linguistique et culturelle, tous deux s’unissent pour affronter la pègre. Moins politique que Freaks Out, le film séduit néanmoins par ses qualités plastiques et sa mise en scène fluide.

Son sacre interroge toutefois : nombre d’œuvres plus audacieuses, plus singulières, semblaient plus conformes à l’esprit traditionnellement anticonformiste de l’Étrange Festival. Est-ce qu’un festival qui se veut l’étendard d’une certaine contre-culture peut rester fidèle à son identité, tout en attirant un public de plus en plus nombreux et divers ? Mon avis est que malgré tout, l’Etrange a trouvé un équilibre entre ces deux concepts antinomiques.

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Second long-métrage de la réalisatrice Julia Kowalski qui avait déjà épaté Cannes avec son premier long, Crache coeur, et son court, J’ai vu le visage du diable; Que ma volonté soit faite est une oeuvre sensuelle et aboutie qui continue sa réflexion autour du désir et de la spiritualité.

Que ma volonté soit faite : un film charnel

Pour montrer cet aspect charnel, la réalisatrice a fait le choix de filmer en pellicule 16mm. Ce choix permet de rendre avec plus de nuances, les couleurs et matières. Indispensable dans un film où le feu côtoie la boue. La peau animale est traitée avec autant de déférence qu’une cicatrice sur une jambe humaine. Les désirs et maux de notre héroïne se matérialisent sous la forme d’une masse visqueuse et blanchâtre mortellement fascinante. Cet étrange matière ajoute au mystère qui entoure ce village et cette jeune fille.

La manière de filmer les corps n’est pas anodine.
Naw se protège encore dans des couches de vêtements informes, coquille d’une enfance qui touche à sa fin. C’est pour elle une manière de montrer son refus d’admettre son corps et ses désirs. L’objet de ces derniers; la voisine, a elle, une féminité assumée. Son corps sera lui, filmé pendant la première partie du film à la façon male gaze : morcelé avec des travellings révélateurs. Cela jusqu’au point de rupture, une séquence particulièrement violente qui agira comme un déclencheur sur Naw. Cet événement l’obligera à confronter ses désirs et ses biais patriarcaux. Une transformation qui passera par l’abandon de sa chrysalide, ces couches de vêtements et l’acceptation de son corps, nu, pour ce qu’il est, prêt à s’émanciper.
Le duo d’actrices, Maria Wróbel et Roxane Mesquida, sont le choix parfait pour incarner ce duo ambigu.

Un film spirituel

Que ma volonté soit faite, comme son titre l’indique, s’intéresse à la spiritualité. Celui-ci référence une citation de la prière du “Notre père”, “Que ta volonté soit faite” qui voudrait que Dieu souhaite la sanctification de ses croyants, et les invite à être la meilleure version d’eux-même. Le titre est assez ambigu car il montre la culture chrétienne dont vient Naw. Culture qui prend une place importante dans sa vie, son quotidien et sa façon d’appréhender le monde. A la fois, il montre aussi une rupture avec ces mêmes préceptes, par l’utilisation de la première personne. Première personne qui montre ce besoin d’émancipation et le désir d’individualité du personnage

Cette rupture semble d’abord passer par une possession par le diable, antagoniste habituel dans la religion chrétienne. Le film ne s’arrête pas à cette conception manichéenne, cliché du cinéma horrifique. Il propose plutôt une variation autour de la figure de la sorcière et ses trois visages :

• l’ancienne: la mère de Naw morte par le feu dans des conditions étranges et considérée comme folle,
• la tentatrice, la voisine à la beauté hypnotisante et à la sexualité assurée
• la vierge, Naw qui se trouve à un croisement de sa vie.

Chacun des trois personnages parait être la facette d’une même personne. Les deux aînées de Naw semblent être des avertissements de ce qui peut l’attendre dans cette société patriarcale.

Une réflexion sur le patriarcat et la différence

Que ma volonté soit faite dépeint la condition féminine dans une société patriarcale représentée par une galerie de personnages masculins variés :

• les frères qui font tout, même le pire, pour s’intégrer,
• le vétérinaire qui joue un double jeu en se servant de son statut social et de son image de nice guy pour s’autoriser le pire
• et surtout le père qui tente de faire au mieux et doit jongler entre soucis économiques, amour pour sa femme, sa fille et sa Pologne natale et besoin de s’adapter à son nouveau pays.

Julia Kowalski joue habilement avec les genres et notamment avec le fantastique.
Elle flirte avec ce dernier en proposant des images marquantes qui font appel à notre imaginaire commun (le corps tordu de la possédée, le rituel dans la forêt, les troupeau décimée…), sans jamais pencher pour une explication rationnelle et surtout en ancrant l’intrigue dans un hyperréalisme amené par la photographie à fleur de peau et le travail précis sur les matières.

Que ma volonté soit faite est un récit d’émancipation de la condition féminine par la figure de la sorcière, ainsi qu’une réflexion sur l’altérité. Que ce soit dans un contexte d’intégration d’une famille immigrée, ou le mépris pour ceux qui sont différents et ne se plient pas aux conventions du groupe.
La réalisatrice le fait avec un beau travail tout en nuance que ce soit dans l’écriture et la photographie.

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Comment vous est venue l’idée de The Ugly Stepsister ? 

C’est une drôle d’histoire. L’idée m’est venue alors que je faisais une sieste, la meilleure que je n’ai jamais faite. Je fais souvent des siestes pendant que je travaille. Je les appelle des “siestes créatives”. C’est un bon moyen pour laisser mon inconscient travailler. Ainsi, tout n’est pas si logique, si pragmatique. Cela permet de connecter les idées de manière plus organique. 

Je travaillais sur un court métrage dont le sujet était une femme mesurant deux mètres avec des rondeurs et qui manquait de confiance en elle. Dans mon rêve, je la voyais en Cendrillon. Le prince arrivait et la chaussure était magiquement à la bonne taille. Cette si petite chaussure sur cette immense femme… Ils partaient ensuite vers le château. Sur le chemin, elle baisse le regard et observe ses pieds. Elle voit ses chaussures en sang. Et là, l’idée devient plus claire. Je ne suis pas Cendrillon. Je suis la demi-sœur qui a eu besoin de couper ses orteils pour enfiler la chaussure. 

Au réveil, j’étais en choc parce que pour la première fois, je me suis identifiée à ce personnage pour lequel je n’avais eu aucune compassion par le passé. Mais j’ai ressenti exactement ce qu’elle a dû ressentir. J’étais elle. J’étais la demi-sœur. J’ai trouvé l’idée super. Je l’ai trouvé si bien qu’un long-métrage m’a paru bien plus adapté que le format court. 

Quelles furent vos inspirations pour The Ugly Stepsister ? 

Comme c’est un conte de fée qui prend ses racines dans le passé, j’ai fais pas mal de recherches sur les costumes, l’époque. En particulier sur les procédures de chirurgie cosmétique. J’ai choisi de placer mon film au XIXe siècle, une époque qui a vu de nombreuses évolutions sur cet aspect. Je me suis juste permise certaines libertés car il s’agit d’un conte de fée. Par exemple, le ver doit normalement sortir par le bas plutôt que par la bouche. Mais j’ai voulu être prévenante avec mon public (rire).  

Un autre aspect génial avec la fin du XIXe siècle est que j’ai pu m’amuser avec les silhouettes des robes. Cendrillon porte une robe 1850 alors que les sœurs ont des robes à faux-culs façon 1880. C’est une façon subtile de montrer leur différence de classe. Cendrillon est “old money” et a un “bon goût” alors que les soeurs font partie des nouveaux riches et sont à l’affût des nouvelles tendances au point d’en devenir un peu “ridicules”. J’avais envie que lorsque les spectateurs regardent à nouveau la version de Disney, ils en aient une lecture différente suite au visionnage de mon film. 

J’ai aussi beaucoup été inspirée par les films de contes de fée d’Europe de l’Est, particulièrement ceux des années 70. Ils sont en général tournés en lumière naturelle, dans de vrais décors avec de vrais corps à cause d’un budget en général très mince. Et pourtant les costumes sont sublimes et les effets incroyables. Ils arrivent à retranscrire cette étrangeté émanant des contes de fée. Je voulais contraster avec l’aspect trop brillant, très “plastique” du Disney. Surtout que The Ugly Stepsister est un film de body horror. Je voulais que l’audience ressente cet aspect organique.  Comme s’il s’agissait d’un univers parallèle au nôtre avec de véritables personnes qui l’habitent. 

Je voulais donner à The Ugly Stepsister une impression d’intemporalité. Effectivement, le film se passe au XIXe siècle mais vu sous le prisme des années 1970 pour rendre plus nébuleuse l’époque à laquelle l’histoire se passe. La mise en beauté des personnages a été inspirée par les années 60/70. Je ne voulais pas qu’on ait l’impression de se trouver face à un film d’époque, mais je ne voulais pas non plus que le film fasse trop 2025. Ajouter cette petite pincée d’années 70 permet d’éviter cela. 

Puisque nous parlons de l’esthétique de The Ugly Stepsister, qui est particulièrement importante. Pouvez-vous nous parler de votre relation avec votre chef opérateur (Marcel Zyskind) ? Ainsi qu’avec votre cheffe décoratrice (Sabine Hviid) ?  

J’ai eu la chance de pouvoir travailler avec des personnes très créatives qui, en plus, n’en sont pas à leur premier essai. Ma plus grande leçon sur le tournage est l’importance de l’alchimie. Les gens peuvent avoir le meilleur CV du monde, s’il n’est pas possible de se comprendre, si nous ne sommes pas enthousiasmés par les mêmes choses, il n’est pas possible de travailler ensemble. J’ai eu vraiment beaucoup de chance de trouver une équipe passionnée par The Ugly Stepsister, qui voulait s’amuser et tenter des choses. 

Pour ce qui est du chef opérateur, nous avons beaucoup préparé en amont. Tous les chefs de postes ont été humbles et ont accueilli gracieusement ma vision du film, mes idées. À la fin, j’avais l’impression que nous ne formions plus qu’un seul grand cerveau. 

Donc il y avait beaucoup d’alchimie ?

Oui mais aussi d’amusement. Je ne suis pas vraiment du type Wes Anderson. J’adore son travail mais je ne pourrais pas être autant dans le contrôle. J’aime les heureux accidents. J’aime la créativité qui émerge de la rencontre entre deux personnes. J’ai un peu le même type de relations avec mes acteurs et actrices. Je leur explique qu’ils en savent autant, voire plus que moi sur leur personnage. C’est leur corps qui joue cette personne. J’aime être surprise. 

Il me semble qu’en Islande, ils appellent le réalisateur ou la réalisatrice, le maître du jeu et les acteurs et actrices, les joueurs ou joueuses. Je suis la personne qui rédige la notice du jeu mais ce sont elleux qui vont y jouer. C’est un peu la même chose avec les chef.fes de postes. Je ne suis pas capable de faire leur travail. C’est à eux de le faire. Moi, tout ce que je fais c’est mettre en place les règles. Et peut-être à la limite, leur demander de jouer légèrement différemment. Mais eux aussi peuvent me demander de changer un peu certaines règles en contrepartie.   

J’aime beaucoup cette analogie. The Ugly Stepsister est votre premier long-métrage. Tourner un premier film peut-être une expérience difficile, plus particulièrement en tant que femme, et encore plus, en tant que femme qui fait de l’horreur. Comment avez-vous vécu cette expérience ? 

Je profite des nombreuses réalisatrices qui sont venues avant moi. D’autant plus qu’en Norvège, nous avons beaucoup de chance car nous avons un système de quota grâce au Norwegian Film Institute. Ainsi, la réflexion autour de la question de genre ne se fait pas juste au niveau individuel mais aussi au niveau systémique. Cela habitue les gens à voir plus de femmes dans le paysage cinématographique. Les spectateurs ne sont plus étonnés de voir autant de femmes réalisatrices.  

Nous sommes une génération de réalisatrices norvégiennes qui a pu devenir mère avant de faire un premier long et cela sans que cela pose problème.  C’est du jamais vu. Il y a dix ans de cela, personne n’aurait pris au sérieux une jeune mère. Il était alors impossible d’avoir l’ambition de faire des films. Je suis reconnaissante envers les générations passées. Je ne souhaite pas être une femme à une autre époque que celle-ci. 

Sur The Ugly Stepsister, j’ai pu travailler avec la meilleure des productrices en Norvège, Maria Ekerhovd qui a également travaillé sur Valeur Sentimentale, le dernier Joachim Trier qui est passé par Cannes. Elle est géniale, à la fois très cool et très douée. J’ai donc eu un entourage qui a cru en mon film dès le début.  

Autre exemple, mon chef opérateur qui est danois avec des origines polonaises m’a traitée comme son égale, et ainsi toute son équipe, majoritairement polonaise, a fait pareil. L’équipe caméra qui devait être principalement française m’ouvrait la porte et était particulièrement galante avec moi. Au lieu d’être offusquée par ce comportement, je l’ai pris comme une marque de respect. Cela fait partie de leur culture. Ils ne le faisaient pas de manière condescendante. C’était juste une habitude. Ce n’était pas pour me rabaisser. 

Le premier jour, le clappeur, qui est un sacré personnage, m’a fait la révérence et m’a appelé “Madame la directrice”. J’étais assez impressionnée car il s’agissait de mon premier film. Cela m’a flattée, un peu embarrassée, mais aussi détendue. Cela m’a fait sourire. Ils ont pu voir que je trouvais cela drôle et gentil. Le jour d’après, ils avaient écrit “Madame Directrice” avec des coeurs sur mon moniteur. C’était vraiment un acte gentil et respectueux.

Je pense qu’il est important de toujours s’adapter à la culture de l’autre, de ne pas imaginer que quelqu’un va se comporter de la même manière que soi. Il faut voir les gens pour ce qu’ils sont et ce qu’ils font. Je n’ai donc pas eu l’impression que le fait d’être une femme dans ce cas fut un problème. 

Est-ce que vous aimez les films d’horreur ?

Il me semble. Surtout le body horror car l’horreur me fait, en fait, très peur. 

Cela m’amène à ma prochaine question. Appréciez-vous l’horreur ou était-ce simplement pertinent pour l’histoire que vous souhaitiez raconter ? 

J’ai une obsession pour le body horror. J’étais particulièrement heureuse lorsque j’ai réalisé que mon idée me permettait de faire un film de body horror. 

Ce qui me plait dans le cinéma de genre, peu importe le genre, est son côté “boite à outils”. Je ne me considère pas comme une réalisatrice de films d’horreur ou de comédie. Je raconte une histoire et en fonction de celle-ci, j’utilise le genre, la boîte à outils la plus pertinente. 

Du coup, quel est votre film de body horror préféré ? 

C’est une question difficile. J’aime tout ce que fait Cronenberg. C’est un maître. Je suis aussi très fan de Grave de Julia Ducournau. C’est un vraiment un film exceptionnel, alors que je trouve Titane plus contrôlé, plus lourd. Je n’ai pas encore vu Alpha. Grave a ce petit quelque chose en plus que j’apprécie particulièrement. 

J’aime aussi Existenz, Videodrome, La mouche, Faux semblants. Un peu tous ses films en fait. 

En plus Julia Ducournau a ouvert tellement de portes pour les réalisatrices qui veulent faire ce type de film. 

Oui. Je pense que certaines personnes ont un peu la vue courte et pensent face à The Ugly Stepsister que j’ai voulu faire un second The Substance alors que je n’ai pas pu le voir avant de faire mon film. Il est impossible pour moi de faire un film en moins d’un an. 

Vous partagez (ndlr avec The Substance) le thème de la critique des normes de beauté qui est très actuel

Je comprends tout à fait la comparaison. D’autant plus que The Substance a ouvert la voie pour The Ugly Stepsister et a rendu le body horror grand public. Au départ, ma productrice ne voulait pas utiliser le terme “body horror” car cela aurait fait trop niche. Alors que maintenant c’est un mot qui est sur toutes les bouches. 

Je vois aussi un peu de misogynie dans cette comparaison. Il n’y a de la place que pour un film de femme sur un sujet en particulier, alors que les hommes peuvent faire plusieurs fois les même film sans que ce soit un problème. Et nous avons en plus une approche très différente du sujet. Elle évoque la célébrité et le vieillissement, alors que je parle de tout autre chose dans The Ugly Stepsister. 

Ceci dit, la comparaison est tout à fait valide. J’espère juste que les gens ne vont pas commencer à se demander lequel des deux films est le meilleur. Il faut laisser les deux films dire ce qu’ils ont à dire ensemble. 

Je trouve cela super que les deux films sortent à la même période

Oui, qu’ils ouvrent la conversation !

Exactement. Il me semble que le sujet de la beauté était également au cœur de certains de vos courts métrages. Je n’ai malheureusement pas réussi à les voir. Est-ce un sujet important pour vous ? 

L’idée m’est venue de mon subconscient mais j’étais déjà en train de travailler sur un court dont le sujet était similaire, Sarah’s Intimate Confessions, et mon premier court également. 

S’il y a si peu de jeunes réalisateurs ou réalisatrices qui émergent et peuvent faire un premier long métrage, c’est que nous ne sommes pas tous des Xavier Dolan. Outre les difficultés pragmatiques, il n’est pas toujours simple d’être en contact avec ses idées quand on est jeune. 

Lorsque j’étais toute jeune réalisatrice, je ne savais pas quelle pouvait être mon histoire. Pour mon premier court, How Do You Like My Hair ?, j’ai littéralement raconté mon histoire. Il y a quinze ans j’ai décidé d’arrêter de me raser. C’était en pleine quatrième vague du féminisme en Scandinavie. Nous pouvions trouver des femmes non rasées dans les magazines et il y avait tout une discussion autour du sujet. Cela n’a pas duré longtemps.

Ceci dit, je pense que plus de femmes ont continué à ne plus raser après cela. J’ai donc eu un coup d’un soir suite à cette décision, histoire que j’ai raconté à mes amis. Ils ont trouvé cette anecdote drôle. J’ai trouvé le fait d’en parler très libératoire et surtout j’ai apprécié le fait de me sentir vulnérable après. 

Je me suis dit que c’était une bonne histoire à raconter comme une confession face caméra. J’ai joué mon propre rôle et je parlais à la caméra. J’ai ensuite joué la scène avec des acteurs. Face au résultat, c’était évident pour moi que j’avais trouvé mon histoire, à la fois intime, vraie et rassembleuse.

En général, on se sent seul et vulnérable face à nos complexes. Parce que cela touche à notre capacité à être aimé. Ai-je assez de valeur pour être aimé ? C’est une question si existentielle et si vulnérable que des grosses entreprises s’en sont emparé pour que l’on achète des produits de beauté. Que je préfère appeler des “produits d’apparences” parce qu’ils n’ont rien à voir avec la beauté. Ma beauté m’appartient, je ne veux pas l’acheter. 

C’était un moment important pour moi. Je me suis rendu compte que j’avais tout un tas d’histoires à raconter sur le sujet et si je ne devais raconter que cela jusqu’à la fin, ce serait incroyable. Avec l’âge, je me suis aussi rendu compte que de nouvelles histoires me viennent plus facilement.
Effectivement, cette question est prépondérante dans le fait d’être femme et tant que je fais des films sur des femmes, cela risque d’en faire partie. 

Pourriez-vous me parler du casting de vos actrices ? 

C’était des castings tout à fait conventionnels. Les deux personnages principaux furent difficiles à trouver. Et pourtant dès que j’ai rencontré les deux actrices, ce fut évident. Elles étaient les personnages. 

Lea (Myren) se donne la liberté d’être expressive. Je pensais trouver quelqu’un qui rencontre les mêmes problèmes que moi ou Elvira, mais Lea est en fait très libre dans son corps. Elle a grandi avec une mère féministe qui l’a éduquée sans ce regard contrôlant sur son corps. Elle est totalement libre et ne s’empêche pas de faire des choses folles et ne s’intéresse pas au qu’en dira-t-on. Elle est libre de montrer toutes ses émotions. 

C’est génial d’avoir un tel modèle pour jouer Elvira, car si des gens décident de googler son nom, ils trouveront tout un tas de photos folles d’elle, de red carpet look très excentriques. Elle représente cet espoir pour la nouvelle génération. 

Merci pour votre temps et cet entretien. J’espère le mieux pour la sortie du film!

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The Ugly Stepsister : le villain pov de Cendrillon

Premier long-métrage de la réalisatrice norvégienne Emilie Blichfeldt, The Ugly Stepsister joue avec Cendrillon, le conte des frères Grimm en en modifiant le point de vue. La réalisatrice nous place dans les chaussures de l’une des « affreuses demi-soeurs » en lui conférant une humanité rafraichissante.

Elle n’est pas le seul personnage à recevoir ce traitement de faveur. Le film s’écarte du manichéisme un peu bêta de l’adaptation de 1950 de Disney et ancre chacun de ses protagonistes dans un contexte socio-économique, dans un univers irréel, certes, mais tangible. Cette contextualisation apporte une justification et de la nuance à des actions qui paraissent gratuites et cruelles dans les adaptations passées : la dureté de la mère, la jalousie envers Cendrillon… Ainsi, The Ugly Stepsister semble prendre certains codes à la Jane Austen, mais adapté par James Wan et Sofia Coppola.

Gorecore baroque

Si The Ugly Stepsister se joue des points de vue de manière actuelle et féministe, il n’oublie pas d’être diablement divertissant grâce à une dose de body-horror inventif qui tient pas mal du torture porn. Gore en général considéré comme gratuit, il est dans ce film amené avec plus d’intelligence, et ce, pour deux bonnes raisons.

Tout d’abord, la réalisatrice fait en sorte que l’audience ait de l’empathie pour Elvira qui est plus que de la chair à torture remplaçable. Ensuite, parce que toutes les atrocités qu’elle subit sont infligées soit par sa mère, soit par elle-même au nom d’une beauté factice et inatteignable. Le film rejoint The Substance dans son propos, et présente une fable autour de la détestation de soi dans une société patriarcale qui n’est pas prête à accepter la féminité dans toute sa vérité et sa diversité.

Un boy’s club de conte de fée

Puisque nous sommes dans une société d’hommes, arrêtons-nous un instant sur les personnages masculins qui partagent de nombreux traits de dégueulasserie avec ceux de The Substance. Emilie Blichfeldt se fait un malin plaisir à tordre l’image d’amoureux courtois du prince charmant pour en faire un sale type privilégié qui pérore bêtement et écrit de la poésie graveleuse, toujours entouré de son boy’s club du même acabit que lui.
Quant au bon père de Cendrillon/Agnès (Thea Sofie Loch Næss), s’il n’a pas bénéficié de beaucoup de temps d’écran, il est suffisant pour le montrer condescendant envers ses nouvelles belles-filles laissant clairement comprendre la différence de classe entre les deux familles.

Une sororité complexe

L’écriture du personnage de Cendrillon aurait pu tomber dans une caricature inverse. Si elle agace par son allure hautaine et ses privilèges de classe et de beauté, en tant que jeune-femme seule et dans le pétrin, ses attitudes ne semblent pas injustifiées. The Ugly Stepsister ne considère pas la jalousie supposée entre les jeunes-filles comme inée, mais la montre comme la création d’une société qui ne laisse peu de place aux femmes qui doivent se montrer hargneuses pour survivre.

La deuxième sœur, Alma (Flo Fagerli), vient en contrepoint de ses relations malsaines, car elle a tout simplement et très consciemment décidé de se tenir à l’écart de cette mascarade qu’est l’apprentissage de la féminité.

La mascarade de la féminité

Cet apprentissage de la féminité est le coeur de The Ugly Stepsister car on y voit principalement un enchainement de séquences qui montre les deux aspects de cette mascarade : les scènes de chirurgie esthétique barbares, entremêlées à celles des cours de bonnes conduites pour jeunes filles bien élevées.

On voit dans The Ugly Stepsister une réminiscence d’Innocence de Lucile Hadžihalilović qui entourait cet enseignement désuet d’un voile étrange et mortifère. Si les films partagent un sens de l’esthétique prononcé, quoique bien plus fourni et baroque pour le norvégien, Emilie Blichfeldt est nettement moins métaphorique, mais certainement plus rentre-dedans et terriblement efficace, d’autant plus lorsqu’elle se permet des embardées vers un humour noir mordant qui donne du rythme au long-métrage.

The Ugly Stepsister est une relecture maline et mordante du conte de Cendrillon qui ne lésine pas ni sur le body horror bien gruesome, ni sur une esthétique baroque et bordélique pour délivrer son message : une réflexion autour de la détestation de soi dans une société patriarcale.

The Ugly Stepsister sera à retrouver en salle à partir du 2 juillet

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Je vais volontairement m’écarter des très très populaires car vous n’avez pas besoin de moi pour les trouver. Certains dans cette liste sont évidemment connus des férus du cinéma de genre, l’idée est de s’adresser à un public moins connaisseur, mais qui a envie de découvrir ce cinéma à travers des films à la fois qualitatifs ET divertissants pour Halloween. Si vous cherchez encore plus de diversité, vous pouvez consulter mes recommandations de films d’Halloween réalisés par des femmes.
J’ai également écrit un article sur les sous genre du cinéma de genre si vous souhaitez en apprendre davantage.

1- Unfriended de Levan Gabriadze (2015) – USA

Genre: Screenlife

De quoi ça parle: un fantôme vient hanter une conversation webcam entre plusieurs amis.

Genre qui peine à se montrer sur nos écrans, c’est un sous genre qui utilise justement les vôtres. Un écran d’ordinateur pour être précis. Dérivé du foundfootage (rushes de vidéos « trouvées » dont Le projet Blair Witch est le représentant le plus connu), c’est étonnant de ne pas en voir plus, au regard de notre consommation d’écran.
Dans Unfriended vous êtes le spectateur direct (et concerné donc), de ce que vous voyez à l’écran. Vous « participez » à ce qui se passe. La montée en puissance est très bien gérée: on passe d’une discussion d’un couple, à des échanges de vacheries entre adolescent-es pour tendre vers une ambiance qui suscite interrogations et suspicions pour basculer dans l’horreur qui ne s’arrêtera pas.

En plus d’être un divertissement efficace, le propos d’Unfriended est une démonstration de la violence du revenge porn et du harcèlement scolaire. Sans surligner son sujet, le film parvient à diffuser son message en prenant son public non seulement au sérieux, mais à parti grâce au dispositif screenlife.

2- Witch Hunt d’Elle Callahan – USA (2021)

Genre: Sorcières

De quoi ça parle: De nos jours, les sorcières sont criminalisées et pourchassées. Dans ce contexte, une mère célibataire rejoint la lutte en les cachant pour qu’elles passent la frontière, ce qui n’est pas du goût de sa fille, Claire.

Un film de sorcières pour Halloween, cela me parait inévitable. A la lecture du pitch, on devine bien que Witch Hunt associe sorcières (figures marginalisées et dénigrées) et migrants (ou évidemment la Shoah). Quoi de mieux que de décaler le regard et les types de protagonistes pour traiter un sujet actuel et dramatique, maintes fois sujet de journaux télévisés et drames sociaux misérabilistes?
De par la nature illégale des agissements de sa mère, Claire se place en dehors de cette activité, elle qui cherche à s’intégrer auprès des filles populaires de son lycée. Elle devra cohabiter avec Fiona et sa petite soeur suite à des complications.
L’écriture du personnage de Claire est particulièrement brillant; il incarne presque à lui seul, le sujet du film: faire appartenance. On a de l’empathie pour cette adolescente qui a besoin de se sentir acceptée et aimée, et dont l’activité de sa mère la met dans l’inconfort. Fiona et Claire vont autant s’aider l’une l’autre, ce qui fait de Witch Hunt un véritable récit de sororité.
Par ailleurs, le film ne manque pas de suspens, de moments de magie, tout en délivrant un message de tolérance et d’acceptation, bien loin d’être mièvre. Dont on a besoin en ces temps terrifiants.

3- Carnival of souls d’Herk Harvey (1963) – USA

Genre: Fantastique

De quoi ça parle: Suite à un accident de voiture, Mary reste traumatisée. Elle entend et voit de plus en plus de choses étranges, entourée de fantômes.

L’idée de ce film est venu au réalisateur en découvrant une salle de bal étrange, dans un lieu désaffecté, à l’intérieur du parc d’attraction Saltair, donc rien que pour cette raison, c’est le film idéal pour Halloween.
Ne soyez pas rebuté-es par l’ambiance années 60 de Carnival of souls; son lot d’étrangeté, d’inquiétudes et de fantastique n’a pas vieilli d’un pouce.
On déambule avec Mary dans ce parc d’attraction nébuleux, et des scènes vont resteront en mémoire, dont une certaine scène de bal.
Carnival of souls narre les tourments liés aux traumas et à la mort, sans qu’il soit glauque. On est une atmosphère onirique qui vous enveloppera de curiosités, de flottements et de frayeurs.
Le programme parfait pour siroter un cocktail d’Halloween avec des bonbons fantômatiques.

4- Ava’s possession de Jordan Galland (2015) – USA

Genre: Diabolique

De quoi ça parle: Ava vient de subir un exorcisme et est désormais débarrassée de son démon. Mais elle a causé des torts pendant sa possession et doit aller consulter aux Possédés Anonymes.

Changement de registre, car il nous faut bien une comédie horrifique pour Halloween, avec Ava’s Possession qui là aussi ne se cache pas derrière son pitch. Il s’agit d’utiliser la possession comme métaphore de comportements problématiques liés à des addictions, et notamment l’alcool.
Assez peu de films de possessions abordent cet angle et cela me parait tout à fait pertinent, car on a tous connu/vu des personnes sous l’emprise de substances qu’on ne reconnait plus.
On suit donc le cheminement d’Ava qui cherche à comprendre les torts qu’elle a pu causer (dans la mesure où elle ne s’en souvient pas) et comment/si elle peut réparer.
C’est drôle, original tout en permettant de prendre du recul sur le sujet de l’addiction et nous invitant à prendre conscience que c’est une maladie dont les personnes souffrantes peinent à combattre.
J’évoque un peu plus en détail le film dans mon article sur la représentation de la possession.

5- Midnight silence de Kwon Oh seung (2021) – Corée du Sud

Genre: Psycho killer

De quoi ça parle: Une jeune sourde muette surprend un tueur en série et devient sa proie.

Avec Midnight silence ne vous attendez pas à un grand film maitrisé de bout en bout, mais à un film d’action et de suspens bien calibré pour Halloween.
Le handicap de son héroïne, Kyung-mi, permet évidemment d’instaurer de l’enjeu angoissant facilement et ça marche ! On est à côté d’elle, en forte empathie et la brutalité du serial killer est tout à fait crédible, ce qui permet d’intégrer une vraie notion de danger.
Par ailleurs, je trouve que le dernier quart d’heure est particulièrement bien géré, pointant le sexisme et le paternaliste de la société, qui devient un véritable obstacle supplémentaire pour l’héroïne.
Midnight Silence est prenant et globalement bien rythmé, alors ne boudez pas votre plaisir pour dynamiser votre soirée Halloween en deuxième partie de soirée.

6- Ropes de José Luis Montesinosde (2019) – Espagne

Genre: Huis clos

De quoi ça parle: Une jeune fille handicapée moteur et son père se retirent dans une maison isolée, en compagnie d’un chien dont le rôle est normalement d’aider Elena…

Encore une héroïne ayant un handicap (trope récurrent dans le cinéma d’horreur), dans un huis clos, mais cette fois victime d’un chien enragé. Le berger belge sensée lui faciliter la vie quotidienne, est victime d’une maladie qui le rend particulièrement agressif. Elena va donc devoir redoubler d’ingéniosité pour s’en sortir.
Ropes a le mérite à travers les déboires d’Elena de montrer à quel point une maison non pensée pour des personnes handicapées moteur s’avère être un véritable parcours de difficultés que nous valides, ne pouvons pas voir. Le film gère particulièrement bien son suspens, et comme les valides ne peuvent pas anticiper ou savoir ce qu’une personne ayant un handicap moteur peut faire, il nous est impossible de projeter ce que le personnage peut faire.
Pour maintenir l’attention et la tension, Ropes maitrise son rythme en intégrant la thématique du deuil, donnant lieu à des séquences touchantes, permettant une soupape.

7- Candyman de Bernard Rose (1992) – USA

Genre: Slasher

De quoi ça parle: Si vous dites trois fois son nom devant un miroir, le croquemitaine Candyman apparaitra et vous courrez à votre perte…

Parce que que serait un Halloween sans un slasher? On connait Ghostface de la saga Scream ou Mickaël Myers de celle d’Halloween, mais on connait moins Candyman, seul croquemitaine noir de la culture populaire Américaine.
Ce croquemitaine interprété par Tony Todd, est l’un des seuls dont la vengeance et la violence se déploie suite au fait qu’il ait été martyrisé lui même. En effet, tombé amoureux d’une blanche à l’époque des colons, il fut puni par les blancs, qui badigeonneront son corps de miel afin d’être attaqué par les abeilles. D’où son nom.
Armé d’un crochet, Candyman apparait grâce à sa légende qui est notamment perpétuée dans la cité pauvre de Cabrini Green.
On suit Helen, jeune journaliste blanche qui tente de faire sa place dans ce milieu machiste. Elle entend parler de la légende de Candyman, et décide d’enquêter.
Si la plupart des slashers évoquent le sexisme et les violences sexuelles, le sujet de Candyman est, vous l’aviez deviné, le racisme. C’est donc un slasher plus évident politiquement que les autres, mais le fait d’aborder ce sujet de société sous un angle de légende et d’histoire Américaine, en fait un film à part.
Helen et Candyman sont unis par le fait de subir une oppression différente mais bien présente et qui dans les deux cas, perdurent.
D’un point de vue purement slasher, il propose des séquences assez classiques mais bien exécutées, avec une bonne dose d’hémoglobine attendue pour Halloween.
Le film connaitra deux suites (médiocres), et un remake intéressant mais inabouti, si vous souhaitez continuer l’expérience…

8- The Children de Tom Shankland (2008) – UK

Genre: Sales gosses

De quoi ça parle: Des ami-es partent en vacances de neiges avec leurs enfants. Ceux-ci sont contaminés par une substance présente dans la forêt qui modifient leurs comportements…

Le cinéma d’horreur regorge de personnages d’enfants démoniaques, et The Children est une pépite sanglante anglo saxonne proposant un travail exceptionnel sur sa photographie.
Sa véritable force est de ne pas lésiner sur la brutalité et la violence, en intégrant une problématique maligne et facilement identifiable: comment parvenir à violenter son enfant dans un cas de légitime défense?
C’est stressant, saignant, avec une tensions palpable qui quand elle démarre, ne retombe jamais.
Parfait pour savourer son Halloween avec des pops corn.

9- La féline de Jacques Tourneur (1943) – USA

Genre: Créatures

De quoi ça parle: Irina, jeune mariée, semble être frappée d’une malédiction qui met à mal son mari qui se rapproche d’une jeune femme Alice…

Halloween étant propice à la création de déguisements de créatures, il faut une proposition avec l’une d’elle ! Comme son nom l’indique, La Féline raconte l’histoire d’une femme qui se transforme en panthère noire, qui doit jongler avec ses deux identités. C’est surtout l’histoire d’une femme qui est « trop » complexe pour son mari qui souhaite en faire une femme « normale » et conforme à ses attentes. Sa deuxième identité représente ce rejet et avant tout la volonté d’exister en tant qu’elle même.
Les films de genre à portée féministe existent donc depuis toujours, il s’agit simplement de rappeler qu’ils sont là, avec parfois plus de pertinence que certains films actuels.
Le film est connu pour être précurseur de techniques de mises en scènes pour créer la peur, qui feront date dans le cinéma d’horreur (comme la scène du bus). Le film est aussi un admirable objet esthétique, jouant avec l’ombre et la lumière et surtout le hors champs, permettant à la fois de faire fonctionner notre imaginaire mais aussi d’appuyer l’aspect fantastique.
La Féline est un des films emblématiques du réalisateur franco américain Jacques Tourneur (et rien que pour ça il fait quand même parti de notre patrimoine). L’actrice française Simone Simon fait preuve d’un tel charisme qu’on se laisse porter par ce conte émancipateur.

10- The angry black girl and her monster de Bomani J. Story (2023) – USA

Genre: Science Fiction

De quoi ça parle: Vicaria, élève afro américaine brillante, est cernée par la mort et le racisme. Quand son frère meurt, elle décide de le ressusciter…

The angry black girl and her monster s’empare du roman de Mary Shelley, Frankenstein, en mettant en scène cette fois une savante. Le film reprend finalement les bases de la réflexion du roman, à savoir « guérir » de la mort et transformer la mort en naissance.
L’idée brillante est d’intégrer l’action dans des problématiques contemporaines, du point de vue de la minorité afro américaine. Mais là où le long métrage est un plaisir à regarder et à entendre, c’est dans sa manière de politiser la question du racisme au delà des évidences, tout en infusant des dialogues très drôles et savoureux. Par ailleurs, sa tonalité un peu teenage movie, en fait un film horrifique facile d’accès pour Halloween. The angry black girl and her monster ne manque pas de rebondissements inquiétants et gores, n’oubliant jamais ses intentions de départ: traiter du corps et de la chair, dont tout scientifique se sent capable de surpasser; pour le pire et le meilleur (pire).

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Le mythe du vampire

Le mythe du vampire est tellement ancien qu’il est impossible de le dater vraiment (sauf si on prend en compte nos représentations contemporaines liées à Bram Stoker).
Un des premiers écrits n’est pas un roman mais un livre plus ou moins religieux, écrit par Dom Calmet en 1751: Le Traité sur les apparitions et les vampires. Il se base sur des témoignages recueillis à travers l’Europe sur l’existence de ce que les gens appellent des vampires. Philippe Charlier, médecin et archéologue explique dans une émission de France Culture, que cette croyance s’ancre dans un contexte de conflit en Europe (pressions militaires des Ottomans, catholique romain et orthodoxe, oppositions de comtés), mais aussi de mauvaise alimentation. Cette peur quotidienne se cristallise sur celui qui meurt « mal », sur l’autre qui fait peur. Par exemple, un mauvais chrétien qui n’a pas expié ses péchés, ou une personne qui a trop tué (en somme on anticipe déjà ceux qui deviendront vampires). Les rituels en réaction à ces « vampires » étaient nombreux et radicaux: les cadavres étaient exhumés, mutilés (pieu dans le cœur, tête coupée), brûlés. On évitait que ces créatures déambulent: on a retrouvé des cadavres avec des pieds et des mains mis à la place de l’un et l’autre, et les chaussures étaient brûlées. On utilisait des pieux pour détruire l’organe vital qu’est le cœur, et pour les fixer dans leur tombe.
Pour éviter qu’ils sucent le sang et/ou pour éviter que l’âme se perde, on mettait une brique dans la bouche des cadavres. Une véritable nécrophobie était donc très ancrée.

Les premières apparitions du vampire

Au 18e siècle, le vampire n’est pas le dandy actuel dans la représentation populaire. Le vampire est plutôt un amas d’éléments en putréfaction, proche d’un zombie. Les deux figures sont évidemment proches, le vampire se caractérisant avec des capacités de réflexion.
Dom Calmet relate des témoignages décrivant des vaisseaux palpables et gonflés, du sang qui coule. Philippe Charlier explique que quand on meurt, le sang coagule et se reliquifie, la production de gaz fait circuler le sang. Beaucoup d’organes se liquéfient et cela donne une mixture jaunâtre et rougeâtre.
Les gens ne comprenaient pas ces changements, et en concluaient donc qu’ils s’agissait de vampires ou de créatures maléfiques.

Il y a aussi des individus enterrés vivants. Ils se réveillent, tapent et essayent de sortir mais ils finissent par avoir faim et soif et griffent le cercueil. Certains ont même mangé leur main. En ouvrant les caveaux (et notamment suite à des épidémies de peste), on les trouvait avec des blessures et du sang partout.
Des sonnettes ont dont été mises en place (élément qu’on retrouve dans La Nonne), permettant aux faux morts d’alerter les vivants en cas de réveil.
Ces éléments conduisent la population à croire à des créatures revenues de l’enfer, prêtes à se venger, qu’il faut arrêter.

Sur les traces des vampires

Les premiers écrits datent du 18e siècle, et n’évoquent pas explicitement la notion de vampire. On note par exemple des poèmes, Lénore (1774), qui raconte qu’une jeune femme croit retrouver son fiancé de retour de guerre, alors qu’il s’agit d’un mort ou d’un fantôme. Il y a également le Vourdalak en 1840.
En 1872, Sheridan Le Fanu publie Carmilla, avec une vampire lesbienne. Cette nouvelle sera fondatrice de la représentation actuelle du vampire, dont Bram Stoker s’inspirera. On y retrouve en effet beaucoup de points communs comme l’épidémie et la séduction du vampire.
Le premier vampire marquant est donc une femme, qui se fera voler la vedette du mythe par des hommes, Dracula, puis Nosferatu. Bram Stoker arrive ainsi avec Dracula en 1897, et c’est surtout le cinéma qui va populariser cette histoire (bizarrement on ne choisira pas l’histoire originelle, avec une femme ?!). On trouve une vingtaine de films directement liés à Dracula, sans compter les diverses versions plus ou moins éloignées, qui doit dépasser la centaine de films.
Il faut avoir à l’esprit que dans l’écrit de Stoker est teinté d’une grande peur de l’autre, qui se matérialise notamment par des descriptions à connotations antisémites. L’émission La science, CQFD évoque rapidement ce point.

Le vampire s’adapte aux inquiétudes de son époque

L’époque victorienne est le moment idéal et propice au développement de créatures morbides comme les fantômes et les vampires. Il y a une forte croissance économique et industrielle, mais aussi scientifique et médicale. La transfusion sanguine apparait et se pratique de plus en plus. Tout cela est perçu comme une grosse avancée futuriste, qui peut faire peur, du moins questionne (on retrouve la base de Frankenstein qui est lui même un mort vivant, pile entre le zombie et le vampire). C’est explicitement cité par le chasseur de vampires Van Helsing, qui associe ces événements au Malin.
La révolution industrielle est aussi le début de l’expansion du capitalisme qui va devenir un véritable monstre décennie après décennie. Un vrai vampire qui puise sa force dans celle des autres.

Autant d’éléments riches et variés qui ne pouvaient que nourrir pendant des décennies et encore maintenant, des réflexions diverses. Sur le sexe, la mort, le rapport à l’autre et à la société de manière globale, mais aussi des interrogations liées à sa propre identité. Le vampire permet de questionner tout cela, et les thématiques des films évoluent avec le temps.
Avec l’époque sida, le vampire est un outil idéal pour représenter cette inquiétude.

Maintenant qu’on sait que la première vraie histoire de vampire était une femme, et que le vampire a une très grande histoire chargée de symboles, comment ces thèmes sont traités selon le genre? On l’a vu, le genre féminin et masculin sont présents dans la mythologie du vampire depuis le début. Pourtant avec l’icône pop de Dracula, on a souvent l’image du vampire masculin qui domine, et les vampires féminines séductrices et fatales.
Je vous propose d’entrer dans le vif du sujet de la représentation du vampire selon le genre.

La revanche de Carmilla

Si Carmilla n’a pas bénéficié de la popularité de Dracula, les femmes vampire au cinéma ont largement occupé l’espace. En effet, si on exclu les innombrables versions de Dracula (personnage masculin donc), je compte une trentaine de personnages féminins principaux sur environ 70 de films de mon corpus. Et c’est sans compter les films qui mettent en scène des groupes qui sont souvent mixtes ( Near Dark, Génération perdue, Suck, etc..).
Malheureusement, cela s’explique en partie avec de (trop) nombreux films plus ou moins (parfois plus) érotiques, surfant sur le fantasme de la vampire avide de sexe et de sang. Il va sans dire que ce n’est pas nécessaire d’analyser davantage cette représentation (et que je vous laisse chercher les titres), uniquement là pour satisfaire le plaisir masculin.

Quand il s’agit de groupes, ceux composés de filles sont également largement majoritaires (Nous sommes la nuit, Bit, Carmilla, Byzantium, Les deux orphelines vampires, Bliss…). Dans tous les cas, le vampire est représenté davantage en duo qu’en groupe (Entretien avec un vampire, Byzantium, Only lovers left alive, Renfield, Thirst…). Il est donc plus vu comme un « animal » solitaire, qui cherche éventuellement à créer une relation forte plutôt que de s’entourer.
Et quand il est représenté en groupe, il se rapproche régulièrement de son cousin le zombie, avec des hordes et des vampires qui ne sont pas, ou moins caractérisés (Vampires, 30 jours de nuit, Blade, Une nuit en enfer, Je suis une légende..).

Voici les particularités que j’ai remarqué sur les vampires féminins:

• elles se lient davantage avec un homme humain (sans les tuer ou les utiliser). Je pense à A girl walks home alone at night, Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, Morse, Near Dark, Génération perdue... L’inverse est beaucoup moins vrai. Sur les 70 films de mon corpus, je n’ai pas une seule histoire où l’intrigue principale est un vampire qui se lie d’amitié, d’amitié amoureuse ou d’amour avec une humaine…à part…Twilight.
• elles sont souvent la représentation d’un récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, All the moons, Byzantium, Carmilla, Bit…). Je compte En attendant la nuit et L’assistant du vampire qui mettent en scène un vampire adolescent.
• elles sont parfois mères (Blood red sky, Byzantium, Nous sommes la nuit, All the moons...), contrairement aux hommes pour qui ce n’est quasiment jamais le cas (L’assistant du vampire étant le seul exemple où on peut parler d’un père involontaire). Nous sommes la nuit aborde même la douleur pour une mère de voir partir avant elle, sa fille humaine qui meurt de vieillesse.
  Je ne considère pas que le personnage de Louis dans Entretien avec un vampire est un père, car ses sentiments envers Claudia sont extrêmement ambigus (tout comme le film sur cet aspect). Dans le livre, les descriptions de Claudia (qui a 5 ans et non 11) sont très sexualisées. Le podcast Adapte moi si tu peux évoque ce point pour le moins gênant.

• elles peuvent subir des problématiques d’addictions qui se voient parfois physiquement (The addiction, Bliss, Thrist…), tandis que les vampires masculins sont davantage en contrôle, car plus rapidement en position de prédateur. A noter que la misogynie de Thirst amène même le vampire à décider à la place de la vampire de sa propre vie, jugeant qu’elle est irresponsable.

La vampire plurielle

L’avantage d’avoir de nombreuses vampires représentées, c’est que cela permet d’avoir une richesse de personnages et de thématiques (c’est pas faute de le répéter depuis la création de ce blog). Et c’est assez rare pour le souligner (même s’il y a des progrès à faire rassurez-vous, je n’ai pas fini de râler).
Que ça soit une justicière, une mère, une adolescente, une femme tout simplement, de nombreux films ont montré des personnages féminins complexes.

L’eau et le sang, vecteurs de cette identité plurielle

Ces thématiques sont traitées à travers la représentation d’une vampire plurielle, qui fait cohabiter plusieurs aspects. En termes de mise en scène, l’eau est le symbole de cette pluralité (reflets déformants, effet miroir, et c’est un liquide essentiel à la vie, comme le sang).
All the moons est un des seuls films qui met en scène une petite vampire, Amaia qui est seule quasiment tout le film. Elle apprend constamment par elle même. Et pour apprendre, on passe fatalement par se mettre en danger. C’est très intelligemment représenté par le fait que, déterminée à sortir le jour, elle brûle légèrement sa peau au soleil. Puis elle se rend compte qu’elle peut décoller sa peau abîmée, et donc mue, ce qui lui permettra de supporter le soleil par la suite. On peut y avoir également une métaphore d’une maladie dont elle guérie.
Cet élément déclencheur non fantastique (ou presque), appuie le côté humain de la vampire (dans le sens où notre propre peau peut avoir ce type de réaction), qui nous annonce qu’Amaia a envie de renouer avec cette part là. Elle va d’ailleurs se tourner vers un père de substitution par la suite. Mais pour apprendre, elle a accepté la douleur qui va parfois avec le fait de prendre des risques.
L’aboutissement de cet apprentissage se matérialise dans l’eau, quand elle plonge (dans le grand bain ^^). Le liquide est aussi présent à travers ses règles qui marquent surtout son retour à l’humanité.

Dans Carmilla (qui reprend donc l’histoire de la première vampire), il s’agit d’une relation entre deux adolescentes. Pas de baiser, pas de sexe, mais des regards, des câlins, et des échanges de fluides à travers le sang. C’est surtout le récit initiatique de Lara qu’on suit (objet des désirs de Carmilla), car à travers son désir, elle a surtout besoin d’émancipation, face à une gouvernante autoritaire et un père absent.
A la fin du film, on se rend compte que Carmilla est en fait un aspect de Lara, et qu’elles ne font qu’une, car dans le reflet de Lara dans l’eau, apparait Carmilla. Ce final fait écho à plusieurs scènes où le lac est souvent dans le cadre, mais particulièrement à la scène où Lara regarde son reflet dans l’eau, comme si elle cherchait à savoir qui elle était.

C’est aussi le lieu de la métamorphose de Lena marginale SDF transformée en vampire dans Nous sommes la nuit. Dans son bain, les changements s’opèrent: les blessures du passé guérissent, les tatouages disparaissent, et les cheveux poussent. Une mort qui prend vie.

L’eau est également un élément important qui est lié à la mort, à travers le personnage de Virginia dans Twixt, que Demoiselles d’Horreur a analysé entre autres choses, dans cette vidéo (à partir de la 14e minute):

On retrouve l’eau comme un des éléments de résolutions dans un film qui emprunte des codes vampiriques comme La nuée. Virginie est victime d’une sorte de vampires: des sauterelles qui lui sucent le sang. Elle est pour ainsi dire, vampirisée par ses insectes qui deviennent une obsession. Elle parvient à s’en libérer dans l’eau, pour venir en aide à sa fille qui elle même, avait opté pour une barque pour se protéger.
Les retrouvailles entre une mère vampirisée et une fille négligée se fait donc en plein milieu d’un lac.

Une métaphore adéquate des violences sexistes et sexuelles

La représentation de la vampire a souvent été sexualisée par des films érotico horreur, surfant parfois sur le fantasme hétéro de la vampire lesbienne (1ère « véritable » vampire en littérature).
Une fois qu’on a dit cela, on ne peut pas passer à côté de l’aspect sexuel de la vampire, ce mythe étant particulièrement représentatif de l’acte sexuel.

Si le et la vampire peuvent utiliser tous les deux leurs charmes pour se nourrir (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer, Nous sommes la nuit, Suck, etc..), le vampire utilise moins ses atouts physique que son « charme naturel », contrairement à son homologue féminine. D’ailleurs, ce sont mêmes les humaines charmées dont on voit les corps (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer).

Contrairement à d’autres sous genre de l’horreur, on a la chance de voir des vampires féminines réinventer la représentation de la séduction et le récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, A girl walks home alone at night, Morse, La fille de Dracula, Carmilla, etc..). Ces films n’utilisent pas les atouts physiques des vampires pour évoquer ses thématiques.

Dans mon corpus de films, je note qu’une majorité de films évoquent des transformations subies (Bit, Entretien avec un vampire, Dracula, Génération perdue, The addiction, Abigail, Daybreakers, Blackula, Jakob’s wife, etc..). Pour les autres, la plupart du temps on ne sait pas comment ils sont devenus vampires. La notion de non consentement prend tout son sens dans les films de vampires. Le fait qu’une personne utilise le corps d’un autre, en le faisant saigner, se nourrissant de son fluide, en le manipulant, le dominant pour assouvir sa propre satisfaction est la représentation même du violences sexuelles. Sans compter que la transformation d’une personne en vampire peut être associée à la répétition de violences que l’on remarque souvent chez les personnes qui commettent des violences, notamment sexuelles.
Les violences sexistes et sexuelles sont régulièrement abordées de manières très diverses dans les films de genre, et bien souvent ce sont les violences faites aux femmes qui sont représentées. Rarement les enfants et encore moins les hommes. Pourtant, ces violences sont systémiques, et même si les femmes sont majoritairement touchées, le patriarcat peut toucher toute personne.

La transformation de Louis par Lestan (donc un homme qui agresse un homme), dans Entretien avec un vampire fait clairement écho à une scène de violence sexuelle. Par ailleurs, il est intéressant de noter que Louis refuse de tuer des humains mais la seule personne avec qui il ne se retient pas est Claudia, une petite fille orpheline (cf le podcast sur le sujet de la pédophilie du livre que j’évoque plus haut).
La pédophilie est une thématique que l’on retrouve dans le mythe de La Lamia, une créature greco romaine qui n’a pas pu avoir d’enfant et qui suce le sang des enfants la nuit en passant par la fenêtre. On l’a longtemps rendue responsable de la mort subite du nourrisson. On retrouve les traces de ce mythe notamment dans Dracula avec les « draculettes », et Lucy qui se nourrissent principalement d’enfants.

Dans un Vampire à Brooklyn, le vampire est à la recherche d’un femme, manipule son entourage, et finalement la mord lors d’une soirée chez lui. Des schémas que l’on retrouve régulièrement chez des agresseurs.

Belle meuf tu seras

Devenir une femme vampire c’est être plus puissante certes, mais c’est aussi l’occasion de faire une liaison avec un autre trope que l’on retrouve souvent les teenage movies: la transformation d’un personnage féminin qui passe de femme transparente au mieux, moche au pire, à femme canon.
Je vous conseille la vidéo d’analyse de Zoétrope sur le sujet:

Ainsi la transformation de Lena dans Nous sommes la nuit évoqué plus haut, correspond tout à fait à ce trope. D’ailleurs quand elle sort de sa transformation, elle est filmée exactement comme dans les films teenage où l’héroïne descend de l’escalier pour aller au bal de promo.

Même observation dans Suck, avec Jennifer, la bassiste un peu transparente qui devient la bassiste sexy:

Ou encore dans Jakob’s wife (qui par ailleurs est très pertinent sur d’autres points que j’évoque plus loin):

Je vous vois venir, évidemment que tous les personnages de vampires féminins ne sont pas représentés de cette manière. En revanche, il y a quand même plusieurs exemples et surtout, ce n’est pas quelque chose qu’on observe chez leurs collègues masculins. Chez les femmes, la notion de transformation passe par son apparence physique, qui répond aux codes établis par le patriarcat, sans que ça soit remis en question (ou presque).

Girl power vampirique

On l’a vu plus haut, la majorité des films de vampires ont pour personnage central, une héroïne. C’est donc en tout logique que beaucoup de films mettent en scène des femmes qui cherchent à s’émanciper, se rebeller, se venger du patriarcat.
Le plus ingénieux et politique reste à mon sens A girl walks home alone at night qui se réapproprie deux symboles du patriarcat:

• le titre en lui même (les femmes souvent souvent infantilisées/blâmées pour rentrer seule la nuit,
• le hijab qui lui permet d’agir incognito ou presque, pour punir les hommes et avertir les petits garçons d’un potentiel futur mauvais comportement.

Nous sommes la nuit et Bit fonctionnent mettent en scène des gangs de vampires exclusivement féminines. Le premier raconte le changement d’identité d’une femme marginale en devenant vampire, quand l’autre raconte l’émancipation d’une adolescente. Les deux personnages sont intégrés à une bande féminine qui tentera de leur prouver à quel point la vie de vampire est jouissive, dans la mesure où il n’y a plus d’hommes pour dicter leur vie.
L’élément pertinent, qui marque à la fois la limite de l’exercice (montrer des bandes féminine) de ces deux films, est qu’ils montrent que la pression et la structure hiérarchique d’un groupe, quel que soit son genre est voué à l’échec. La cheffe vampire de Nous sommes la nuit se réjouit qu’il n’y a pas plus d’hommes pour dicter leurs vies. Elle explique même qu’il n’y a plus d’homme vampire car ils se sont tués entre eux. Mais elle reproduit exactement le même schéma (elle ne respecte pas le consentement de la vampire dont elle tombe amoureuse, elle est violente, despotique et elles aussi finissent par se tuer entre elles). On peut se dire que ça montre que le patriarcat ne vit pas qu’à travers les hommes. Mais c’est dommage car cela aurait été l’occasion de montrer une représentation plus positive, avec surtout un système différent.

Vive les vieilles vampires

En revanche, Jakob’s wife réutilise les marqueurs vampiriques (les rats, le vampire-monstre, etc..) de manière très inventive. Pour la première fois on a une vampire qui a une soixantaine d’année, interprétée par Barbara Crampton. Elle s’ennuie profondément dans sa vie et sa rencontre avec un Nosferatu croisé avec Freddy Kruger va évidemment faire tourbillonner sa vie (et celle de son pasteur de mari). La mise en scène raconte que la thématique du film est l’affirmation de cette femme face à son mari pour qu’ils réinventent leur couple et qu’ils fassent équipe. Et ça, c’est nouveau, surtout si on prend en compte l’âge de la protagoniste. Sa problématique pourrait être celle d’une femme de 30 ou 40 ans. Comment exister dans son couple, quelle est notre identité au sein de ce couple?
Dès le début, Anne est toujours cadrée derrière son mari, ou avec le visage barré. Par ailleurs, quand ils sont seuls ils sont séparés par un objet (le journal), ou l’espace.

Au premier plan, il y a toujours le pasteur, qui est devant elle, pour bien signifier qu’il occupe tellement l’espace qu’il ne la laisse pas ne serait-ce que s’exprimer.
Juste après la transformation, la première action que fait Anne c’est se retrouver face au miroir conjugal pour se regarder la nouvelle femme qu’elle est devenue. Par la suite, elle est cadrée soit au premier plan, soit à égalité avec son époux, mais en tous cas plus jamais cachée par sa main ou son visage. Elle existe.

Le film est d’autant plus pertinent qu’il n’y a pas vraiment de happy end. Ils sont de nouveau unis, mais on ne sait pas de quelle manière ils vont fonctionner en équipe. Leur combat contre le Nosferatu bleu, les a menés à avoir ce questionnement.
On a une sorte de triangulaire entre Jakob, Anne et Nosferatu. Un schéma que l’on retrouve dans un passage de la bible où Jacob qui comptait épouser Rachel, se retrouve piégé et marié à la soeur de Rachel, Leah. Jacob devra se battre et travailler pendant plusieurs années pour réussir à retrouver Rachel. C’est précisément le sujet du film, où Jakob doit lui apprendre à se battre, après avoir réalisé qu’il est amoureux d’Anne.

Pour continuer sur les personnages féminins plus âgés, Gisèle dans Les vampires (même si elle ne mord pas, mais se nourrit de sang malgré tout), reprend la légende de la fameuse comtesse de Bathory (largement remise en question depuis un moment). Cette comtesse reste emblématique pour représenter l’équivalent féminin de Dracula. En effet, on y retrouve la notion de manipulation (que ça soit ses complices ou son entourage) et d’utilisation de corps de jeunes femmes. Mais évidemment, Bathory se voit à travers le regard masculin, seul capable de valider sa valeur physique.

On retrouve un profil similaire avec Lady MacBeth dans The tragedy of MacBeth, de Joel Coen. Avide de pouvoir (alors qu’elle ne peut pas l’exercer vraiment), elle pousse son mari à tuer pour devenir roi. Il en sera incapable, Lady Macbeth souillera ses mains de sang pour exécuter son plan. C’est à partir de ce moment, qu’elle semble se transformer en créature vampirique. La goutte d’eau qu’elle reçoit sur ses mains fait référence au meurtre qu’elle a commis, et donc du sang dont elle s’est servie. C’est assez claire dans la mise en scène:

Lady macbeth a finalement un côté cruel et manipulateur qui est très proche de Dracula. Elle est motivée avant tout par ses propres besoins, au détriment de tout, même de sa santé mentale.

La représentation du mâl(e)

Les vampires féminines sont souvent liées à des intrigues qui sont centrées principalement sur leur identité et ressenti. Même dans La fille de Dracula, celle-ci cherche à s’émanciper de l’héritage de son père qui lui pèse.
Les vampires masculins sont plus souvent tournés vers l’extérieur, dans la conquête d’un monde ou des femmes (coïncidence?). Par exemple, dans Blade, ce mi humain mi vampire se donne comme mission de chasser les vampires qu’il tient responsable de ses malheurs et ceux des autres (et notamment le grand chef).
Dans Daybreakers, Ethan Hawke joue le rôle d’un vampire qui vit dans une société vampirique au sens propre comme au figuré: des élevage d’êtres humains sont mis en place pour nourrir cette société. Mais comme ils se comportent comme des humains de la vraie vie, ils arrivent au bout de ces ressources.
Ethan Hawke veut s’allier aux humains pour stopper les vampires qui se comportent en véritables fachos. Le film est un des rares à associer explicitement capitalisme et vampirisme (alors que c’est sujet d’autant plus pertinent à creuser aujourd’hui). Malheureusement je trouve qu’il n’exploite pas entièrement le sujet car il se contente de constater les effets du capitalisme et du combat évident qui en découle, pour dire que la réponse à cela serait simplement de…redevenir humain. Un peu gonflé. Or là encore, que ça soit des vampires ou des humains qui épuisent des ressources, ce n’est pas le problème. C’est le système.

Dans un Vampire à Brooklyn, Fright Night, Génération perdue, Nosferatu, Vampires, etc…la motivation des personnages est de conquérir un territoire ou une femme (notion proche de l’éco féminisme). Dans Thirst, le vampire cherche à assouvir son appétit sexuel pour ensuite contrôler sa nouvelle compagne Dans Nosferatu cela se manifeste aussi à travers le fait qu’il est une représentation de la peste et de la maladie en général, qui se propage pour décimer une population et donc un espace. Cela fait directement écho à ce que j’ai évoqué dans la première partie, à savoir que le vampire représente une crainte de l’autre et de son environnement.

On peut remarquer globalement chez les vampires masculins:

• que quand on un contexte de société de vampires, c’est toujours un homme qui est au pouvoir (Blade, Daybreakers, Vampires, Underworld, Suck..)
• qu’ils sont beaucoup moins marginalisés que les femmes. Ils sont même parfois très bien insérés dans la société (Entretien avec un vampire, Fright Night, L’assistant du vampire, Thirst, Blade…). Alors que je ne compte plus les femmes vampires qui doit gérer une marginalité plus ou moins bien vécue (Bliss, The addiction, Morse, A girl walks home at night, Bit…). Et même lorsqu’elles sont bien insérées comme dans Nous sommes la nuit, elles finissent mal (l’une est tuée, l’autre se suicide et la 3e est tuée par une de ses paires).
• ils sont très peu victimes d’une métaphore d’une maladie, contrairement aux femmes (The addiction, Bliss, All the moons, La nuée, The tragedy of lady Macbeth…). Ainsi, la déchéance physique des femmes est plus souvent filmée.

Je note principalement trois films qui mettent sur un pied d’égalité de traitement les vampires masculins et féminins, à savoir Near Dark, et Only lovers left alive.
Near Dark traite de la thématique de la marginalité vécue en groupe mixte. Les personnages quel que soit leur genre sont caractérisés de manière relativement équitable. Cela permet de comprendre les complexités de chacun-e à gérer cette marginalité en groupe.
Only lovers left alive a quant à lui une mise en scène suspendue dans le temps, avec ce couple de vampires qui tentent de s’occuper métaphysiquement, culturellement dans un huis clos hypnotisant.

Le cas de Suck, comédie sympathique, est intéressant. On pourrait penser que les personnages sont motivés par la même envie, à savoir d’attiser la gloire de rock star grâce à leurs nouveaux statuts de vampires. Or, la première à devenir vampire ne l’a pas souhaité, elle s’est fait hypnotiser et transformer (=agresser), par un gourou. On comprendra par la suite que par lassitude de son petit ami de chanteur idiot, elle a voulu se changer les idées en allant à la soirée du gourou.
Devenue cool sur scène grâce à sa nouvelle apparence, les membres de son groupe de rock veulent à leur tour devenir vampire pour avoir leur heure de gloire. Ainsi, leur collègue finit par s’exécuter devant l’insistance. C’est pourtant elle qui sera blâmée par son entourage (donc son ex petit ami), qui s’empressera d’alerter tout le monde sur le fait qu’il faut s’en méfier.

Un empire vampirique

Cette créature permet d’explorer des thèmes complexes de l’identité , de la sexualité, des agressions. Avec les vampires, on a la chance d’avoir des propositions riches en termes d’héroïnes, et c’est assez rare pour le souligner. J’espère l’avoir démontré du moins, en partie.
Pour autant, voici des sujets pas ou peu abordés qui seraient passionnants et nécessaires à traiter:

• Le genre peine encore à représenter et à écrire des histoires de collectifs féminins crédibles. Alors que c’est une source inépuisable de thèmes (quelle société? quelles dynamiques? Comment êtres soudées face à un monde hostile?).
• On a vu plus haut que le vampire a pu être associé à l’inceste, problème endémique, pourtant absent de ce corpus,
• J’aimerais aussi voir des histoires queer, car le phénomène de transformation est une occasion idéale pour évoquer divers sujets (frontière entre les genres, transidentité, monde de la nuit, etc…).
• Avec Nosferatu qui propage la maladie, pourquoi ne pas avoir des histoires qui traitent du colonialisme ou du post colonialisme? De la manière dont les blancs se sont appropriés des territoires.
• Daybreakers l’évoque indirectement et maladroitement, mais il serait intéressant de se pencher sur la vampirisation des ressources qui nous mènent à notre propre perte.

Le vampire est aussi intimement lié à d’autres thèmes comme le cannibalisme, dont Vorace, est un bon exemple. Les protagonistes mangent la chair pour se nourrir et s’approprier leur puissance. Les humains sont considérés comme de la viande, tout comme le vampire. Là encore il s’agit de domination de l’autre.
Il y aurait sans doute beaucoup à dire sur les points communs et les différences entre ces deux types de personnages, et comment les intégrer dans des problématiques actuelles d’anti spécisme et d’écologie.

Finalement, les créatures vampiriques ont beau exister depuis des siècles, faire l’objet de centaines d’écrits et de films, c’est une source inépuisable de thématiques contemporaines qui n’ont pas été encore exploitées.

Corpus:

L’article [Dossier] La représentation du vampire selon le genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Dans ce dossier, je m’intéresse à différentes dynamiques familiales. Il sera question de couples avec enfant(s), de familles monoparentales, recomposées. Je n’évoque pas les frères et soeurs dans cet article car l’article aurait été encore plus long (!).
J’évoquerai la notion de famille dans un premier temps, pour passer ensuite à l’analyse de la famille dans le cinéma de genre.

SOMMAIRE

1-Famille je vous haine
2-La structure familiale
3-Le couple, socle de la famille
4-Famille monoparentale
5-Parents VS enfants
6-Encore plus de diversité

1-Famille je vous haine

La définition classique de la famille désigne des personnes évoluant et grandissant dans un même foyer. Ces personnes ont un lien de parenté plus ou moins éloigné.
Pourtant, considérant les familles recomposées, il s’agit de personnes qui n’ont pas de lien de parenté biologique. Ainsi, des personnes qui ne se connaissent pas, peuvent subitement devenir frères/soeurs, le jour où l’un de leurs parents décide de s’installer avec un·e conjoint·e.

La famille est donc une structure qui a un fonctionnement interne propre, où nous ne choisissons pas qui nous allons côtoyer. Par conséquent, les formes qu’elle peut prendre sont très diverses. Un terrain idéal pour le cinéma de genre.
Dans tous les cas, il existe des rapports de domination. Ceux-ci peuvent s’exprimer par le pouvoir, la peur, le savoir, l’argent, le matériel de manière large.

Dans ce contexte, la famille ne peut que ressortir puissante, ayant à la fois le système de son côté, et exerçant une domination patriarcale.
Car oui, même si les femmes peuvent faire preuve de violences (je reviens sur ce point plus loin dans l’article), ce sont les hommes qui instaurent les violences et qui en sont les principaux auteurs. Et des hommes proches.
On communique régulièrement sur les chiffres des féminicides, mais je rappelle ici d’autres chiffres qu’on voit moins, mais qui témoignent tout autant de la violence masculine :

• 96% des incesteurs sont des hommes (source: Le Berceau des dominations de Dorothé Dussy),
• les deux tiers des victimes d’inceste sont des filles,
• Une femme sur dix au cours de sa vie subit des violences déclarées (physiques, morales, sexuelles) au sein de son couple hétérosexuel,
• 91% des viols et tentatives de viol sur des femmes, sont commis par quelqu’un de l’entourage.

Mais la famille peut être aussi le socle de référence, construit avec amour et bienveillance. C’est le refuge qui permet de nous ressourcer quand nous traversons une mauvaise passe, ou pour affronter les coups durs.
La famille peut donc être l’enfer, le paradis, parfois les deux. En somme, un terrain fertile pour créer du cinéma de l’imaginaire.

2-La structure familiale

Il faut noter que les films de genre des années 50/60 proposent peu de représentations de la famille. On peut noter La nuit du chasseur, Les yeux sans visage ou Les Innocents. Et encore, la notion de famille est discutable dans ces derniers.
Mais très souvent, il est plus question d’hommes, de couple, ou de groupes. Visiblement, le fait de savoir comment en tant qu’individus groupés ou non, on pouvait triompher face aux guerres, à la menace communiste, et à l’instabilité politique due aux droits civiques, était la principale préoccupation. Dans tous les cas, l’enfant n’est pas un sujet, ni sujet.
C’est au début des années 70, que la famille commence à vraiment apparaître dans le cinéma de genre. Les dents de la mer, L’exorciste, Massacre à la tronçonneuse, Carrie, La Malédiction, The Other, Ne vous retournez pas…

Cela peut s’expliquer pour plusieurs raisons:

• Si on prend les données démographiques des USA, on peut noter qu’en 1960, les couples mariés représentaient 75% des ménages. En 1982, on tombe à 60%. Il y a donc une perte de la notion d’engagement, du moins à vie, et donc de l’amour éternel.
• Parallèlement, la proportion des ménages (mariés ou non), avec des enfants ne fait que baisser (44% et 48% en 1960, contre 29% et 37% en 1982. Ainsi, le fait qu’il y ait moins d’enfants, permet de se focaliser sur eux en tant qu’individus.

Parce que c’est aussi précisément la période où le terme « enfant roi » apparaît. Avant, on ne considérait pas tout à fait les enfants comme des personnes à part entière, mais plutôt comme des êtres devant reproduire plus ou moins le schéma familial.
À partir du milieu des années 70, l’enfant s’émancipe, ou est victime de projections de ses parents. On se concentre sur lui, en tant que qu’individu.
Des problématiques idéales à retrouver dans le cinéma de genre, non?

Les films de genre des années 50/60 proposent peu de représentations de la famille

3-Le couple, socle de la famille

Quand le cinéma de genre représente la famille, c’est autour d’un couple hétérosexuel. Il y a donc très souvent la représentation des inégalités de genre au sein d’un ménage.
Les conséquences des difficultés rencontrées par ces familles sont reconnaissables le plus souvent à travers de deux catégories. Il s’agit de:

• Consolider le socle familial (Les révoltés de l’an 2000, Mama, Le village des damnés, Relic, Grave, Conjuring, Us…),
• Le fracturer, voire l’anéantir (Possession, Amityville, Insidious, It comes at night, Joshua, The Children, Sinister, Hérédité, La colline a des yeux, Parasite, Mort un dimanche de pluie, The invitation, Tideland..),
• Entretenir un système familial dysfonctionnel (Massacre à la tronçonneuse, Frontières, The loved ones, Keeping Company, Honeydew…)

En somme, soit on se repose sur la force que peut apporter la famille, soit on met en lumière ses faiblesses initiales (souvent basées sur des non dits, cf le monologue de Toni Colette dans Hérédité).
Quant aux familles pour le moins dangereuses, elles reflètent un entre-soi toxique pour leurs membres, et l’entourage.

De manière générale, les figures des parents sont caractérisées uniquement à travers leur statut de parent, au mieux, de conjoint·e. Visiblement, être parent laisse du temps uniquement pour travailler (surtout pour les pères), mais rend impossible le fait d’avoir une passion, des amitiés…
Quand les personnages ont un hobby, le rôle de parent prend souvent le pas (comme dans Mama ou Insidious), ou n’est que la réprésentation du danger (les maisons de poupées fabriquées par la mère dans Hérédité).

Je vous conseille la formidable vidéo de la chaîne Vidéodrome qui passe en revue les différentes figures de la mère dans l’horreur:

Quand le parent est représenté en dehors de son rôle de père ou de mère (mais il s’agit plus souvent des pères, la figure de la mère au foyer est représentée en majorité), c’est souvent à travers le travail (Shining, La Nuée, The Witch, Parasite, Joshua…).

À noter qu’il est, la plupart du temps, aliénant ou dangereux, ce qui rend vulnérable le personnage et/ou son entourage.
En plus des exemples cités, on peut noter Sinister, analysé plus haut. Mais aussi Ring, où la mère n’a pas pu empêcher son fils de regarder la cassette maudite à cause de son travail. Dans Dark Water, la mère arrive trop tard pour récupérer sa fille à l’école, et on la menace de lui retirer la garde. La mère d’Andy récupère une dangereuse poupée Chucky quand elle est au travail, et les ennuis commencent quand elle est au travail, et qu’elle fait garder son fils. Dans Insidious, le père laisse tomber sa famille en difficulté, en se réfugiant dans le travail.
Une activité professionnelle est rarement montrée comme un soutien pour la structure familiale.

Plusieurs philosophes, dont Henry David Thoreau, Paul Lafargue, mais aussi Nietzsche s’inquiétent du caractère presque sacré du travail, et ont écrit sur la nécessité d’une certaine inactivité et de la détente. D’après eux, porter aux nues la notion de travail, a pour conséquence la fragmentation des êtres humains.
Réduire et partager le travail donne accès à plus de solidarité, et moins de compétition.

On retrouve cet aspect aliénant également pour des passions, comme la peinture qui devient obsessionnelle pour le père dans The Devil’s Candy. Dans Insidious et Mama, les mères sont obligées d’abandonner leur pratique musicale pour s’occuper des enfants (sachant que dans le cas de Mama, le personnage masculin impose à sa conjointe de gérer ses nièces orphelines).
Bref, exister en dehors de son rôle de parent est compliqué, voire dangereux.

En ce qui concerne le père, sur la centaine de films que j’ai sélectionnés, voici ce qui ressort:

• Cinq mettent en scène un père violent à l’écran (Shining, Oculus, Amityville, Insidious 2, Sound of violence). Sachant qu’uniquement quatre en font un enjeu.
• Une dizaine présente une figure de père protecteur et/ou combattant (Les révoltés de l’an 2000, La colline a des yeux, Le village des damnés, It comes at night, Conjuring, Searching…)
• Dix-sept montrent un père démissionnaire et/ou absent (Vivarium, Mama, Come Play, The devil’s Candy, Esther, The prodigy, L’orphelinat, The lodge, Dark Water, Mother!…)
• Six représentent un père qui est un réel soutien pour la mère (Joshua, Hérédité, Poltergeist…)
• Quatre en font des victimes (The invitation, Grave, Mort un dimanche de pluie, Ropes).

Naturellement, un personnage peut se retrouver dans deux catégories. Comme par exemple dans Insidious où le père est plutôt démissionnaire dans la première partie, et combattant dans la seconde.

Je comprends maintenant pourquoi j’aime tant le cinéma de genre. La représentation des pères est plutôt fidèle à la réalité…
Trêve de plaisanteries, force est de constater que quand les pères sont présents à l’écran, ils sont souvent le parent boiteux. Parfois, c’est au coeur du propos du film (Vivarium, Mother!, Devil’s Candy), parfois c’est plus discret (The Lodge, The prodigy, L’orphelinat).

Prenons le cas de Possession. Il est de notoriété publique que son réalisateur Andrzej Zulawski a écrit son film en dépression, suite au départ de sa femme (et ça ne sera pas la dernière fois qu’il règle ses comptes conjugaux via l’art, car Sophie Marceau en fera les frais dans son livre L’infidélité). Il est aussi connu pour sa misogynie. Donc Possession est parfois perçu comme un film à son image, présentant un personnage féminin pour le moins déviant, hystérique, délaissant son fils. Ce qui est une lecture tout à fait recevable.

En revanche, la mienne est différente car, à mon sens, le père joué par Sam Neill, est tout autant défaillant. Je considère même qu’il est à l’origine de la toxicité du couple. Dès le début du film, il est présenté comme un père absent, pris par son travail. Il considère sa femme comme un objet lui appartenant, ne supportant pas qu’elle puisse exister en dehors de son rôle de mère et d’épouse, malgré son absence. Quand sa femme lui annonce qu’elle veut le quitter, il annonce d’emblée qu’il ne prendra pas en charge son fils.

Ainsi, quand Anna abandonne le foyer, elle agit exactement de la même manière que beaucoup de pères lors d’une séparation: elle fuit. En effet, 84% des enfants d’une famille monoparentale, habitent avec leur mère en France en 2016. Et ce n’est pas dû aux mères ou à la justice qui empêche les pères, comme on le lit parfois.
Mais bien parce que les pères ne prennent pas leur responsabilité, ou qu’ils ont été violents. Je ne rentrerai pas dans le détail, mais cette émission du podcast Les Couilles sur la table décrypte tous ces arguments qui ont finalement plus un fond masculiniste, que la capacité à refléter une réalité déformée :

Pour en revenir à Anna, la différence fondamentale, c’est qu’elle a déjà pris en charge réelle et mentale de s’occuper seule de son fils et de son foyer.
En mettant son mari devant le fait accompli, elle lui impose son rôle de père (alors que celui-ci n’en voulait pas, comme précisé plus haut).

Si on s’intéresse aux rôles de pères présents, leur manière d’agir au sein de la famille, relativement similaires, peuvent amener à des conclusions très différentes.
Prenons les exemples des pères dans Poltergeist et Insidious. Ils sont tous les deux mariés, trois enfants, avec une femme à la maison. Ils sont confrontés tous deux à la disparition d’un de leurs enfants, dans un univers fantomatique inquiétant. Pourtant, la place donnée à ces deux pères n’est pas du tout la même.

Dans Poltergeist, le père est un soutien pour la mère. Le film n’occulte pas le fait qu’elle a la charge mentale, et donc, c’est elle qui est la plus à même de comprendre ce qui s’y passe, à savoir les manifestations paranormales. En toute logique, elle part sauver leur fille, Carol Ann, avec le père qui reste attentif, en arrière. Il fait toujours confiance à sa femme dans ses choix, et dans sa vision de la situation. Il agit pour aller dans son sens. Et le final du film montre une famille unie par les épreuves, et par ce couple fort.

Dans Insidious, le père démissionne de son rôle quand son fils tombe malade, et laisse la charge à sa femme. Alors que par conséquent, c’est elle qui a la charge de trouver une solution, il rejette son idée de recevoir des mediums. La mère n’est pas prise au sérieux, c’est finalement le père qui tient le rôle du héros, en allant sauver leur fils.
On peut noter une différence dans les enjeux du sauvetage des enfants entre les deux films. Dans Insidious, le père a aussi comme objectif d‘affronter ses propres démons, et résoudre un problème qui le concerne. Dans Poltergeist, le geste de la mère est uniquement centré sur le fait de secourir sa fille.
Dans Insidious, la mère est reléguée à être une voix qui guide son mari lorsque celui-ci est plongé dans les enfers. La fin du film montre une famille explosée.

La représentation des pères dans La colline a des yeux est ambiguë. Le patriarche écrasant, républicain et macho est la première victime et finit brûlé dans une position christique. La volonté d’en finir avec ces principes est d’autant plus claire avec le drapeau américain planté dans son crâne.
Le jeune père rabaissé depuis le début du film pour son côté « précieux » est considéré comme le mâle dominé par sa femme. Il se transforme en guerrier et use d’un fusil à pompe (alors qu’il n’aime pas les armes), lorsque sa femme est tuée, et sa fille kidnappée. Les hommes agissent et préparent la stratégie.
Les personnages féminins se contentent de subir. La jeune fille est violée, la mère tuée, la jeune mère subit un allaitement forcé et est éliminée.
Même la chienne (appelée « Beauty ») fait partie des premières victimes. C’est le chien (nommé « Beast »…) qui accompagne son maître pour sauver le bébé.
Ainsi, c’est bien la virilité qui est au final récompensée, et la clef de la solution. Il faut simplement qu’elle soit plus subtile et moins républicaine…

Je me suis intéressée aux dynamiques de réflexions/d’actions face au danger. Je note que :

• Dans vingt films, c’est une mère qui comprend qu’il y a un danger (Mama, The Children, Sinister, Mother!, L’exorciste, It comes at night, Come Play, Us…), contre sept où c’est un homme (The Omen, The invitation, Chromosome 3…), et encore il devient malgré tout absent (Under the shadow).
• Dans quinze films, la mère n’est pas crue ou prise au sérieux par le conjoint ou l’entourage, dans ses inquiétudes (Babadook, Insidious, The prodigy, Bunny Lake is missing, Chucky..), contre un pour un homme (The Omen). Dans le cas de The Omen, la femme ne décrédibilise pas pour autant la parole de son mari. Elle cherche à le et à se rassurer.
  C’est ce qu’on appelle le phénomène de gaslighting. On considère la parole d’une personne (et souvent une femme) comme farfelue, pas crédible et donc sans intérêt. C’est un processus que l’on retrouve beaucoup dans le sous genre des films de fantômes.
• Quand un homme de l’entourage de la femme ne la croit pas, il reste cependant bienveillant (même si parfois absent ou impuissant), dans six films (Mama, Ring, Us, Hérédité…) contre douze où il s’agace (L’Orphelinat, Mother!, Insidious, The Children, It comes at night, Chucky, The prodigy…).

Cela reflète bien que la mère étant le parent principal à gérer les enfants, elle est à même de repérer le danger. Cependant, elle doit redoubler d’énergie, de patience, et parfois de résistance au Mal, en attendant que sa parole soit prise en compte.

4 – Famille monoparentale

Les familles monoparentales ont doublé entre 1960 et le début des années 80 (elles passent de 4 à 8%!). Celles avec des femmes représentent…7%. Seulement 1% avec des hommes!
En France, selon l’INSEE, 23 % des familles sont monoparentales en 2016, (contre 12% dans les années 90). 84% des enfants habitent avec leur mère.

Il ne vous a sans doute pas échappé que le cinéma de genre regorge d’histoires mettant en scène les déboires de familles monoparentales. L’écrasante majorité concerne des femmes seules avec leurs enfants.
Ainsi, dans la centaine de films de ma sélection pour cet article, j’en compte à peine une dizaine mettant en scène un père solo contre plus d’une trentaine pour les femmes.
L’absence du ou de la conjoint-e s’explique souvent par une raison évidente comme la séparation ou la mort, mais il arrive parfois qu’il n’y ait pas d’explication à cette absence, qui concerne le père en majorité (Ghostland, Bunny Lake is missing, Relic…).

La différence fondamentale que l’on peut noter entre les pères et les mères à la tête d’une famille monoparentale, c’est lors de l’exposition des personnages et du contexte.
À savoir qu’il est rare que l’intrigue débute avec un père en solo, sans explications sur l’absence de la mère. En grande majorité, il est forcé à prendre ce rôle lors de l’élément perturbateur.

Par exemple, c’est l’invasion de zombies qui force le père à s’occuper de sa fille dans Le dernier train pour Busan. Le fait que Laura soit poursuivie par les antagonistes, oblige Logan à prendre en charge celle-ci.
Le père dans Joshua doit reprendre les rennes de la famille, suite à l’hospitalisation de sa femme. Ou encore la disparition de la petite fille dans The Closet contraint le père à aller la sauver.
Même schéma dans le post apocalyptique Arès, où l’oncle ours, doit prendre en charge ses nièces dont la mère militante est emprisonnée. Le film se concentre principalement sur l’arc narratif de l’oncle. Qui passe de bête de foire, au service du système (et faisant la morale à sa soeur), à oncle attentif et résistant au régime.

Ainsi, plus que sur l’enfant, les enjeux sont concentrés sur le chemin que doit faire le personnage en tant que père.

Alors que dans la majorité des films avec des mères solo, l’élément perturbateur ne déclenche pas la responsabilité de tenir un rôle de mère. Elles le tiennent déjà. En effet, on peut noter que dans:

• Les Autres, Nicole Kidman est seule avec ses deux enfants ; la situation du père est un aparté plus ou moins onirique bien plus tard dans le récit. L’élément perturbateur est l’arrivée des domestiques qui bouscule l’ordre établi.
• La Nuée débute avec la mère au bord de la faillite de son élevage. Le fait qu’elle réalise que le sang dope ses sauterelles déclenche le danger qui guette sa famille.
• Dans Chucky, la mère d’Andy tente tant bien que mal de rendre heureux son fils. Chucky, la poupée tueuse est pour le moins un sacré élément perturbateur.
• Dans Relic, Ghostland ou Bunny Lake is missing, c’est encore plus simple: jamais les pères de famille ne sont mentionnés.
• Dans L’Exorciste, la mère de Regan est seule (et heureuse) avec sa fille. C’est quand sa fille montre des signes inquiétants qu’elle cherche à joindre le père dont on n’entend même pas la voix.
• Babycall débute avec Noomi Rapace en mère qui emménage dans un nouvel appart, fuyant des violences. Les bruits étranges émanant de son babyphone déclenchent la menace pour elle et son fils.

Les démons, fantômes, et autres menaces symbolisent les obstacles que les familles monoparentales rencontrent. Difficultés financières, de travail, sociales, matérielles, être une femme seule avec enfant est source d’angoisses. Ces films reflètent leur adversité, leur capacité d’adaptation imposée, et donc, leur force.

C’est d’ailleurs particulièrement explicite dans Evil Dead Rise qui utilise le motif du rond pour évoquer la charge des mères de familles monoparentales.
Beth et El sont deux soeurs célibataires. L’une est enceinte (non prévu), l’autre vient d’être quittée par son mari lui laissant la charge de 3 enfants. Je note au passage que c’est très rare même dans le ciné de genre qui se veut marginal, de représenter une mère tatouée, style rockeuse (non défaillante) qui fait pas des trucs de daronne sur son temps libre comme faire fondre du métal. Donc rien que pour ça, merci.

La forme ronde représente le Mal (alors que d’habitude c’est plutôt le triangle), et il est PARTOUT. Sur des éléments évidents comme le coffre fort, le vinyle, le système son, les gouttes de sang..
Mais aussi sur des éléments paraissant plus anodins, comme la pièce, la boite à pizza, le miroir du parking ou la couronne de la poupée (je reviens sur ce point un peu plus loin).

Selon moi, le film matérialise la charge et la douleur d’être mère seule:

• El est attaquée par le démon alors qu’elle part jeter les affaires de son ex qui l’a laissée seule avec 3 enfants,
• Quand elle revient après avoir été attaquée par le démon, elle fait un truc de daronne (et de femme)>> faire la cuisine (et ho! on retrouve la forme ronde)

Ce qui se passe dans le juda (rond donc), est particulièrement intéressant car on a le point de vue de l’appartement, donc du foyer. C’est un regard sur la violence à l’extérieur qui essaye de contaminer ce foyer. Le focus avec la gamine illustre la peur qu’un enfant peut ressentir en voyant sa mère seule, face à sa détresse. On sait qu’El est morte à ce moment là, mais le démon utilise bien le background de ses victimes.

Par ailleurs, cette image me parait très claire sur la représentation de la charge de gérer des gamins seule.

Si je reprends le perso de la gamine (petite rockeuse qui fait pas des trucs gniangnian), elle montre que les enfants sont aussi une force: La poupée dont tout le monde se foutait car symbole par excellence d’un objet d’enfant, on est bien content de la trouver. La violence du rond permet de se défendre aussi, c’est un belle manière de présenter un contre balancement et donc une absence de fatalité.
C’est accentué par la conscience de la petite fille du mensonge des adultes, ce qui lui permet d’affronter la situation de manière lucide. Ça aussi c’est trop rarement montré à l’écran. Les enfants comprennent tout et faut arrêter d’en faire des personnages naïfs tout le temps.

Je ne crois pas du tout que le sujet du film soit Beth qui se prépare à être mère, comme je ne crois pas du tout que le film, même involontairement, est pro life comme j’ai pas mal entendu. Au contraire, c’est un démon qui parle « d’âme », il est là pour manipuler et rabaisser.
Ce qui m’amène à conclure que ces constats et le motif du rond présent un peu partout, évoquent plutôt un cercle vicieux de famille à briser, qu’El et Beth font de manière évidemment différente. « El » parle à Beth de leur mère à la fin qui a visiblement vécu un schéma familial similaire.
El a été brisée par son ex, par la charge qu’a représenté cette nouvelle situation, et Beth se retrouve également seule à élever deux enfants. C’est cette violence là qu’elle essaye de combattre.

Monoparentale malgré moi

Il y a le cas plus subtil (et certainement le modèle familial le plus courant), où la famille n’est pas monoparentale officiellement, mais dans les faits. La mère porte la charge mentale et la bonne tenue du foyer. Elle peut bien le vivre en le prenant du bon côté, comme dans Poltergeist. Ou en étant particulièrement acculée comme dans Les Autres.

Dans tous les cas, on note souvent un père absent ou en retrait. Comme le père qui ne se lève pas la nuit dans L’Orphelinat, le travailleur occupé dans Mort un dimanche de pluie ou Under the shadow, l’artiste maudit indisponible dans Mother!, ou encore le père bouffi d’égo dans Sinister.

D’ailleurs, Sinister adopte un point de vue original. Le spectateur est placé du côté du père, qui nous est montré égoïste et obsédé par l’écriture de son livre, quitte à mettre sa famille dans un environnement malsain.
À travers sa mise en scène, le film montre en quoi le fait qu’il n’assume jamais son rôle de père sonne la perte de sa famille.
Pour cela, le réalisateur Scott Derrickson utilise des éléments du décor, et les couleurs jaune et bleu.
Le carton (qui contient les vidéos des meurtres) symbolise le Mal qui s’immisce. Il est dès le début associé au père qui porte une boîte. Puis, on voit son bureau rempli de boîtes. Elles sont présentes entre lui et sa femme, lors d’une dispute.
Son fils a une terreur nocturne, se cachant dans une boite en carton. Le serpent du grenier (annonçant la possession), se cache sous un carton.

La vidéo est le medium du Mal, qui vient aussi contaminer le père. Il se met à filmer, se regarde lui-même à la tv, et vers la fin, l’écran le submerge.

Le bleu et le jaune sont majoritairement utilisés. Dès le début on les retrouve quasiment dans tous les plans. Que ça soit à travers les pièces ou les vêtements.
Selon moi, le bleu est associé ici à la notion de victime (en plus du monde parallèle) : la mère est en bleu, mais aussi les victimes précédentes, la maison, la petite fille possédée précédemment, qui a tué.

La couleur jaune est dès le début associée au Mal. C’est la couleur du démon, des cartons, mais elle irradie les victimes, toujours présente dans le bureau, et est associée évidemment à la petite fille.

C’est particulièrement explicite lors d’une scène, où la petite fille se lève la nuit, et son père s’en occupe. Lui est associé au bleu, sa fille au jaune (avec une plongée dans le noir juste avant, qui marque le basculement de la petite fille vers le Mal).

Pour raconter comment l’égoïsme du père amène à la perte de sa famille, on prend soin de signifier que la petite fille est aussi une victime en l’habillant de bleu. Le père est habillé en gris (marquant son incapacité à agir, à choisir).

Dans la mesure où les mère solo sont majoritairement représentées, les personnages féminins sont, de fait, les plus représentés, développant un lien fort avec leur(s) enfant(s).
Par ailleurs, c’est le modèle monoparental avec un enfant et un genre opposé qui domine. Ainsi, dans ma sélection de films:

• Dix mettent en scène un père qui gère un enfant qui est une fille et aucun avec un garçon (Ropes, Cogan, Maggie, Arès, Logan, Le dernier train pour Busan, Searching, Chromosome 3…),
• Cinq où il est question d’une mère qui gère une fille (Dark Water, Under the shadow, Mort un dimanche de pluie..), et douze un garçon (6ème sens, L’Orphelinat, Shining, The Prodigy, Babycall…),
• Treize avec une mère qui gère deux ou trois enfants (Insidious, Les Autres, La Nuée, Sans un Bruit…)

Ainsi, on perpétue l’idée du père nécessairement protecteur avec sa fille, qui en vient à avoir un comportement de patriarche, infantilisant. Il est visiblement plus logique de représenter cette peur du père face aux dangers qu’encourt une petite fille/femme.
La chaîne Cinémaniaque explique bien ce récit d’apprentissage du père que l’on retrouve dans le cinéma de genre, dans sa vidéo sur La Petite Sirène:

Ce qui est sûr, c’est que homme ou femme, quand on est parent solo dans le cinéma de genre, la place pour une vie amoureuse/sexuelle ou de couple, ou tout simplement pour soi, n’existe pas, ou peu.

Affrontant à la fois la vie réelle, des fantômes, des démons, des enfants violents… la mère dans le cinéma de genre peut s’avérer être une vraie combattante, une figure idéale de la femme forte.

Cela renvoie à la notion de super woman que l’on attribue de manière humoristique régulièrement aux mères. Par ce terme, on admet que les femmes gèrent le foyer et les enfants, certes, mais ça invisibilise surtout le fait que les pères ne font toujours pas leur part (les mères sont auprès de leur enfant entre 71 % et 81 % de leur temps disponible, contre entre 53 % et 65 % pour les pères.)

Ainsi l’expression « nouveaux pères » que l’on entend souvent, est en fait vieille depuis 40 ans comme l’explique Myriam Chatot, docteure en sociologie.
Les pères qui s’occupent de leurs enfants veulent bien gérer les tâches les plus gratifiantes (jouer, les sortir, câliner ou les sauver comme souvent dans le cinéma de genre) et moins le reste (soin, santé ou s’inquiéter de ce qui ne va pas comme souvent dans le cinéma de genre).

Des films comme Esther, The Prodigy, Brightburn, Come Play, Vivarium, Sans un bruit, Us, Dark Touch…reflètent une mère en charge des tâches les plus ingrates et complexes à gérer. Elles sont toutes confrontées seules à des difficultés de santé de l’enfant.
Le père minimise très souvent la perception de la mère (The Prodigy, Come Play, The Children…).Cela normalise l’idée que non seulement elles sont plus compétentes pour gérer cette question, mais qu’en plus, elles s’inquiètent davantage pour leur enfant.

Or, si elles sont plus aptes, c’est surtout parce qu’elles s’occupent davantage des enfants. En France, 2% des hommes prennent un congé parental d’au moins un mois (et davantage à temps partiel donc un ou deux jours par semaine), contre 40% des femmes. Cette période est cruciale pour apprendre à gérer un enfant, et connaître son environnement (médecin, crèche…).

Ce spectre de « nouveaux pères » est palpable dans plusieurs films.
Prenons l’exemple de The Lodge. Un père obtient la garde de ses enfants après le suicide leur mère (qui n’a pas supporté leur séparation…). Il souhaite que ceux-ci tissent un lien avec sa nouvelle compagne – pour qui il avait quitté leur mère récemment décédée donc – mais ne trouve rien de mieux que de les laisser seuls avec celle-ci (elle-même peu à l’aise à cette idée). Alors que ses enfants viennent de perdre leur mère, non seulement le père ne les soutient pas dans cette épreuve, mais en plus fait reposer cette tâche sur sa compagne. Et il en paie le prix fort.

On peut aussi s’intéresser au père dans Esther. Il apparait attentionné et sensible. C’est lui qui a le premier contact positif avec Esther à l’adoption, (et qui la place sur le chemin de la mère). Mais il n’est finalement là que pour les cadeaux ou les bons moments. Et il ne croit pas aux alertes de sa femme quant au comportement d’Esther. Comme dans The Lodge, on peut dire qu’il est puni pour son comportement.
Le film est semé de séquences plus subtiles qui pointent l’absence de responsabilité du père. Par exemple, quand sa libido débordante amène le couple à avoir des rapports et qu’ils sont surpris par Esther, la séquence d’après montre la mère qui se lance dans une conversation délicate avec celle-ci.
Dans The Prodigy, la mère est toujours seule aux rendez vous médicaux quand son fils commence à être inquiétant. Tout comme elle affronte seule les problèmes causés par son enfant à l’école. Et quand elle tente d’alerter son compagnon, il ne la croit pas…alors que c’est elle qui est en première ligne.

The Closet part d’un postulat similaire à The Lodge. Un père se retrouve seul avec sa fille après le décès brutal de sa mère dans un accident. On comprend qu’il n’a jamais été présent et tout l’enjeu du film repose sur la naissance de son statut de père. Plutôt que de s’occuper de sa fille, il préfère l’envoyer dans un camp de vacances. Malheureuse, elle finit kidnappée par son placard de chambre (oui oui). Je ne vois en aucune manière un personnage d’enfant roi. La petite fille a perdu la seule personne qui se souciait d’elle. Elle ne connait finalement pas son père, et l’attitude de celui-ci manque cruellement d’empathie. Vivre en dehors de son rôle de parent et être pris par le travail oui, seulement il n’a jamais été parent justement. Il remue ainsi ciel et terre pour la retrouver, et le lien est enfin créé.

Un père qui prend ses responsabilités, est un père qui meurt. Logan, Terminator 2, Le Dernier Train pour Busan, Sans un Bruit, Ropes…les pères exemplaires survivants font exception. Il est apparemment difficile de survivre à ce rôle exigeant…qu’ils n’ont pas tenu longtemps finalement.

5-Parents VS enfants

On l’a vu, on note davantage de films où c’est la mère qui est en charge des enfants.
C’est aussi elles qui sont filmées s’occupant de bébés, ou d’enfants en très bas âge. C’est le cas dans Grace, Baby Blues, Sans un Bruit, La colline a des yeux…C’est évidemment lié au fait que les femmes portent les enfants, ont un congé maternité.

On peut aussi relier cette observation au fait que les pères ont plus de mal à endosser leur rôle quand les enfants sont touts petits. On a encore du mal à imaginer naturellement un père en charge d’un bébé. D’ailleurs, les assistants paternels (nounous) sont quasiment inexistants.
Des films comme It’s Alive, ou Grace, mettent l’accent sur le fait que malgré la monstruosité de leur bébé, les mères sont animées d’un instinct maternel envers et contre tout. Dans It’s Alive, on voit que c’est un long cheminement pour le père, et que c’est lui qui est prêt à sacrifier ce monstre dangereux pour la société, au contraire de la mère.

Je ne vois que Joshua, où le père qui doit pallier à l’absence de la mère, gère sans difficulté, un bébé.

SOS Fantômes

Les familles vivant la perte d’un enfant sont nombreuses dans le cinéma de genre. La gestion d’un tel deuil Rappelons qu’il n’y a pas de terme officiel pour désigner un parent dont l’enfant est mort, même s’il y a le terme « parange », non dénué de connotation religieuse, qui a été proposé par des députés. J’avais déjà évoqué ce sujet dans mon article sur Hostile et Méandre.
Toujours est-il que ces histoires sont propices à des histoires ancrées dans le cinéma de genre. À savoir des fantômes.

L’enfant mort, hantant sa famille, cristallise toutes les peurs. En effet, le décès d’un enfant n’est pas dans l’ordre des choses, et l’inimaginable est accentué en cas de mort brutale. Par ailleurs, l’aspect horrifique d’un personnage de fantôme est d’autant plus en contradiction avec l’apparence mignonne et attendrissante d’un enfant. Et donc, décuple l’horreur.
Ainsi, on ne compte plus les enfants fantômes dans les familles du cinéma de genre: Les Autres, L’enfant du diable, We are still here, Ring, 6ème sens, L’Orphelinat, Lake Mungo, Sinister, Dark Water, Simetierre, Babycall…

Sur la vingtaine de films avec un personnage d’un enfant décédé, ceux où il s’agit de meurtres et d’accidents sont similaires.
Leur point commun: il s’agit de meurtres commis par les parents (Les Autres, la petite fille dans 6ème sens, Babycall, L’enfant du diable, Mum&Dad…), ou parce qu’il y a eu négligence ou inattention de leur part (Simetierre, Dark Water, L’Orphelinat…). À noter que ce sont les personnes sensées protéger le foyer, et non pas un frère, une tante ou un grand père.

Le cinéma de genre n’hésite donc pas à tenter de soulever un des tabous les plus persistants : l’infanticide et la violence intrafamiliale. C’est une manière de montrer la réalité de cette violence. En 2020, les violences intrafamilales ont augmenté de 9%, coïncidant avec le confinement.

Par ailleurs, un enfant est tué tous les cinq jours, et dans 95%, c’est la mère (50%) ou le père (36,4%) qui est responsable.
Pourtant, la docteure en sociologie et chercheuse à l’INSERM, Julie Ancian affirme qu’il y a tellement peu de recherches et de statistiques sur les infanticides, qu’il est impossible de déterminer qui les commet.
Autrice d’une thèse sur le sujet, elle note qu’il y a plusieurs types d’infanticides: néonaticide (à la naissance), les meurtres commis lors d’une psychose périnatale, ceux dont l’objectif est de « soulager » de maux réels ou supposés. Mais aussi ceux consécutifs à des violences répétées depuis des années, ceux liés à une vengeance d’un conjoint quitté… Le spectre est large, et induit forcément une grande variation des dynamiques de pouvoir, à l’intérieur de ces foyers. Qui n’est en fait pas vraiment traitée au cinéma.

Par exemple, les femmes sont responsables en grande majorité des néonaticides. Mais Julie Ancian note que les décès liés au syndrome du bébé secoué sont causés majoritairement par des hommes.
Je vous conseille fortement le hors série de Causette « femmes criminelles », qui déconstruit les préjugés sur la violence commise par les femmes.

Les sales gosses

L’enfant tueur est une figure classique et récurrente du cinéma d’horreur. Son potentiel de terreur se base sur les mêmes ressorts que l’enfant fantôme.
Mais ici, le vrai enjeu c’est de déterminer de quelle manière les adultes vont réagir face à des enfants agressifs. Et s’ils se défendent, quel en sera le déclencheur?
Par ailleurs, l’enfant étant par définition, dépendant de ses parents, c’est l’occasion rêvée pour une tête blonde assoiffée de sang d’intégrer un foyer, prêt à le protéger.
La prise de conscience du danger est inévitablement lente, de par les liens créés, et la confiance accordée d’emblée aux gens qui habitent sous notre toit.

Sur la vingtaine de films mettant en scène un enfant tueur, les origines de ces attaques sont homogènes dans leur représentation:

• Cinq filment une vengeance (Les Révoltés de l’an 2000, The Grudge, Ring, The other…),
• Cinq montrent des enfants non humains (Le village des damnés, Brightburn, The Omen, Simetierre, Godsend, Grace…),
• Six sont liés à une possession ou un événement surnaturel (L’Exorciste, The prodigy, Conjuring, Sinister..),
• Quatre évoquent une maladie ou une infection (The Children, Esther, It’s alive, Dark Touch).

Ainsi, si les enfants tueurs symbolisent un des tabous de société, à savoir leur violence et notre réaction en face, il est admis qu’un enfant ne peut pas être mauvais en soi (ce qui est rassurant!). Il y a forcément un événement qui le dépasse, qui créé cette violence. Sinon, ils se trouve dans une situation de révolte, dont les adultes sont à l’origine (Les Révoltés de l’an 2000, Ring…).
L’exemple de The Other attire l’attention car c’est à cause de l‘incapacité de l’adulte à dire la vérité sur la mort d’un frère, que l’enfant développe une psychose.
L’agressivité de Laura dans Logan, est le résultat de violences exercées sur elle par des adultes, elle agit pour se défendre.
Dans d’autres cas, l’enfant est placé en dehors de l’humanité (Le village des damnés, Brightburn).

Encore une fois, Joshua fait exception, car l’origine des violences du petit garçon n’est jamais expliquée. Il est même finalement représenté comme un être violent, cynique et malin, à l’image de n’importe quel antagoniste adulte.

Mauvaises graines en tout genre

Si on s’intéresse à la représentation des genres, c’est là aussi, assez homogène.
Neuf mettent en scène une petite fille violente en personnage principal (Esther, Dark Touch, Logan…) contre sept avec un petit garçon (sachant que certains ne sont même pas l’intrigue principale, comme dans Simetierre).
En zoomant un peu plus, on se rend compte qu’il n’y a que deux films (The Other et Joshua), où le petit garçon est doué de libre arbitre. Les autres sont des entités maléfiques ou non humaines de base. Au contraire, c’est le cas dans cinq films, concernant les petites filles (Dark Touch, Ring, Esther..).
On peut penser que le fait de représenter ces personnages féminins animés par la vengeance ou le mal être, rejoint les raisons pour lesquelles l’horreur est le genre de cinéma qui met le plus de femmes en scène. À savoir, les violences systémiques exercées sur elles et/ou l’image de vulnérabilité plus ancrée.

On peut presque dire que les films mettant en scène des groupes d’enfants meurtriers représentent un sous genre.
En effet, ils sont filmés comme une entité compacte, qui pense quasiment à l’unisson. On n’est pas très loin de l’imaginaire de masse du zombie, surtout dans The Children, où le comportement des enfants est modifié à cause d’une substance. Dans ces films, aucun enfant n’est particulièrement mis en avant.
À l’exception du Village des Damnés de Carpenter, qui reprend le trope du personnage dominant, et celui du dissident.
À noter que dans le film original de Wolf Rilla, c’est le petit garçon David, qui est à la tête du groupe d’enfants. Dans le remake de Carpenter, David est l’enfant dissident, qui souhaite s’inscrire dans l’humanité, et c’est une petite fille qui est la cheffe du groupe.

La violence parentale non par-Anormale

On a vu que l’infanticide était régulièrement évoquée dans le cinéma de genre.
En revanche, elle est quasiment toujours hors champ, ou absente dans l’intrigue générale. En effet, la mort de l’enfant est souvent le point de départ ou le twist du film.
Si on prend du recul sur le cinéma de genre, il existe peu de films traitant et/ou représentant les violences intra-familiales.
On peut noter deux catégories considérant les quelques films l’évoquant:

• L’origine de la violence parentale est paranormale (Amityville, Insidious 2, Mom & Dad, Oculus, Shining).
• La violence parentale est intrinsèque au personnage (Carrie, Dark Touch, Sound of violence, The Mother).

Tous n’en font pas la thématique principale, et surtout, la violence envers les enfants reste souvent relativement soft, comparée à la réalité.
Même avec Babadook qui traite du poids de la charge mentale, on ne peut pas parler de violence à proprement dit.

Peu de films traitent de violences faites aux femmes dans un contexte familial. On peut noter les féminicides dans Mama, Sound of violence, et la mère fuyant un mari violent dans Babycall.

La question de l’inceste est carrément absente. Aucun film ne s’est encore emparé vraiment de ce sujet, à part Dark Touch, de manière plus ou moins maladroite.
Mais, contrairement à Amityville, Insidious 2, ou Oculus où la violence du père s’exprime en raison d’une possession démoniaque (et donc enlève la dimension de violence systémique), Dark Touch utilise le fantastique pour matérialiser le traumatisme de cette petite fille victime d’inceste. On s’intéresse pour une fois à la victime, et à sa manière de gérer ces violences. Dans ce film, la violence intra familiale est la réalité, pas la conséquence d’une entité démoniaque.

Sound of Violence s’intéresse également à la répercussion des violences familiales (en l’occurrence, un féminicide), sur un enfant témoin. Là aussi, ce n’est pas un démon qui a poussé le père à tuer sa femme, mais le résultat d’un traumatisme bien réel : la guerre. Revenu pour le moins perturbé, il tue sa femme devant les yeux de sa petite fille sourde. La mise en scène nous place du côté de cette petite fille car elle réalise les violences, à cause de la force des coups (qui ne sont pas montrés dans un premier temps) qui viennent résonner dans la maison. C’est doublement efficace à mon sens. Non seulement on est du côté du ressenti de la victime, mais en plus on montre à quel point les coups portés lors d’un féminicide sont violents (en effet, une femme tuée par son compagnon, reçoit plus de coups nécessaires pour tuer, dans la plupart des cas).
D’ailleurs, le choc dont elle est témoin est tellement violent, qu’elle est prise de visions, et retrouve l’ouïe, qu’elle commence à reperdre plus tard dans le film. Cela m’a aussi fait penser aux femmes parfois tellement battues, qu’elles en perdent l’audition, comme Halle Berry.

Ceci dit, il faut noter que Dark Touch et Sound Of Violence ont une conclusion assez pessimiste sur l’avenir des enfants témoins/victimes de violence et ce, même lorsqu’ils sont bien entourés par la suite.
Ce qui rejoint en partie, le fait qu’il a été découvert que les traumatismes modifient nos codes génétiques, ce qui a une influence sur nos réactions et comportements. Ils laissent une marque épigénétique, c’est à dire transmissible, mais réversible. Donc, grâce à de la prise en charge psychologique, de libération de paroles etc… ces marques peuvent s’atténuer.
Je vous conseille le podcast Emotions, à ce sujet.

Ce qui reste invisible

Violence conjugale, physique et sexuelle sur les enfants, la famille est aussi un miroir de la domination masculine sur laquelle la société s’est construite. Et si la prise de conscience sur les violences patriarcales à l’extérieur sont de moins en moins passées sous silence (mais loin d’être efficacement combattues), celles exercées à l’intérieur du foyer restent taboues (et notamment l’inceste). Pour plusieurs raisons:

• Il est difficile pour les personnes qui subissent ou qui ont subi des violences, de réaliser la réalité de celles-ci.
• La société de manière générale, refuse de voir que des parents (et notamment des mères), puissent être violent·e·s avec leurs propres enfants.
• Dans une famille où il y a de la violence, il y a du silence. Qu’il soit verbalisé ou non, les enfants violentés comprennent très vite qu’il faut se taire.
• Même si les enfants réalisent les violences subies, leurs parents restent non seulement leur point d’attache, mais surtout représentent leur survie. S’ils ne sont plus là, qui va s’occuper d’eux ?

Pour plus de détails, je vous conseille les podcasts de Louie Media, et l’émission des Couilles sur les Tables qui a pris à bras le corps de traiter le sujet de l’inceste.

Si je prends le temps d’évoquer les raisons ci-dessus, c’est aussi pour noter le nombre de ressorts scénaristiques qui pourraient être utilisés pour refléter la complexité, la tension, la peur à l’écran, et bien sûr les travers des structures sensées protéger.
Non pas dans un aspect voyeuriste, mais pour comprendre la souffrance, les traumatismes subis.

Il me semble essentiel de voir des créations sur ce sujet, tant malheureusement, ce sont des films qui parleront à beaucoup de gens.
Sujet encore trop tabou, même pour le subversif cinéma de genre?
En tous cas, cela confirme bien la réticence universelle à aborder frontalement ces sujets.

6-Encore plus de diversité

La famille est donc un écosystème complexe, effrayant, fort, terrain idéal pour le cinéma de genre.
Si au fil des décennies, il se permet d’aborder frontalement, scénaristiquement et visuellement, des sujets difficiles à traiter, la palette de thématiques est encore large.

Tout comme la représentation des familles. Je regrette l’absence de famille homoparentales. Le couple hétéro est toujours le modèle dominant, on y pense donc naturellement moins quand on écrit une histoire. Je pense aussi que certain·e·s auteur·ice·s ont l’appréhension de voir l’étiquette « film militant », et/ou d’être victimes d’attaques.
Alors qu’il est tout à fait possible de représenter des couples gay ou lesbiens, sans en faire un sujet. Le très bon What keeps you alive le réussit parfaitement.

Il y a également très peu de couples mixtes (on peut noter Furie qui reste une exception, surtout en France ! ou It comes at night), et des couples racisés (l’exemple de Us montre le vide abyssal de personnes non blanches).

On peut également noter que si la figure de la femme enceinte est courante dans le cinéma de genre, la situation de la femme enceinte d’un deuxième ou troisième enfant est beaucoup plus rare. Alors que ça implique des dynamiques de familles différentes, et d’autres problématiques.

Ces analyses ne reflètent que ma vision, et je pense qu’il y a encore beaucoup de choses à observer et à relever!

Liste des films cités:

Sur soixante-dix films, seulement cinq sont réalisés par des femmes.

L’article [Dossier] La famille dans le cinéma de genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

The Vigil raconte une soirée d’horreur vécue par Yakov. Juif orthodoxe dont la foi est vacillante, et perdu dans un monde dont il ne maitrise pas les codes, il accepte un travail de veilleur de récent défunt, appelé shomer. Une nuit d’enfer commence.

The Vigil de Keith Thomas
Avec Dave Davis et Lynn Cohen
Photographie de Zach Kuperstein
Montage de Brett W. Bachman

Soyons clair-es, The Vigil ne s’adresse pas à des féru-es du cinéma de genre en recherches de sueurs froides. Le film utilise des ressorts très classiques. Entre jumpscares grossiers, et éléments narratifs repérables à des kilomètres, on ne peut pas prendre sa dose de frissons.
Le dénouement de l’affrontement final avec le démon est également raté. Trop court, pas assez audacieux.
En cela, The Vigil peut être parfois ennuyeux. Et c’est d’ailleurs ce qui m’a rebutée de prime abord. Mais The Vigil n’est pas dénué de qualités pour autant.

Yakov au Pays des Horreurs

Les qualités du long métrage se situent ailleurs.
En effet, je suis très sensible à sa photographie. Là où certains voient une photographie immonde, je trouve au contraire qu’elle parvient à transformer la maison en un lieu presque imaginaire. Un contraste de rouge orangé et de vert qui mélange bien les thématiques du film: espérance, étrangeté, Mal…
Et le film ose des plongées de noir, où le personnage devient une silhouette fantomatique.

L’aspect imaginaire est renforcé par la vieille femme, qui symboliserait presque le chat dans Alice, qui guide le protagoniste dans son errance. On peut reprocher à The Vigil d’utiliser le ressort classique du personnage de la vielle dame qui fait peur. Elle est effectivement présentée comme inquiétante. En revanche, je trouve le personnage plus nuancé: elle est en deuil, et comprend très bien ce qui se passe dans la maison. Ce personnage alterne donc entre menace, et soutien.

Le décor est d’ailleurs inhabituel pour ce type de film. On est dans une petite maison. L’action se situe principalement au rez de chaussée. Et l’étage, source du démon, est quasiment suggéré. Donc la marge d’occupation de l’espace est restreinte.

Le montage est bien maîtrisé. On arrive à voyager dans cette petite maison et à suivre de manière fluide le parcours de Yakov. Le monteur de Color Out of Space et Mandy est aux manettes. Des films où là aussi on voyage, même dans un tout autre style!

Si The Vigil ne peut surprendre, il arrive à entretenir un doute, parce qu’on ne sait jamais vraiment si Yakov voit vraiment ce qui le terrorise. Est ce sa maladie? Ses projections de son propre trauma?

Le judaïsme comme force originale

Le contexte du judaïsme est aussi un élément rare dans les films démoniaques. Ce qui permet de sortir des thématiques habituelles: tabou de la sexualité, stigmates du Christ…
J’en profite pour vous conseiller de voir le court métrage Dibbuk de Dayan D. Oualid, disponible sur Shadowz. Si la première partie du métrage est laborieuse, la dernière est en revanche une vraie réussite. La confrontation avec le démon est à la fois inquiétante et attendrissante, avec un final surprenant. Dibbuk ancre également son récit dans le judaïsme.

Ici, le réalisateur (juif), fait le lien entre les traumatismes de l’Holocauste, avec l’antisémitisme toujours très ancrés. Une manière de lier les anciennes et nouvelles générations. C’est précisément ce qui unit le combat de Yakov, et le vieil homme qui vient de mourir qu’il doit veiller. Les deux ont leur démons. L’un intérieur, et l’autre qui a besoin de s’en débarrasser pour passer sereinement de l’autre côté.
D’ailleurs, la séquence la plus réussie est quand Yakov tente de fuir ses démons. Une belle illustration que ne pas affronter les faits, détruit parfois plus. Perdu et littéralement cassé, il erre, piégé.
Ceci dit, dommage que le judaïsme n’apporte pas plus d’éléments nouveaux dans le traitement de l’action.

Enfin, si le final est raté, The Vigil nous offre une belle séquence dans un couloir fantastique. Certes déjà vue, la scène s’imbrique parfaitement avec le propos auparavant. Et c’est un accompagnement qu’on a envie de faire avec Yakov.

C’est cet ensemble qui fait que The Vigil est un bonne initiative à l’horreur. Il ne fait pas vraiment peur, et évite les clichés de la représentation de la possession et du démon, grâce au judaïsme. C’est un film fait avec passion et l’envie de mettre sur la table un sujet peu traité dans le cinéma de genre. Comme quoi notre cher Jason Blum peut aussi avoir envie d’encourager des oeuvres plus personnelles.
Et rien que pour ça, il vaut le coup d’oeil.

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Becky 13 ans, est en conflit avec son père. Lors d’un séjour dans leur maison de campagne, des évadés de prison prennent la famille en otage. C’est le début d’un affrontement entre Becky et ces intrus.

Becky réalisé par Jonathan Milott et Cary Murnion
Ecrit par Nick Morris, Lane Skye et Ruckus Skye
Avec Lulu Wilson, Kevin James et Joel McHale

Sur la base d’un pitch très basique, Becky cache finalement de véritables atouts. Lulu Wilson (vue dans la série The Haunting of Hill House) incarne Rebecca, dit Becky. Mais c’est surtout la présence de Kevin James (oui c’est bien lui sur l’affiche) qui étonne ici, tant il est à contre emploi. Une manière déjà de nous dire que nous ne sommes pas rendu-es au bout de nos surprises? Attention spoilers!

Becky dit Rebecca

Quand le titre d’un film porte le prénom d’un personnage du film, ce n’est jamais anodin.
C’est déjà une manière de montrer au spectateur quel sera le personnage clef du film (qu’ils soit principal ou pas). Rebecca est la femme d’Isaac dans la bible, elle est l’une des quatre mères. Une mère qui oeuvre pour son fils préféré Jacob, au détriment de son fils aîné. Une personnalité donc contestable et ambigue…

Mon double moi

Et cette caractéristique est démontrée dès l’ouverture du film. Grâce à un montage habile, Becky (Lulu Wilson, vue dans Ouija les origines) est associée au personnage désigné comme le méchant. Un détenu, Dominik (Kevin James) à l’apparence massive, dont la détermination est immédiatement perceptible.
Un montage vient appuyer cette ambiguïté en présentant un lien entre Becky et Dominik. A ce stade, l’ambiguïté est totale, dans le but d’éveiller l’intérêt du public. Les deux personnages sont ils liés? Est ce le symbole d’un duel?

Becky est en plein deuil. Elle a perdu sa mère suite à une maladie. Elle perd également son père, qui refait sa vie, en tentant de l’inclure maladroitement. C’est donc une jeune fille de 13 ans, qui démarre son adolescence avec déjà beaucoup de colère. Elle est filmée d’ailleurs en dehors de la sphère familiale. Et ses seuls repères de confiance sont ses chiens. D’ailleurs à travers la description de la chienne, le père évoque en toute bienveillance et conscience du problème, la personnalité de sa fille.

Par la suite, Becky apparait comme une sorte de double de Dominik. Le montage ne cesse de les lier, notamment dans les moments de tension. Et la caméra se resserre toujours sur Becky à la fin de leurs échanges. Comme si la violence de Dominik la piégeait petit à petit. Les plans sur une araignée qui piège un insecte posé sur sa toile appuient cette sensation.
Plus le temps avance, et plus Becky monte en intensité dans sa brutalité.
Et comment ne pas évoquer le final, où Dominik ne peut qu’admettre la force redoutable de Becky qui le fascine. Tout comme le dernier plan du film qui indique au public de quel côté Becky a basculé.

Ange ou démon?

Becky possède une autre caractéristique renvoyant à une certaine ambiguïté. Alors que l’ensemble des personnages semblent être cadrés par des enjeux clairs, leurs décisions sont constamment soumises à des paradoxes intérieurs.
Becky penche pour coopérer et alors que son adversaire joue la mauvaise carte, elle bascule complètement à l’opposé. Et redouble de violence.
Robert Maillet qui joue l’armoire à glace parait sans concession. Puis montre de la compassion. Mais est convaincu par son patron de continuer. Pour finalement de nouveau changer d’avis en étant confronté à Becky. Et donc à ses actes passés.

Là où le personnage de Becky m’a intriguée, c’est qu’elle n’est pas présentée comme une victime de sa situation familiale. Et la rage qui l’anime dès le début du film ne nous attendri pas, face à un père qu’on devine aimant bien que maladroit.
On a au final du mal à se faire une opinion sur sa capacité à discerner le bien du mal. On sait qu’elle se défend et qu’elle est poussée dans ses retranchements. Et en même temps, elle se permet de commettre des atrocités non nécessaires à sa survie. Mais pour autant, on sait aussi que ses adversaires sont redoutables. Ce n’est pas elle qui vient délivrer sa belle mère et son fils, elle n’apparaitra jamais comme l’héroïne.

A-t-elle toujours porté cette brutalité en elle? Ou les traumatismes sont ils les déclencheurs?

Alors que le ton du film ne semblait pas prendre cette direction, Becky s’avère particulièrement graphique. Même si des scènes sont à mon sens inutiles (la coupure de l’oeil!), la plupart témoignent de la violence qui habite Becky pour les raisons évoquées plus haut.

Une enfant qui ne veut pas grandir

Contrairement à la plupart des films de genre qui ont un personnage féminin principal, il n’est pas question dans Becky d’évoquer le passage à l’âge adulte, à l’émancipation ou encore à l’adolescence. Cela reste évidemment mon interprétation de Becky, mais pour moi, le sujet du film se situe ailleurs.
A savoir, comment une petite fille qui arrive tout juste dans l’adolescence refuse de grandir. Malgré une mise en place des schémas habituels rappelant un classique cheminement d’émancipation, Becky évoque avant tout une plongée totale dans la violence (physique et psychologique) que subit et fait subir une jeune fille qui devraient la forcer à grandir. Mais Becky s’y refuse. Un female gaze inhabituel?

Sang pour sang Becky

Cette métaphore s’illustre notamment à travers les décors. Son champ d’attaque se situe dans le jardin de sa maison de la petite enfance liée à sa mère. Il y a aussi sa cabane qui sert de refuge, de lieu pour élaborer son plan de défense. Elle se servira aussi de ses jeux, babioles, crayons, pour confectionner ses armes (un pistolet à eau peut avoir des ressources!). Elle choisit le jeu de talkie walkie pour communiquer avec les bourreaux.
Alors qu’elle a déjà fait preuve de brutalité pour le moins saignante, elle redevient petite fille quand un des complices s’attaque à son chien.
Enfin, le dernier plan du film la montre mangeant des bonbons.

On retrouve également l’aspect enfantin de Becky dans Dominik. Par exemple, il s’installe avec son otage autour d’un feu de camp, et se met à griller des marshmallow. Il prend également plaisir à « jouer » au chat et à la souris avec Becky. Un vrai comportement enfantin.

Becky s’est perdue

Malheureusement Becky perdra sans doute du public en chemin en raison de ses incohérences. Comme l’écriture de la plupart des personnages. L’armoire à glace au grand coeur qui frise le grotesque. Ou encore le fils de la belle mère de Becky qui non seulement n’apporte rien à l’histoire, mais en plus est plombé par un mauvais jeu d’acteur.

Si on a de l’empathie pour le père de Becky, le personnage et l’interprétation restent fades. De la même manière Amanda Brugel (vue dans La Servante écarlate) peine à convaincre en belle mère qui tente de se faire une place. Difficile de développer donc une véritable empathie.

Becky pourra rebuter par certains aspects mal maitrisés. Mais le traitement du personnage féminin associé à un montage dynamique propose un résultat assez inhabituel qui mérite le détour.
Une pépite d’originalité dans le cinéma de genre.

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A l’image de ma démarche pour les sagas Candyman et Freddy, je commence cet article par une analyse des symboles qui entourent le film. Je vous conseille fortement de voir les films avant d’aller plus loin. Parce que ça spoil sévère.

SOMMAIRE

1-Les symboles

2-Willard de Daniel Mann (1972)

3-Ben de Phil Karlson (1972)

4-Willard de Glen Morgan (2003)

1-Les symboles

Ratatouille

18,6 milliards de rats en 2016. C’est dire si le rat prend de la place. Heureusement pour nous, plutôt dans les bas fond.
Il fait parti des rongeurs les plus détestés. Il est considéré (en parti à tort) responsable de la propagation de la peste noire au XIVème siècle.
Or on sait que si les rats était porteurs de la bactérie (jusqu’à 5 millions sous chaque patte!), la mauvaise hygiène, la mobilité croissante des échanges commerciaux ont joué un rôle déterminant dans cette pandémie. Par ailleurs, c’est aussi parce qu’on avait tué trop de chats noirs par superstition, que les rats ont pu proliféré. Quand le chat n’est pas là, les rats dansent!
Associé à la saleté, à la prolifération, il inquiète par sa capacité à se multiplier rapidement. Par ailleurs, il est aussi utilisé dans des expressions courantes, de manière négative: « fait comme un rat », « les rats quittent le navire », « s’ennuyer comme un rat mort »…
C’est un animal dont on a du mal à estimer la valeur individuelle, ses forces étant représentées à travers la synergie d’un groupe de rats. Il représente la foule.

Rat, animal des bas fonds et égouts, est la parfaite métaphore pour évoquer la population d’en bas. Celle qui est non seulement rejetée, mais invisible. Celle qui parait facilement maitrisable de par sa petite taille, mais qui s’avérera plus puissante grâce à son nombre.

Un animal intelligent

Pourtant, le rat est un animal doué d’une certaine intelligence. Ce n’est pas pour rien que malheureusement il est souvent utilisé pour tester des expériences. Par conséquent, on peut aussi faire un lien avec le fait que le rat représente un enfermement, une privation de liberté.
Dans la religion hindoue, il sert à transporter le dieu Ganesh qui représente la sagesse et l’intelligence.
Il a également servi de nourriture lors de famines.
Souvent, au cinéma, quand des personnages sont coincés, les rats symbolisent leur salut, du moins leur espoir de réussir à sortir vivant.

Le rat est un animal en rondeurs, souvent associés à un élément rassurant. Mais sa queue longue et poreuse accentue un effet de dégoût. Alors que la souris est similaire, elle est souvent mieux reçue, car plus petite. Il peut être de toutes les nuances de brun, noir, blanc. Des couleurs passe partout, qui se marient bien avec une notion de groupe.
Il est aussi difficile de discerner une émotion sur le rat. On ne voit pas de joues, de gueule, seulement des petits yeux sans expression, et parfois même rouges.

Le rat est un animal d’horreur par excellence. On ne compte plus le nombre de films mettant en scène un rat meurtrier: Les rats attaquent de Robert Clouse, La créature du cimetière de Ralph S. Singleton, The Rats de John Lafia ou même l’excellent documentaire horrifique Rats de Morgan Spurlock (réalisateur du documentaire Super Size Me).

Socrate

Socrate est le rat blanc de Willard. Par sa couleur, il est symboliquement mis en opposition avec le rat noir, Ben.
Je ne vous apprend rien, Socrate est un philosophe du Vème siècle avant JC. La particularité de Socrate est d’axer ses réflexions en lien avec une certaine éthique. Notion plutôt adéquate avec la blancheur du rat.

Socrate n’a laissé aucun écrit. On connait sa philosophie à travers Platon. C’était un homme qui conversait avec les habitant-es d’Athènes, qui était un simple citoyen. Cette dernière caractéristique est importante, car on le verra plus loin, mais c’est précisément la situation de Willard. Il est donc naturel que celui ci s’identifie à ce rat, qui plus est, qui représente le bien.

La philosophie de Socrate est connue pour l’idée que le mauvais en soi n’existe pas chez l’Homme. C’est son ignorance qui l’amène à être mauvais. Par conséquent, pour y remédier, il faut apprendre à se connaître. Et à se connaître bien. Ce qui n’est pas le goût de tout le monde. J’imagine que vous avez tous-tes connu la situation où une personne vous met face à vos contradictions. Ou vice versa.

Le procès de Socrate

Mais c’est le procès de Socrate qui reste sans doute le plus dans les mémoires. Accusé de corrompre la jeunesse de certains esprits (et oui déjà!), il sera condamné à mort. Lors de son procès, il démontera brillamment les arguments de ses accusateurs cependant. En pointant notamment le fait qu’il ne peut pas avoir corrompu volontairement les esprits, car ne voulait pas souffrir, il ne va pas commettre le mal sur autrui.
Par ailleurs, même si sa condamnation est injuste, il refusera les offres de fuite de ses amis. Estimant que les lois d’Athènes l’ont élevé et qu’elles sont justes. Ce sont les hommes qui sont injustes. Il devra faire sacrifice de sa vie pour prouver à l’Histoire l’injustice de sa condamnation.

Dans Willard, Socrate meurt, tué à coups de batte par le mauvais patron de Willard. Cet événement marquera également un point de rupture dans la vie de Willard avec ses rats. Une injustice qui ne fera qu’alimenter la haine de Ben, le rat noir. Le rat symbolisant le bien n’était plus là, c’est une fois de plus la force maléfique qui gagnera.

2-Willard de Daniel Mann (1971)

Willard (Bruce Davison) est un jeune homme qui tente de se faire une place dans l’entreprise familiale. Mal dans sa peau, il se prend d’affection pour un rat, puis deux, puis trois, puis…

Daniel Mann était loin d’être un réalisateur débutant quand il a dirigé Willard. Avec plus d’une quinzaine de longs métrages, et une quinzaine qui suivront Willard, avant sa mort en 1991, Daniel Mann a eu une carrière honorable. Sans éclat, il a réussit néanmoins à tourner régulièrement.

Take the power back

L’enjeu principal de Willard est clair. C’est un homme qui cherche à reprendre le contrôle sur sa vie, ses émotions. C’est un sujet que je trouve personnellement passionnant, car nous sommes tous-tes confronté-es à diverses contraintes, qu’elles soit professionnelles ou personnelles. Si les compromis sont nécessaires, à partir de quel moment les contraintes dépassent les limites? Et quelles limites? Sans oublier qu’il n’est pas toujours facile de se rendre compte qu’on nous brime.
Nos sociétés, et notamment le travail, sont basés sur des principes très contraignants: horaires, salaires, conditions de travail, sens de ce que l’on fait…

Tuer la mère

Et l’oppression du travail est au coeur de Willard. Engagé par défaut dans l’entreprise familiale à la mort de son père, il peine à se faire respecter. D’emblée catalogué comme boulet, il est régulièrement humilié par son patron malgré ses efforts. C’est une tragique mais classique manière de développer de l’empathie pour un personnage, très claire pour le-a spectateur-rice.

L’oppression continue dans un univers que l’on ne peut pas choisir en revanche; la famille. Celle de Willard est composée de sa mère, et de quelques ami-es de celle ci. Cette famille ne manque pas d’amour, mais de respect de zone d’intimité. On lui dit quoi faire, quoi dire, quoi penser.
La mère est particulièrement invasive, pratiquant une certaine violence psychologique en le culpabilisant ou le rabaissant. Elle est d’ailleurs toujours filmée comme dominante.
Mais malade, elle est aussi très faible et dépendante de Willard. Cette dépendance, elle tente de la contrebalancer en faisant pression sur son fils.

Le basculement

Au hasard d’une balade dans son jardin (qui a fait office de jardin légèrement onirique rappelant le point de départ d’Alice au pays des merveilles), Willard repère un rat qu’il commence à nourrir. Il en découvre d’autres, et alors qu’il s’apprête à les tuer en les noyant dans un bassin (qui sera donc notre fusil de tchekhov), il découvre son pouvoir de vie et de mort sur ces bêtes, en les épargnant.
Dès lors, il se sent plus fort. Et c’est montré simplement par ces plans en opposition:

La faiblesse de la mère est montrée à travers sa pénible montée de l’escalier grâce à son fauteuil. Plus loin, Willard utilise ce même fauteuil pour monter alors que sa mère l’appelle sans relâche. Non seulement il remplace symboliquement cette mère pour le moins pénible, mais en plus il est devenu détendu et confiant, tenant entre ses mains son rat, Socrate.
Ce pouvoir enivrant de contrôler qu’on exerce fortement sur lui, il en ressent les effets très rapidement. Comme une drogue. Parce que très vite, il développe une armée de rats, dans sa cave. Comme une envie irrépressible d’aller toujours plus loin, et d’accroître son pouvoir à mesure que son groupe de rats grandit.

L’enfer c’est les autres

On ne peut qu’être en empathie avec Willard. Son patron est un type qui prend plaisir à manipuler et rabaisser ses employé-es. On a évidemment sa mère envahissante, mais aussi une amie de celle ci. A la mort de la mère de Willard, cette femme ne cesse de s’immiscer dans la vie de Willard sous prétexte de lui rendre service. Sans tenir compte de ses besoins, elle ne comprendra même pas ses torts quand Willard se montrera plus ferme. L’illustration parfaite de la personne qui parce qu’elle se rend serviable avant même d’avoir été sollicitée, ne se rend pas compte qu’elle ne respecte pas l’autre.
Il faut voir comme le cadrage en contre plongée accentue un effet presque diabolique.

Et à ce propos, je vous conseille d’écouter cet épisode d’Affaires sensibles. Sur un sujet complètement différent (l’infanticide), il est expliqué que dans l’enfance de la mère meurtrière, elle était gavée. Jamais elle n’a pu exprimer ses besoins, ses envies de manger ou pas. Pour avoir la paix, elle était nourrie constamment. Et il est expliqué qu’un enfant à qui on ne donne pas l’opportunité d’exprimer ses besoins, peut créer des névroses.

La domination entre blancs

Willard n’a pas d’ami-es, il est profondément seul et haï. On comprend aisément sa passion pour les rats, animaux rejetés.
Ceci dit, c’est son entourage qui sont mis en scène pour rappeler les rats. Alors que l’enterrement a à peine eu lieu, ils se jettent sur la nourriture.
Par ailleurs, au début, quand ils accueillent Willard pour son anniversaire, ils se pressent autour de lui. Leurs têtes occupent le devant de la caméra.

Enfin, la notion de domination de l’autre passe par le personnage du patron. Evidemment à travers les diverses humiliations et rabaissements. Mais aussi à travers le fait que le patron se doit d’être respecté et admiré pour garder son pouvoir. Ainsi, le rapport de domination vacille quand la fête du patron est gâchée par les rats. A son tour, il est l’objet de moqueries. Son statut se modifie.
Il ne remontera dans l’estime sociale que quand il fera preuve de force physique en tuant Socrate. Une manière de montrer que la domination ne va pas forcément de paire avec le statut. Et qu’il faut régulièrement s’imposer pour conserver son pouvoir.

Le créateur dépassé par la créature

Il est inévitable de rapprocher Willard avec l’histoire de Frankenstein créé par Mary Shelley.

Tout d’abord parce que c’est Willard qui donne véritablement vie et pouvoir aux rats, et en particulier à Ben. Tout comme Victor Frankenstein, Willard utilise les rats à ses fins personnelles, pour se revaloriser.
Sans se soucier des conséquences, ni de la manière dont cette situation peut durer dans le temps, il est concentré sur ce que les rats lui apportent sur l’instant. Comme Frankenstein, qui se dépasse pour réussir à donner vie à la créature.
Et tout comme le héros de Mary Shelley, il pense avoir un réel contrôle sur sa création. A plusieurs reprises, on le voit interagir avec ses rats, les informant de règles de vie à suivre. Tout comme Victor, qui pense avoir le dessus sur son monstre, quand celui ci montre sa dangerosité.
De plus, les rats et la créature sont considérés comme répugnants.
Enfin, la rébellion des rats contre Willard est évidemment similaire à celle de la créature envers Frankenstein. Les deux bêtes sont blessées de la trahison de leurs créateurs. Et cherchent à se venger.

Frankenstein sur la planète des singes

Mais l’analogie peut aussi se poursuivre concernant la situation de classe de Willard. Je vous invite à lire mon article sur une conférences donnée aux Utopiales, à propos du lien entre le livre de Shelley et Marx. Pour faire court, Frankenstein renvoie au corps du travailleur qu’on utilise.
Comme nous l’avons vu précédemment, Willard est en bas de l’échelle. Il est en plus méprisé et humilié. Il est clairement vu comme un objet à utiliser par son patron. Que ça soit concernant son travail, mais aussi en lui arrachant sa maison, par intérêt immobilier.

On peut également faire un parallèle entre Willard et La Planète des Singes. Cette manière d’utiliser les animaux (les rats et les singes étant intelligents), pour servir ses intérêts, et sans se soucier véritablement d’eux est un thème en commun entre les deux films. Tout comme leur soulèvement.
Une manière de montrer aussi que l’Homme, en voulant tout s’approprier et tout contrôler, finit par le payer.
Ce rapprochement se fera d’autant plus dans la suite de Willard, Ben.

Créateurs face à leurs créatures…Encore une belle illustration de l’Homme qui se prend pour Dieu.

Un beau personnage féminin

Mais mon coup de coeur pour Willard est aussi dû à ce personnage féminin bien écrit. Pas assez important, mais très positif, surtout pour l’époque.

Joan (Sondra Locke), est la collègue embauchée en renfort pour aider Willard. Willard étant vu comme un incapable par son patron, Joan, est embauchée temporairement en renfort pour aider Willard. C’est un personnage en position de force par rapport à lui: elle n’a pas d’attaches à l’entreprise, et elle sait qu’elle est là car Willard est considéré comme incompétent. Celui ci occupe la place la plus déconsidérée dans l’entreprise. Il est mal payé, moqué, humilié, écarté des festivités de l’entreprise…Joan a donc forcément une image de looser de Willard. Et pourtant elle fait preuve constamment de bienveillance. Même si c’est une caractéristique habituellement attribuée aux femmes, ici ça ne fait pas d’elle une nunuche pour autant. On sent qu’elle est touchée par Willard, sans aller jusqu’à l’infantilisation. Elle est la seule qui l’écoute, l’encourage et surtout lui fait prendre conscience qu’il n’est pas traité correctement.
Ce personnage de femme est attirée par le looser de l’histoire, non par pitié, mais par réelle considération de sa personne.

Un vrai soutien

Elle est aussi le symbole d’un basculement de Willard en lui offrant un chat. C’est la prise de conscience que sa situation au milieu des rats n’est pas tenable. Et son comportement bienveillant envers lui, ne peut que l’encourager à aller de l’avant et à envisager des relations humaines saines.
Par ailleurs, elle fait preuve d’éthique, en tenant tête sans éclat mais fermement, au patron qui tente de la liguer contre Willard.
Sa distinction par rapport à l’entourage de Willard se traduit aussi par ses vêtements. Elle est toujours habillée non seulement avec des vêtements à motif renvoyant à une jovialité, mais ils sont surtout en opposition avec ceux de l’entourage de Willard, qui sont eux, unis.
Elle est également blonde, et c’est souvent une couleur de cheveux associée à la pureté au cinéma.

Willard s’avère être un très bon thriller horrifique, qui prend son propos au sérieux. Notamment au travers du traitement des rats, qui sont filmés tel quels, sans artifices. Une belle peinture d’une comédie humaine.

3-Ben de Phil Karlson (1972)

Ben, le leader des rats, et sa meute terrorisent la ville. Ils sont recherchés par la police. Parrallèlement il fait la rencontre avec un petit garçon David, se lie d’amitié avec Ben.

A peine les résultats du box office sont connus, que la suite est dans les tuyaux. Les producteurs ont besoin de sortir Ben rapidement. Il faut donc un réalisateur efficace, à l’heure, et connu pour ne pas dépasser le budget. C’est le cas de Phil Karlson qui réalise plutôt des westerns, ou des films de gangsters. Il co réalise également Roger Corman, producteur qu’on ne présente plus, connu pour boucler des films à petits budgets.
Ben est plutôt un film de commande pour Phil Karlson. Il est écrit par le même scénariste que Willard.

David au pays des rats

Le point commun entre David, le petit garçon, et Willard est leur isolement et leur sentiment de solitude. Mais je dirais que la comparaison s’arrête là.
David est un enfant, il a donc une véritable part de naïveté qui est la bienvenue (contrairement à Willard qui est handicapante). Par ailleurs, il est gravement malade. Atteint d’un problème au coeur, il doit faire attention à ne pas trop s’agiter. Compliqué pour un enfant. Il a également perdu son père récemment. Et l’amour de sa mère et de sa grande soeur ne suffisent pas à son épanouissement.
C’est dans ce contexte, qu’il voit en Ben, un compagnon idéal.

Viens jouer avec moi

La mise en scène de la rencontre est très astucieuse. On voit David, qui joue aux marionnettes laissées par son père. En un plan, on nous montre la solitude que ressent le petit garçon. Mais on peut aussi y voir la notion de manipulation et de contrôle grâce à la marionnette. Et le plan d’après, on voit Ben arriver, en premier plan, qui nous semble deux fois plus gros que David. On sait ainsi, qui va véritablement prendre le contrôle.

Si Ben est venu sauver David de la solitude, celui ci viendra à son tour sauver le rat d’une mort certaine. Le petit garçon se savant en danger, tente également de protéger son ami. C’est en fait lui même qui tente de se battre contre la fatalité.

Par ailleurs c’est un personnage de petit garçon assez inhabituel au cinéma. Bien sûr, pour les besoins de l’intrigue il est normal qu’il soit marginalisé. Mais des détails ne font qu’apporter épaisseur au personnage.
Par exemple il chante et joue divinement bien du piano. Il fait preuve de maturité en étant capable d’entendre des vérités brutales sa possible mort.

Distinguer le bien et le mal

Il est aussi très lié avec sa mère et surtout sa soeur. Celle ci lui tient un discours particulièrement honnête sur le fait que la maladie de David peut le tuer. Cette relation basée sur la pure vérité entre entre eux, procure un vrai dilemme à David. Comment peut il continuer de mentir alors que dès qu’il dévoilera la présence de Ben, il en sera privé?
De plus, il ment régulièrement pour protéger son rat. Tout en étant conscient de l’abus de Ben, qui fait peur à une partie de Los Angeles.
A mon sens, David fait aussi là, l’apprentissage du bien et du mal.
C’est par ailleurs, symbolisé par le fait qu’il se plonge dans l’univers des rats, comme Alice au pays des merveilles. A travers un tunnel, il cherche à comprendre comment ses amis vivent. Tout comme à la fin, lorsqu’il se surpasse en venant aider Ben.

Des rats pas si diaboliques

Le traitement à l’image des rats est particulièrement réussi. Bien mieux que dans Willard à mon sens. Il faut noter qu’il faut être particulièrement habile de montrer des rats agressifs, mais d’en faire un compagnon de jeu mignon.
Phil Karlson parvient à montrer Ben comme véritable chef, avec des gros plans, et des contre plongées. Mais c’est surtout qu’il capte une certaine noirceur dans son regard. On a vraiment le sentiment qu’on va se faire attaquer.
Le reste des rats sont filmés uniquement de manière à montrer une meute. Toute la concentration est portée sur Ben.
Et le lien entre David et Ben permet au spectateur d’être en empathie avec les personnages. On sait que cette curieuse amitié est bénéfique pour David, malgré les actes de terreur de Ben. Par ailleurs, Ben possède de belles scènes qui illustrent ce lien amical, comme la chanson de David qu’il utilise en manipulant une marionnette à l’effigie de Ben.

Le rat philanthrope

Ben s’avère être un personnage plus complexe que dans beaucoup de films d’horreur. Il tue quand il se sent menacé: par Willard, le policier. Il est responsable de sa meute et il faut la nourrir, donc les rats vont dévaliser un supermarché. Au passage, on peut voir cette séquence comme le saccage de grande consommation, par un symbole underground et sale, les rats. C’est appuyé par la réplique d’un journaliste qui répond « On dira que c’est une action écolo » quand un des flics demandent ce qu’on pourra en dire. Une des scènes les plus impressionnantes du film.
Enfin, Ben attaque aussi les personnages qui s’en prennent à son ami. Bref, en vrai, il est loin d’être un être diabolique. Il cherche juste sa place. Comme David, comme tout le monde.

Mais même si cette violence est modérée, on voit à quel point cette marginalité peut poser problème.

Los Angeles infesté

Entre toutes les scènes avec David, on assiste à la terreur répandue par les rats. Ils touchent des lieux emblématiques d’une ville: les hôpitaux, les supermarchés. Mais aussi des lieux spécialisés qui s’adressent à une clientèle plus haut de gamme: une belle fromagerie, et un spa.
Ces lieux ne sont pas choisis au hasard, ils renvoient au fait que les rats, créatures d’en bas, veulent viser plus haut. Du bon fromage de qualité, par exemple. Ou reprendre une certaine forme de pouvoir sur des dominants se croyant à l’abri.

Par ailleurs, Ben insiste fortement sur l’attraction de la population pour le fait divers. Il y a plusieurs plans généraux montrant la foule (qui fait aussi référence à la meute des rats). Mais on peut aussi noter un détail sur chaque visage par la suite. L’idée est de montrer que c’est le comportement individuel qui finit par former un comportement de groupe.
On constate également leur passivité extrême face à l’horreur de meurtres ou de saccages. On les sent comme hypnotisés face à quelque chose qui devrait les révolter ou les faire fuir.

A feu et à rats

Même s’il a un peu vieilli, le final avec la tentative d’exterminer les rats dans les égouts est prenante. On a bien assimilé l’intelligence et la capacité des rats à se défendre, alors on se demande bien comment l’affrontement va se dérouler. Cette fin fait directement référence au film Les monstres attaquent la ville (1954) de Gordon Douglas. Dans ce dernier, ce sont des fourmis géantes qui sont détruites au lance flamme à Los Angeles également.

Ben s’avère être une suite très pertinente car elle utilise des sujets similaires à Willard, tout en renouvelant son traitement. Même si le film dépasse un peu plus de quoi rembourser le film, les recettes s’avèrent décevantes et le troisième opus est annulé.

Détails amusants: le rat incarnant Ben a été récompensé deux fois de l’équivalent des Oscars des animaux, les PATSY awards. Et la chanson originale du film est interprétée par…Mickaël Jackson.

4-Willard de Glen Morgan (2003)

Willard (Crispin Glover) est un homme taciturne et isolé avec sa mère dans la grande maison familiale. Il se lie d’amitié avec un rat blanc, Socrate, et s’entoure de rats pour tenter de prendre sa revanche face à cette société qui le méprise.

Je vous avouerai que j’étais moyennement emballée devant ce remake du premier opus. Et même s’il s’avère moins percutant, il n’est pas dénué de qualités.

Le duel Ben/Willard

Willard a l’intelligence de se démarquer sur un point principal: la relation du personnage avec Ben, le rat noir. D’emblée, on comprend que Ben est et sera toujours le vrai chef. Et surtout, à aucun moment Willard n’a de sympathie pour lui. Contrairement au film original, où la relation se dégrade petit à petit. Le film est donc centré sur le duel permanent entre Willard et Ben.
Le premier problème c’est que ça en fait un film très prévisible. Malgré les quelques tentatives de Willard de faire barrage à Ben, on sait que le rat prendra le dessus. Et nous montrant Ben qui désobéit dès les premières minutes du film, le cadre est posé. Il aurait été plus pertinent de se pencher sur les raisons du rat à se comporter ainsi . Pourquoi et comment se distingue t il de Socrate, qui s’avère être un ami protecteur de Willard.

Le deuxième problème c’est que ça empêche le film de déployer le processus de marginalisation de Willard. Finalement, il y a peu de scènes avec le patron de Willard. Et globalement Willard est même filmé majoritairement chez lui, coupé du monde extérieur.
A tel point que les personnages secondaires sont tellement négligés qu’ils en deviennent insignifiants, voire gênants. Comme le patron, et surtout Cathryn incarnée par Laura Harring, qui incarne la collègue sympa. Un personnage féminin qui n’a aucun intérêt.

La mise en scène et le scénario s’appliquent à mettre en lumière le poids de la famille, qui ont fait de lui un marginal. Plus que le monde extérieur.

Le pingouin au pays des rats

A mon sens, Willard a beaucoup de points communs avec le pingouin dans Batman le défi de Tim Burton.
Ainsi on peut remarquer que Willard est:

• considéré comme répugnant,
• se lie d’amitié avec des bêtes du bas fond,
• a une attitude corporelle assez proche,
• n’est pas aimé par sa famille. Sa mère va jusqu’à lui faire perdre son identité en l’appelant par un autre prénom car elle juge celui de Willard comme laid,
• vient d’une famille riche mais finit pauvre.

Par ailleurs, en termes visuel, le générique m’a fortement fait pensé à l’univers de Tim Burton. Cette typo gothique, ces cadres étranges, et tous ces élément sortis d’un rêve qui penche vers le cauchemar.

Par conséquent, à mon sens, il est davantage en quête d’amour, que de pouvoir, contrairement au film original.
On voit qu’il est très attaché à Socrate, la relation avec le rat blanc est plus significative. Le rat le sauve de sa tentative de suicide par exemple.

Le poids de la famille

Au contraire, Ben est associé à l’héritage financier et entreprenarial perdus du père, au poids de la famille. Willard a peur d’avancer, de faire face à cette catastrophe qu’il ne peut pas éviter. Cette famille qui l’empêche d’avancer et d’être lui même. La mise en scène le dit clairement en liant Ben au portrait du père.

Par ailleurs, contrairement au premier film où la mère est dépeinte comme envahissante et dominante, ici elle fait peur. C’est presque le fantôme qui hante la maison. La mise en scène le traduit avec des séquences de dialogue avec Willard où on la voit pas. On entend juste sa voix inquiétante.
Et la scène où elle crache du sang en vociférant n’est pas sans rappeler L’Exorciste.

Fait comme un rat

Cette peur s’exprime aussi à travers le fait que Willard est enfermé dans cet héritage, dans son travail. Toute la mise en scène est basée sur cette notion d’enfermement, beaucoup plus que sur marginalisation. Et ce de manière différente. On le classique du grillage sous toutes ses formes:

Mais la notion de piège se traduit aussi par les décors. L’entreprise ressemble à une prison. Sa chambre est quadrillée. Les plans du dessus dans sa maison donne l’impression qu’il est dominé.
Sans compter qu’il termine par être véritable enfermé, en asile.

Cette peur de tout, lié à l’enfermement, traduit un besoin d’appeler à l’aide. Et cette aide se traduit à travers sa tentative de suicide devant Socrate, les 911 que l’on voit régulièrement dans le film. Aussi bien sûr via le final, qui apporte une note d’espoir pour Willard, avec ce rat blanc qui vient lui rendre visite dans sa chambre.

Dommage que le personnage manque de cohérences. Sa rencontre et surtout sa maitrise des rats apparait soudainement, sans un quelconque lien. On ne comprend pas non plus pourquoi il veut tuer tous les rats après avoir attaqué son patron. Il n’a aucune raison de s’en prendre à eux. Ici le personnage féminin ne peut pas être une raison.

Les rats contre attaquent

Mais Willard se distingue surtout par ses séquences emblématiques de la masse de rats qui attaquent. Je pense à la scène de l’ascenseur (avec ce débordement de rats qui fait penser à la vague de sang dans Shining). Mais surtout à celle avec le chat qui tente désespérément d’échapper à la horde de rats. Une très belle séquence.
Par ailleurs, le film montre les toilettes comme conduit pour les rats. Et le documentaire Rats nous prouve que c’est une porte d’entrée pour les rats pour s’introduire dans les maisons.

Willard est un remake qui apporte une dimension nouvelle au personnage mais qui pêche par la négligence de ses personnages secondaires. Cela ne fait que renforcer les incohérences qui traversent le film. Et l’empêche d’être aussi percutant que l’original. Mais c’est un thriller efficace, à découvrir.

Une saga tristement méconnue

Si Willard ne marquera pas par sa dimension horrifique, les thèmes abordés sont divers et passionnants: rapports de domination entre blancs, isolement, poids familial. En cela, les films se distinguent nettement malgré une intrigue similaire. Il est dommage qu’elle ne soit pas plus évoquée et restée dans les mémoires.
Et vous? Aimez vous cette saga?

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1-Les symboles

2-Willard de Daniel Mann (1972)

3-Ben de Phil Karlson (1972)

4-Willard de Glen Morgan (2003)

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