J’analyse donc je spoil. Vous êtes prévenu-es!

Une jeune femme se retrouve piégée dans un système ingénieux, qui l’oblige à avancer et avancer si elle veut rester en vie.

Il faut commencer par préciser que si Méandre et Hostile se ressemblent, c’est aussi parce que Mathieu Turi avait écrit plusieurs scénarios de huis clos. Il l’explique dans l’échange que j’ai pu avoir avec lui.
Par ailleurs, le format huis clos demande peu de décors, des effets concentrés sur une scénographie. C’est donc un format adapté pour des petits budgets. Le cinéma de genre français dépasse rarement les 2 millions d’euros. Hostile s’en est tiré avec 1 million, quand Méandre a bénéficié de 2,3 millions d’euros.
La nécessité de faire preuve de créativité n’en est que redoublée (même s’il ne faut pas se servir de cet argument pour ne pas augmenter les budgets des films de genre français).

Les épreuves qu’affrontent Juliette et Lisa sont liées à leur passé, mais ne s’articulent pas de la même manière.

Les titres Méandre et Hostile donnent déjà le ton des films. Si les 2 titres renvoient à un imaginaire plutôt sombre, avec Hostile, on sait qu’on est face à une menace vive, qui met en doute une survie. En revanche, Méandre met l’accent sur une chemin tortueux, complexe, qui laisse davantage en suspens l’aboutissement de cette quête.

Vous l’avez constaté, les 2 films mettent en scène un personnage féminin, qui s’approche de la représentation de la femme forte et badass plus ou moins classique. Je nuancerai tout de même cette remarque, car dans les 2 films il n’en jamais question de montrer ces femmes comme particulièrement agressives, courageuses ou douée d’une grande force. Juliette et Lisa font plutôt face à l’adversité, du mieux qu’elles peuvent, avec les moyens qu’elles ont.
D’ailleurs, elles ne sont presque pas armées. Juliette n’a qu’un pistolet très sommaire, qui lui servira finalement assez peu, et Lisa n’a rien.

Par ailleurs, elles ont 3 points communs:

• La solitude, au propre comme au figuré,
• L’amour. Dans Hostile, il est question de sentiments amoureux, quand Méandre évoque l’amour maternel,
• La perte d’un enfant.

Il est intéressant de noter que la solitude et l’amour sont des thématiques reliées dans les 2 films. Alors que l’amour (quel qu’il soit) a besoin d’autrui pour exister, il peut aussi marquer une grande solitude. En cas de manque, ou au contraire, dans une certaine fusion des êtres, qui forme une bulle.

Quand on fait la connaissance de Juliette dans Hostile, elle est donc seule, et son unique contact avec d’autres personnes, se fera à travers un talkie. Une voix déshumanisée et déshumanisante qui sera sa seule lueur d’espoir tout au long de sa lutte, ce qui renforce l’aridité de ce monde post apocalyptique.

Dans Méandre, la solitude de Lisa est davantage psychologique. En effet, alors qu’elle a un comportement suicidaire, elle trouve rapidement une main, en apparence tendue. On apprend rapidement qu’elle a perdu sa fille, ce qui nous amène à comprendre instantanément à quel point elle peut se sentir seule.
Toujours en parlant de solitude, il faut noter qu’il n’y a pas de termes pour désigner des parents qui ont perdu leur enfant. Nous avons les mots veufs, orphelins, mais pas de mot à poser sur ce statut.

Les épreuves qu’affrontent Juliette et Lisa sont liées à leur passé, mais ne s’articulent pas de la même manière.

Dans Hostile, on prend connaissance au fur et à mesure de la vie de Juliette, avant l’apocalypse. A noter que, si on peut voir dans Hostile, une inspiration de The Last Of Us, j’ai aussi pensé à Metroid les 1ères minutes du film, où l’identité de Juliette n’est pas de suite révélée.

A travers des séquences de flash back trop présentes, (et surtout parfois trop explicites), on apprend qu’elle était toxicomane. Elle rencontre Jack qui sera autant une bouée de sauvetage, qu’une nouvelle toxicité pour elle.
L’enfermement qui pèse sur Juliette est déjà perceptible dans sa vie d’avant. Elle est très souvent cadrée dans un espace clos, qui se referme sur elle: l’ascenseur, la fenêtre de sa maison dorée…Et Jack va la séquestrer pour la sevrer.
Son couple est même enfermé dans le cadre d’une photo.

On peut noter également que la 1ère rencontre de Jack et Juliette se font à travers une peinture, de nouveau dans un cadre réduit. Avec son arrogance, Jack veut instruire Juliette, et lui parle de l’artiste Francis Bacon, qui sublime le laid à travers ses superbes oeuvres tourmentées.

En un plan, on retrouve la notion d’enfermement avec le cadre. C’est une référence évidente à la future condition de Jack, qui deviendra cette créature, dans le monde post apocalyptique. Ce portrait est situé entre eux, et à mon sens, il a une double représentation.
Le tableau de cette monstruosité, prend place dans une belle salle d’exposition, renvoyant à l’allure actuelle de Jack (dissimulant encore à ce moment là son comportement toxique).
Mais ce monstre représente évidemment la condition future de Jack, qui sera une réelle menace pour Juliette.

On peut également noter que Francis Bacon s’est inspiré des conséquences de la Seconde Guerre pour créer ses peintures, élément qui fait écho avec la catastrophe qui va frapper la société dans Hostile.

Obsédé par son désir de la sauver, le compagnon de Juliette en deviendra bien trop intrusif…à l’image de la créature qui tente de pénétrer dans le camion, pour tuer Juliette.
Cette créature dangereuse et monstrueuse, représente bien la menace qui pèse sur une personne quand on pense et décide à sa place.
Encore une fois, Jack est déjà montré dans la vie d’avant, comme une menace. Il est cadré comme une ombre qui se fond sur Juliette.

Les conséquences de cette toxicité sont traduites par le début et la fin du film qui se répondent.
Tout d’abord, il faut noter que l’accident de Juliette dans le monde post apocalyptique, est causé par la photo de son couple qui s’envole. Elle tente de la rattraper, et son véhicule fait une sortie de route.
Et le dernier plan du film, est cette photo qui était au sol, qui s’envole de nouveau, mais cette fois personne tente de la rattraper. Et la caméra ne la suit pas non plus. (Cela me rappelle le plan final de Forrest Gump où c’est une plume qui s’envole, avec la caméra qui la suit, signe évident d’un optimisme et d’un nouveau départ).

De plus, au tout début d’Hostile, on voit la photo du couple, avec Juliette qui pose son arme dessus.
Et le dénouement final qui est tragique, rappelle cette arme.

Tout l’enjeu d’Hostile est là; Juliette ne fait qu’essayer de sortir de sa vie, une personne qui porte atteinte à sa liberté. C’est uniquement quand elle reprend sa liberté à la fin, qu’elle accepte le contact avec la créature.
Cette scène finale est par ailleurs très touchante. Une revisite de la Belle et la Bête, la poussière et le tourment en plus.

Dans Méandre, Lisa tente de sortir de l’enfer de son deuil. Tout au long du périple, elle est constamment poussée à avancer dans une direction décidée pour elle. Elle n’a pas besoin de réfléchir, son attention est concentrée dans le fait de trouver la solution pour survivre à l’épreuve.
C’est finalement un comportement qu’on l’on retrouve souvent chez une personne endeuillée. Le corps et l’esprit se mettent en pilotage automatique, en évitant de réfléchir, ce qui amènerait à l’effondrement.
Mais c’est en étant forcée d’avancer, que Lisa va prendre goût à maitriser ses actions par la suite. Psychologiquement parlant, en acceptant de laisser partir sa fille, ou physiquement, en se focalisant sur une logique pour enfin sortir de ce labyrinthe.

Lisa est davantage dans ancrée dans une dépression, et ne trouve pas d’issue. Elle est coincée entre une pulsion de vie (dans ce cas on est uniquement dans l’idée d’une auto conservation) et de mort. La dualité de ces concepts aboutira à la mise à l’épreuve de Lisa.
A mon sens, cette instabilité se traduit également par la teinte bleutée qui traverse quasiment tout le film.
Le bleu est régulièrement associé au rêve, et force est de constater que cette notion traverse 3 séquences du film:

• Au moment où Lisa est plongée dans ses souvenirs d’enfance, et avec Nina,
• Quand elle rencontre littéralement Nina qui force Lisa a faire un choix de vie,
• Le final (bien trop biblique et fermé à mon goût) qui place Lisa dans un jardin d’Eden, ou en tous cas, un lieu merveilleux, avec Nina.

Cette opposition passe aussi par le fait qu’on ne connait rien de Lisa. On ne sait pas quelle femme, mère elle a été avant d’être emprisonnée.
L’idée dans Méandre n’est pas de comprendre une trajectoire de personnage, mais plutôt de nous demander, quelle attitude peut-on avoir face à une personne inconnue dont on sait rien, qui gère un tel traumatisme?

A noter que le traitement de la mère endeuillée diffère dans les 2 films. Dans Méandre, c’est la douleur d’une mère qui ne se remettra jamais de la perte de sa petite fille Nina, mais qui lutte pour vivre avec.
Tandis que dans Hostile, on ne connaît rien de l’identité du bébé. On ne le verra jamais. Ainsi, pour Juliette cela marque pour elle, la confirmation de sa médiocrité, et de son incapacité à vivre une vie normale et heureuse. Et évidemment, le lien qui se brisera avec Jack.

Ainsi, Juliette et Lisa cherchent leur liberté, de manière diamétralement opposée. Ce sont des personnages féminins relativement classiques dans leur arc narratif. Mais il faut noter qu’elles ne basculent jamais dans un trait grossier de victime de sexisme, ou au contraire dans une femme guerrière indestructible.
Ainsi, si Hostile et Méandre manquent de finesse dans la construction de leurs émotions, la représentation de ces personnages féminins est une petite bouffée d’air frais.

Méandre et Hostile sont l’illustration que le huis peut raconter des histoires très différentes, malgré des points communs. Avec des structures narratives propres, et des univers visuels marqués et soignés, Mathieu Turi parvient à réaliser des films efficaces sur la forme, et touchants sur le fond. Et ce côté naïf n’est pas pour me déplaire (même si on peut regretter un manque de subtilité), car on sent une réelle sincérité dans la démarche.

L’article [Analyse croisée] Méandre et Hostile en huis clos est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

N’hésitez pas à lire les vidéos qui complètent l’interview écrit! Je n’ai pas mis toutes les capsules vidéo, vous pouvez aller voir encore d’autres extraits de l’entretien avec Mathieu Turi, sur la chaîne YouTube.

Hostile et Méandre, 2 huis clos par Mathieu Turi

Hostile et Méandre sont 2 huis clos très différents. J’ai entendu dire que c’était parce que tu avais écrits plusieurs scénarios avec un huis clos. Pourquoi cette attirance pour le huis clos?

En effet, j’ai écrit, à l’époque d’Hostile, deux autres scripts qui sont plus ou moins des huis-clos.
L’idée, c’était d’abord de faire du genre tout en restant réaliste sur le budget que je pourrais éventuellement obtenir pour un premier film. Donc, logiquement, le huis-clos permet de rester dans un certain cadre financier.
Mais ensuite, ça force à developper des idées, de la mise en scène, etc… J’ai toujours pensé que les limites sont, en tant que créateur, une partie de ce qui fait qu’on cherche à se dépasser. C’est ce que j’ai fait avec Hostile puis Méandre.
Ayant développé ces trois projets en même temps, l’idée étant d’avoir trois « cartouches » pour réussir à faire un premier film, j’ai naturellement retrouvé ces thématiques de l’amour et de l’amour maternel, dans les trois scripts. Mais de façon plus générale, je trouvais intéressant de mêler l’amour et la perte dans un contexte de film de genre fantastique.
Que ce soit dans Hostile, ou dans Méandre, ce mélange me permet d’aller dans des directions un peu plus inattendues, et de raconter quelque chose sur les personnages de Juliette ou de Lisa. 

Dans Hostile il est question d’une femme qui tente de se protéger d’une intrusion (au propre comme au figuré) et dans Méandre il est question au contraire d’une femme qui a la volonté de s’en sortir. Le corps est donc un outil de libération?

Le corps oui, mais pas seulement. Dans les deux films, il y a à chaque fois un parallèle entre le corps et l’esprit. Dans Hostile, Juliette lutte contre une intrusion (Jack dans le passé, la créature dans le présent), mais la construction du film est basée sur ses souvenirs, donc son combat est aussi celui de ses expériences passées, et de ce qu’elle en retient.

Puis, dans Méandre, je voulais qu’on dépasse assez vite les épreuves physiques pour passer à des épreuves plus psychologiques, sur les étapes du deuil et sur l’acceptation de la perte. Je dirais donc que le corps est un outil de libération, mais pour magner cet outil, il faut utiliser son esprit.

On a beaucoup comparé Méandre à Cube, alors que personnellement je ferai plus le lien avec Buried, et la scène avec Bishop dans le conduit, dans Aliens qui reflètent aussi une solitude (tout comme dans Hostile). Pourquoi filmer des personnages seuls, (sans compter que le peu d’interactions qu’ils ont avec autrui, s’avèrent plutôt néfastes?)

Effectivement, si on doit comparer au niveau du concept narratif, on est vraiment sur la solitude d’un personnage qui se retrouve confronté à lui même. Cette idée m’intéressait, car je voulais traiter de personnages qui touchent le fond, et se relèvent seuls. C’est à la fois une thématique qui permet à tout le monde de s’identifier, tout en créant des personnages qui se découvrent, et qu’on apprend à connaître au cours de l’action. 

Les personnages féminins écrits par Mathieu Turi

Que ça soit Hostile ou Meandre, il n’y pas ce qu’on peut entendre par du mâle gaze, ce regard masculin qui objectifie et sexualise les personnages féminins.
Est ce que quand tu films tes actrices tu fais attention à éviter ça? Ou est-ce que c’est quelque chose qui te vient naturellement?

Un peu des deux, car Hostile et Méandre ont été écrit avant MeToo, mais Méandre a été tourné après ce changement, oh combien important, dans nos vies.
Sur Hostile, l’idée était de montrer que Jack est trop intrusif, il essaie de contrôler Juliette, en pensant le faire pour son bien. Le syndrome du Prince Charmant en quelque sorte… Il ne le fait pas consciemment, mais en voulant la protéger, il en fait parfois trop.
Puis, dans Méandre, je voulais à tout prix éviter le costume ultra sexy, décolleté et se déchirant totalement. Là, ça aurait été du pur mâle gaze, ce qui aurait été à l’inverse à la fois de mes convictions et de ce que je veux raconter. C’était très important pour moi, et pour Gaïa également. Lors de notre rencontre, sa première question fut d’ailleurs sur ma vision du costume, qui était peu décrit au script. Et quand elle a vu ce que je voulais faire, elle a tout de suite compris mon point de vue sur le sujet. Nous ne sommes pas là pour mater une jolie nana souffrir, mais pour vivre avec elle une expérience physique et mentale. 

Les personnages féminins sont beaucoup plus présents dans le cinéma de genre qu’ailleurs pour le pire et pour le meilleur. Que penses tu du débat qui arrive en France sur le mâle et female gaze? Penses-tu que ça peut amener à du politiquement correct ou de l’auto censure?

C’est un sujet à la fois très complexe, mais également très intéressant. Tout ce qui se passe depuis #MeToo est évidemment positif. Il était temps, d’ailleurs.
Les conséquences de tout ça, c’est une remise en question totale de notre façon de voir la représentation des sexes, les inégalités et les problèmes de notre société sur le sujet.
Alors, logiquement, il y a certains débats qui peuvent sembler tomber dans du politiquement correct ou de l’auto-censure, mais je pense que c’est une période de positionnement et de recherche qui implique forcément de toucher les limites.
On doit pouvoir parler de tout, débattre et surtout décider de ce que l’on ne veut plus voir dans notre société actuelle.

Quel directeur d’actrices es-tu? Comment travailles tu avec elles?

Je suis toujours dans le partage et la création commune. Généralement, je préviens très en amont les comédiennes que j’attends d’elles, un échange sur le personnage.
On réécrit souvent des dialogues jusque sur le plateau, on évolue, on façonne ensemble.
Pour moi, quand j’écris, ce sont mes personnages, mais quand une comédienne prend le relais, elle ne fait pas qu’interpréter le rôle, elle le possède, le façonne et le change.
C’est cette transformation qui donne, selon moi, quelque chose d’organique et de puissant.
Puis, sur le plateau, j’aime conserver une certaine intimité. Je ne reste pas assis au combo, je suis généralement au plus proche. Sur Méandre, j’étais souvent juste à côté du tube. Ça permet d’échanger aussi de façon discrète sur ce qui va, ce qui ne va pas, et où je veux aller. La direction d’acteur a toujours été pour moi quelque chose de très intime.

Tes films sont sombres (Hostile avec sa créature terrifiante, et Méandre pour son aspect survival très claustro), mais les enjeux s’inscrivent dans un registre romantique, qui apporte une touche de naïveté attendrissante. Pourquoi cette approche? Est ce une manière de rendre plus accessible tes films en apportant du positif?

Je pense que ça vient de mes influences parfois très différentes.
Par exemple, le premier film que j’ai vu est The Thing de Carpenter. J’avais 6 ans, j’étais caché derrière le canapé de mes parents, et j’ai été marqué à vie. J’ai très vite vu Alien, Predator, Robocop, Terminator…
Mais mon film préféré, et celui qui m’a donné envie de faire du cinéma, c’est Braveheart de Mel Gibson.
Je considère Titanic comme l’un des plus grands films de tous les temps.
C’est pourquoi je place au panthéon de mes influences quelqu’un comme M. Night Shyamalan, qui sait si bien mélanger l’intime avec le fantastique. Pour moi, Sixième Sens, Incassable, Signes et Le Village sont de purs chef d’oeuvres, qui mixent ce que j’aime au cinéma. L’intime de l’être humain, confronté à du fantastique. A mon modeste niveau, je tente de faire ce mélange, et ce n’est pas toujours simple.

Dans Méandre, je vois beaucoup de références à Aliens. Bishop comme je disais plus haut, mais aussi le rapport mère/fille, le bracelet qui aide à la résolution finale, l’acide…En tant que fan d’Aliens, je vois ce que j’ai envie de voir ou il y a un lien?

La scène de Bishop dans le conduit est la première inspiration de Méandre. J’ai toujours été terrifié par cette scène alors qu’il ne s’y passe rien. Mais le fait que Bishop ne puisse pas se redresser ni se retourner me glaçait le sang. Et je suis un fan ULTIME de la saga. Pour moi, le xénomorphe est LE méchant ultime de cinéma.

À la fois créature aux sous-texte sexuel, monstre de l’imaginaire, mais aussi boogeyman.
On ne sait pas si c’est un animal ou un être plus intelligent que l’homme, il est difficile à cerner, au sens propre comme au figuré. Et Aliens est, selon moi, l’une des meilleures suite de tous les temps. Car Cameron sait qu’il ne peut pas atteindre Alien sur son terrain, alors il va ailleurs, et propose un film d’action très noir, tout en complétant la mythologie du premier film. Et il fait tout ça en traitant du rapport mère/fille d’une façon encore jamais vu au cinéma. Donc, oui, il y a un lien plus qu’évident!

On met souvent en valeur les personnages de femmes fortes dans le cinéma de genre qui ont des caractéristiques traditionnellement attribuées au masculin. Est ce qu’une meilleure représentation ne passerait pas aussi par un renouveau des personnages masculins?

C’est une très bonne question rarement soulevée, ce n’est pas bête du tout. Tout est possible, il faut juste oser.

Le générique de Méandre est en écriture inclusive. Est ce que c’est ton idée?

Ce n’est pas mon idée, mais quand j’ai vu ça lors du check, j’ai évidemment approuvé de suite. C’est une très bonne initiative qui vient du laboratoire avec lequel nous avons travaillé, qui s’appelle PolySon. 

Le cinéma de genre vu par Mathieu Turi

Comment définirais tu le cinéma de genre?

On pourrait y passer la journée ! Mais je pense que ce qu’on appelle cinéma de « genre » est un véritable cinéma de l’imaginaire, qui permet de s’exprimer d’une façon unique, et de parler de notre monde en en créant d’autres.

C’est ce que j’aime dans le genre. On peut créer des monstres, des planètes, des univers, tout en parlant de ce qui fait de nous des êtres humains. Et tout ça en étant divertissant ! 

Est ce que tu penses que les réalisatrices de genre ont encore plus de mal à faire financer leurs films?

Dire le contraire, ce serait mentir. Le genre en France est difficile à monter financièrement.
Alors quand vous êtes un femme, évidemment que, comme souvent, c’est encore plus difficile. Mais heureusement, des réalisatrices exceptionnelles comme Julia Ducournau, Coralie Fargeat ou Zoé Wittock ont récemment montré que c’est possible.
On est loin de la parité, mais c’est primordial que les autrices, les réalisatrices, les productrices, etc… puissent s’exprimer de la même façon que les hommes, et sans qu’on les ramène à leur sexe, mais seulement à leur passion et leur talent.

On dit souvent que le public majoritaire du cinéma de genre est masculin. Qu’est ce que tu en penses?

C’est, déjà, entièrement faux ! En réalité, sur le cinéma de genre, on est à peu près sur du 50/50. C’est un cinéma de partage, il y a de plus en plus de femmes qui s’expriment sur le sujet, à tous les niveaux, dans la presse également. J’ai eu autant de retour de femmes que d’hommes sur Hostile, et en festivals, les femmes sont bien là ! Donc je pense que c’est une bêtise d’affirmer que le cinéma de genre serait l’apanage d’un public masculin.
Encore une fois, les femmes sont là, et le revendiquent. À ceux qui pensent le contraire d’ouvrir les yeux.

Quel est le dernier film de genre français que tu as aimé?

Si on parle de genre au sens large, incluant donc les films d’action, j’ai adoré Balle Perdue de Guillaume Pierret.
Du cinéma qui ne boude pas son plaisir, ça fait du bien !
Si on parle plus de cinéma horreur/fantastique, le magnifique Cold Skin de Xavier Gens, qui là aussi mélange l’action fantastique à une certaine forme de poésie et de romance. Après, je n’ai pas encore vu les films récents ou qui arrivent bientôt (La Nuée, Teddy, The deep house…) donc j’ai largement de quoi tomber sur un coup de coeur.

Des plateformes comme Netflix permettent à des projets comme Marianne de voir le jour. Que penses tu des plateformes et de leur influence sur l’industrie du cinéma?

Les plateformes comme Netflix, Amazon, Disney+, etc… sont un moyen qui permet à des films et des séries d’exister, donc à partir de là, c’est bénéfique pour les créateurs. Si on ajoute à ça leurs obligations d’investissement à venir, ça ne peut que permettre à de nouveaux talents de surgir, ou à ceux déjà en place de s’exprimer d’avantage.

Nous vivons un moment charnière dans notre industrie, et il est normal de faire attention à protéger notre système, notamment avec la chronologie des médias, qui protège également ceux qui font vivre le cinéma depuis des années.
Tout ça est un peu complexe, mais tout changement passe par des périodes d’ajustements, et au final, ça permettra plus de films et de séries, donc plus de moyens de raconter des histoires.

Les lignes bougent pour le cinéma de genre français ces dernières années. Est ce que tu dirais que le regard de la profession change aussi? Est ce que ça devient un peu plus facile de financer le cinéma de genre?

Ce n’est jamais facile, car dans tous les cas, vu le type de films, financer du genre est plus complexe car on a moins de guichets de financement.
Mais ce qui change, au-delà d’un nouvel attrait pour le cinema de genre en France, c’est le changement de génération. Les producteurs, les distributeurs, les financiers, etc… sont désormais ceux qui ont grandi avec Spielberg, Lucas, Cameron. On a les mêmes références, on parle le même langage.
Je pense que ça, l’arrivée des plateformes, et bien d’autres facteurs permettent de dire que ce n’est toujours pas facile, mais que c’est tout de même moins compliqué .

Je sais que tu aimes les jeux vidéos et notamment The Last Of Us, ce qui se retrouve dans tes films. Pour avoir joué au 2 récemment, j’ai trouvé que c’était le seul jeu qui avait réussi à me rentrer totalement émotionnellement dans les personnages (en dehors de la structure du récit). Le début de la fin d’une frontière entre cinéma et jeux vidéos?

J’ai toujours considéré le jeu vidéo comme un art majeur. C’est, à mon avis, une forme d’expression dingue, et on le voit avec des oeuvres comme The Last Of Us, ou le travail de Hideo Kojima.

Il y a aussi quelque chose de très intéressant, c’est l’adaptation de jeu vidéo. Ce qui a toujours ou presque été un échec artistique en ce qui concerne l’adaptation en film semble trouver un nouveau souffle dans l’adaptation en série, bien plus proche au niveau du rythme et du nombre d’heures nécessaires pour adapter la narration.

Par exemple The Witcher, ou encore la prochaine adaptation de Resident Evil, ou même d’ailleurs The last of Us chez HBO sont des exemples de ce qui, à mon avis, est la meilleure chose à faire : adapter, étendre l’univers, et ne pas chercher à refaire en moins bien ce que peut offrir un jeu vidéo de qualité. Je travaille moi-même sur une adaptation d’un jeu vidéo en série (chuuuut), et c’est un défi à part entière. La frontière est mince, mais pour moi ce sont deux arts qui n’ont rien à voir, si ce n’est être un espace incroyable de création. Car au final, c’est ce qui importe le plus à un créateur, quel qu’il soit : raconter une histoire.

Un grand merci à Mathieu Turi qui s’est montré très disponible et ouvert à la discussion!
Hostile est disponible en VOD et Méandre sort au cinéma le 26 mai 2021.

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