Attention SPOILERS! Vous pouvez consulter la liste des films évoqués à la fin de l’article.

Sur presque 30 films vus, le nombre de films représentant des loups garou homme et/ou femme, est quasi similaire. On a souvent la représentation qu’un loup garou est un homme, alors que ce n’est pas le cas.
Le loup garou représente la marginalité. Mais ce corps qui se transforme, fait référence aussi à celui de la femme. C’est parti pour l’analyse de la représentation du loup garou.

SOMMAIRE

1-La lune

2-Le loup et l’humain

3-L’apparence du loup garou

4-Le loup garou, bouclier contre les violences sexistes?

5-L’amour, élixir de la malédiction

6-Sexualité bestiale

7-Les meutes de loup

8-Conclusion: le loup est en toi

Dans mon article sur la saga Ginger Snaps j’avais déjà rédigé une partie sur la mythologie du loup garou.
Je ne reviendrai donc pas dessus, n’hésitez pas à aller lire cette 1ère partie avant de continuer.
En revanche, je vais m’attarder sur la lune, élément souvent évoqué quand on parle loup garou.

1-La lune

C’est l’écrivain et homme politique Gervais de Tilbury qui est à l’origine du rapprochement du loup garou qui se transforme lors d’une nouvelle lune (et non pas d’une pleine lune comme on le représente maintenant). Il l’écrit dans son Livre des Merveilles au 12ème siècle.

La lune est un satellite qui a une place importante dans nos croyances, qu’elles soient anciennes ou non.
D’ailleurs, elle est très présente à travers des expressions du quotidien: être dans la lune, décrocher la lune, être mal luné-e, voire même être belle comme la lune…

Elle porte plusieurs symboles:

• Le changement. Un cycle lunaire passe par une perception différente de la lune. On parle de nouvelle lune, 1ers croissants, quartiers, lune gibbeuse croissante, et une fois la pleine lune atteinte, le cycle repart dans l’autre sens. Une transformation progressive donc.
  Pour évoquer un trouble mental changeant, on parle de personnes lunatiques.
• La fécondité. Avec son cycle lunaire de 29 jours, il est proche d’un cycle menstruel, généralement autour de 28 jours. Il n’en fallait pas plus à nos ancêtres grecs et romains pour associer la lune au féminin (bien qu’il n’y ait aucune preuve scientifique d’un lien entre les 2).Ainsi, selon Aristote, la pleine lune faciliterait l’accouchement.
  La lune a donc sa déesse Grecque, Séléné, et Romaine, Luna. A noter que ces déesses sont transformées en sorcières (évidemment maléfiques) les soirs de nouvelle lune, suite à un pacte avec le Diable.
• La puissance de la nature. C’est pour cette raison qu’on dit que les sorcières tiennent leurs Sabbats; cette fête lors de pleine lune. Une symbiose entre nature et dieux/déesses, dans un coin isolé, qui permettra à la magie de ne pas être perturbée. Vous pouvez écouter cette émission pour en savoir plus sur les Sabbats.
  Il n’est donc pas étonnant que la lune soit directement liée à l’idée que le loup garou est un retour direct de l’homme, à la nature.
  Ces éléments en font une référence indéniable au féminin.

Si on se penche sur son côté plus scientifique, elle n’est pas dénuée d’intérêt non plus. On peut noter:

• Son lien avec la Terre. On associe souvent la lune au soleil alors qu’en réalité son binôme se ferait plutôt avec la Terre. En effet, il y a 4 milliards d’années, la Terre et la lune ne faisaient qu’un, et c’est suite à une collision avec une autre planète, qu’elles ont été fracturées. C’est pour cette raison qu’on retrouve des compositions rocheuses sur la lune, qui sont similaires à la Terre.
  Ainsi, si on associe la lune à la transformation de l’homme en loup garou, on peut y voir la fusion entre la lune et la Terre. Cette dernière représentant évidemment les Hommes.
• Son lien avec la mer. La lune est une source de luminosité rassurante pour les marins.
  Mais surtout, les forces de gravitation additionnées de la lune et du soleil, régulent les marées.
  Je ne résiste pas à convoquer Jamy pour une petite explication en images:

2-Le loup et l’Humain

Avant d’aller dans le vif du sujet, il est intéressant de noter que le sous genre du film de loup garou a la réputation de proposer beaucoup de (très) mauvais films. Et je ne vais pas aller contre cette idée reçue, qui est plutôt vraie (même si on trouve quelques perles).

Ce qui m’a questionnée en revanche, c’est pourquoi? Car les sous genres de l’horreur mettant en scène des animaux plus ou moins monstrueux sont courants dans le cinéma de genre. Et si tout n’est évidemment pas réussi, cela n’empêche pas d’avoir de très bons films allant d’Alien, en passant par Cujo, The Thing ou La Mouche, qui abordent pour certains, une transformation de l’humain.

Il reste très compliqué de représenter la transformation d’un humain en un animal qui nous est proche et connu. D’autant que l’humain n’a pas grand chose à voir avec un canidé, morphologiquement parlant. Il s’agit donc d’un tour de force de parvenir à faire évoluer un corps humain vers un corps de loup. Surtout si on doit représenter le corps qui redevient humain. Il y a un côté un peu absurde et rigolo finalement. Comme un déguisement.
C’est précisément ce que fait remarquer John Landis, le réalisateur du Loup Garou de Londres:

Par contre, le lien entre homme et loup est très ancien. Ce sont 2 espèces qui se sont rapidement entendues. Elles sont sociales, fonctionnent en meute, se nourrissent de mets similaires (ce qui explique leur affrontement à propos du bétail, même si on sait qu’il y a plus de chiens qui le tue, que des loups).
Le loup et l’Homme sont également attachés à la notion de territoire à défendre, à le marquer, à le conquérir.

Mais on sait aussi que l’Homme est devenu le 1er prédateur du loup dès le Moyen Age, où leur extermination a réellement commencé. Les affrontements entre habitant-es des régions montagneuses et des loups font toujours rage actuellement. Le loup est donc une espèce protégée depuis 1990, ce qui n’empêche pas certains d’en tuer, exaspérés.
La situation s’amplifie avec le réchauffement climatique, qui pousse humains et animaux à vivre de plus en plus proches.
Pourtant cette cohabitation est ancestrale; nous avons juste perdu l’habitude de vivre en harmonie avec les animaux. Une habitude qu’on devra sûrement reprendre.
L’être humain qui doit vivre en paix avec les loups. De la même manière que le loup garou matérialise ce défi pour l’humain de vivre en accord avec son côté loup.

L’Homme est un animal comme les autres

L’Homme étant transformé en un (autre) animal, les films de loup garou questionnent souvent le rapport de l’Homme à son animalité. La manière dont l’aspect bestial prend le dessus, et les conséquences qui ont une répercussion sur sa vie.
Comme si on partait du principe que l’Homme n’était pas un animal, mais un être civilisé (même s’il faudrait définir ce qu’on met derrière le mot civilisé).
En effet, on sait que les différences génétiques entre les singes et les Hommes sont minimes. Par ailleurs, il faut savoir que l’homme est le seul de son espèce à frapper et à tuer sa compagne. L’anthropologue Françoise Héritier évoque ce sujet dans Sciences&Avenir.
Ainsi, il y a maintenant des anthropologues, qui ont tendance à mettre les Hommes et les animaux sur un plan similaire. Je vous conseille cette émission de France Culture sur le sujet.
La vidéo de Demoiselles D’Horreur sur Clarice dans le Silence des agneaux, évoque également ce pied d’égalité entre les humains et les animaux:

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L’article [Dossier] Le loup garou et sa représentation selon le genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Attention SPOILERS! La liste des films évoqués est en bas de l’article, si besoin (même si je ne spoil pas sur tous les films).

SOMMAIRE

1-La perception de la femme forte

2-La femme, victime?

3-Souffrances sera ton destin

4-La femme guerrière

5-La méchante

6-Les héroïnes du cinéma d’horreur

7-Elles se démarquent

8-Et maintenant?

1-Perception de la femme forte

L’héroïne « femme forte »

La définition de « force » fait référence à la puissance d’action physique. Mais aussi aux capacités d’esprit, intellectuelles et morales. Autrement dit, une personne perçue comme forte, a une aptitude à affronter ou à faire des choix ; qui lui donne le potentiel de s’élever. Notamment par rapport aux autres.

De la même manière, que lorsqu’on fait des recherches avec les mots clefs « femme forte cinéma ».
Erin Brokovich, Kill Bill, Mustang, Lady Vengeance, Wadja, La leçon de Piano, Carol, Woman at War…Que ça soit des combats sociaux, de liberté, des vengeances…Ces personnages féminins sont tous en lutte, dans la majorité des cas contre une domination masculine.

Ils le sont d’autant plus dans le cinéma de genre, qui se prête au sang et au combat. On le sait, les personnages féminins sont très présents dans le cinéma de genre. Pour plusieurs raisons:

• la symbolique du sang (règles, accouchement),
• la fascination des hommes pour les femmes (qui conduisent aussi à des oppressions),
• la transgression que représente le fait de violenter des femmes, ou de mettre en scène des femmes qui vont à l’encontre des stéréotypes de genre,
• les femmes sont victimes de sexisme, de violences….C’est donc propice à raconter des histoires adaptées au cinéma.

2-La femme, victime?

Cela m’amène à cette notion, la victime. Je remarque régulièrement que c’est un terme qui est parfois brandi par des femmes pour expliquer pourquoi elles ne sont pas féministes. Et pourquoi elles ne pensent pas être dans un système inégalitaire.
C’est parfois aussi évoquer par des féministes, qui refusent qu’on leur attribut ce statut.

Lors de la promotion de Lux Externa de Gaspard Noé, Béatrice Dalle expliquait sur France Inter, que le film était féministe. Charlotte Gainsbourg a précisé « oui mais elles sont victimes aussi quand même… ». On voit bien ici l’opposition qui est faite entre féminisme=femme forte, et victime.

Sur le plateau de C à Vous, Pénélope Bagieu était invitée pour évoquer son travail « Les Culottées« . Un des intervenants expliquait que les femmes décrites par Pénélope Bagieu n’étaient pas faibles, qu’elles avaient permis de grandes avancées.
Le présentateur Karim Rissouli s’est adressé à Pénélope Bagieu, l’air hésitant « Mais ces femmes…elles ne sont pas victimes, elles sont fortes ». Celle ci répond « Ah mais si elles sont victimes. Elles ont été victimes d’un système qui les discriminaient ».

Victime et après?

Le terme « victime » est donc associé généralement à une personne faible. Qui subit. Or, il me semble important de réévaluer ce terme, bien trop utilisé de manière péjorative à mon sens.
Les femmes, qu’elles le veuillent ou non (conscientes ou non), sont victimes d’une société sexiste et patriarcale. Même si évidemment des progrès sont constatés, il y a encore beaucoup de discriminations, de culture du viol, d’inégalités salariales, de violences conjugales, etc…la liste est longue, et ce n’est pas le sujet ici.
Nier ce statut de victime, participe selon moi, à invisibiliser ces problématiques. Si pas de victimes, pas de problèmes.

Ensuite, quel regard poser sur ce statut?
Les femmes sont les seules à avoir la légitimité de décider de quelle manière réagir face aux violences qu’elles vivent. Elles veulent s’isoler? Prendre des cours de self defense? Se détendre en faisant de la couture? Courir? Avoir une vie sexuelle riche ou inexistante? Militer? Lire? Rester discrète? Il n’y a pas de meilleure attitude, solution…Elles subissent déjà des violences, laissons les femmes les gérer à leur manière.
Ainsi, il n’y a pas à qualifier le terme victime. C’est un constat factuel à mon sens, rien de plus.

3-Souffrances sera ton destin

Il ne vous aura pas échappé que les femmes dans le cinéma de genre sont généralement maltraitées.
Logique me direz vous, car c’est un cinéma violent. La question est donc de s’intéresser à l’origine de ces maltraitances, et ce qui déclenche une action de la part de ces héroïnes. Si ça peut sembler anodin, c’est pourtant capital pour qualifier la perception que l’on a de ces personnages, et ce, sans qu’on en ait forcément conscience. Et comme le cinéma de genre s’inspire d’autant plus de la vie réelle, et est politique, comprendre ces mécanismes de personnages est important.

Je ne peux que commencer par ce qui est même devenu un sous genre du cinéma de genre: le rape & revenge.
Le principe est simple. Une femme souvent isolée, est violée, puis prépare sa vengeance. C’est un sous genre qui a explosé dans les années 70, dans un contexte tendu aux USA où les manifestations contre la guerre au Vietnam sont violemment réprimées. Parmi les plus célèbres on note They call her one eye, I Spit On Your Grave, La dernière maison sur la gauche, L’Ange de la Vengeance, The Nightingale…
C’est un genre d’exploitation (produit avec peu de moyens, en grande quantité), qui est donc déconsidéré.

Ces films traduisent l’envie de révéler la force physique d’une femme à travers un viol, d’une part. Mais aussi de montrer son ingéniosité et son intelligence. D’une certaine manière, l’homme est nécessaire pour valoriser les capacités d’une femme. Par ailleurs, l’héroïne reproduit finalement le comportement violent et barbare masculin.
Pauline Harmange, auteure de « Moi les hommes je les déteste » explique que les comportements destructeurs de masculinité ne sont en aucun cas à envier. Qu’ils sont autant dangereux pour les hommes, que pour les femmes ou toute personne issue des minorités. L’idée n’est pas de se hisser à une égalité pour déployer autant de violences et de toxicité.
De plus, l’arc narratif en devient assez pauvre. En effet, il n’y a de place que pour cette vengeance. On ne se concentre pas sur les sentiments du personnage féminin. Elle n’est définie que par ce(s) viol(s), et/ou sa vengeance meurtrière.

C’est exactement ce schéma qu’on retrouve dans Bulbbul. Le film se démarque d’un classique rape & revenge par son esthétique fantastique et onirique marquée plutôt réussi. Pour autant le personnage féminin est une sorcière vengeresse parce qu’en plus de subir humiliations et mariage forcé, elle a été violée par son beau frère handicapé (…..). Cette scène est complètement ratée à mon sens. La mise en scène prend le parti de l’escalade de la complaisance de la souffrance. Car avant, on aura déjà assisté au déchaînement de violence de son mari pour lui casser les chevilles, et c’est pendant sa convalescence que le viol aura lieu. La caméra s’intéresse plus à nous dégoûter, qu’à nous mettre aux côtés de la victime et son ressenti.

Paye ton cliché

Mais au delà de ce constat, ces films participent à perpétuer des clichés sur le viol. Le classique, celui du viol commis par l’inconnu, le déviant (alors que 80% des viols sont commis par l’entourage). Mais aussi le cliché que le viol est forcément commis avec violence, de manière très brutale. Or le viol est aussi un acte qui peut être commis sans rage, sans contrainte physique, empreintes d’idées reçues sur le consentement. Mais le manque de pédagogie autour du consentement, additionné à une unique représentation, fausse notre perception de la réalité sur ce crime.
La journaliste Chloé Thibaud l’explique dans son livre « Désirer la violence ». Elle décrypte des scènes de violences sexuelles au cinéma, qui ne sont pas mises en scène comme telles. Comme ces imaginaires nous imprègnent, cela créer une confusion à la fois chez les hommes qui ne comprennent pas le consentement, et les femmes qui ne réalisent pas qu’elles sont victimes de violences.

Ces confusions sur le consentement s’inscrivent également dans des dynamiques de domination (autorité, intellectuelle, âge, etc..) qui brouillent notre perception et donnent lieu à ce qu’on désigne comme « zone grises ». Aurélia Boucherie l’explique bien dans son livre, « Troubles dans le consentement« .

Il serait aussi opportun que les histoires se concentrent davantage sur le ressenti de la victime et les conséquences qui en découlent (à la fois sur la victime mais aussi sur son entourage).
Souvent la violence se résume à la vengeance qui est sensée apaiser la victime de son traumatisme.
Hors, c’est évidemment plus compliqué que cela. Les ressentis peuvent être tout à fait différents d’une victime à une autre, cela pourrait donc être une niche d’idées pour renouveler les représentations.
J’ai conscience que le rape & revenge a une dimension de « divertissement » avec la jouissance de voir un déchaînement de violence s’abattre sur les bourreaux, sans travailler les personnages. Mais on peut demander maintenant une évolution du genre. Surtout après #metoo.

Mais..il y a des éléments à nuancer. Tout d’abord, ces films peuvent aussi avoir une dimension cathartique. En effet, pour que celle-ci fonctionne bien, il faut de la peur, et de la pitié. Autant dire que le rape & revenge coche plutôt bien les cases.

Ensuite, même si la représentation de ces crimes est souvent puante et erronée, il reste que les femmes sont les 1ères victimes de viol. Au moins on ne perd pas de vue que c’est une oppression systémique envers les femmes.
De plus, plusieurs témoignages dans le podcast Les Pieds sur Terre de France Culture montrent la complexité du sujet. Une femme racontait qu’elle avait été victime 2 fois. La 1ère fois elle était allée devant la justice. La 2ème fois, elle s’est défendue pendant l’agression et n’a pas ménagé ses coups. Elle avouait que le fait de se défendre elle même, de reprendre en main la situation et donc le contrôle, l’avait beaucoup plus apporté satisfaction.

Enfin, le genre tend à proposer des films qui prennent un peu de hauteur. Même si Revenge souffre des défauts mentionnés plus haut, la scène de viol n’est pas voyeuriste. Par ailleurs, j’aime beaucoup le questionnement qui est posé sur le regard qu’on pose sur une héroïne qui joue de sa sexualité. Dans le regard des hommes cela leur donne l’autorisation de s’approprier le corps de cette femme. J’aime beaucoup le fait que c’est l’homme misogyne qui se retrouve nu dans l’affrontement final.

On peut noter aussi que si les films de Tarantino ne sont pas féministes à mon sens, il traite aussi les viols dans Kill Bill en hors champ, et n’en fait pas l’enjeu principal.
Je pense également à Elle, où la question du viol (qui plus est d’une femme d’une soixantaine d’années), est centrée sur les ressentis du personnage concerné.
Enfin, si l’excellent Alone fonctionne sur des ressorts scénaristiques propres au rape & revenge, le viol n’a pas lieu. Et la vengeance se fait aussi à travers la victime qui fait voir le vrai visage de l’agresseur à sa famille.

4-La femme guerrière

Alien, Terminator, Sucker Punch, Princesse Mononoké, Tank Girl…les femmes guerrières ne manquent pas. Personnellement j’ai grandi avec Ripley et Sarah Connor. Mes héroïnes d’adolescentes. Et à l’époque je ne me questionnais pas sur le fait que ça soit des femmes. Pour moi, c’étaient des personnages comme les autres.

L’héroïne femme ‘badass a des réelles capacités au combat. Ce qui en fait un personnage fort, du moins en apparence. Car on peut noter plusieurs bémols. Comme le syndrome Trinity (le fait qu’un personnage féminin soit plus fort que le masculin, mais finit par être là pour servir le héros). On peut noter ce cas dans Matrix évidemment, Harry Potter, Kick Ass et bien d’autres. Parfois, on peut non seulement constater le syndrome Trinity, mais en plus, le personnage féminin est ramené à une intrigue love interest, comme dans le 2ème opus des Gardiens de la Galaxie (dans ce cas, Gamora est en plus en rejet total).
On peut aussi noter les fembots, ces robots IA féminins qui sont une nouvelle forme de femme fatale combinée à une redoutable meurtrière accentuant le caractère dangereux des femmes (alors que ce n’est vraiment pas le reflet de la réalité).

Les tenues peu adéquates au combat posent aussi problème. Cela a pour conséquence de décrédibiliser les actions du personnage, mais aussi de le transformer en objet attirant pour le public masculin. Je suis encore dépitée de la course poursuite en talon face à un tyrannosaure dans Jurassic World.
Le traitement vestimentaire différent d’Harley Quinn dans Suicide Squad et Birds Of Prey en est l’exemple parfait.

A la fois, un personnage féminin associé à des caractéristiques masculines (comme Sarah Connor) a également ses limites. Car on retrouve la même problématique citée au dessus. Une femme n’a d’intérêt et ne peut qu’exister à travers des comportements masculins dominants.
Par ailleurs, si les héroïnes badass ne sont pas forcément victimes de viols, elles agissent pour se libérer d’une domination (Nikita, Batman le défi) ou parce qu’on les a d’abord attaquées sous une forme ou une autre (The Villaines, Lady Vengeance, Terminator).

Si je prends l’exemple de The Villaines (dont il faut saluer le splendide plan séquence au début), le personnage féminin est d’abord aux mains d’une agence de tueurs. Son père est tué, puis son mari, et elle doit se marier pour protéger sa fille. Enfin, celle-ci finit elle aussi, par être tuée. Ici, c’est son foyer qui est attaqué, on retrouve la notion de mère sacrificielle. En tous cas, impossible dans ce film de connaître la personnalité, l’histoire ou les caractéristique de ce personnage. Elle n’existe qu’à travers sa famille et son désir de vengeance.

Justice!

Impossible de ne pas parler de Ripley dans la saga Alien. Elle est en apparence, non genrée. Ni sexualisée, ni masculinisée, et son personnage n’est pas concerné par des problématiques liées au fait que ça soit une femme. Il a d’ailleurs été écrit à l’origine pour un homme.
Pourtant, son genre est rappelé plusieurs fois. La fameuse scène de la petite culotte, sa maternité (que ça soit via Newt dans Aliens, ou via le monstre dans Alien Ressurrection). Il y a aussi le début d’une idylle dans Alien 3, qui marque une hétérosexualité.
De manière plus générale, on note que l’intelligence artificielle s’appelle « Mother », et que la naissance des aliens est proche de l’idée qu’on se fait d’une grossesse (voire d’un accouchement!).

Ces rappels participent à développer une empathie pour le personnage, et à donner une raison d’avancer dans cette lutte sans fin, voire sans espoir. Mais on il aurait pu y avoir d’autres enjeux moins genrés aussi.
L’intrigue avec Newt (la petite fille d’Aliens), ne réduit pas subitement Ripley au statut de mère et surtout, ce sont des enjeux qu’on peut voir aussi avec des personnages masculins. Je pense notamment au merveilleux Logan ou La Planète des Singes, Suprématie.
Concernant sa relation avec Clemens dans Alien 3, on sent qu’elle est dominante. Elle est consciente du passé de Clemens, et refuse de trop se dévoiler. Elle se sert de ces éléments pour garder le contrôle.

L’écoféminisme s’invite

Tank Girl est un personnage badass à part dans le cinéma d’action. Délurée, punk (donc associée à la marginalité), elle est animée par un désir de justice. Pas de love interest, pas de maternité, ici le personnage est humanisée à travers l’amitié et l’altruisme. Apprêtée (entre maquillage et coiffure fantaisie), elle est également libérée sexuellement. Une scène assez représentative de l’esprit de Tank Girl la montre en train de s’embellir…en utilisant des ciseaux pour faire des trous dans son collant. C’est une manière très claire de montrer que le personnage soigne son apparence, mais selon ses critères, et en renversant des objets associés à la féminité. Elle est dénudée, mais pas sexualisée à mon sens. Elle me fait beaucoup penser à Harley Quinn dans Birds Of Prey ou dans une autre thématique, Gwen Stefani. Cette chanteuse a toujours eu un côté punk et énervé (il faut voir les live de No Doubt dans les années 90!), tout en soignant particulièrement son image.

Par ailleurs, la volonté de Tank Girl de rendre l’eau accessible à tout le monde dans ce monde post apocalyptique, est liée à la notion d’écoféminisme. C’est une branche du féminisme qui établit un lien entre les comportements masculins toxiques (plus de guerres, plus de capitalisme, et même consommer plus de viande), et drames écologiques. Par ailleurs, on sait que les femmes sont plus touchées par les conséquences du dérèglement climatique (plus de difficulté à aller chercher de l’eau). Je vous conseille l’émission Des Couilles sur la table à ce sujet.
On retrouve une thématique similaire dans Mad Max Fury Road. Les héroïnes reprennent le contrôle et font demi tour pour récupérer leurs terres, et ne sont donc pas dans une optique d’aller chercher ou coloniser une terre toujours plus loin.

Le personnage de Rebecca Ferguson dans les Mission Impossible est aussi un personnage assez peu genré, malgré ses belles robes. Elle surtout montrée d’emblée comme aussi forte que Tom Cruise, en maintenant une ambiguïté sur ses intentions. On ne sait jamais de quel côté elle penche, elle reste complexe à identifier. Et elle s’avère être au final l’égal de Tom Cruise. Elle sert d’abord ses intérêts légitimes, et on n’assiste pas à un énième love interest.

Je vous conseille l’émission sur le sujet, du podcast « Actioner ».

5-La méchante

Parce que oui les femmes sont aussi méchantes, le cinéma de genre nous offre des personnages diaboliques en tous genres.
Force est de constater que là encore, les motifs de méchanceté des femmes sont assez proches de ceux des hommes.
Il souvent question de pouvoir et/ou d’argent (Scream 4, Misery, Sleepy Hollow, Spiderman New Universe…).
Des enjeux liés au fait de conquérir, de manière large.

Les méchantes dans The Neon Demon sont dépassées par leur besoin avide de reconnaissance, mais via le pouvoir qu’elles ont grâce à leur beauté. Ainsi la sororité peut aller se rhabiller. Le film raconte surtout à quelle point cette notion est changeante, impossible à maîtriser et à comprendre. Les puissants ici sont des créatifs misogynes, qui font d’eux des entités d’autant plus insaisissables. Ce sont finalement eux la force maléfique.
Si les sorcières de The Craft utilisent la magie pour résoudre leurs problèmes, le basculement de Nancy vers le côté obscur est dû à sa terreur de perdre en puissance face à Sarah.

On retrouve aussi la classique thématique de l’amour. On tue parce qu’on a été responsable de la perte du bien aimé (Urban Legend), par rivalité (Happy Death Day), ou encore aveuglée par l’amour (La fiancée de Chucky).
A noter que dans Urban Legend, la serial killeuse en veut même à son amie de conclure avec le mec qui ne s’est jamais intéressé à elle. La traditionnelle rivalité féminine pour l’amour d’un homme… Quant aux femmes plus âgées, elles tuent pour défendre le fiston (Vendredi 13, Scream 2).

Il est intéressant de rappeler que les serial killeurs, notamment dans les slashers, tuent rarement pour ces raisons là. Il s’agit de vengeance (Maniac Cop, Jason, Nightmare On Elm Street), parce que… maman (Scream, Psycho), par démence ou perversité pure (Massacre à la tronçonneuse, Halloween, Maniac, Black Christmas, Le voyeur, Bloody bird..)
On constate là encore que si les femmes peuvent tuer pour des raisons similaires aux hommes, l’inverse est moins vrai.

Cruella d’enfer

Parfois les héroïnes font preuve d’une cruauté sans pareille. C’est le cas d’Amanda dans la saga Saw. Mais ses nouvelles convictions viennent d’un lavage de cerveau d’un homme, Jigsaw. Celui-ci lui reproche d’ailleurs régulièrement de ne pas avoir totalement compris sa démarche, à savoir donner une chance de survie à ses victimes. Elle n’est pas capable de comprendre la philosophie de Jigsaw et cède à des pulsions meurtrières.
Un lavage de cerveau sur des jeunes héroïnes qu’on retrouve dans We summon the darkness.

Ce constat renvoie à celui que l’on peut faire à propos des femmes terroristes. A cause de stéréotypes sexistes, on a du mal, encore maintenant, à concevoir qu’une femme peut décider de commettre des actes terribles au nom d’une doctrine ou d’une politique. Fanny Bugnon explique ce phénomène à travers son livre « Les Amazones de la Terreur » (terme donné par la presse), à travers notamment le groupe terroriste Action Directe.

Si La Mutante est mauvais, et qu’il repose sur le principe d’attirer le mâle, Sil est une extra terrestre qui ne cherche qu’à se reproduire pour coloniser la planète. Elle agit dans son propre intérêt, pour faire perdurer son espèce et conquérir un nouveau territoire (ça me rappelle quelque chose…).

Il y a aussi les méchantes ambigües comme Catwoman ou Poison Ivy. Les deux utilisent leur sex appeal. Catwoman agit de manière très individuelle, et à l’origine le personnage a un background beaucoup plus émancipateur que dans le film de Burton.
La transformation de Catwoman et Poison Ivy est due à des violences commises par des hommes.

6-Les héroïnes du cinéma d’horreur

Si on sort du film d’action plus ou moins horrifique, et qu’on s’intéresse à ce qu’on identifie comme film d’horreur, on constate que ce sont principalement des jeunes héroïnes. Des adolescentes, des jeunes adultes qui sont confrontées à des hommes. Un frère pour Laurie Strode dans Halloween, un petit ami pour Sidney dans Scream, un pédophile défiguré pour Nancy dans Nightmare On Elm Street. Mais aussi un ancien enfant persécuté dans Vendredi 13, un rôdeur dans Pas un Bruit, un psychotique dans Psycho, un pervers dans Black Christmas ou dans Terreur sur la ligne, mais aussi pourquoi pas, un pêcheur dans Souviens toi l’été dernier.

Ces films plus ou moins réussis, explorent les thématiques du passage à l’âge adulte, de la prise de contrôle sur sa vie, de l’émancipation.
Dans la plupart de ces films (dont beaucoup sont des slashers), ressort le concept de la final girl, théorisé par Carol Clover. Une héroïne souvent prude, sage, innocente, qui n’est pas déconcentrée par le sexe ou l’alcool, verra sa force sera révélée par l’attaque d’un croquemitaine. Elle est « final » car dernière survivante.
On peut y voir un aspect réactionnaire de ce concept, mais il peut être aussi tout à fait contrebalancé (je vous conseille l’article passionnant de Ciné Clob à ce propos). On peut y voir aussi la société puritaine qui tente de nuire au désir de liberté, et de contestation de la jeunesse.

Depuis l’apparition de Sidney dans Scream, le schéma de la final girl a évolué. La sexualité fait partie de leur vie quel qu’en soit la forme ( It follows, Midsommar, Us, Souviens toi l’été dernier, Happy Death Day..)

Ma tenue n’est pas une invitation

La plupart des héroïnes de films d’horreur ou des final girls sont en apparence inoffensives. Leur look est clairement identifiable comme féminin, mais tout en retenue. Elles portent souvent des jeans, éventuellement tee shirt fantaisie mais pas trop et coupe classique, chaussures conventionnelles, coiffure classique. En somme, elles se fondent dans la masse, voire respectent les codes que l’on attend de la femme « respectable ». Pas trop sexy ou excentrique, mais pas marginale, non genrée ou trop masculine non plus.

A mon sens, cette utilisation de ce costume permet au public de pas porter les préjugés classiques sur l’héroïne, ce qui permet de créer de l’empathie facilement. Par ailleurs, son apparence inoffensive décuple d’autant plus l’admiration, quand elle se met à charcuter.
Pourtant, une final girl pourrait être gothique (sans être déprimée), avoir des cheveux roses et bleus, aimer les maquillages excentriques, voilée (on peut rêver!), ou encore porter pull large et jogging en permanence. Ces styles aussi différents habillent des femmes toutes autant différentes derrière. On peut simplement se contenter de représenter…d’autres styles?

L’habit ne fait pas la moinesse!

C’est précisément ce que j’aime dans le passable In The Fade. Une héroïne d’âge moyen, rock n’roll et tatouée (et mère!) en est l’héroïne, et à aucun moment son look est utilisé ou mentionné pour l’intrigue. C’est simplement son style, et c’est tout.
On remarque un changement de style radical de Laurie Strode dans Halloween II de Rob Zombie. Elle passe du style traditionnel de la final girl à une rockeuse trash. Mais c’est en réaction au calvaire subit dans le 1.

C’est aussi palpable dans Mama, même si j’ai tendance à penser qu’on peut lier ça au fait que le personnage de Jessica Chastain est en opposition avec une pression sociale faite sur les femmes; celui d’être mère.
Un film comme Carrie, montre que se fondre dans la masse ne sert à rien. Carrie est moquée, alors que celle ci a fait tous les efforts pour répondre aux codes, notamment vestimentaires.

Le malin We summon the darkness joue précisément sur les aprioris de l’apparence. Il s’agit d’un trio de jeunes héroïnes pulpeuses, rockeuses, (en réalité aux mains d’une organisation de fanatiques religieux). Elles se servent de leur style pour à la fois séduire, mais aussi induire en erreur sur leurs centres d’intérêt, et donc leur milieu.
Même si on retrouve le schéma classique des jolies jeunes filles qui représentent le mal, j’y vois aussi l’occasion de montrer la superficialité masculine. Mais aussi une manière dont l’homme (représenté par le gourou), utilise le corps des femmes à ses fins (ici sa doctrine).

Comment ne pas citer la vampire de A Girl Walks Home Alone At Night ? En plus de réinventer le mythe du vampire à la sauce féministe (elle sillonne seule, la nuit, les rues de Bad City pour défendre les femmes et avertir les petits garçons). Le film se réapproprie la symbolique de hijab, tant décrit comme vêtement réduisant la liberté des femmes. Mais on reste ici dans l’idée d’une créature fantastique. Pas une femme « lambda ».

Bad moms

Il y a également une panoplie de représentations de la mère dans le cinéma d’horreur. La vidéo de Vidéodrome à ce sujet résume les différents portraits de mère. Je ne développerai pas plus car la vidéo est assez claire sur les concepts.

Les actions des mères sont donc souvent liées à leurs enfants ou leur famille. Ce qui est une évidence dit comme ça, pourtant quelques exemples viennent diversifier cette représentation.

Par exemple dans le très bon mais empreint de culture du viol Boulevard de la Mort, le personnage joué par Rosario Dawson est mère. Mais on ne voit jamais ses enfants, elle exprime simplement le fait qu’elle a besoin de s’amuser un peu.
Je retrouve la même idée dans Relic. Ce sont 3 héroïnes de 3 générations, dont 2 sont mères. Et leurs actions ne sont pas en lien avec ce statut, mais avec le fait de faire face à un problème universel de liens familiaux et de déchéance.
Les actions des mères ne devraient pas être définies uniquement en réaction à une atteinte à leurs enfants, ou famille.

Dans Us, film d’horreur à multiples lectures, Adélaïde est mère certes, mais son combat est intérieur, tout comme le reste de sa famille. Finalement, s’ils font équipe en famille, ils font bien face à un combat intérieur, face à eux même. Ou d’une partie reniée de la société, tout dépend de quelle lecture du film il est question.

Le film de loup garou, Les Bonnes Manières, présentent à la fois un couple lesbien, mais aussi une femme noire qui se retrouve par la suite, mère célibataire. Ce film montre les barrières territoriales des différentes classes sociales, et des discriminations qui en découlent. La mère bien qu’appartenant à la classe ouvrière, n’est pas dépeinte comme misérable. Elle est contrainte de protéger son enfant, dont la condition n’est pas compatible avec une libre circulation dans le monde dans lequel ils vivent. C’est vrai aussi que son personnage a des allures de mère courage, cependant elle s’approche plus de réalité de beaucoup de femmes.

A good woman is hard to find brosse le portrait d’une jeune veuve mère célibataire, acculée par la charge mentale et la pression sociale. Elle est piégée par un dealer, mais arrivée au bout de ce qu’elle peut supporter, se défend. Sa légitime défense aboutira sur une opportunité de vengeance, sans qu’elle ne l’ait réellement cherché. C’est un film émouvant, qui pointe des micros oppressions quotidiennes, qui semblent anodines, mais qui sont de réelles violences. Il y a là aussi, une dimension universelle.

7-Elles se démarquent

Même si les femmes agissent en réaction à une agression ou une domination, on peut aussi noter des personnages qui se différencient.

Vengeance, oui mais

Je pense à La Mariée était en Noir. Le traitement de cette héroïne vengeresse dont le mari a été tué le jour de son mariage est particulièrement intéressant (et pour une fois le concept de la « femme dans le frigo » est inversé). Elle n’est pas une guerrière mais parvient à éliminer un à un les malencontreux meurtriers. Elle use de stratagèmes, d’analyses de son environnement et les hommes sont ridiculisés en cédant à leurs réflexes masculins. En préférant laisser l’intendance de leur foyer à une inconnue, et évidemment en étant attiré par elle. Le personnage féminin est discret, mais reste imposant.

Si 3 billboards se base sur un principe de rape & revenge, et est un cas à part. C’est un personnage féminin qui reprend les codes du masculin, tout en n’étant pas véritablement guerrière. De plus, on oscille constamment entre empathie pour le drame qu’elle a vécu et sa quête (sa fille a été violée et tuée, et le meurtrier n’est pas recherché), et agacement. A la recherche de justice, elle manque parfois de logique et d’altruisme. Et c’est toute la réussite du personnage à mon sens. Vivre la perte d’un enfant, dans ces conditions, en constatant l’incompétence des forces policières peut engendrer confusions et paradoxes.

Le personnage féminin dans Wedding Nightmare est une fraîche mariée qui devra survivra à sa toute nouvelle belle famille en proie à une malédiction. Elle devra affronter un système patriarcal et religieux, deux éléments qui donnent une dimension plus universelle quant à la domination que subissent les femmes. Je vous laisse apprécier la vidéo de Demoiselles d’Horreur qui développe ce sujet.

Une vraie sororité

Dans Assassination Nation, 4 adolescentes se rebellent contre la culture du viol et le cyberharcèlement. Le final, on ne peut plus jouissif, fait le bilan global des principes de domination, et appelle à une sororité pour mener la lutte ensemble.
Par ailleurs c’est un des rares films (même en dehors du cinéma de genre), qu’une femme transgenre existe en tant que personnage en dehors de cette identité, avec un vrai background qui y fait référence, sans l’occulter non plus. Et interprété par une personne concernée, Hari Nef. Ca change tout dans la manière de jouer, de penser le personnage.

Helen de Candyman mène une enquête sur la légende du croquemitaine, avec en fond, des thématiques sur le racisme et le sexisme. Elle agit d’abord parce qu’elle a besoin de faire ses preuves, dans un système professionnel patriarcat qui ne la prend pas au sérieux.
Dans Planète Terreur, Cherry se retrouve amputée d’une jambe, qu’elle remplacera par une arme. Un handicap transformé en force donc. Et si le personnage est sexualisé à outrance, elle agit dans l’intérêt du groupe, pour résister à ce monde apocalyptique.

L’exemple de The House of Sorority Row est intéressant. On est dans une ironie dramatique. C’est à dire qu’on en sait plus que les héroïnes sur le background d’un personnage central. Pourtant, la mise en scène ne cesse de nous amener sur une fausse piste, et on finit par mordre à l’hameçon (en tous cas ça a été mon cas, tant l’idée d’une vieille serial killeuse me plaisait!). Parallèlement, les héroïnes sont aussi sur une autre fausse piste. Ce qui créé un véritable empathie avec cette sororité.
Les victimes sont principalement des jeunes femmes et cette fois, ce sont les hommes qui sont tués sans raison. Ils sont d’ailleurs quasi absents et inutiles. On assiste à deux générations de femmes en opposition, qui ne se comprennent pas.
Dommage que le film propose une énième histoire de fils difforme, adoré par sa mère.

Les héroïnes victimes de discriminations ciblées

L’excellent Run a comme héroïne une adolescente handicapée moteur. Elle est à la fois indépendante et inévitablement vulnérable, mais utilise toute sa logique et son esprit astucieux pour se débarrasser d’une mère pathologique. Grâce à une mise en scène soignée et un montage carré, une simple maison devient un terrain remplit d’obstacles, dès lors qu’une personne valide en décide. Une belle métaphore de notre société validiste.
Je regrette le rebondissement final, qui en plus d’être de trop, semble faire dire au film qu’une mère biologique ne commet pas d’actes aussi horribles. Que ce n’est l’affaire que d’une femme devenue folle après la perte de son bébé. Pourtant l’affaire Gypsie Rose l’a bien prouvé.

Par ailleurs, j’ai été frappée par cette mise en scène qui sonne juste dans les moments de tension. J’avais la sensation d’une nouveauté dans la manière de représenter ce handicap. Et il se trouve que l’actrice principale, Kiera Allen, est une personne concernée par le handicap. Je ne répéterai jamais assez qu’il est capital de laisser de la place pour les personnes concernées qui ont le pouvoir de renouveler les histoires et les représentations.
C’est un 1er rôle pour l’actrice qui ne manque pas de rappeler en interview qu’une personne handicapée ne doit pas être définie par cela. C’est tout de même le cas dans Run, dont le handicap est l’élément central de l’intrigue, malgré que le personnage de Chloé soit soigné.

Bad Hair, met en scène une jeune héroïne victime de racisme, de domination de classe. C’est l’occasion pour le réalisateur de Dear White People d’évoquer des questions autour du colorisme, ou de réflexions racistes autour des cheveux afro, notamment féminins. En effet, la jeune femme est victime de cheveux meurtriers (oui oui), après avoir dû se conformer à une norme pour obtenir un poste. Même si certaines critiques considèrent que le film est coupable de misogynoire.

La scène où Anna décide de finalement de modifier sa coiffure est représentative de la thématique du film. Elle se rend dans un salon de coiffure qui a tous les codes des dominants. Il est luxueux (donc difficilement accessible à la classe moyenne alors que ce sont ce que les dominants attendent d’eux). C’est compliqué d’obtenir un rendez vous compte tenu de sa notoriété. C’est donc un lieu déjà impressionnant. Ensuite, quand elle se fait coiffer par Virgie (géniale Laverne Cox), on ressent toute la douleur vécue par Anna. A la fois physique (les rajouts sont brutalement attachés à ses cheveux), et psychologique (elle laisse une partie de son identité).
A aucun moment, Anna se bat. Elle essaye tant bien que mal de garder ses valeurs tout en survivant dans un système dur envers elle.

Les sorcières de The Craft (pitié ne regardez pas le reboot), agissent dans une optique de reconstruction personnelle ou en réponse à des comportements sexistes ou racistes. Donc des oppressions systématiques, dans lesquelles plusieurs personnes ayant ces problématiques, peuvent se reconnaitre.

D’autres enjeux sont possibles!

On le constate, les femmes agissent principalement en réaction à une agression, que ça soit envers elle, ou quelqu’un de sa famille. Les actions purement politisées, notamment pour lutter contre un système oppressif (et donc violent envers un cercle élargi), sont relativement marginales. Tout comme des actions en lien avec une réflexion philosophique, métaphysique, ou tout simplement liée aux relations humaines.
Mais les films mettant en scène ce type de personnages féminins ne sont pas inexistants pour autant.

L’impressionnant Possession évoque le parcours d’une femme délaissant enfant et mari pour une relation avec une entité monstrueuse. C’est aussi l’occasion de montrer la destruction sociale et culturelle engendrée par le régime communiste. Le personnage joué par Isabelle Adjani montre un corps et une âme en totale errance, reconstruction.
Relic pose le portrait de 3 héroïnes de 3 générations qui font face à la vieillesse, au deuil, et surtout au temps qui détruira inexorablement la génération qui nous précède.

Le personnage fantômatique de La Llorona (le film guatémaltèque), est un personnage qui hante discrètement mais réellement la maison d’un dictateur. Elle n’est pas violente, et même si sa présence est liée au massacre de ses enfants, elle est aussi politique. Sa présence est là pour dénoncer, et surtout enfin verbaliser le génocide (plutôt méconnu des européen.nes), des Indiens Mayas sous la dictature au Guatemala, dans les années 80.
Dans ces films, les femmes ne se battent pas, mais existent pour une raison spirituelle et/ou politique. On peut noter bien sûr la saga Alien, mais aussi Resident Evil. Dans le genre policier, Fargo met en scène une policière qui gère grossesse et enquête, de front.

Ces enjeux permettent aux personnages féminins d’exister en tant qu’individus. De par leur métier, ou de leur histoire. Avec ses qualités, défauts, ses manières d’interagir et comprendre le monde.

8-Et maintenant?

Quel ce que soit le sous genre concerné, les héroïnes sont principalement des femmes jeunes. Même si on note quelques exemples avec Serial Mother, Relic, Mad Max ou Elle, les femmes entre 50 et 90 ans, sont (comme ailleurs au cinéma) très absentes. Pourtant, l‘émancipation, la réaction à un système de domination, sont des thématiques passionnantes qui existent aussi pour ces femmes, sous d’autres formes, avec d’autres enjeux. Mais j’imagine que dans la mesure où elles sont invisibilisées dans la vie, elles passent aussi plus souvent sous l’intérêt des radars des scénaristes.

The Substance a permis à Demi Moore d’obtenir le rôle qui restera le plus marquant dans sa carrière à 60 ans, tant il aura apporté reconnaissance et récompenses. Le film traite de l’âgisme avec flamboyance et rage. Son succès confirme que le public est en recherche de représentations d’héroïnes de tout âges, et que la vie des femmes plus âgées n’est pas finie. Ce sont des héroïnes complexes et riches.
On peut noter aussi que dans tous les exemples cités dans cet articles, les héroïnes racisées, identifiées comme LGBTQI+, etc..bref des minorités, se comptent sur les doigts d’une main, surtout dans le mainstream.

J’ai souvent lu des interviews de réalisateurs de cinéma de genre qui expliquaient leur fascination pour le genre féminin. Que c’était pour cette raison qu’ils mettaient en scène des héroïnes. Pour mieux les comprendre, pour sublimer leurs forces, leurs faiblesses. Cette réponse m’a toujours posé questions.
Ce que je constate, c’est qu’ils sont fascinés par l’attitude que les femmes adoptent dans un monde qui leur est hostile. Monde créé par et pour eux, dont certains continuent de perpétuer consciemment ou non, des comportement toxiques, violents, dominants. Et permettez moi de trouver cela particulièrement ironique.

Quel est le sens de la l’héroïne « forte »?

Finalement qu’est ce qu’une héroïne forte? Une femme qui se bat, qui se rebelle, qui lutte? Oui mais que doit-on penser des femmes qui peuvent/veulent pas se battre? Une femme ayant un handicap ne pourrait-elle pas être forte? Des femmes qui n’oseront jamais s’imposer physiquement ou verbalement ne sont donc pas fortes?

Plus j’y pense, et plus la notion de « femme forte » n’a finalement pas beaucoup de sens, et se réduit souvent à la capacité des héroïnes de mimer des comportement masculins.
Et ces comportement sont toujours valorisés, contrairement aux actions associées au féminin. Par exemple, une petite fille qui joue avec des jouets dits de garçon sera valorisée ou alors on la laissera tranquille. C’est beaucoup moins le cas pour un petit garçon qui joue avec des jouets « de fille ».

La force se mesure de différentes manières (on l’a vu dans les exemples au dessus), quels que soit les genres. D’ailleurs, ça serait l’occasion de sortir de ces représentations binaires. D’introduire des personnages transgenres, gender fluid…Car si le cinéma de genre brille par sa présence de femmes (contrairement aux autres genres de cinéma), il reste très frileux sur la représentation de la communauté LGBTQIA+, de manière générale, surtout dans le mainstream.
Est ce que c’est parce qu’on a longtemps cru qu’il n’intéressait que les mecs cis hétéro virils? Je ne sais pas. En tous cas, il y a beaucoup à faire.

La violence exercée par les femmes est nécessaire aussi, car elle est en réaction à un système oppressif, violent et meurtrier. Qui plus est, la violence dans les rapports humains est inhérent au cinéma de genre.
Le fait qu’une femme soit capable de prendre les armes, lui permet aussi d’être autonome, dans une société qui est dangereuse pour elles.
Mais on l’a vu, cette représentation de la violence doit être bien traitée, pour valoriser le personnage féminin.
Cette idée reçue qu’une héroïne est guerrière, a pour conséquence une injonction supplémentaire. A savoir que les femmes qui ne le font pas, seraient faibles.
Par ailleurs, varier les raisons des actions et des enjeux des héroïnes dans le cinéma de genre, permettrait de proposer de nouvelles histoires. Et oui, j’en arrive souvent à la même conclusion…

SOMMAIRE

1-La perception de la femme forte

2-La femme, victime?

3-Souffrances sera ton destin

4-La femme guerrière

5-La méchante

6-Les héroïnes du cinéma d’horreur

7-Elles se démarquent

8-Et maintenant?

Liste des films évoqués:

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Dans la société comme au cinéma, les femmes non blanches subissent une double oppression: le sexisme et le racisme.

Avant d’aller plus loin, je vais préciser d’où je parle. Je suis une femme blanche. Je ne suis donc pas concernée par le racisme et malgré ma déconstruction sur le sujet, il se peut que je n’ai pas toutes les clefs pour comprendre ou expliquer. Ça me paraissait important d’évoquer ce sujet, encore peu abordé massivement. N’hésitez pas à commenter si besoin.
Je vais me concentrer sur la France. Les personnes non blanches dans le cinéma américain par exemple mériteraient un autre article tant les problématiques sont différentes.

Il est toujours très compliqué d’évoquer précisément le manque de présence de personnes non blanches dans le cinéma. Car comme dans tous secteurs, le fait de dresser un état des lieux du nombre de personnes par couleur de peau est interdit en France. Les dérives qui peuvent en découler sont compréhensibles. Pour autant, si on ne connaît pas la situation exacte, comment s’attaquer au problème?

Si on ne sait pas combien de personnes non blanches sont actives dans un secteur, comment combattre la non représentation, le racisme?

Cliché mon amour

Pour entrer en matière, je vous propose l’article de l’association Lallab, qui recense la plupart des clichés que l’on rencontre vis à vis des personnes non blanches. Certains sont d’emblée maladroits, ou racistes involontairement (même si toute personne blanche l’est, car notre société est construite sur du sexisme et du racisme, donc il est difficile d’éviter des pensées/remarques racistes). D’autres partent d’une bonne intention comme dirait l’autre. Dans tous les cas, ils illustrent la manière dont les personnes racisées sont le plus souvent représentées au cinéma. Et ces clichés ont tous un point commun: montrer un aspect négatif. Voleur-euse, bruyant-e, illetré-es, faibles, fanatiques, superficiel-les…

Et quoi qu’on en dise, cela a une influence sur la façon dont nous percevons ces personnes ensuite dans notre quotidien. Surtout que ces clichés existent…comme pour des blanc-che-s! Mais, le peu de personnes racisées que nous voyons dans cet art populaire qu’est le cinéma, sont toujours dans les mêmes situations.

On a beaucoup parlé de la sortie fracassante d’Adèle Haenel aux Césars 2020, mais le discours politique est venu d’Aïssa Maïga, qui a provoqué un énorme malaise. Elle dénonce sur un ton à la fois ferme et taquin le manque cruel de diversité. Elle a mis tout le monde mal sûrement, mais il faut nous mettre mal pour comprendre ces enjeux.

Attention, ici je m’attarde peu sur la qualité des films. C’est vraiment la représentation des personnages qui m’intéresse.

Représentation des personnes non blanches

Mi figue mi raisin

Les films suivants ont le mérite de représenter des minorités, et dans des rôles qui volent plus haut que les vulgaires clichés que l’on trouve dans 95% des comédies françaises. Ils sont loin d’être parfaits car ils se rapprochent de ces clichés. Mais la force qui s’en dégage et les interprétations réussies en font des objets cinématographiques utiles.

Divines de Houda Benyamina

Réalisé par une femme arabe, avec des personnages féminins forts, j’aime beaucoup Divines.
Force est de constater que les personnages principaux joués par Oulaya Amamra, Jisca Kalvanda et Déborah Lukumuena. Deux femmes noires et une femme arabe.
Ces trois actrices jouent des rôles femmes guerrières, indépendantes, autonomes qui cherchent à s’en sortir. Et c’est surtout une des plus belles histoires d’amitié que j’ai pu voir au cinéma.

Pour autant, ces femmes noires et arabes vivent dans un quartier dit « sensible », et touchent le fond de la pauvreté. Elles utilisent également le cliché de la manière de parler type « banlieue ». Donc si Divines renouvellent la manière de filmer des jeunes femmes, ce n’est pas le cas concernant les minorités.

Bande de filles de Célina Sciamma

On retrouve ici la même problématique que pour Divines. Céline Sciamma film des jeunes femmes noires en banlieue, sur fond de trafic de drogue. Bande de filles met au centre quatre personnages de femmes noires. Du jamais vu.
Elles sont jouées par Karidja Touré, Assa Sylla, Lindsay Karamoh, et Mariétou Touré. Le problème c’est qui se souvient de ces actrices? Elles n’ont pas fait grand chose depuis, sinon des petits rôles pour certaines.
Elles ont bien fait fonctionner cette bande de filles, quitte à ce qu’elles ne forment plus qu’un unique personnage. Sacrifiant leur personnalité propre. D’où sans doute l’oublie (peut être temporaire!), en plus de la discrimination?
De plus, des jeunes femmes noires sont présentées comme délinquantes, et pauvres. Cet article explique bien le problème que pose le film, malgré ses bonnes intentions.

Il reste intéressant d’entendre la directrice de photographie, Crytel Fournier, qui explique qu’elle n’aurait pas pu faire l’éclairage du film avec des peaux blanches.

Mustang de Deniz Gamze Ergüven

Même si le contexte, personnages, narration sont différents, Mustang fait penser à Virgin Suicides de Sofia Coppola par certains aspects. Une bande de sœurs plus ou moins blondes, jolies, séquestrées par leur famille.
Ici l’action se passe dans un village de Turquie. L’intention de la réalisatrice est de montrer la montée de l’intégrisme religieux en Turquie, réduisant les libertés de plus en plus.
Les personnages sont travaillés, et le film est traversé de différents ton: bonheur, espoir, drame..
Mais on reste dans la problématique de montrer des personnages d’origine arabe, d’autant plus féminins, et opprimés par la religion.

Nous trois ou rien de Kheiron

Changement de registre avec Nous trois ou rien de l’humoriste Kheiron vu dans la série Bref.
Une des meilleurs comédies de ces décennies. Un film intelligent, qui retrace le parcours des propres parents de Kheiron qui ont fuit la dictature de l’Iran.
C’est très drôle, triste, et le courage des parents est criant de vérité. Mais un peu comme dans Mustang, on montre des minorités pour montrer un aspect triste, sous le poids de libertés brimées.

L’exception ne confirme pas la règle

Pour finir sur une note positive, voici une liste de films français avec des personnes non blanches qui ne tombent pas dans les clichés. Et la plupart viennent du cinéma de genre…A bon entendeur!

Martyrs de Pascal Laugier

Mylène Jampanoi et Morjana Alaoui sont des actrices issues des minorités (asiatique et arabe). Elles tiennent les rôles principaux de Martyrs, film incontournable du cinéma de genre en France.
Et à aucun instant dans le film, la question de leur couleur de peau est ne serait ce que mentionnée dans le film. Ni les rôles, ni les dialogues, ni le contexte, et encore moins le récit utilise la couleur de peau pour une situation.

Frontières de Xavier Gens

Karine Testa, d’origine kabyle tient le rôle principal de l’inégal mais efficace Frontières de Xavier Gens. Et là encore, sa couleur n’a d’influence sur aucun élément dans le film. Même si elle est issue d’un groupe de voleurs, nous n’avons pas d’informations ni sur leur origine sociale, intentions, etc..

Grave de Julia Ducournau

Le personnage de Rabah Naït Oufella, est algérien et gay dans le film. Julia Ducournau ne fait pas référence dans Grave, à son origine mais plutôt à son orientation sexuelle, qui a pu en crisper certains. En effet, on peut voir une négation de son orientation sexuelle au fur et à mesure du film. Je vous laisse lire ma critique.

Le chant du loup d’Antonin Baudry

ENFIN un film où Omar Sy ne joue pas le noir de service! Le chant du loup est un excellent thriller, avec un travail sur le son incroyable. Aux côtés de Reta Kateb, ces deux personnages issus des minorités ne sont pas un élément construisant le récit. Ils jouent même des rôles de chefs.

Les trois frères des Inconnus

Vous avez vu comme je finis en beauté? Les trois frères qui restent la meilleure comédie des Inconnus, met en scène Pascal Légitimus, avant qu’il se fasse écarter. Le personnage de Pascal est présenté comme cadre supérieur dans une entreprise. Le film survole même des questions de discrimination et de racisme plutôt intelligemment.

Et vous? Avez vous des exemples?

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La triste banalité de l’invisibilisation

De manière générale, les films sont dirigés et écrits par des personnes non concernées. Et qui ne consultent pas des personnes concernées.
Ce qui donne lieu à beaucoup d’oeuvres qui ne comprennent pas les enjeux de la transidentité. En plus d’invisibiliser les personnes dont ces films sont sensés raconter l’histoire. Avouez que c’est relativement dénué de sens.

A la manière d’un test de Bechdel, il existe le test de Vito Russo. C’est un militant LGBT qui a écrit The Celluloid Closet, en 1981, sur la représentation de l’homosexualité à Hollywood. Il démontre l’influence de cette industrie sur la perception portée sur la communauté LGBTQI+.
En s’appuyant sur cet ouvrage, l’association américaine Glaad, a créé le test Vito Russo, qui a liste 3 points à dépasser pour évaluer l’importance des personnages LGBTQI+ dans les séries ou films:

1. Le film contient au moins un personnage LGBTQI+. Il n’est pas nécessaire qu’on le dise clairement (c’est même mieux), mais il ne peut pas y avoir de doutes.
2. Le personnage ne doit pas être défini à travers ça, et surtout s’il y a plusieurs personnage, ils doivent être autant nuancés que ce qu’on peut attendre de personnages cis hétéro.
3. Le personnage doit être intégré dans l’histoire de manière à rendre sa présence indispensable à la narration ou à la cohérence du film. Il ne sert donc pas uniquement pour servir un propos social, ou pour faire rire.

Il est déjà compliqué de trouver des films qui remplissent ces catégories, alors qui les dépassent…

Le site Konbini a publié un article sur la polémique à Hollywood concernant les rôles de personnes transgenres qui ne sont pas joués par des personnes trans (Dallas Bayer Club, Danish Girl par exemple). L’article suscite incompréhensions, rejet. Le traditionnel « un-e acteur-rice devrait pouvoir tout jouer ». Décryptons pourquoi la question n’est pas là.

Entretien avec Roxane Gervais

Je ne suis pas directement concernée par les problématiques que rencontrent les personnes trans, j’ai souhaité donner la parole à une personne concernée, Roxane Gervais. Elle a accepté (pour mon plus grand plaisir), de répondre aux principales remarques entendues/lues quand on parle de la place des acteur.rice.s transgenres au cinéma.

Le but est d’expliquer pourquoi ce sujet est sensible pour les personnes trans. Mais aussi de sensibiliser les personnes qui ne connaissent pas ou peu les problématiques rencontrées par ces personnes.

1-« Un.e acteur.rice doit pouvoir tout jouer/jouer le rôle dont il a envie, c’est ça la comédie. »

Je suis bien d’accord ! Bien sûr, la liberté artistique permet de jouer qui l’on souhaite… Mais ce n’est pas la question en soi. On embauche jamais – ou extrêmement rarement – un homme cisgenre (= en accord avec son genre assigné à la naissance) pour jouer une femme cisgenre, ou l’inverse. Et faire ainsi, exclusivement dans le cas des personnes transgenres, perpétue l’idée que notre identité est un rôle, un costume que l’on peut enlever à volonté. Et c’est cette idée même qui pousse certains hommes, souvent après avoir eu des relations sexuelles avec des femmes trans, à nous tuer. Par crainte d’être vus comme des homosexuels, ils en viennent à la violence pour affirmer qu’il s’agissait d’une tromperie de notre part et qu’ils se sont vengés ou défendus.

2-« Au moins on parle de la condition des personnes trans, c’est un bon début. »

Alors, déjà, on parle d’un certain type de condition. Très souvent, les femmes trans représentées à l’écran sont des travailleuses du sexe. Certes, la précarité qui nous touche pousse nombre d’entre nous vers ces professions ; mais ce n’est pas non plus automatique, et l’on aimerait bien voir autre chose.
Ensuite, des films qui parlent de personnes trans, on en voit depuis longtemps maintenant. Dans les années 90, on a notamment eu The crying Game, Boys don’t cry ou Ma Vie en rose. Mais dès 1953, on avait Glen or Glenda, réalisé par Ed Wood. Ce n’est pas un sujet récent ! Le “bon début” commence à être un peu long, il est peut-être temps de passer à la suite, vous ne croyez pas ?

3-« Mais l’acteur.rice cis (donc non trans), livre une sacrée performance!/ Le film a eu du succès/ Le film a été récompensé. »

La différence est que l’acteur va interpréter la transidentité. Il s’agit pleinement d’un rôle. Il n’y a qu’à voir Eddie Redmayne dans The danish Girl : cet homme, très bon acteur par ailleurs, joue une Lili Elbe éthérée, sans grande profondeur en soi ; aussi crédible soit-il en tant que femme, la personnalité manque de complexité à mon sens.

Une femme trans n’aurait pas eu à jouer son identité, et aurait pu se concentrer sur le caractère en soi, livrant ainsi un jeu plus subtil.

Quant aux récompenses, remettre un prix du “meilleur acteur” (best male actor) pour un rôle féminin est assez significatif, je trouve. De plus, quand on voit la proportion d’acteurs et actrices noires récompensées comparé à la proportion de rôles, on réalise qu’il s’agit là d’un choix au moins autant politique qu’artistique.

4-« Attendez d’avoir vu le film avant de juger »

Aller voir un film ou non est également un choix politique. Il s’agit de dire que cinéma on veut voir par la suite, celui que l’on veut financer par nos achats de place. Je n’ai pas voulu acheter de places pour Gods of Egypt parce que ce film pratique le whitewashing. Ou pour Alice, de l’autre côté du miroir alors que le producteur et acteur Johnny Depp est accusé de violences conjugales. Ce sont des positions politiques. Aller voir ou non The Danish Girl l’est tout autant.

5-« Il n’y a pas/peu d’acteur.rice.s trans »

Laverne Cox. Stella Rocha. Jamie Clayton. Jen Richards. Janet Mock. Je ne sors que les actrices qui me viennent de tête, sans réfléchir. Et toutes ces personnes ont réellement commencé leur carrière récemment !

Ce n’est pas que nous sommes peu, c’est que l’on ne nous laisse que peu la place d’exister, notamment dans ce métier. Depuis le début d’Orange is the new black, Laverne Cox – quasi inconnue auparavant – fait des plateaux TV dans le monde entier, uniquement car elle a réussi à percer dans un secteur autrefois bouché. Si vous nous laissez la place pour exprimer nos talents, croyez-moi, vous aurez de belles surprises !

6-« Faut pas enfermer non plus les acteur.rice.s trans dans des rôles de personnes trans »

Saviez-vous que dans The danish Girl, justement, il y a une actrice trans ? Qui joue un tout petit rôle, juste une scène, sans que son identité de genre ne soit mentionnée. Elle n’a pas été cantonnée à un rôle de personne trans : elle a été effacée en tant que personne trans, n’étant présente que pour servir de caution trans-friendly à la production.

Il ne s’agit pas de nous y cantonner ! Il s’agit de nous laisser la possibilité de jouer, de montrer que l’on existe. Dirions-nous qu’il ne faut pas “cantonner les acteur.rice.s noir.e.s dans des rôles de personnes noir.e.s” ? Le blackface a existé. Ce n’est plus le cas ; le transface existe en revanche toujours.

7-« Oui mais on sait pourquoi ce sont des acteur.rice.s cis qui ont été choisi.e.s, ce sont des célébrités qui vont ramener du public »

Depuis quand le cinéma ne fait-il pas de place à des anonymes ? Est-ce qu’on aurait dû rejeter Jamie Lee Curtis pour le premier Halloween ?

Oui, bien sûr qu’un Matt Bomer ou un Eddie Redmayne sont, comme l’on dit, bankable. Mais voulez-vous vraiment un cinéma se concentrant sur le succès ? Ou préférez-vous celui qui vise la qualité ? Chercher des excuses aux productions qui desservent tant le public général que les minorités, ne me semble pas une stratégie très intéressante.

Hillary Swank était inconnue quand elle a interprété Brandon Teena dans Boys don’t cry. Comme quoi, engager une inconnue pour jouer un homme transgenre dans un film à succès ne semble pas un problème… à la condition qu’elle soit cisgenre.

Pourquoi il faut parler de personnes transgenres et pas de personnes transsexuelles?

Voilà une question assez complexe de prime abord qui va nécessiter des précisions de grammaire (ne fuyez pas, il n’y aura pas d’interro écrite à la fin.)

D’abord, la base du mot, “sexuel”, renvoie à la sexualité, et pas au sexe au sens d’appareil génital ; ce serait plutôt “sexué” : on parle de “reproduction sexuée”, mais de “personnes bisexuelles”, par exemple. Or, l’identité de genre n’a rien à voir avec l’orientation ! L’appellation est donc impropre.

De plus, il s’agit d’un terme employé par la psychiatrie et la psychanalyse ; cette dernière considère la transidentité comme une maladie mentale. Or, toutes les dernières études en date indiquent que ce n’est pas le cas.

Pourquoi alors ne pas parler de “transsexué.e” ? Tout simplement parce que c’est une question d’identité et non d’organes génitaux. Croire cela est une pensée essentialiste, qui tend à considérer que nous nous résumons à ces parties de notre anatomie. Or, ce n’est pas plus le cas que pour les personnes cisgenres. Que ce soit avec ou sans intervention chirurgicale, nous sommes transgenres et nous le restons.

Pour conclure, voici une liste de films et séries avec des acteur.rice.s trans:

Séries:

–Orange is the new black,
–Sense8,
–Boy meets girls.

Films:

–Wild Side de Sébastien Lifshitz,
–Tangerine de Sean Baker,
–Assassination Nation de Sam Levinson,
-Lola vers la mer de Laurent Micheli.

A noter que les deux derniers films ne font pas de la transidentité un sujet. Les actrices transgenres ne sont pas désignées comme telles, elles sont le personnage, point (et c’est rare pour le noter!).

Merci Roxane d’avoir pris le temps de répondre

Le sujet commence à faire son chemin petit à petit. Durant l’émission estivale que je vous recommande chaudement BlockBusters sur France Inter, Frederick Sigrist a eu une réflexion intéressante. La question n’était pas de savoir si les acteur-rice-s pouvaient tout jouer, mais pourquoi les personnes transgenres, elles, ne peuvent presque rien jouer?

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