The Room est un thriller fantastique, mettant en scène l’arrivé d’un couple dans leur nouvelle maison. Ils découvrent une pièce, magique,
qui exauce tous leurs souhaits…ou presque.

The Room de Christian Volckman
Avec Olga Kurylenko et Kevin Janssens
Scénario de  Christian Volckman, Éric Forestier
Produit par Yaël Fogiel, Laetitia Gonzalez, Jacques-Henri Bronckart
Distribué par Les Films du poisson

The Room est le deuxième film du français Christian Volckman. J’ai pu le voir lors du Festival Les Utopiales 2019. Il était présenté en compétition officielle. Au casting, Olga Kurylenko et Kevin Janssens vu dans Revenge.

Un titre banal…

The Room ou le cas d’école d’un très mauvais choix de titre. Non pas par rapport au sujet du film qui est cohérent. L’autre film The Room, classé comme un des films les plus mauvais de tout les temps (et qui a donc fait le buzz), est le mieux référencé, et de loin.
Le réalisateur Christian Volckman précise que pendant le tournage, le film s’appelait SpringWel, nom de l’architecte du lieu de tournage. Pour des raisons commerciales, il a été décidé de garder The Room.

…pour un film surprenant

The Room commence comme un film des plus classiques. Un beau et jeune couple emménage avec passion et complicité dans leur nouvelle maison.
Christian Volckam met très rapidement en place le point de bascule du film. La découverte de la pièce magique (mais interdite et dangereuse, à l’image de Barbe Bleue), et les premières expérimentations qu’en font le couple.
On a à peine fait connaissance avec ce couple qu’on rit avec eux de l’absurdité de la situation.
Qui n’a jamais dit une phrase du type « si je gagnais au loto… »?
Evidemment, on sait que cet étalement de luxure a un prix. La question est: lequel?

Car on se demande bien pourquoi Matt et Kate ne se posent pas plus de questions, ce qui marque une grosse incohérence.
Mais la force de The Room est d’apporter des rebondissements réguliers, et pour certains imprévisibles.

Raiponce maléfique

The Room est un huis clos. Un couple qui se retrouve enfermé par la force des choses, avec leur enfant.
Et au delà de cet enfermement, c’est la métaphore des enfants qu’on élève dans une certaine culture, dans une certaine idée politique, dans des traditions. C’est finalement une forme d’enfermement. Christian Volckman l’explique très bien dans une interview passionnante que je vous conseille de regarder.

La mise en scène de The Room permet de rapidement bien faire la distinction entre la pièce et le reste de la maison. La photographie faite de nuances clair/obscur, reflète bien le caractère magique de la pièce.
Par ailleurs, il y a des idées de mises en scène pertinentes. Comme lors d’une dispute entre Matt et Kate. Celle-ci se renferme complètement sur son rôle de mère qui doit surprotéger son enfant. Elle exclut de fait Matt, qui lui reste septique face à cette chose. Et un passage montre Matt en dehors de la maison, affrontant Kate. Le film regorge d’idées similaires, en jouant avec le positionnement des personnages.
On regrette une fois de plus ce trait de personnage cliché, de la mère sacrificielle, qui se dévoue entièrement à son enfant.

Si The Room patine un peu dans la redondance du nouveau quotidien déprimant du couple, et des investigations de Matt concernant le passé de la maison dont on a (trop) vite les clefs, le dénouement final est diablement efficace. Sans rien dévoiler, on assiste à une course poursuite originale, mélangeant illusions et réalité.

The Room est un thriller fantastique bien ficelé, qui offre une une perspective nouvelle de se questionner sur nos désirs, et leurs conséquences.

L’article [Critique] The room: luxure en huis clos est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

1-Lifechanger, de Justin McConnel (Canada)

Le sujet:
Une entité doit prendre possession de corps en corps pour survivre.

L’avis:
Lifechanger fait clairement référence au Témoin du Mal, de Gregory Hoblit (1998). Cette entité maléfique qui navigue de corps en corps pour arriver à ses fins.
Ici, l’intérêt majeur du long métrage réside dans le fait qu’on pense que cette entité serait par nature mauvaise (après tout elle tue froidement et facilement ses proies), mais qui s’avère plus complexe. Habitée par l’amour envers une femme avec qui elle a des contacts au fil du temps, et sous différents aspects humains, homme ou femme, on finit par être attendri par ce personnage. Après tout, cet être ne fait que ce que nous faisons, humains, pour vivre: tuer des proies.  L’évolution du personnage et de ses réflexions (que se passerait il si je me laissais mourir?) offre un final surprenant et apaisant, bien qu’un peu bâclé.

Autre point fort de Lifechanger: les dialogues sont plutôt bien écrits, les voix off également, ce provoque une réelle empathie pour les personnages.
Lifechanger est par contre plombé par une mise en scène inexistante, des scènes longues et complètement inutiles à la narration (la fuite d’un des personnages suite à la diffusion de son portrait; la police ayant découvert les meurtres. On s’en fout royalement, c’est clairement pas l’enjeu initial du film).
Un bon moment, mais Lifechanger ne marquera pas les esprits.

2-The man with the magic box, de Bodo Kox (Pologne)

Le sujet: 
Dans un monde futuriste, un agent d’entretien vit une histoire d’amour avec une femme travaillant dans le même immeuble. Mais un poste de radio vintage vient perturber le cours du temps..

L’avis:
The man with the magic box est un long métrage qui brille d’abord par sa photographie qui rappelle des films comme Brazil de Terry Gilliam, et plus récemment La forme de l’eau de Guillermo Del Toro. Un mélange de vert, de brume, de carreaux noir et blanc, qui installent une ambiance anxiogène, peu avenante.
Sur fond d’agents secrets et d’expériences plus ou moins paranormales, le film crée beaucoup d’émulsions et d’actions pour un final sans intérêt. On oublie rapidement l’existence de la radio, qui passe clairement au second plan.
Heureusement, les acteur-rices sauvent le film, l’un jouant avec finesse l’amoureux éconduit mais tranquille, l’autre simulant avec efficacité une carapace (pour se protéger de quoi? On se le demande). On peut également noter quelques pointes d’humour pertinentes, qui font mouche.
Le vrai sujet du film s’avérant être une histoire d’amour perdue dans le temps.

3-Assassination Nation, de Sam Levinson (USA)

ATTENTION COUP DE COEUR! J’ai donc consacré un article à part entière sur ce long métage qui vous donne une bonne claque.

4-Freaks, de Zack Lipovsky & Adam B.Stein (USA)

Le sujet:
Une fillette de 7 ans vit recluse avec son père, qui craint des attaques meurtrières…

L’avis:
C’est un peu ma déception du festival. Le pitch de ce long métrage était prometteur. Je suis toujours friande de la présence d’enfants dans le cinéma de genre, élément narratif tabou dans ce type de film, et qui donc peut s’avérer intéressant, soulevant des problématiques pertinentes.
Pour couronner le tout, le programmateur de la sélection survend le film en disant que depuis qu’il est montré en festival en septembre, il est étonné que ni journalistes, ni festivalier-ères n’ont spoilé la fin, qui s’avère être surprenante. Freaks serait même un tournant dans le cinéma de genre. Spoiler alert du coup: non. Le film est plutôt bon, mais original, non.

Commençons par ce qui fâche. Freaks retrace en fait le combat de personnes dites « anormales » pour avoir le droit d’exister dans une société hostile. Celle ci a surtout peur de son incapacité à maîtriser des êtres plus performants. Ça vous dit quelque chose? Comme X Men? District 9? Planète Hurlante? La planète des singes? Les tortues Ninja? (joke). Bref, la surprise tourne vite court, car le secret est vite dévoilé.
Non seulement, l’enjeu du film est classique, mais en plus les éléments narratifs à l’intérieur le sont aussi (communication mentale, possession des esprits, fatigue des protagonistes suite à une grosse concentration….). C’est finalement la première demi heure qui est la plus intéressante. On navigue entre ce qui nous semble être un rêve, un cauchemar, du paranormal ou l’imagination d’une enfant qui donne un petit côté Alice aux Pays des Merveilles.

Mi freaks, mi raisin

Là encore, le long métrage est sauvé par l’interprétation des acteur-rices, notamment la petite fille. Elle est quasiment sur tous les plans, et parvient à parfaitement transmettre la peur, le besoin d’amour, la quête, la force, le combat…
Le décor de la maison transformée en bunker est réussi, on y croit, et les effets spéciaux s’en tirent plutôt bien malgré la petite équipe et le budget réduit.
Ces deux éléments font que je ne me suis pas ennuyée. De là à dire que Freaks restera dans ma mémoire…

En tout cas, depuis il a fait la tournée des festival et a fait sensation. J’ai lu plusieurs articles à son sujet et il a l’air d’avoir été plutôt bien apprécié dans l’ensemble.

5-Worlds of Ursula K. Le Guin d’Arwen Curry- Documentaire

Quatre documentaires étaient projetés cette année, mais je n’ai eu le temps d’en voir qu’un. Il s’agit du long métrage Worlds of Ursula K.Le Guin, une auteure célèbre en Science Fiction (que je ne connaissais pas). Elle est décédée en janvier 2018, à 88 ans.

Ursula K.Le Guin donna l’impulsion de nouveaux genres, et il est considéré qu’Harry Potter n’aurait pu exister sans elle.
J’ai retenu deux séries de romans à lire: Dépossédés, réflexion sur une société anarchique, et La main gauche de la nuit où les personnages sont asexués, dans un monde climatique difficile.

N’ayant pas sa langue dans sa poche et féministe en décalage (en pleine révolution féministe des années 70, elle tient à son mariage heureux, et s’épanouit au foyer avec trois enfants), elle consacre chaque jour du temps pour écrire.
Ses difficultés étaient double: le genre de science fiction en littérature n’était pas reconnu à l’époque, considéré comme un sous genre (ce qui fait écho à la situation du cinéma de genre en France par exemple). De plus, c’était une femme, dans un monde d’hommes (et plutôt machos).

J’ai beaucoup aimé le fait qu’elle accepte parfaitement que ses œuvres soient critiquées. Elle a en plus, la capacité d’écouter et de remettre en cause ses écrits.

Le documentaire suit une chronologie classique mais quelques passages de ses livres sont brillamment animés. Le film est très efficace pour faire dévoiler cette auteure et donner envie de se plonger dans les écrits d’Ursula K.Le Guin. Une belle découverte.

Il se trouve qu’entre temps j’ai lu La Main Gauche de la Nuit et que je n’ai pas été convaincue. La fin du livre est plutôt prenante, mais l’ensemble du livre et relativement froid et les éléments liés aux personnes transgenres ne sont pas exploitées.

L’article [Festival] Les Utopiales 2018-Long métrage est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

J’aime:
La diffusion de courts métrages attire. Chaque séance est pleine à craquer. Et si l’on prend en compte l’offre culturelle foisonnante du festival, c’est même une performance. Une idée à propager dans l’ensemble des cinémas avant une séance…?
Par ailleurs, les courts métrages d’animation sont intégrés à l’ensemble des courts. Il n’y a pas de catégorie animation, séparée des autres œuvres, comme bien souvent. Ce qui renforce l’idée que l’animation est un genre de cinéma comme un autre (coucou les Césars!).

J’aime moins:
Le cru 2018 est passable. On se demande même pourquoi certains métrages ont passé la sélection…On peut regretter la quasi absence d’œuvres françaises (3/34), malgré un gros effort de présenter des métrages européens.
Enfin, la quasi absence de réalisatrices une fois de plus ( 4/34 œuvres)…

Amérique

Papilloplastie, de David Barlow Krelina (Canada)

Le sujet:
Papilloplastie est un court métrage d’animation narrant l’itinéraire d’un client d’une clinique, adepte de la chirurgie plastique.

L’avis:

Peu réussi esthétiquement, Papilloplastie tente de se rapprocher de son audience dès le début en donnant les traits d’un frère Bogdanov, à son personnage principal. Connus pour avoir le visage déformé par la chirurgie plastique, cela a le mérite de provoquer d’emblée quelques rires.  Seulement par la suite, rien ne décolle. Ni les personnages, ni l’intrigue. On déambule avec le personnage dans un lieu futuriste, déjà vu. La critique est simple, celle de l’addiction de la chirurgie esthétique, de la course à la soi disant beauté, qu’on ne peut pas constater ici. Le final laisse les spectateur-rice-s dubitatif-ves: le personnage se transforme en papillon; une métaphore de la transformation?

Riley was here de Jon Rhoads et Mike Marrero (USA)

Le sujet: 
Un homme vient se shooter pour ressentir ce que peut vivre un zombie.

L’avis:

L’idée de départ est originale. Nous sommes dans un monde actuel où hommes et femmes perdent forcément un être cher à cause d’un virus zombie. Malgré l’existence d’un vaccin, certaines personnes cherchent à retrouver, ou à comprendre les réactions que peut provoquer quand on est à l’état de zombie. Final prévisible et mise en scène simple, mais on passe un bon moment entre rires et suspens.

Space Flower, de Pam Covington (USA)

Le sujet:
Amoureuse d’un robot mais dont l’union est interdite, une héritière d’un empire de chips est envoyée en orbite par ses parents.

L’avis:
Space Flower est le court rafraichissant de la session. Décor assumé en carton pâte, du vaisseau aux accessoires, en passant par le robot, on prend plaisir à suivre les déboires adolescents de l’héroïne. Ca ne se prend pas la tête, sans grande prétention, et pour une fois cela aborde la SF de manière optimiste..

Occupant, de Peter Cilella (USA)

Le sujet:
Un homme constate qu’un double mystérieux s’infiltre dans sa maison.

L’avis:
Captivant, mais bien trop court pour le coup. On reste sur notre faim, dans la mesure où c’est une histoire vue et revue (un homme constate qu’un extraterrestre utilise un double de son corps pour prendre possession de sa vie).

The Replacement, de Sean Miller (USA)

Le sujet:
Afin de satisfaire l’envie des humains de vivre plusieurs vie, la mise en fabrication de clones est devenue monnaie courante. L’un des premiers à avoir passer le cap regrette amèrement ses choix, le jour où lui agent d’entretien voit un de ses clones devenir Président.

L’avis:
Sur une idée (très) classique dans la science fiction (l’utilisation de clones), un élément beaucoup plus pertinent se greffe: la frustration de l’être humain de, soit ne pas vivre la vie souhaitée, ou la curiosité de savoir quelles vies un ou des autres sois peuvent vivre. Vous me suivez?
Malheureusement, cet aspect est finalement peu exploité, et on reste en surface. Pourtant il y avait matière (préférence des humains d’élire un clone plutôt qu’un humain, la résistance, etc…).

Edge of Alchemy, de Stacey Steers (USA)

Le sujet:
Edge of Alchemy est une revisitation de Frankeistein via un procédé impressionnant. La réalisatrice a sélectionné des scènes des actrices de Mary Pickford et Janet Gaynor dans des films muets des années 30, pour les intégrer dans 6000 collages.

L’avis:
Le court qui aura gagné mon vote! Et pourtant, compte tenu des échos que j’ai pu entendre, il est loin d’avoir faire l’unanimité (certains ont même parlé de souffrance!). Il est vrai qu’il est n’est pas forcément accessible et même parfois difficilement compréhensible. Pour autant, l’univers onirique produit par le procédé est tellement fascinant, que je me suis laissée portée.

The Cure, de Mike Olenick (USA)

Le sujet:
A vrai dire, on ne sait pas très bien. Des extraterrestres utilisent les humains pour tester..quoi? On ne sait pas…au milieu d’une peur de la solitude.

L’avis:
Une catastrophe. Rien ne va pas. La photographie est affreuse, digne d’un feuilleton des feux de l’amour. La mise en scène se contente d’enchaîner littéralement des zooms avant/arrière en permanence ce qui agace profondément. La qualité des dialogues est inexistante donc on ne comprend pas le sens des actions des personnages, et encore moins l’enjeu. Les maquillages sont drôles malgré eux (une sorte de pâte verte recouvre les acteur-rices). Là vraiment, je me demande comment il a pu passer la sélection.

Information Superhighway de Mathew Nelson (USA)

Le sujet: 
Des pilotes testent des voitures équipées d’intelligence artificielle.

L’avis:
Bénéficiant d’une belle photographie en noir et blanc, le court m’a laissée sur le côté. Mélange de scènes de voiture, de points économiques, j’ai trouvé que l’aspect expérimental se prêtait mal pour traiter de ce sujet.

Rust in peace de Will Welles (USA)

Le sujet: 
Un robot sort d’une décharge et rejoint son compagnon humain.

L’avis:
On s’attache vite à ce robot, à l’allure d’un predator mignon, errant dans un paysage désertique, tel un Wall e. Face à la solitude de son maître ou de son ami, il apparait plus humain que l’être humain. Classique mais soigneux dans sa mise en scène, le court métrage ne cesse de surprendre dans l’évolution de cette relation, pour une fois positive (ou presque) entre l’homme et la machine.

RFLKTR de Matt Turner (USA)

Le sujet:  
Une commandante s’échoue sur une planète déserte et est confrontée à son double.

L’avis:
Images soignées mais intérêt 0. Le court était à l’origine dans la session 4 mais a connu des problèmes techniques. Les Utopiales l’ont donc reprogrammé pour la session 5. Ce n’était pas nécessaire.

Europe

L’auxiliaire, de Frédéric Plasman (Belgique)

Le sujet:
L’auxiliaire met en scène une femme, visiblement mal en point, victime d’une voix, de pensées qui semblent la diminuer de plus en plus.

L’avis:
Mise en scène classique, le décor est plus intéressant: des sortes de ruines forment un cercle autour de la femme. Comme une spirale. Le problème c’est que le court devient intéressant à la fin, quand on comprend que c’est une puce sensée booster les performance du cerveau, qui est la voix off, et dont la femme cherche à se débarrasser. Dommage, car le reste du film porte à confusion, et ni la mise en scène, ni le monologue ne sont suffisant captivants pour s’y accrocher. Et puis surtout, on aurait aimé en savoir plus sur cette puce, plutôt que de regarder les déambulations du personnage.

Laura & Vineta, de Roberts Kulenko (Lituanie)

Le sujet:
Un cultivateur de pommes de terre se voit confisquer son champs suite à l’atterrissage d’OVNI…

L’avis:
La première session de courts métrages, se finit sur une touche humoristique avec Laura & Vineta. On s’amuse devant la tendre passion du personnage (et ses compagnons), pour ses patates. Je n’ai pas bien vu l’intérêt du film (une comédie n’est pas forcément dénuée de sens pour autant), qui reste très classique dans sa mise en scène.

Cyborgy, d’Adam Zadlo (Pologne)

Le sujet:
Des robots balançant la cadence, sont perturbés par l’arrivée d’un virus.

L’avis:
Film d’animation expérimental, Cyborgy est plus intéressant dans sa forme que dans son fond. L’utilisation de pâte à modeler pour matérialiser le virus donne un rendu plutôt efficace. La scène la plus originale est la représentation du bug qui survient, représentant une sorte de combat, de lutte pour tenter de trouver un raisonnement malgré tout.

Voyager, de Kjerstl Rasmussen (Norvège)

Le sujet: 
Dans un pays froid, des étoiles filantes amenant des visiteurs extraterrestre sur une base stockant des semences, perturbe l’équipe sur place.

L’avis:
C’est intriguant, la photo est belle, mais encore une fois ce type d’amorce mériterait un traitement plus long. Le-a spectateur-rice est trop habitué-e à ce genre de scénario pour accepter de rester sur une telle fin, inaboutie (Pourquoi vont il chercher la semence en nombre? Pourquoi du végétal doit être associé à un humain?..)

Reruns de Rosto (France)

Le sujet: 
L’évolution d’un personnage à différents stades de sa vie, à travers un rêve.

L’avis:
Mélange de prises de vues réelles et d’animation, ce métrage s’avère divertissant. Le personnage est plutôt attachant (tantôt enfant, tantôt adulte maladroit, tantôt squelette…). Le court manque de structures, ce qui finit par nous perdre, avec des répétitions qui paraissent inutiles (la récurrence du prof qui n’apporte pas grand chose). Ceci dit, est ce dû au manque de structure de la plupart des courts de cette session5

Ugly de Nikita Diakur (Allemagne)

Le sujet: 
L’itinéraire d’un chat sous l’oeil bienveillant d’un Amérindien.

L’avis:
C’est plus par la forme que par le fond qu’Ugly se démarque. Tout est carré ou octogonal. Cela donne un aspect appelant évidemment la rigueur d’un monde mais aussi son aspect fantastique. Cela peut gêner car pouvait rappeler un jeu vidéo médiocrement réalisé, mais c’est pourtant ce qui m’a aidée à suivre les aventures de ce chat qui s’avèrent peu intéressantes.

72% de Lluis Quilez (Espagne)

Le sujet: 
Le corps humains est composé de 72% d’eau. Dans un décor désertique, 4 personnage se partagent minutieusement une bouteille d’eau qui se remplit petit à petit grâce à une unique goutte d’eau.

L’avis:
J’ai entendu autour de moi des soupirs de soulagement quand le court s’est fini. Car il était apparemment trop long et lent. Personnellement j’ai beaucoup apprécié cette montée en puissance des problèmes qui vont amener à la mort de chacun-e. Chaque catégorie de la population a été tentée d’être représentée (la femme noire et mère, la personne handicapée, le gros homme d’affaires….). Et l’issue fatale est à l’image de l’incapacité de l’homme (et a priori non pas de la femme), d’être raisonnable.

Spinning record d’Emily Downe (Royaume Uni)

Le sujet:  Bonne question.

L’avis:
A vrai dire je n’ai même pas eu le temps de le voir. Il dure quelques secondes, et on l’on voit une succession d’images, de chiffres, de personnages. On a pas le temps de faire de liens, de comprendre.

Lo Siento Mi Amor d’Eduardo Casanova (Espagne)

Le sujet: 
L’explication de l’assassinat de Kennedy…

L’avis:
Le court métrage WTF par excellence. Si vous avez envie de voir Jackie Kennedy baiser avec un extraterrestre, et commanditer via son amant le meurtre de son mari…Essayez de le voir. Mention spéciale aux décors qui sont particulièrement soignés, avec le rose de la tenue de Jackie Kennedy un peu partout. Le film a le mérite de mettre mal à l’aise. A part ça…

Asie

Emergency stair, de Mae Hwa Park (Corée du Sud)

Le sujet:
Une stagiaire en marketing est missionnée pour apporter des documents au département RH. L’ascenseur étant en panne, elle emprunte des escaliers qui la feront tourner en rond.

L’avis:
Critique de la pression managériale dans les grandes entreprises, Emergency stair utilise l’aspect fantastique (une femme coincée dans une faille spatio temporelle), pour communiquer une envie de se libérer du dictat patronal. Le film tourne rapidement en rond, mais propose un final intriguant juste avant qu’on commence vraiment à s’ennuyer. Sympathique, j’ai finalement voté pour celui-ci.

Walking meat de Shinya Sugai (Japon)

Le sujet: 
Les zombies sont utilisés comme viande pour nourrir les humains. Après une panne dans une usine à viande, des salarié-es vont devoir s’unir pour survivre.

L’avis:
C’est déluré, c’est fun, c’est acide parfois (notamment sur l’égocentrisme des humains). Esthétiquement c’est plutôt réussi, mais le court se démarque vraiment lors des scènes d’action qui sont particulièrement entrainantes. Sans grand intérêt, mais divertissant.

Irony, de Radheya Jegatheva (Australie)

Le sujet: 
Plaidoyer contre notre utilisation des réseaux sociaux.

L’avis:
Film d’animation brillamment  réussi, constitué de successions de plans maîtrisés et logiques, on plonge facilement dans cette réquisition contre l’orgueil humain, utilisant les réseaux sociaux. Malheureusement, le discours a déjà été entendu 1000 fois pour se démarquer, et manque surtout de nuances, et manque de tomber dans la caricature (je ne suis pas sûre que toutes les femmes qui aiment se montrer sont dans le fond, dépressives…)

Retour sur:
>Les Utopiales- Edition 2018- Bilan général
>Les Utopiales- Edition 2018- Conférences
>Les Utopiales- Edition 2018-Longs métrages

L’article [Festival] Les Utopiales 2018-Courts métrages est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

1-Frankenstein VS Marx

2-L’invasion des profanateurs: parasite-fictions

3-Le corps des machines

4-Enregistrement de l’émission « Mauvais Genres » par François Angelier (France Culture)

5-Worlds of Ursula K. Le Guin d’Arwen curry- Documentaire

En introduction, un mot du Président des Utopiales, Roland Lehoucq, sur la téléportation quantique:

1-Frankenstein VS Marx

Les influences de Mary Shelley

Les conférences des Utopiales démarrent toujours pas un sujet qui fait la synthèse du thème. Ici il a été question de soulever quels points dans l’œuvre de Frankenstein sont une métaphore, ou une référence au prolétariat et à l’aristocratie. Comment peut on interpréter les réflexions de Marx, à un tel livre? Le défi semble plutôt intéressant!

Jeanne A.Debats, programmatrice des Utopiales prend rapidement la parole pour rendre hommage à Mary Shelley, autrice de Frankenstein, figure pionnière du corps dans la Science Fiction. Et que malgré une éducation aristocratique (entourée d’un père libraire/écrivain et d’une mère féministe écrivaine, Mary Wollstonecraft), elle a transgressé les rôles habituellement attribués aux femmes pour écrire un tel roman. On peut prendre simplement l’exemple d’utiliser un drame qui lui est arrivé (enfant mort né), comme élément narratif de base.

Par ailleurs, il est dit que si on se réfère au mythe grec, le prolétaire des Dieux est Sisyphe (et non pas Prométhée, comme le sous titre du livre: Frankenstein ou le Prométhée moderne). En effet, Mary Shelley utilise la version grecque d’Eschyle où le Titan est à la fois le créateur de l’Homme, et celui qui donne le feu, à l’origine de la civilisation.  Car Sisyphe conteste aux Dieux le droit de lui donner la mort, il veut rester sur Terre. Donc Mary Shelley oppose la raison à la divinité.

Corps et prolétariat

On se demande si Victor Frankenstein n’essaye pas de créer le corps parfait d’un travailleur via sa créature. Le travailleur serait donc ainsi esthétiquement laid, à faire peur. Il n’est pas heureux dans son corps, il souffre, et il n’a pas le droit non plus de ressentir des émotions. Dans ce cas, Victor lui refuse tout, et le considère comme une menace à exterminer. On est bien dans la déshumanisation du travailleur.
La peur de la créature peut évidemment symboliser la peur de l’aristocrate (Victor), face au prolétaire, et surtout son désir d’émancipation.

Un des intervenants explique que pour lui, il ne peut pas y avoir de parallèle aristocratie/prolétariat en terme de création (à l’image de la créature), car l’aristocratie n’a pas créé le prolétariat; c’est un rapport de force.
Il est plus sensible à la représentation du monstre, qui veut s’émanciper.
Il est constaté que le corps est impacté par la catégorie sociale. En cela, la créature peut bien symboliser les conditions du travailleur, et du dominé, qui est dégradé physiquement et/ou moralement.
Et pour faire un lien avec le cinéma d’aujourd’hui, il est noté que les catégories sociales supérieures sont surreprésentées (avocat, médecin…) dans la plupart des genres de film, et notamment les comédies. A contrario, quand ce sont des travailleur-euse-s, ce sont quasiment systématiquement des drames sociaux.
Ainsi, dans Frankenstein, les catégories sociales inférieures, dont fait partie Justine, la domestique est rapidement oubliée par Victor et Elizabeth, alors que celle ci subit une condamnation à mort injuste, pour le meurtre du petit frère de Victor.

Vous aviez déjà assisté à des conférences qui arrivent à manier si bien deux sujets en apparence différents?

Les diktats

Jeanne A.Debats va même plus loin dans le parallèle de la création du monstre en prenant l’exemple des femmes, soumises à des diktats qui modifient leur corps. De façon volontaire (en s’affamant, en s’opérant), ou pas (le fameux point du mari).

Marx souhaitait utiliser les institutions (représenté par la créature) pour changer la société, alors que les anarchistes étaient conscients que le monstre était justement impossible à contrôler, donc ne pouvait être un outil. Victor serait il Marx? Car même s’il fait parti de l’aristocratie (et en a des réflexes), il ne correspond à ces codes: il refuse l’autorité, la religion, le conformisme…il remet en cause les institutions.

La moralité

Enfin, une des questions centrales dans Frankenstein est abordées: la créature est elle mauvaise par essence ou pas? Jeanne A.Debats estime que non dans la mesure où rien ne le destinait à être violent, d’autant plus que son premier meurtre est dû à de la légitime défense.

Au contraire, le modérateur estime que la créature n’est ni bonne ou mauvaise par nature, elle est neutre. Elle agit sans dimension moraliste, mais de la façon qui lui semble la plus naturelle possible (en aidant l’homme aveugle par exemple).
Ce qui amène un débat concernant des notions comme l’empathie. Est elle à mettre dans la morale ou non? Selon le modérateur, l’empathie peut parfaitement faire partie de la neutralité.
Dans tous les cas, c’est parce que les relations sociales existent qu’il peut y avoir une dimension moraliste.

Une des conférences les plus abouties, qui soulève beaucoup de questions et qui a été plutôt aisée à suivre si on a lu le livre de Mary Shelley.

2-L’invasion des profanateurs: parasite-fictions

Une des conférences les plus passionnantes à mon sens. L’intérêt était d’apporter le point de vue d’un scientifique, qui ne connaissait absolument rien à la Science Fiction, et un paléontologue, lui amateur du genre.
Par conséquent, le scientifique apportait vraiment un point de vue neutre, objectif, sur la comparaison entre les parasites au cinéma, et ceux connus sur Terre.

Nous avons donc appris qu’il est impossible à l’heure actuelle de savoir si des organismes zombies existent. En effet il n’y a pas de définition claire et universelle du mot zombie.
Par contre, il existe des parasites qui sont capables d’infecter des insectes, et de les contrôler. Le but était de les exposer à la bouche d’herbivores, qui les mangeront, et le parasite pourra proliférer à l’intérieur de ces derniers.
A noter que le scientifique reste septique sur un organisme parasitaire comme celui d’Alien. Il trouve curieux pour la survie de son espèce, de compter sur la venue aléatoire de mammifères sur leur planète relativement déserte!

La plupart des questions des festivalier-ères étaient en lien avec le fait de savoir s’il serait possible que le monde soit victime d’une épidémie destructrice, comme on peut le voir souvent au cinéma. Et la réponse est…non, soyez rassuré-es! La raison étant que même si les humain-es voyagent plus et plus loin facilement, chaque organisme est différent. Il paraît compliqué qu’un organisme toxique ait la capacité de s’adapter rapidement à l’ensemble des êtres vivants. Il y a eu l’exemple de la peste noire qui a décimé 1/3 de des européen-ne-s, mais elle a aussi été propagée par manque de savoirs sur les transmissions contagieuses. Aussi parce que les corps infectés servaient d’armes de guerre.

3-Le corps des machines

Les conférences sur la robotiques sont très nombreuses. Mais cette conférence porte plus sur nos rapports aux robots, que leur représentation dans l’art.Pour autant, un des intervenants note que le robot qui ressemble à l’humain est lié à la SF « haut de gamme », c’est à dire sous des traits humains. Dans ce cas, l’idée est plus d’interroger l’humanité, mais rarement une réflexion sur la machine en elle même. Ils conseillent la série Westworld.

Pourquoi la thématique des machines fascine autant? Selon les intervenants, être une machine c’est pouvoir se réparer, s’améliorer: il y a une notion de contrôle, cher à l’humain.

La machine a un genre? Il est masculin en majorité.  D’ailleurs « androïde », andro veut dire homme. Alors que le 1er androïde est une femme (Métropolis de Fritz Lang, 1927), les intervenants tombent d’accord sur le fait qu’une fois de plus, le masculin s’est imposé.

Le robot: un animal comme les autres?

L’un des invités fait un parallèle entre spécisme et anti spécisme (pour les anti spécisme; ce n’est pas neutre de désigner les animaux comme espèce). Est ce que cela serait pareil pour les machines?
Il est acquis que ce n’est pas normal de frapper son chien, alors qu’un Iphone si. Pourtant, si on compare les deux QI, on n’est pas sûr-e-s que le chien gagne.
Peut on écraser une araignée? une vache? une fourmi? où est la limite? On ne la fixe déjà pas pour les animaux. C’est une question complexe, non binaire.
L’un des intervenants va plus loin en se demandant quel sera le racisme de demain? Il constate que nous n’avons aucun questionnement sur l’utilisation de nos outils.

D’ailleurs la perception des machines dépend des cultures. En SF japonaise, le rapport avec les machines est plus philosophique. Les japonais-e-s ont une envie de nuance car ils-elles ont un fond animiste.
A contrario, en Occident, nous avons une véritable peur. Car nous craignons de devenir une machine, c’est à dire rien. On a le sentiment de perdre quelque chose, de ses caractéristiques humaines.
Alors qu’au Japon on a compris qu’on était déjà greffé à des améliorations, qu’on était déjà dans le transhumanisme (téléphone, électricité, prothèse, lentilles, lunettes….)

Quel avenir avec les robots?

Par ailleurs, nous n’avons pas de mot pour désigner la haine des machines: on ne les considère pas comme un opposant, comme une menace réelle.
Alors que les IA commencent à faire parfois mieux que nous (un pigiste se contente des flux AFP, une machine peut le faire, les médecins notamment dans le domaine de la recherche contre le cancer). Un des intervenants pense que nous ne sommes pas préparés à ces évolutions.

Mais ils défendent l’idée qu’il peut être bon de remplacer les tâches/boulots pénibles par des machines (a t- on besoin qu’un être humain fasse des tâches robotiques comme fixer un rdv par téléphone?).
Cela peut être l’occasion d’accompagner les gens vers des métiers plus intéressants et de repenser le fonctionnement et le sens que l’on veut donner à une société qui aurait besoin d’être soudée (via l’idée du revenu universel par exemple).

Malgré tout, ils notent qu’il ne faut pas avoir peur du progrès. Il faut l’accompagner et c’est peut être là où il y a des lacunes. Mais ce type de conférences fait froid dans le dos.

4-Enregistrement de l’émission « Mauvais Genres » par François Angelier (France Culture)

Vous pouvez réécouter l’émission ICI.

Les conférences aux Utopiales prennent aussi la forme d’émissions de radio. Après une rapide (trop courte) présentation de la programmation du festival, François Angelier recevait Gilles Dumay, éditeur Albin Michel Imaginaire, avec sa collaboratrice Eva Sinanian (qui n’était pas indiquée sur le programme, mais passons).
La particularité de cette maison d’édition étant le fait de publier que des auteur-es qui assument le fait d’écrire uniquement de l’imaginaire. Pas simplement placer des éléments imaginaires dans un récit plus ou moins classiques.
J’ai beaucoup aimé la façon de Dumay de décrire en quoi l’imaginaire est indispensable pour raconter le présent, et la réalité. On ressent une vraie passion pour cet aspect littéraire, qui pour lui est autant important dans les livres, qu’au cinéma, que dans les jeux vidéos…

A ses côtés, l’auteur d’American Elsewhere , Robert Jackson Benett et malgré un pavé de 800 pages, j’avoue que le livre donne envie.
« Veillée par une lune rose, Wink, au Nouveau-Mexique, est une petite ville idéale. À un détail près　: elle ne figure sur aucune carte. Après deux ans d’errance, Mona Bright, ex-flic, vient d’y hériter de la maison de sa mère, qui s’est suicidée trente ans plus tôt. Très vite, Mona s’attache au calme des rues, aux jolis petits pavillons, aux habitants qui semblent encore vivre dans l’utopique douceur des années cinquante. Pourtant, au fil de ses rencontres et de son enquête sur le passé de sa mère et les circonstances de sa mort (fuyez le naturel…), Mona doit se rendre à l’évidence : une menace plane sur Wink et ses étranges habitants.
Sera-t-elle vraiment de taille à affronter les forces occultes à l’œuvre dans ce lieu hors d’Amérique ? »

Les Utopiales s’attachent à proposer des conférences passionnantes, avec des intervenant-es qui prennent le temps de creuser le sujet. Le tout en restant accessible. Le succès de ces conférences est amplement mérité.

L’article [Festival] Les Utopiales 2018-Conférences est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Le corps, thématique 2018

Cette année le thème était le corps dans toute sa diversité: en tant qu’organisme, outil, sa perception, ses modifications…Le transhumanisme (la transformation du corps allant des lunettes à une prothèse, en passant par tout équipement améliorant l’humain), était donc au cœur du sujet. Un sujet passionnant qui donne lieu à l’exploration de thématiques diverses (les parasites, les robots…).

Ainsi, le thème de Frankenstein, imaginé par Mary Shelley, en 1816 était présent dans quasi toutes les conférences. Une façon de rendre hommage à la femme qui a  créé un nouveau genre pour les 200 ans à venir.

Les femmes, oubliées

Ce qui est cocasse quand on constate le peu de présence des femmes aux Utopiales.  Le Festival peine (comme beaucoup), dans la représentation des femmes, et ce n’est pas nouveau.

Mais ce n’est rien quand on regarde l’ensemble de la programmation:
-Littérature: 28 femmes sur 83 intervenant-es et invité-es,
-Science: 17 femmes sur 57,
-BD: 5 femmes sur 28,
-Cinéma: 0 femmes sur 16,
-Expositions: 1 femme sur 8,
-Pôle ludique (jeux de rôles, etc..): 2 femmes sur 18,
-Jeux vidéos: 3 femmes sur 15.

Au total, sur 224 intervenant-es et invité-es, on compte seulement 56 femmes. Et si on veut se faire mal les femmes représentent 25% des intervenant-es…

Faire l’effort de représenter des femmes n’a rien de revendicatif, et ne peut être perçu que comme une démarche militante. C’est simplement respecter l’opportunité de donner à chacun-e  de la visibilité, et ainsi de proposer une richesse de points de vue.

Pour avoir échangé sur les réseaux avec une des programmatrices, c’est à priori par manque de réponses et de disponibilités des femmes, s’il y en a eu peu. Je ne doute pas de la bonne volonté du festival, à suivre.

L’article [Festival] Les Utopiales 2018-Bilan est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).