Le cinéma d’horreur Japonais, qui fait parti de ce qu’on appelle la J-Horror, s’axe sur des intrigues incluant des fantômes, des hantises, des malédictions.
Entre colonisations, violences et tortures, domination patriarcale, le Japon n’est finalement pas en reste (contrairement à la vitrine de pays sympa qui est projetée), pour donner naissance à ces histoires.
Il se trouve que les fantômes féminins sont largement surreprésentés dans le cinéma d’horreur Japonais. Logique que je m’y intéresse!

Vaste sujet qu’est le cinéma de genre Japonais. Je ne suis ni une spécialiste du Japon, ni une spécialiste du cinéma horrifique Japonais. En revanche, je ne peux pas ignorer que les fantômes Japonais qui imprègnent tant notre pop culture (comme Sadako de Ringu) sont globalement des femmes. Ce n’est donc pas un hasard et cela traduit des croyances, des peurs, des évolutions sociologiques que nous allons essayer de comprendre.

Une richesse sans fin des fantômes Japonais

L’origine des fantômes Japonais remonte à loin (Moyen Âge) et depuis on compte une diversité impressionnante de catégories de fantômes ou autres manifestations fantastiques, les yōkai (et on peut en compter des centaines qui ont des apparences humaines et/ou animales). Sans rentrer dans le détail, il est intéressant de noter que cette richesse est sans doute dûe au fait que la culture Japonaise accorde une haute importance à la notion d’âme. Par ailleurs, la mort est plus intégrée et proche des vivant-es que chez nous. Par exemple, comme expliqué dans l’émission de France Culture, les cimetières sont en vase clos ici; dans un espace fermé et bien à part, alors qu’au Japon ils sont ouverts, intégrés à la ville. Par ailleurs, les gens sont crus quand ils racontent des histoires de fantômes qu’ils ont vu, contrairement à nous.

Dans le cinéma d’horreur ce sont les yurei qui vont principalement nous intéresser. Là aussi, il y a plusieurs types de yokaux, et détail qui a son importance, la plupart concernent des fantômes féminins.

• Onryo : fantôme vengeur (et vénère), que l’on retrouve dans la plupart des films d’horreur japonais (représentation la plus courante dans le cinéma de genre),
• Ubume : jeune mère qui a accouché ou femme enceinte décédée qui porte un enfant dans ses bras et qui demande aux passant-es de le porter. Une fois dans les bras de la personne, l’enfant devient petit à petit une pierre.
• Goryo : fantôme aristocrate, déclenchant des catastrophes naturelles.
• Funayurei : un noyé qui tente de faire chavirer les bateaux, en les remplissant d’eau.

On constate donc que ces personnes ont toutes subi une mort violente et soudaine, qui en font des âmes errantes, en proie à cette violence. Par ailleurs, ces morts sont marquées par des peurs et des traumatismes spécifiques au Japon: les catastrophes naturelles.

Il existe quantité de fantômes féminins qui sont marqués par des clichés sexistes et/ou dans la volonté d’invisibiliser ce qui est considéré comme autre, comme le handicap. Je vous conseille cette émission du podcast La librairie Yokai, qui liste et analyse plusieurs typologies de fantômes:

La figure du fantôme Japonais qui va nous intéresser ici est donc l’onryo, qui à la base, n’a pas de représentation physique spécifique. Ce sont ses représentations théâtrales à travers la pratique du théâtre kabuki à partir de 1700 qui inscrivent une apparence physique reconnaissable facilement par le public. Ces représentations finissent très souvent violemment, et notamment avec un féminicide; nous y reviendrons.
On y trouve un fantôme avec une robe blanche, des longs cheveux noirs et un visage blanc. C’est une représentation qui perdure aujourd’hui; avec des variantes, qui permet toujours à l’audience, et notamment occidentale, d’associer ce fantôme à la culture Japonaise facilement, sans avoir besoin de le conscientiser.

D’ailleurs, vous noterez que les fantômes féminins Japonais n’ont rien à voir avec les fantômes Européens ou Américains. On est très loin d’une entité vaporeuse, flottante.
Certains éléments liés à l’apparence sont ainsi caractéristiques des onyros, en dehors des cheveux noirs:

• Leur aspect charnel. Pas de fantômes transparent ou autre, les onryos sont ancrés dans le sol (au point de ramper parfois comme dans The Grudge). On se souvient des ongles arrachés de Sadako dans Ringu, qui est une rappel direct de sa souffrance à avoir essayé de s’échapper du puit.
• Dans la moitié des cas environ, leur apparence physique, et notamment le visage est déformé, abîmé. Un point commun que l’on retrouve chez les personnages féminins qui sont possédés. Si cela se remarque sur la J Horror de ces 20 dernières années, dès les années 50 on remarque des figures de fantômes déformées, comme dans Illusion of blood en 1965.

• Les onryos utilisent fréquemment la technologie pour attaquer/communiquer: le téléphone (La mort en ligne), la télé, internet…

Mais on remarque aussi des différences notables, d’un point de vue psyché et actions:

• Leur violence radicale. Contrairement aux fantômes occidentaux qui parfois terrorisent car ils veulent vengeance ou réparation, les onyros n’ont qu’un mot d’ordre: tuer. L’issue est fatale quand on croise un onryo. Que vous soyez responsable ou non de sa mort, cela a peu d’importance. Le fantôme, aveuglé de haine et animé par la violence, ne laisse aucune chance.
• Ils ne recherchent ni pardon, ni rédemption, ni réparation. Il n’y a pas moyen d’apaiser leur âme.
• L’idée derrière cette radicalité est un besoin de perpétuer sa légende, pour rappeler leur mort violente souvent liée à un meurtre ou un féminicide.

En cela, on voit une certaine volonté des fantômes Japonais de se rapprocher des humains. A la fois pour les hanter et se venger, mais surtout pour continuer d’exister. C’est précisément le sens que l’on peut trouver au fait que les onryos attaquent sans distinction qui se trouve sur son chemin. L’idée est de perpétuer la légende, la terreur et leur souvenir.

La renaissance de la J Horror fin 90/début 2000

Il est à noter que la J Horror avec des fantômes féminins est particulièrement forte (en parvenant jusqu’à nous principalement fin 90/début 2000). Voyez plutôt:

• Ringu (1998) et ses suites,
• Ju On (2002) et ses suites,
• Dark Water (2002),
• One missed call (2003),
• Carved (2006)
• The locker (2004)
• Ghost actress (1996)
• Exte (2007)
• Ju Rei la malédiction (2004), etc…

Ce n’est pas un hasard quand on constate les événements inquiétants qui traversent le Japon à cette époque:

• La peur de la fin du millénaire,
• Le Japon subit une grave crise économique à partir de 1992
• Les ikikomori apparaissent: ces jeunes qui restent enfermés dans leur chambre sans jamais sortir à l’extérieur,
• Diverses tentatives d’attentats comme en 1993 par la secte Aum shinrikyô, mais aussi l’attentat dans le métro à Tokyo qui fait une dizaine de morts et des milliers de blessés en 1995 (sachant que le dernier responsable de l’attentat encore en fuite a été arrêté seulement en 2012).
• Le survol du Japon par un missile nord coréen en 1998.

Autant d’événements inquiétants font donc un terreau idéal pour créer des films d’horreur!
Comme évoqué plus haut, la plupart des films de fantômes Japonais contiennent une histoire de féminicide. Et en effet, on retrouve une multitude de films mettant en scène des femmes ou des petites filles terrifiantes:

Du côté de la situation sociale et économique des Japonaises, cela bouge aussi dans les années 90. Société fortement dominée par des principes patriarcaux (le Japon reste l’un des pays industrialisés où les inégalités hommes/femmes sont les plus fortes), le rôle des femmes est cantonné à la maison et à l’éducation des enfants. Mais dans les années 90, Le Japon a besoin de booster son économie suite aux crises évoquées précédemment et au vieillissement de la population. Le gouvernement facilite donc l’entrée des femme sur le marché du travail (en exonérant de charges fiscales les salarié.es en congé parental par exemple). Les Japonaises gagnent donc en autonomie.

L’universitaire Pascale Fakhry dans “Woman’s Horror Films” explique que les hommes voit cette évolution comme une menace, et cela se traduit par la place ambiguë qui leur est attribuée dans les films d’horreur. Les femmes ont le rôle principal et sont actives (comme dans The Ringu ou Dark Water), mais l’horreur leur tombe justement dessus car elles ne sont plus de bonnes mères au foyer. Dans Ringu, la mère journaliste enquête et dans Dark Water, elle doit travailler suite à son divorce. La moralité (peu subtile) est que pour survivre, la tradition les protègera et que changer est mauvais pour elles. Si on pousse le raisonnement pour Dark Water, il faudrait même que la mère se force à rester en couple avec un homme détestable.

Surtout que ce début d’autonomie se paye au prix fort. Ces dérèglementations ont permis aux entreprises de faire perdurer des contrats précaires en utilisant davantage de l’intérim (Source: L’évolution des conditions d’activité des femmes : une comparaison France-Japon: Arnaud Dupray).
Surtout, cette évolution ne se retrouve pas dans celle des moeurs. Les attentes familiales pèsent toujours sur les femmes. Ainsi, les Japonaises sont tiraillées entre leur rôle de mère, d’épouse, de travailleuse. Et si cela ne suffisait pas, l’arrivée de ces nouvelles travailleuses n’est pas toujours bien vue, ce qui provoque un backclash contre le féminisme.
Fin 1998, le parlement refuse de voter une loi pour contrer les violences conjugales pour finalement l’adopter en 2001, après qu’une étude du Cabinet révèle qu’une Japonaise sur 10 est victime de violences domestiques graves. Cette disposition a permis l’apparition de nombreux abris pour les femmes, et une meilleure information sur le sujet; facilitant la prise de conscience. Mais l’essentiel manque. Des chercheurs, à l’image de Kanoko Kamata, pointent ces actes relèvent du code civil et ne sont assortis d’aucune sanction, ou obligation de soins. Bref, l’impunité est préservée.

La violence des onryo

Les années 90 sont donc une période charnière pour le Japon et pour les femmes, ce qui peut expliquer la dynamique de leur cinéma d’horreur.
Mais ce sont bien la présence de fantômes féminins qui écrasent la J Horror. Alors pourquoi?

Les fantômes masculins sont quasiment absents, et le reste des fantômes non identifiés comme féminins sont bien souvent des entités abstraites et non genrées.
Il y a bien quelques fantômes masculins dans les contes japonais, mais il s’agit de guerriers ou de nobles, qui ont été fourvoyés et provoquent donc des perturbations climatiques pour réclamer leur dû. On a donc une dimension d’honneur à laver, de virilité à rassurer.
On retrouve également des hommes, victimes de meurtres, mais qui errent « gentiment » (comme dans l’Empire de la passion où un mari trompé est jeté dans un puit; comme dans Ringu), sans chercher à tuer; ce sont des goryô.
Et cela fait toute la différence avec les fantômes féminins Japonais qui sont cruels, n’épargnant personne. Ainsi, ces personnages féminins sont victimes d’une double peine:

• Humaines; elles sont victimes de féminicides dans des cadres souvent très violents (mari qui larde de coups de couteaux Kayako dans Ju On),
• Les onryo frappent de la mort; quiconque qui passe sur leur chemin. Alors qu’elles sont victimes à l’origine; ces fantômes féminins deviennent des antagonistes particulièrement terrifiants.

Ces caractéristiques pèsent aussi sur les protagonistes féminines vivantes.
Dans la mesure où il n’y a pas de rédemption possible des onryo, et que l’issue est fatale pour les protagonistes; ces personnages peinent parfois à exister, et à faire preuve véritablement d’émancipation. Dans One missed call par exemple, l’héroïne assiste impuissante à la mort de son entourage.

Le féminin monstrueux

Cela m’amène à évoque la théorie évoquée par Barbara Creed, à savoir le féminin monstrueux. Cette universitaire Australienne spécialisée dans le cinéma d’horreur, a écrit notamment en 1993 The Monstrous-Feminine. Elle y étudie la manière dont les personnages féminins sont caractérisés comme monstrueux, notamment à travers les rôles de mères (et autant dans la culture occidentale qu’asiatique, et oui le patriarcat est une notion universelle qui rassemble beaucoup, beaucoup d’adeptes à travers le monde).

Creed évoque par exemple la notion d' »utérus dévorateur » qui se matérialise grâce à deux principales observations:

• Physiquement: la mère prend plus ou moins l’apparence d’un monstre. Que ça soit dans Carved, où elle est défigurée par une entaille béante au niveau de la bouche, ou dans The Grudge où elle rampe comme un insecte avec une expression de visage déformé.
  Le visage abîmé et/ou déformé est d’ailleurs une caractéristiques commune que l’on peut retrouver dans le cinéma de genre occidental, représentant les femmes possédées.
• Moralement: Dans The Grudge, la figure de mère n’existe plus pour l’enfant lui même assassiné. Les deux entités fantomatiques co existent sans avoir de contact. De plus, Creed précise que la maison devenue maléfique représenté ce fameux « utérus » qui en son sein (!), ne répand que mort brutale.
  Dans Carved, la mère est déjà défaillante quand elle est en vie au sein même de son foyer où elle maltraite ses enfants. Sa dangerosité n’est que décuplée et quitte le cocon familial quand devenue spectre, elle s’attaque aux enfants. Dans Ringu, la mère est considérée comme une sorcière maléfique par la population.

Le cas de Bilocation est particulièrement intéressant à évoquer. Ce film de Mari Asato, raconte l’histoire de double, en apparence maléfique qui empoisonnent la vie des personnes originelles. Le personnage d’une mère est par exemple désemparée, car son double vient constamment au chevet de son fils à l’hôpital pour l’enlever et l’extraire de ses soins.
Mais on apprend que les doubles naissent d’une frustration, d’un danger ou d’une peur que connaissent les originaux. Ainsi, on apprend que la mère, acculée par les conditions de santé de son fils qui l’épuise, souhaite intérieurement que son fils meure. Le double intervient donc pour protéger ce fils.

On a ici la figure d’une mère dans la réalité qui montre un signe de défaillance (mais que le film ne la pointe pas pour autant comme coupable). Cette défaillance est contrebalancée par ce fantôme qui semble maléfique aux premiers abords, mais qui s’avère être pour une fois, signe de bienveillance.
Si vous me lisez régulièrement vous savez comme je peux le répéter, mais d’où l’intérêt d’avoir des réalisatrices pour renouveler les représentations et les histoires.

Les enfants fantômes

Bilocation évoque donc la violence faites aux enfants, ce qui me permet de constater que comme dans le cinéma d’horreur occidental, la J Horror met en scène des enfants fantômes pour renvoyer la responsabilités des adultes, de leur malheur.
Comme dans le cinéma d’horreur occidental également, il y a une écrasante majorité de petites filles fantômes.
Mais à la différence du cinéma occidental (La dame en noir, Mama, L’Orphelinat, etc..), les enfants fantômes sont de véritables machines à tuer.
Dans les années 2000, différentes affaires d’infanticides* (sur fond de mères pressurisées), sont médiatisées. En 2019, les violences sur les enfants ont fortement augmenté*** au Japon. Bref, comme partout, les enfants sont des minorités les plus maltraitées, car encore plus vulnérables et malléables.

Les enfants fantômes existent davantage dans la J Horror récente. On note par exemple Sadako de Ringu, piégée vivante dans un puit, la petite fille de Dark Water oubliée dans la cuve d’eau (l’eau reste définitivement un élément universel pour symboliser la mort). Mais aussi le bébé oublié dans un casier de The Locker et Toshio; le fils de Kayako et victime collatérale de violences conjugales dans Ju On; ces films représentent un échantillon du panel de violences possibles. De la négligence qui mène à la mort, au meurtre brutal.

Ces films utilisent la représentation terrifiante qu’un enfant peut être une véritable menace, et inverse finalement totalement le rapport de force qui met à mal le pouvoir et le contrôle initial des adultes.
Mais on peut également noter que comme les fantômes féminins, leur apparence est souvent modifiée de telle sorte qu’ils sont perçus dorénavant davantage comme des monstres que des enfants. Ce qui atténue la portée politique de la représentation de ces violences.

Pourquoi tant de haine des fantômes féminins Japonais?

Comme souvent, et au regard des éléments précisés plus haut, cette haine des fantômes féminins peut se voir à travers 2 prismes principaux:

• le reflet de la société patriarcale Japonaise qui projette une peur sur ces femmes, et notamment les travailleuses qui sont sur le marché de l’emploi. Mais aussi la peur que ces femmes ne remplissent plus ou mal leur rôle de mère.
  Si on reprend l’étude citée ci-dessus sur la violence faites aux enfants, les hommes sont en tête des auteurs des violences physiques. De qui faut-il donc avoir peur? On constate que les femmes sont les premières autrices de violences morales et de négligence. Faut-il y voir la difficile conciliation de mère/épouse/travailleuse ?
  
• la violence et les féminicides dont sont victimes les femmes ne peuvent que déboucher sur une haine illimitée avec un besoin de vengeance qui leur fait office de justice.
  Il n’y a pas de données fiables sur les féminicides au Japon pour la simple et bonne raison que ce terme n’est quasiment pas utilisé. Donc il est compliqué de savoir combien de femmes sont réellement tuées dans le cadre de violences patriarcales.
  Il faut également se rappeler des violences et de l’esclavagisme sexuel subies par les Japonaises** au moment de la 2 guerre mondiale. Le gouvernement Japonais tente de le cacher, mais on constate que les films de fantômes avant 2000 ont souvent comme toile de fond, des violences exercées par des samourais sur des femmes (Illusion of blood, Kwaïdan, Kuroneko, les contes de la lune vague après la pluie, etc..)

Les fantômes féminins Japonais plus apaisés

J’aime finir un article en ouvrant le champ des possibles pour montrer que même si ce n’est pas la majorité, on trouve toujours des oeuvres cinématographiques qui proposent des représentations différentes.

J’ai noté l’exemple de Kwaidan (1966), qui contient 4 courts métrages, dont un sur la légende de la Yuki Onna (dame des neiges). Ce conte qui a plusieurs versions, raconte l’histoire d’un homme qui rencontre une femme dans une forêt enneigée; qui le sauve du froid car elle le trouve beau (ses comparses n’auront pas la même chance). Il tombe sous son charme et la sorcière des neiges si on peut dire lui fait perdre la mémoire de leur rencontre car l’existence de cette Yuki Onna doit rester secrète. Ils commencent une vie maritale et familiale. Mais, un soir, le mari se souvient de cette rencontre fait le rapprochement avec sa femme. Celle-ci entre dans une grosse colère et lui dit qu’elle va disparaître dans la forêt et ne plus jamais entendre parler d’elle, à condition qu’il s’occupe bien des enfants. Sinon, elle réapparaitra, et le punira.
On est en 1966, dans une société Japonaise où le rôle des femmes est attendu uniquement au sein du foyer. Et ce conte met en scène une femme et une mère, certes diabolique sur les bords, mais qui n’est pas représentée non plus comme cruelle; libre qui pense à elle. Elle n’oublie pas pour autant le bien être de ses enfants, en exigeant du père qu’il s’en occupe parfaitement.

Plus récemment, le film Exte en 2007 évoque le trafic de cheveux avec l’exploitation de femmes dont l’une a succombé à ses blessures et qui devient un fantôme un peu particulier. Comme si l’exploitation de son vivant ne suffisait pas, son cadavre est exploité par un douanier, qui constate que ses cheveux continuent de pousser. Il vend donc ces cheveux à des salons de coiffure. Le fantôme utilise sa chevelure pour se venger de personnes qui portent des extensions faites avec ses cheveux, mais elle fait preuve (pour la première fois dans la J Horror je dirais), de compassion et d’empathie avec l’héroïne, une jeune coiffeuse. Elle la défend face à ses agresseurs. On observe ici une rare sororité du personnage transformé en antagoniste fantôme.

La conférence de la S’horrorité sur la représentation du fantôme féminin

J’ai évoqué une partie du sujet de cet article dans une conférence au festival de Gerardmer 2025. Le replay est disponible ci dessous (mes consoeurs évoquent les représentations du fantôme féminin de d’autres origines et époques, et mon intervention est à partir d’une heure):

Zoom avec Amandine de la librairie Yokai

Je souhaitais avoir le regard d’une spécialiste de légendes Japonaises et Amandine du podcast La librairie Yokai a accepté de répondre à mes questions:

Les fantômes Japonais sont multiples et divers, quel type te fascine le plus ? Pourquoi?

Les Yōkaux qui me fascinent le plus sont ceux qui ont été spécifiquement inventés pour expliquer l’inexplicable !
On en parle régulièrement dans la librairie, mais avant de comprendre l’électricité, on considérait que c’était une forme de magie. De la même façon, tous les événements inexplicables ont souvent trouvé réponse au travers du Kappa, du Kamikakushi ou encore du Zashiki Warashi.
Pour comprendre le monde qui nous entoure, nous avons fait en sorte d’inventer le Yōkai parfait qui pouvait expliquer ce phénomène, et c’est pour moi le plus intéressant dans ce monde très vaste.

Aussi utilisé comme moyen de prévention comme le chaperon rouge, les Yōkaux sont multiples comme tu l’as dit, mais cette catégorie suscitée est vraiment celle qui recèle le plus d’intérêt pour moi, et celle pour laquelle je prends plaisir à fouiller les internets pour en arriver à l’origine. 

Vous avez consacré un épisode sur les fantôme de femmes et d’enfants, avec le sexisme qui va avec. Qu’est-ce qui fait selon toi qu’un fantôme féminin peut avoir une lecture féministe? Est-ce que tu dirais que les fantômes féminins s’ancrent la plupart du temps dans une représentation sexiste?

Encore aujourd’hui, la culture japonaise recèle une part profondément sexiste dans sa façon de voir le monde. Ayant vécu là-bas, il est difficile de nier à quel point le pays est organisé pour que la femme-mère soit à la maison en permanence.
Et cette vision n’est pas nouvelle, des centaines d’années d’héritage nous ont menées là. Toute cette vision du monde s’exprime forcément au travers de la culture et en particulier de la culture populaire. Nous avons donné une lecture féministe aux mythes des femmes dont le destin est lié à celui des enfants, mais je ne pense pas que la lecture commune soit féministe, bien au contraire.
Et c’est à cause de cela que presque tous les fantômes féminins peuvent avoir selon moi une lecture féministe, en opposition avec ce qui lui a donné naissance : une vision beaucoup plus manichéenne de la relation homme-femme. 

Ayant vécu au Japon, il est difficile de nier à quel point le pays est organisé pour que la femme-mère soit à la maison en permanence.

Contrairement à l’image « cool » que le Japon s’est globalement forgé à l’international, on sait qu’il est en fait plutôt conservateur avec une forte présence des principes patriarcaux. L’élection dernière d’une Première Ministre Sanae Takaichi très conservatrice ne va apriori pas arranger les choses. Penses que tu que le cinéma d’horreur Japonais reproduit des pensées conservatrices ou y a-t-il au contraire des films ou des auteur-rices qui tentent de contrer ces idées?

Le Japon est « cool » aussi, il est multiple comme toutes les cultures, et si les injonctions politiques et sociales sont organisées de telle façon, il ne faut pas oublier que cela ne représente pas forcément les personnes de ce pays et leur vision.
Je ne fréquente pas assez la J Horror pour avoir une opinion tranchée sur le sujet mais le genre est connu pour toujours bousculer les idées reçues et les normes de la société. Tous les synopsis que j’ai pu étudier dans le cadre de la Librairie Yōkai me poussaient à penser qu’ils allaient justement à l’encontre de ces normes pour poser des questions, forcer à la réflexion, ce qui est finalement typique du genre. 

Quelles sont les différences principales selon toi entre les fantômes féminins Japonais et Occidentaux? Et les points communs?

Le fantôme féminin occidental a un côté presque évanescent et sans but précis. Il erre dans des couloirs en espérant se faire voir et en attendant d’apparaître sur une photo.
Le fantôme féminin japonais est souvent emplie de rage et avide de vengeance, il a un but précis et tuera toutes celles et ceux qui se mettront sur son passage. J’aurai tendance à dire que le fantôme japonais est acteur, là où le fantôme occidental est plutôt passif dans son apparition. 

Quel est ton fantôme féminin Japonais préféré? Pourquoi?

J’ai un attrait particulier pour la Yuki Onna depuis le début du podcast. Je trouve que la version de Lafacadio Hearn a un côté tragédie qui parle beaucoup à ma propre culture. C’est finalement le mélange de la culture nippone et de la culture occidentale qui m’a le plus parlé ! 

L’universitaire Pascale Fakhry explique que l’essor de la JHorror des années 90 coïncide avec l’arrivée des femmes au Japon, sur le secteur de l’emploi (sous entendu elles représentent une nouvelle menace). Qu’en penses-tu?

Je pense que c’est tout à fait entendable au regard de la structure de la société japonaise. Pendant des années, les femmes ont été cantonnées au rôle de mère, et n’ont pas eu voix au porte-à-faux. Il paraît évidemment qu’inconsciemment ou non on puisse interpréter leur arrivée comme une forme de menace. Néanmoins, je pense que cette analyse n’est valable que pour le cinéma, puisque les fantômes féminins ont quant à eux exister de puis toujours. Mais comme nous l’avions vu dans notre épisode sur le sexisme au Japon, les peurs était tout à fait différentes. 

Dans le film Kwaïdan (1964), la Yuki Onna avertit l’homme qu’elle va abandonner avec ses enfants que s’il ne s’occupe pas bien des enfants, elle reviendra le punir. Est-ce que finalement c’est pas le fantôme japonais le plus féministe?

La Yuki Onna, dans sa version romancée, a une prestance et un aplomb déconcertant. Je ne la caractériserais pas de féministe néanmoins, mais plutôt de femme qui cherche à rétablir les choses qu’elle estime juste, au travers de sa colère.

Pour moi, dans l’idée du féminisme il y a vraiment une envie de secouer la société, et briser ses codes et je pense que la Yuki Onna dans cette version est tout simplement un conte qui nous apprend à faire attention sur un sujet en particulier : ici le fait que des enfants, ça ne s’élève pas tout seul. 

Sources:

*Libération: Au Japon, la détresse des femmes infanticides (juillet 2006)
**National Geographic: Esclaves sexuelles : une vérité qui dérange au Japon (août 2020)
***Nippon: La maltraitance infantile au Japon : un nombre record d’enfants victimes en 2019

Films vus et/ou cités:

L’article [Dossier] La représentation des fantômes féminins Japonais est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

1- Fresh de Mimi Cave (2022)

Fresh– © Disney

Marre des dates foireux sur les applications de rencontre? C’est le point de départ de Fresh, pour comprendre l’état d’esprit de Noa, fatiguée de chercher l’amour. Dans le rayon légumes, elle tombe sous le charme de Steve, et décide d’arrêter de réfléchir et de se laisser porter. Steve lui propose un week end à la campagne et Noa profite. Mais évidemment, elle ne s’attendait pas à un tel accueil…

Je vous garde les nombreuses surprises que Fresh propose, mais il faut savoir que le premier film de Mimi Cave (réalisatrice de clips vidéo), traite du cannibalisme sous fond de classique exploitation d’une minorité par des riches.
Si le film est présenté comme une comédie, ce n’est, à mon sens, absolument pas le cas. Oui, certaines scènes poussent le curseur du cocasse qui prêtent à sourire, mais ne vous attendez pas à une comédie pure et dure.

Les points forts de Fresh? Le fait de garder une grande cohérence dans sa thématique des femmes utilisées comme ressource. Notion que j’ai développé dans mon analyse de l’éco féminisme dans le cinéma de genre. Que ça soit le fait que Noa doive supporter un mec pingre et insultant, qu’elle soit abordée dans un rayon de supermarché, et évidemment l’intrigue principale du film, Mimi Cave s’attache à montrer l’exploitation des femmes mais aussi la lâcheté des hommes face à ça. Mais elle n’oublie pas pour autant que la violence patriarcale peut être aussi entretenue par les femmes, qui y voient une opportunité de se mettre du côté des puissants. Et Charlotte LeBon en méchante, comment résister?
Cette revisite de Barbe Bleue (avec une référence directe à Ex Machina avec la scène de la danse, film qui lui même était une version de Barbe Bleue), est un mélange parfait de divertissement tout en prenant au sérieux son sujet.

Daisy Edgar-Jones est parfaite, et Sebastian Stan (I Tonya) brille dans la peau de cet Hannibel Lecter moins malin mais tout autant diabolique. Un parfait amuse bouche pour débuter votre soirée d’Halloween.

2-Lisa Frankenstein de Zelda Williams (2024)

Lisa Frankenstein– © Universal Pictures

Première réalisation de Zelda Williams (fille de Robin et ça a son importance au regard de la thématique du film), Lisa Frankenstein conte la reconstruction de Lisa, traumatisée par le meurtre de sa mère, coincée entre une belle mère parano et un père qui plane. Passionnée de cimetière (parce que pourquoi pas), elle voit son quotidien chamboulé par l’arrivée d’un jeune cadavre ressuscité issu de l’époque victorienne.

Avec une direction artistique parsemée de vert et de rose tout de néons, Lisa Frankenstein a une volonté affichée de s’inscrire dans un teen movie « cool », instagrammable, qui aide à marquer sa patte dans la pop culture du cinéma de genre. Mais cette direction artistique va plus loin; cela permet d’appuyer la dimension du conte mais aussi la navigation de Lisa qui tente d’évoluer entre des mondes qu’elle tente de comprendre. Celui du deuil et de la mort avec La Créature, celui des adultes névrosés avec le lycée et sa belle mère. Lisa Frankenstein choisir la comédie noire pour aborder le thème de la reconstruction après un deuil (pas pour rien qu’elle recolle littéralement les morceaux avec la Créature), qui donne un ton particulièrement jouissif, parfaitement adapté pour une soirée Halloween. Zelda Williams a en effet été très impactée par la mort de son père (Robin), et ce n’est pas étonnant qu’elle trouve son compte dans la comédie horrifique.

Mais plus qu’un divertissement, Zelda Williams propose des personnages féminins complexes. Malgré les décisions parfois fortement discutables de Lisa, elle reste toujours attachante, en gardant son ambiguïté. Ce qui fait qu’on ne sait jamais vraiment qui elle est. Idem pour sa belle soeur qui est tout son contraire (conforme aux normes sociales féminines, pom pom girl, etc..), et qui est d’une réelle bienveillance envers Lisa. Alors que ce type de rôles sont habituellement des pestes faciles, elle cherche à défendre et comprendre Lisa.

Kathryn Newton (Freaky et Abigail) et Cole Sprouse (Riverdale) s’en donne à coeur joie et leur duo improbable est un vrai régal. Alors oui, ne mettez pas la barre trop haute concernant votre suspension d’incrédulité et vous verrez, vous passerez un très bon moment.

3-The Ugly stepsister d’Emilie Blichfeld (2025)

The Ugly Stepsister– © Scanbox Entertainement

Changement de registre et de type de belle soeur avec le gore The Ugly Stepsister d’Emilie Blichfeld qui ne va pas vous ménager. Cette relecture horrifiquement parfaite de Cendrillon nous place du point de vue de la belle soeur de Cendrillon, qui est prête à tous les sacrifices corporels pour tenter de se conformer aux normes sociales et attirer l’attention du prince.
La photographie faite de clairs obscurs reflète avec brio l’aspect conte et sa dimension fantastique.
Halloween est la soirée idéale pour se faire raconter des histoires, et le conte de The Ugly Stepsister s’inscrit dans la même veine que The Substance qui utilise le body horror pour donner un aperçu de ce que les femmes peuvent/doivent s’infliger pour exister.

Retrouvez le détail dans la critique de The Ugly Stepsister par ma consoeur Leo, ainsi que son interview de la réalisatrice norvégienne Emilie Blichfeld.

4-Vorace d’Antonia Bird (1999)

Vorace– © 20th Fox

Changement de décor avec Vorace d’Antonia Bird, dont l’action se situe au temps de la guerre américano mexicaine (autour de 1850). On suit l’équipe du capitaine John Boyd pour tenir un fort. Un homme vient à leur rencontre et leur raconte qu’avec d’autres, ils ont été bloqués dans une grotte et qu’il a dû manger leur chair pour survivre. L’équipe part donc en direction de la grotte et ne sera pas au bout de ses surprises.

Inspiré du cas Alfred Packer, Vorace, qui fût un échec total à sa sortie, aborde le cannibalisme, sujet hautement tabou, complexe à aborder justement. Le fait d’ancrer l’histoire dans une (des) page sombre des USA (car cette guerre débouchera entre autres sur la guerre de Sécession), permet de filer des métaphores: un pays qui s’auto détruit, des hommes qui se nourrissent des uns et des autres (Vorace reprend notamment des croyances/mythes autour du fait que l’on s’approprie les caractéristiques de sa victime en la mangeant), etc..
Mais la thématique qui est particulièrement d’actualité 25 ans après, c’est de d’associer la viande humaine à un gibier comme un autre. Cette thématique est ponctuellement présente au cinéma depuis longtemps (comme avec Massacre à la tronçonneuse), mais ici Antonia Bird illustre une autre facette des notions liées à l’éco féminisme; l’attitude masculine qui consiste à s’approprier le corps et le territoire de l’autre.

Ces thématiques prennent vie à travers un décor hivernal et rugueux, avec une tension parfaitement menée, notamment dans la première partie. Malgré son sujet, Vorace n’est pas gore, et se situe à la croisée du survival et du thriller.

La regrettée Antonia Bird décédée en 2013, n’aura réalisé que 4 films et Vorace est le seul (et dernier) qui s’ancre dans le cinéma de genre.

5-Bilocation de Mari Asato (2013)

Bilocation– © Kadokawa

La particularité de Bilocation est d’être réalisé par une Japonaise. Force est de constater que peu de films de genre réalisées par des Japonaises existent d’une part, et parviennent jusqu’à nous, d’autre part.
Alors n’hésitez pas à découvrir ce film de doppelgänger, qui raconte l’histoire de Shinobu, artiste peintre, qui découvre un jour qu’un double d’elle, se balade en ville. Cela l’amène à rencontrer un groupe de paroles de personnes qui connaissance le même sort.
La force de Bilocation est de sortir du classique double maléfique. Ici, Mari Asato montre que ces doubles ne sont que l’expression de peurs ou colères refoulées. A travers son personnage féminin, elle questionne également les choix que les Japonaises sont contraintes de faire entre leur carrière et leur vie d’épouse. Des thématiques qui peuvent nous sembler arriérées, mais pourtant toujours bien d’actualité, notamment dans un pays très patriarcal comme le Japon.

Bilocation est à mi chemin entre un film de fantômes et de démon. Le film contient quelques scènes bien effrayantes mais c’est surtout la tension de ne pas savoir ce que les doubles vont pouvoir faire qui marque.
Bilocation s’attache finalement à refléter son époque; car on suit des doubles de personnes différentes avec des contextes reflétant les problématiques sociales (la mère isolée, le travailleur acculé, etc..).
Je vous conseille de plutôt commencer votre soirée avec Bilocation qui dégage une grande mélancolie pour finir avec un film plus fun, comme Lisa Frankenstein !

N’hésitez pas à aller consulter mes recommandations de films d’horreur singulièrement féministes!

L’article Top 5 de films de réalisatrices pour sa soirée d’Halloween est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Comment vous est venue l’idée de The Ugly Stepsister ? 

C’est une drôle d’histoire. L’idée m’est venue alors que je faisais une sieste, la meilleure que je n’ai jamais faite. Je fais souvent des siestes pendant que je travaille. Je les appelle des “siestes créatives”. C’est un bon moyen pour laisser mon inconscient travailler. Ainsi, tout n’est pas si logique, si pragmatique. Cela permet de connecter les idées de manière plus organique. 

Je travaillais sur un court métrage dont le sujet était une femme mesurant deux mètres avec des rondeurs et qui manquait de confiance en elle. Dans mon rêve, je la voyais en Cendrillon. Le prince arrivait et la chaussure était magiquement à la bonne taille. Cette si petite chaussure sur cette immense femme… Ils partaient ensuite vers le château. Sur le chemin, elle baisse le regard et observe ses pieds. Elle voit ses chaussures en sang. Et là, l’idée devient plus claire. Je ne suis pas Cendrillon. Je suis la demi-sœur qui a eu besoin de couper ses orteils pour enfiler la chaussure. 

Au réveil, j’étais en choc parce que pour la première fois, je me suis identifiée à ce personnage pour lequel je n’avais eu aucune compassion par le passé. Mais j’ai ressenti exactement ce qu’elle a dû ressentir. J’étais elle. J’étais la demi-sœur. J’ai trouvé l’idée super. Je l’ai trouvé si bien qu’un long-métrage m’a paru bien plus adapté que le format court. 

Quelles furent vos inspirations pour The Ugly Stepsister ? 

Comme c’est un conte de fée qui prend ses racines dans le passé, j’ai fais pas mal de recherches sur les costumes, l’époque. En particulier sur les procédures de chirurgie cosmétique. J’ai choisi de placer mon film au XIXe siècle, une époque qui a vu de nombreuses évolutions sur cet aspect. Je me suis juste permise certaines libertés car il s’agit d’un conte de fée. Par exemple, le ver doit normalement sortir par le bas plutôt que par la bouche. Mais j’ai voulu être prévenante avec mon public (rire).  

Un autre aspect génial avec la fin du XIXe siècle est que j’ai pu m’amuser avec les silhouettes des robes. Cendrillon porte une robe 1850 alors que les sœurs ont des robes à faux-culs façon 1880. C’est une façon subtile de montrer leur différence de classe. Cendrillon est “old money” et a un “bon goût” alors que les soeurs font partie des nouveaux riches et sont à l’affût des nouvelles tendances au point d’en devenir un peu “ridicules”. J’avais envie que lorsque les spectateurs regardent à nouveau la version de Disney, ils en aient une lecture différente suite au visionnage de mon film. 

J’ai aussi beaucoup été inspirée par les films de contes de fée d’Europe de l’Est, particulièrement ceux des années 70. Ils sont en général tournés en lumière naturelle, dans de vrais décors avec de vrais corps à cause d’un budget en général très mince. Et pourtant les costumes sont sublimes et les effets incroyables. Ils arrivent à retranscrire cette étrangeté émanant des contes de fée. Je voulais contraster avec l’aspect trop brillant, très “plastique” du Disney. Surtout que The Ugly Stepsister est un film de body horror. Je voulais que l’audience ressente cet aspect organique.  Comme s’il s’agissait d’un univers parallèle au nôtre avec de véritables personnes qui l’habitent. 

Je voulais donner à The Ugly Stepsister une impression d’intemporalité. Effectivement, le film se passe au XIXe siècle mais vu sous le prisme des années 1970 pour rendre plus nébuleuse l’époque à laquelle l’histoire se passe. La mise en beauté des personnages a été inspirée par les années 60/70. Je ne voulais pas qu’on ait l’impression de se trouver face à un film d’époque, mais je ne voulais pas non plus que le film fasse trop 2025. Ajouter cette petite pincée d’années 70 permet d’éviter cela. 

Puisque nous parlons de l’esthétique de The Ugly Stepsister, qui est particulièrement importante. Pouvez-vous nous parler de votre relation avec votre chef opérateur (Marcel Zyskind) ? Ainsi qu’avec votre cheffe décoratrice (Sabine Hviid) ?  

J’ai eu la chance de pouvoir travailler avec des personnes très créatives qui, en plus, n’en sont pas à leur premier essai. Ma plus grande leçon sur le tournage est l’importance de l’alchimie. Les gens peuvent avoir le meilleur CV du monde, s’il n’est pas possible de se comprendre, si nous ne sommes pas enthousiasmés par les mêmes choses, il n’est pas possible de travailler ensemble. J’ai eu vraiment beaucoup de chance de trouver une équipe passionnée par The Ugly Stepsister, qui voulait s’amuser et tenter des choses. 

Pour ce qui est du chef opérateur, nous avons beaucoup préparé en amont. Tous les chefs de postes ont été humbles et ont accueilli gracieusement ma vision du film, mes idées. À la fin, j’avais l’impression que nous ne formions plus qu’un seul grand cerveau. 

Donc il y avait beaucoup d’alchimie ?

Oui mais aussi d’amusement. Je ne suis pas vraiment du type Wes Anderson. J’adore son travail mais je ne pourrais pas être autant dans le contrôle. J’aime les heureux accidents. J’aime la créativité qui émerge de la rencontre entre deux personnes. J’ai un peu le même type de relations avec mes acteurs et actrices. Je leur explique qu’ils en savent autant, voire plus que moi sur leur personnage. C’est leur corps qui joue cette personne. J’aime être surprise. 

Il me semble qu’en Islande, ils appellent le réalisateur ou la réalisatrice, le maître du jeu et les acteurs et actrices, les joueurs ou joueuses. Je suis la personne qui rédige la notice du jeu mais ce sont elleux qui vont y jouer. C’est un peu la même chose avec les chef.fes de postes. Je ne suis pas capable de faire leur travail. C’est à eux de le faire. Moi, tout ce que je fais c’est mettre en place les règles. Et peut-être à la limite, leur demander de jouer légèrement différemment. Mais eux aussi peuvent me demander de changer un peu certaines règles en contrepartie.   

J’aime beaucoup cette analogie. The Ugly Stepsister est votre premier long-métrage. Tourner un premier film peut-être une expérience difficile, plus particulièrement en tant que femme, et encore plus, en tant que femme qui fait de l’horreur. Comment avez-vous vécu cette expérience ? 

Je profite des nombreuses réalisatrices qui sont venues avant moi. D’autant plus qu’en Norvège, nous avons beaucoup de chance car nous avons un système de quota grâce au Norwegian Film Institute. Ainsi, la réflexion autour de la question de genre ne se fait pas juste au niveau individuel mais aussi au niveau systémique. Cela habitue les gens à voir plus de femmes dans le paysage cinématographique. Les spectateurs ne sont plus étonnés de voir autant de femmes réalisatrices.  

Nous sommes une génération de réalisatrices norvégiennes qui a pu devenir mère avant de faire un premier long et cela sans que cela pose problème.  C’est du jamais vu. Il y a dix ans de cela, personne n’aurait pris au sérieux une jeune mère. Il était alors impossible d’avoir l’ambition de faire des films. Je suis reconnaissante envers les générations passées. Je ne souhaite pas être une femme à une autre époque que celle-ci. 

Sur The Ugly Stepsister, j’ai pu travailler avec la meilleure des productrices en Norvège, Maria Ekerhovd qui a également travaillé sur Valeur Sentimentale, le dernier Joachim Trier qui est passé par Cannes. Elle est géniale, à la fois très cool et très douée. J’ai donc eu un entourage qui a cru en mon film dès le début.  

Autre exemple, mon chef opérateur qui est danois avec des origines polonaises m’a traitée comme son égale, et ainsi toute son équipe, majoritairement polonaise, a fait pareil. L’équipe caméra qui devait être principalement française m’ouvrait la porte et était particulièrement galante avec moi. Au lieu d’être offusquée par ce comportement, je l’ai pris comme une marque de respect. Cela fait partie de leur culture. Ils ne le faisaient pas de manière condescendante. C’était juste une habitude. Ce n’était pas pour me rabaisser. 

Le premier jour, le clappeur, qui est un sacré personnage, m’a fait la révérence et m’a appelé “Madame la directrice”. J’étais assez impressionnée car il s’agissait de mon premier film. Cela m’a flattée, un peu embarrassée, mais aussi détendue. Cela m’a fait sourire. Ils ont pu voir que je trouvais cela drôle et gentil. Le jour d’après, ils avaient écrit “Madame Directrice” avec des coeurs sur mon moniteur. C’était vraiment un acte gentil et respectueux.

Je pense qu’il est important de toujours s’adapter à la culture de l’autre, de ne pas imaginer que quelqu’un va se comporter de la même manière que soi. Il faut voir les gens pour ce qu’ils sont et ce qu’ils font. Je n’ai donc pas eu l’impression que le fait d’être une femme dans ce cas fut un problème. 

Est-ce que vous aimez les films d’horreur ?

Il me semble. Surtout le body horror car l’horreur me fait, en fait, très peur. 

Cela m’amène à ma prochaine question. Appréciez-vous l’horreur ou était-ce simplement pertinent pour l’histoire que vous souhaitiez raconter ? 

J’ai une obsession pour le body horror. J’étais particulièrement heureuse lorsque j’ai réalisé que mon idée me permettait de faire un film de body horror. 

Ce qui me plait dans le cinéma de genre, peu importe le genre, est son côté “boite à outils”. Je ne me considère pas comme une réalisatrice de films d’horreur ou de comédie. Je raconte une histoire et en fonction de celle-ci, j’utilise le genre, la boîte à outils la plus pertinente. 

Du coup, quel est votre film de body horror préféré ? 

C’est une question difficile. J’aime tout ce que fait Cronenberg. C’est un maître. Je suis aussi très fan de Grave de Julia Ducournau. C’est un vraiment un film exceptionnel, alors que je trouve Titane plus contrôlé, plus lourd. Je n’ai pas encore vu Alpha. Grave a ce petit quelque chose en plus que j’apprécie particulièrement. 

J’aime aussi Existenz, Videodrome, La mouche, Faux semblants. Un peu tous ses films en fait. 

En plus Julia Ducournau a ouvert tellement de portes pour les réalisatrices qui veulent faire ce type de film. 

Oui. Je pense que certaines personnes ont un peu la vue courte et pensent face à The Ugly Stepsister que j’ai voulu faire un second The Substance alors que je n’ai pas pu le voir avant de faire mon film. Il est impossible pour moi de faire un film en moins d’un an. 

Vous partagez (ndlr avec The Substance) le thème de la critique des normes de beauté qui est très actuel

Je comprends tout à fait la comparaison. D’autant plus que The Substance a ouvert la voie pour The Ugly Stepsister et a rendu le body horror grand public. Au départ, ma productrice ne voulait pas utiliser le terme “body horror” car cela aurait fait trop niche. Alors que maintenant c’est un mot qui est sur toutes les bouches. 

Je vois aussi un peu de misogynie dans cette comparaison. Il n’y a de la place que pour un film de femme sur un sujet en particulier, alors que les hommes peuvent faire plusieurs fois les même film sans que ce soit un problème. Et nous avons en plus une approche très différente du sujet. Elle évoque la célébrité et le vieillissement, alors que je parle de tout autre chose dans The Ugly Stepsister. 

Ceci dit, la comparaison est tout à fait valide. J’espère juste que les gens ne vont pas commencer à se demander lequel des deux films est le meilleur. Il faut laisser les deux films dire ce qu’ils ont à dire ensemble. 

Je trouve cela super que les deux films sortent à la même période

Oui, qu’ils ouvrent la conversation !

Exactement. Il me semble que le sujet de la beauté était également au cœur de certains de vos courts métrages. Je n’ai malheureusement pas réussi à les voir. Est-ce un sujet important pour vous ? 

L’idée m’est venue de mon subconscient mais j’étais déjà en train de travailler sur un court dont le sujet était similaire, Sarah’s Intimate Confessions, et mon premier court également. 

S’il y a si peu de jeunes réalisateurs ou réalisatrices qui émergent et peuvent faire un premier long métrage, c’est que nous ne sommes pas tous des Xavier Dolan. Outre les difficultés pragmatiques, il n’est pas toujours simple d’être en contact avec ses idées quand on est jeune. 

Lorsque j’étais toute jeune réalisatrice, je ne savais pas quelle pouvait être mon histoire. Pour mon premier court, How Do You Like My Hair ?, j’ai littéralement raconté mon histoire. Il y a quinze ans j’ai décidé d’arrêter de me raser. C’était en pleine quatrième vague du féminisme en Scandinavie. Nous pouvions trouver des femmes non rasées dans les magazines et il y avait tout une discussion autour du sujet. Cela n’a pas duré longtemps.

Ceci dit, je pense que plus de femmes ont continué à ne plus raser après cela. J’ai donc eu un coup d’un soir suite à cette décision, histoire que j’ai raconté à mes amis. Ils ont trouvé cette anecdote drôle. J’ai trouvé le fait d’en parler très libératoire et surtout j’ai apprécié le fait de me sentir vulnérable après. 

Je me suis dit que c’était une bonne histoire à raconter comme une confession face caméra. J’ai joué mon propre rôle et je parlais à la caméra. J’ai ensuite joué la scène avec des acteurs. Face au résultat, c’était évident pour moi que j’avais trouvé mon histoire, à la fois intime, vraie et rassembleuse.

En général, on se sent seul et vulnérable face à nos complexes. Parce que cela touche à notre capacité à être aimé. Ai-je assez de valeur pour être aimé ? C’est une question si existentielle et si vulnérable que des grosses entreprises s’en sont emparé pour que l’on achète des produits de beauté. Que je préfère appeler des “produits d’apparences” parce qu’ils n’ont rien à voir avec la beauté. Ma beauté m’appartient, je ne veux pas l’acheter. 

C’était un moment important pour moi. Je me suis rendu compte que j’avais tout un tas d’histoires à raconter sur le sujet et si je ne devais raconter que cela jusqu’à la fin, ce serait incroyable. Avec l’âge, je me suis aussi rendu compte que de nouvelles histoires me viennent plus facilement.
Effectivement, cette question est prépondérante dans le fait d’être femme et tant que je fais des films sur des femmes, cela risque d’en faire partie. 

Pourriez-vous me parler du casting de vos actrices ? 

C’était des castings tout à fait conventionnels. Les deux personnages principaux furent difficiles à trouver. Et pourtant dès que j’ai rencontré les deux actrices, ce fut évident. Elles étaient les personnages. 

Lea (Myren) se donne la liberté d’être expressive. Je pensais trouver quelqu’un qui rencontre les mêmes problèmes que moi ou Elvira, mais Lea est en fait très libre dans son corps. Elle a grandi avec une mère féministe qui l’a éduquée sans ce regard contrôlant sur son corps. Elle est totalement libre et ne s’empêche pas de faire des choses folles et ne s’intéresse pas au qu’en dira-t-on. Elle est libre de montrer toutes ses émotions. 

C’est génial d’avoir un tel modèle pour jouer Elvira, car si des gens décident de googler son nom, ils trouveront tout un tas de photos folles d’elle, de red carpet look très excentriques. Elle représente cet espoir pour la nouvelle génération. 

Merci pour votre temps et cet entretien. J’espère le mieux pour la sortie du film!

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1-Dead talents society de John Hsu (2024)

De quoi ça parle: Les fantômes utilisent eux aussi les réseaux sociaux pour perpétuer leur légende et continuer d’effrayer toujours plus, en vue de gagner en popularité.

Ce film Taïwanais est une véritable bouffée d’humour magistralement orchestré, enrobée d’une direction artistique gothiquement pop et colorée. Dead talents society réinvente le récit initiatique en structurant le récit à travers plusieurs générations de femmes, ce qui permet de créer un sentiment empathique chez le public de manière très originale. En effet, on suit une jeune fantôme et une autre fantôme, célébrité sur le déclin, qui ont toutes les deux tout à prouver pour obtenir leur place dans le monde de l’au delà.
L’idée est évidemment de critiquer notre société actuelle dopée à la dopamine des likes, en ayant l’intelligence de le rattacher à un sentiment qu’on cherche tous et toutes. Se sentir appartenir à une société, à une communauté, notamment quand on est une femme, où chaque étape d’âge à franchir est un défi. Pour refléter cela, les vivants et morts partagent le même espace dans Dead Talents Society, et les fantômes sont représentés de manière très charnelle, rappelant bien leur origine humaine.
Le réalisateur du subjuguant Détention livre avec Dead Talents Society, une œuvre à la fois touchante, drôle, sans manquer d’envoyer une bonne dose d’hémoglobine comme on aime pour Halloween.
Alors foncez sans hésiter.

2-Evil Dead Rise de Lee Cronin (2019)

De quoi ça parle: une mère de famille célibataire qui vit dans un immeuble, reçoit la visite de sa soeur qu’elle n’a pas vu depuis longtemps. Cette même soirée, suite à un tremblement de terre, les enfants découvrent un livre pour le moins démoniaque.

5e volet de la saga Evil Dead, Evil Dead Rise change radicalement de décor et de personnages au regard des films précédents. Toute l’action se situe uniquement dans un appartement et un hall d’immeuble. Alors que la famille n’a jamais été (ou presque avec le remake) au centre de l’histoire, Lee Cronin met en scène deux soeurs, entourées d’enfants. Egalement écrit par Lee Cronin, Evil Dead Rise réussit la délicate tâche de proposer un film gory (la scène de la râpe à fromage me fera toujours grincer), effrayant, tout en étant particulièrement intelligent dans la thématique qu’il traite: la violence de la situation de mère célibataire. Pour cela, Cronin utilise le motif du rond, et son écriture fine déroule un fil logique, qui monte en puissance en violence et en sang. J’ai analysé la mise en scène et la thématique du film, si vous souhaitez en savoir plus.
Mais qu’est-ce qu’il a d’inclusif?:

• Le personnage de la mère, Ellie, se caractérise autrement que dans son rôle de mère (sachant qu’elle est mère célibataire): elle prend le temps pour ses activités. Elle a également un look « rock », un peu dark. Alors que souvent, les mères ont un style neutre quand elle sont investies de leur rôle, ou « sexy & droguée/alcoolique » quand elle sont défaillantes. Ellie est une mère fiable, qui a une confiance totale envers ses enfants.
• Evil dead rise utilise le genre de l’horreur pour matérialiser la violence extérieures qui est exercée sur les mères célibataires,
• Il y a une belle histoire de sororité: le personnage de la sœur Beth, arrive pour aider sa sœur, et ses neveux et nièces. Ce qui lui permet de traverser les épreuves de sa propre histoire aussi.

Le film vous ravira pour Halloween car c’est un festival de sang et d’effroi (rien que l’affiche me glace car j’y vois une représentation très parlante des violences intra familiales). Et à la fois vous aurez encore plus d’empathie pour les mères célibataires.

3-Judy & Punch de Mirrah Foulkes (2019)

De quoi ça parle: 17e siècle. Judy et Punch sont un couple de marionnettiste appréciés et adorant leur métier. Leur relation est ternie par l’alcoolisme de Punch, et suite à un drame familial, la vie de Judy va basculer.

Enfin un film réalisé par une femme (j’ai proposé également des recommandations de films de réalisatrices)! Une direction artistique somptueuse qui met en valeur chaque élément du décor et accessoires. Tout ce que j’aime.
Le film est une vraie prouesse narrative car il joue sur plusieurs registres: la comédie, le drame, le fantastique, le thriller. Son point fort? Savoir parfaitement où il faut déployer de la comédie ou de la tension. Se déroulant à la belle époque de la chasse aux sorcières, le folklore coven est convoqué, et ça c’est toujours agréable pour un Halloween féministe.
Le personnage de Judy (jouée merveilleusement par Mia Wasikowska) bénéficie d’une écriture généreuse, grâce à un arc narratif qui ressemble finalement à ce que beaucoup de femmes vivent: le syndrome de l’infirmière avec un conjoint défaillant voire violent, une rage qui en découle suite à l’injustice et l’inconscience de trop, et enfin la recherche de réparation.
Mais sa réparation ne se fait pas seule, elle sera bien entourée par des femmes marginalisées et un peu magiques, qui se cachent. Une autre manière de raconter la sororité.

C’est très divertissant sur la forme (d’autant qu’on voit rarement le métier de marionnettiste à l’écran), et ça réveillera vos instincts féministes.

4-What keeps you alive de Colin Minihan

De quoi ça parle: Un couple part en week end en forêt pour fêter leur anniversaire de mariage. Entre révélations et tensions, ce week end se transforme rapidement en quête de survie.

Vous l’aurez compris, What keeps you alive est un survival qui s’avère relativement classique dans son exécution. Pourquoi alors le sélectionner?:

• C’est un très bon divertissement pour Halloween: rythmé, saignant, tendu, vous passerez un bon moment
• Il n’est pas dénué d’idées de mise en scène, notamment pour symboliser qui est la proie et comment on se libère de cette position. Demoiselles d’Horreur l’évoque ici:

• Le couple en question est lesbien et ce n’est jamais un sujet dans le film. Il me semble que c’est la première fois que je vois un couple lesbien au centre d’une histoire d’un film de genre, où il n’est pas question d’évoquer cette situation. Juste c’est un couple. C’est d’autant plus remarquable que c’est un couple pour le moins en conflit, ce qui en fait des personnages complexes, du moins libérés de représenter un certain modèle de personnage queer plus ou moins exemplaires. What keeps you alive garde le cap de traiter ces personnages comme il l’aurait fait avec des hétéros. Et c’est rafraichissant, aussi pour des questions de représentations, d’autant que je n’ai pas revu un film depuis avec la même démarche.

Cette chasse dans la forêt est tellement prenante qu’on pardonne les quelques éléments peu crédibles qui nuisent un peu à la solidité narrative, notamment finale. Les deux actrices Brittany Allen et Hannah Anderson (toutes les deux vues dans des épisodes différents de la saga Saw) forment un duo très efficace, partagées entre le rôle de la proie et du chasseur.

5-She Will de Charlotte Colbert

De quoi ça parle: Après une mastectomie, Veronica part en convalescence avec son infirmière. Dans la campagne écossaise, elle se découvre des pouvoirs.

Cela serait dommage de ne pas finir cette sélection Halloween féministe par un film de sorcières ! Il se distingue de la sélection par son ambiance onirique avec un traitement original de la thématique de la sorcière.
La démarche féministe ici est de mettre en scène une sorcière âgée dans le premier rôle d’un film de genre, sans qu’elle soit l’antagoniste ou un ressort horrifique pour effrayer. Là encore, je n’ai pas d’autres exemples en tête.
Par ailleurs le personnage est complexe; Veronica fait face à son corps de femme âgée mais qui a aussi traversé une maladie qui n’est pas pardonnée aux femmes (il faut voir le nombre de femmes quittées pendant un cancer, ou leur mise à l’écart du monde professionnel, etc..).
Alors quand en plus quand la direction artistique est magnifique organique (Charlotte Colbert est aussi artiste plasticienne), cela ne peut que vous embarquer dans un voyage fantastique unique féminin.

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Attention, j’analyse donc je spoil.

La SF est l’un des sous genres du cinéma de genre les plus anciens. Si Le voyage dans la lune de Méliès en 1902 est le plus ancien film de SF connu, Méliès a réalisé en 1900 Coppelia: la poupée animée, un court métrage, où il est question d’un homme qui se rend compte qu’il est tombé amoureux d’une femme robot. Le film est adapté d’un livre d’ETA Hoffman, L’homme au sable sorti en 1817 (et oui même avant que le Titanic coule et rappelle à l’homme qu’il ne faut pas trop se prendre pour Dieu, les hommes matérialisaient déjà leurs peurs/envies du futur sous les traits d’une femme).
Il ne faudra attendre que 1927 pour voir au cinéma, la première œuvre marquante avec un robot dans Metropolis.

Depuis, les robots sont très souvent présents dans la SF, que ça soit au premier plan, ou élément constitutionnel d’un environnement futuriste. Ils sont le symbole de l’évolution technologique, et donc de l’intelligence humaine associée, mais surtout sont un terrain infini de questionnement sur la nature humaine et ses limites/utilité, l’impact de ces inventions sur le quotidien, les relations privées, professionnelles, etc… Bref, tout simplement, l’intelligence artificielle permet de nous tendre un miroir inévitable pour nous questionner sur la définition d’humanité.
C’est peut être pour cette raison que l’IA au cinéma ne m’a jamais particulièrement attirée, voyant l’insoluble réponse à cette interrogation qui je l’avoue, me fait peur. Car plus je visionne des films sur le sujet, plus les déductions sont floues, et donc incommodantes.
Cet article d’analyse permettra donc quelque part de me confronter à des questions et des réponses qui me dérangent, mais qui sont par conséquent, aussi passionnantes.

Avec Metropolis, le premier robot représenté au cinéma est donc féminin. Et ce n’est pas anodin si on penche sur la portée politique portée par le film de Fritz Lang (qui est une adaptation du livre de sa femme nazie Thea von Harbou). Le robot féminin « Maria » (qui est une copie robotique d’une femme de chair et de sang, objet de fantasme d’un personnage masculin), est créée dans le but de diviser la classe ouvrière qui s’organise pour lutter contre l’exploitation du patronat.
Mais le robot décide plutôt d’inciter à tout cramer, ce qui plonge la société dans une destruction totale. Les ouvriers finissent par brûler le robot (tout comme on brûlerait une sorcière), se rendant compte de leurs propres pertes, notamment humaines.

Pour sa première apparition à l’écran, le « fembot » (robot IA féminin), est donc non seulement punie pour sa rebellion, mais surtout elle incarne un des clichés sexistes les plus entretenus au cinéma: une femme objet de désir, est source de problème. Par ailleurs, le message est clair: le prolétariat doit rester à sa place, car tout désir de liberté (et de survie) n’apporte que chaos. Bon évidemment, on en attendait pas moins de la part d’une nazie, qui glorifie ici le principe de collaboration de classes (une minorité écrasée par la classe sociale supérieure qui doit accepter sa condition). Une belle entrée en matière pour les robots IA féminin au cinéma.

La beauté fatale(ment) artificielle

On l’a vu, l’apparition des robots dans la culture est toujours passée dans l’idée d’intégrer un robot féminin via le regard et le désir de l’homme.
C’est donc un trope que l’on retrouve très souvent dans le cinéma de genre, le plus évident. Voyez plutôt:

• L’amie mortelle,
• Cyber bride,
• Ex machina,
• Perfect lover,
• Robogeisha,
• Simone,
• Her,
• Subservience (qui, littéralement signifie « soumission »),
• Stepford wives,
• The trouble with being born (très gênant),
• Companion
• Cherry 2000…

Evidemment, la représentation de ces robots et de ce que cela implique, diffèrent beaucoup en fonction des films. Nous y reviendrons.

Il y a même une sous catégorie spécifiquement liée à des fembot (ou « gynoïde » ) créés uniquement pour le plaisir sexuel des hommes, flirtant entre thriller érotique et érotisme tout court:

• 2050,
• Veronica 2030,
• Maid Droid – 2009
• Maid Droid – 2023 (apparemment c’était nécessaire).
• Maid Droid Origins– 2024 (décidément il n’y en a jamais assez)

Cela paraît évident mais rappelons que la figure du robot épouse parfaitement les codes du patriarcat:

• Le fembot correspond aux canons de beauté (globalement blanche et blonde, mais surtout mince avec de gros seins, etc..)
• Elle peut être le réceptacle de tous types de violences dans la mesure où elle n’est pas humaine (donc cela reste moralement acceptable par l’homme et la société qui l’entoure. Ceci dit, cela ne gêne déjà pas grand monde qu’on tue une femme tous les 3 jours, mais admettons).
• Elle n’a pas de libre arbitre,
• Elle est soumise (avec parfois un élément qui souligne cette soumission, comme la figure de la servante), sans en souffrir.

Si on regarde d’un peu plus près, on remarque que ces films se divisent en trois catégories (comme le monde, ou presque). Les films avec:

• un gynoïde dont l’IA est visiblement limitée et qui ne peut rien challenger ou se libérer (Deadly friend, 2050, Cyber bride, Perfect Love, S1mone, Stepford Wives, Cherry 2000…)
• la fembot sexy mais dangereuse (trope que j’appelle « Mandy Lane ») telle une belle plante séductrice mais vénéneuse (Terminator 3, Subservience, Metropolis, Eve of destruction, Annihilator, Better than us..). Parfois c’est même sous forme immatérielle que l’IA est antagoniste (Alien, Resident Evil…) ou déceptive (Her, U are the universe..)
• une IA douée d’indépendance ou en tous cas de désir d’indépendance (Ex machina, Companion, Eva, The trouble with being born…)

Il ne vous aura pas échappé que, si ces films ont ce point commun d’avoir une histoire centrée sur une fembot conçue pour l’homme, leur traitement narratif et politique diffèrent.

Etre une femme robot comme les autres (femmes)

Certains ont pour objectif de visibiliser le traitement subi par les femmes avec un dénouement émancipateur pour celles-ci (Stepford Wives, Ex machina, Companion, The trouble with being born…). A noter que le sujet spécifique de l’IA forcent ces récits à s’adapter à leur époque permettant de les ancrer fortement temporellement. Par exemple, Stepford Wives, sort dans les années 70 (72 pour le livre, 75 pour le film), au moment où les USA connaissent de grosses avancées féministes fin des années 60/début des années 70 (loi sur l’égalité des salaires en 1964 ou reconnaissance du viol conjugal en 1972).
Si on prend son opposé temporel, Companion intègre la dimension d’emprise qui est reconnue depuis peu, avec une violence patriarcale qui dépasse le rapport hétérosexuel. La rébellion du robot est plus violente et déterminée que dans Stepford Wives. D’autant qu’Iris s’identifie comme une personne à part entière, même quand elle apprend qu’elle est un robot. Elle se bat pour sa liberté et contre l’injustice, au même titre qu’une femme faite de chair; victime de violences conjugales. Et le public n’a aucun mal à avoir de l’empathie pour elle quand bien même elle est faite d’électronique, puisque ces situations nous sont familières dans des films montrant des violences sexistes et sexuelles.

D’autres films font des violences sexistes une toile de fond (Jung E, L’amie mortelle, etc..) mais sont bien présentes.
A ce titre, je trouve le traitement du sujet dans l’Amie mortelle assez touchant. Une adolescente incestée et battue par son père, est tuée par celui-ci. Elle est ressuscitée sous forme de fembot par un ami geek, amoureux d’elle. Mais cette résurrection est accompagnée de forts sentiments de vengeance faisant d’elle une machine à tuer. Elle va s’en prendre aux personnes qui lui ont mené la vie dure mais son issue sera forcément fatale, la tuant deux fois. Donc, elle est doublement victime de la violence patriarcale. D’abord par son père, ensuite par cet adolescent qui a besoin d’elle, et qui ne lui donne pas le choix de se réincarner en fembot. Alors oui, la violence de l’adolescente est déclenchée suite à son meurtre (comme si cette violence était nécessaire pour réveiller sa force), mais on peut constater également les conséquences de cette violence patriarcale. Le film montre que tout le monde est perdant, tout en ne perdant pas de vue que c’est bien le personnage féminin la première victime.

Globalement ce qu’on peut en conclure est résumé finalement dans la tagline de Cherry 2000 (un homme part à la recherche d’un nouveau modèle de fem/sex bot « Cherry 2000 » après que le sien soit tombé en rade et tombe finalement amoureux d’une humaine). Beaucoup de films utilisent la fembot pour raconter le quotidien du désir des hommes, qu’ils soient entourés de fembots ou de femmes humaines.
Mais on a jamais l’inverse ou presque (je ne vois que l’Homme bicentenaire, à la grosse différence que le robot joué par Robin Williams n’a jamais été créé pour une femme mais pour être une aide ménagère familiale). Même dans Planète Hurlante, où l’IA est indépendante et mute sous plusieurs formes humaines, l’ultime modèle est une fembot capable de saigner, pleurer et évidemment avoir des relations sexuelles (les 3 fonctions d’une femme apriori). Si on additionne au fait que ces modèles s’affrontent désormais entre eux, ces IA montrent que finalement on tourne en boucle avec des comportements patriarcaux classiques.
Alors qu’avec toutes les violences sexistes et sexuelles, on pourrait imaginer que les femmes aient besoin/envie d’avoir un homme IA « déconstruit » par exemple? Ou d’avoir des IA qui cesseraient de reproduire la violence humaine déjà maintes fois traitée?
D’autant que ce déséquilibre de traitement se reflète aussi dans le fait que quasi aucune femme ne sont des créatrices de robots. Et quand c’est le cas, elles créent des enfants (normal!), pas des hommes. Megan et Eva entrent dans ce cas, sachant que pour Eva, la créatrice en question n’est pas connue du grand public. On apprend qu’elle a créé Eva à la fin, dans le cadre d’un twist.

Le mythe Pygmalion: pilier de la représentation des robots IA féminins

Comme souvent, les mythes grecs imprègnent fortement nos histoires contemporaines, jusqu’aux plus récentes. C’est également le cas ici, où les films reprennent l’un des mythes les plus populaires: Pygmalion et Galatée. Pygmalion sculpte Galatée selon ses idéaux féminins.
Ce qu’on a moins en tête c’est que Pygmalion décide de créer Galatée car il désapprouve les mœurs légères des Propétides, des femmes qui en viennent à dévorer leurs semblables. La racine de la démarche est donc imprégnée d’idéologie masculiniste. C’est Aphrodite, déesse de l’amour, qui donne vie à cette statue, afin que Pygmalion l’épouse. Avec donc la validation d’une femme, qui légitime une domination masculine.
La statue animée prend donc la forme d’un robot dans la SF, et c’est donc de façon massive que le cinéma reproduit ce schéma. C’est d’autant moins étonnant que le cinéma possède en son sein, ces fameux Pygmalions; les réalisateurs qui s’avèrent être surtout des agresseurs. Luc Besson, Hitchcock, Benoit Jacquot, Godard, etc…Ce qui n’est pas étonnant, car façonner autrui selon ses désirs, fantasmes, est forcément une violence pour l’autre.

Nous avions parlé rapidement du mythe du Pygmalion, lors de la conférence sur l’IA de « Screen Spirit Festival » à laquelle j’avais participé:

Ces robots ressemblent à un idéal fantasmé du corps féminin reproduisant des codes sociaux, des gestes, des habitudes humaines.
Ce qui m’amène au fait que la plupart des représentation des robots au cinéma (quelle que soit leur fonction) ont une apparence humaine. On retrouve rarement des robots à l’apparence de machine pure et dure.
Par conséquent, c’est bien notre humanité qui est questionnée dans ces films, et pas vraiment l’avancée technologique en tant que telle. Pour interroger nos paradoxes et sentiments, il faut les confronter à une présence qui nous ressemblent. Car sinon on manque d’empathie, de compassion et donc d’intérêt.
La variation de l’empathie selon les espères a été étudiée scientifiquement en 2019. Et le constat est clair: plus une espère ressemble à un être humain, plus celui-ci aura de l’empathie pour cette espèce. A un détail près: l’orang outan dépasse l’humain. Un être humain peut donc avoir moins de compassion et d’estime que pour une espèce animale. Cette précision en dit long sur la manière dont les humains se traitent parfois entre eux (et notamment les hommes envers les femmes).

Cette empathie variable en fonction de l’apparence est particulièrement notable dans Planète Hurlante. Dans un monde post apo paralysé par une guerre entre Nouveau bloc économique et Alliance pour des ressources, des « screamers » ont été créés par l’alliance des mineurs pour attaquer l’ennemi. Ces robots intelligents ont la forme d’une bestiole qui va sous terre et découpe en morceaux les hommes en repérant leur pulsation cardiaque.
Mais la créature dépassant le créateur, ces screamers mutent sous forme humaine pour s’adapter et gagner du terrain. Ainsi, ils deviennent enfants abandonnés implorant pour s’infiltrer dans les bunkers, soldats blessés, ou femme douée de sentiments amoureux.
Les screamers ont compris qu’ils prendraient le dessus, non pas en canardant de bombes ou de tirs, mais en utilisant donc l’empathie naturelle que l’on a pour un enfant seul ou un coéquipier.

Planète Hurlante – © Columbia Pictures

Planète Hurlante joue à fond cette carte de l’empathie via plusieurs éléments:

• L’invasion des multiples petits garçons screamers >> on assiste visuellement à un massacre d’enfants,
• La screameuse « Jessica » se bat contre une autre pour défendre son amoureux humain,
• Les combattants des deux camps sont floués par leurs supérieurs >> traitement déshumanisant venant…d’êtres humains.

L’ambiguïté du robot IA féminin super puissant

Il y a le gynoïde sexy et objet, mais il y a bien sûr le robot IA féminin sexy ET puissant. Terminator 3, Blade Runner, Ghost in the Shell, Ex machina, Eve of destruction, Subservience…pour la chaîne « The Take », ces représentations de femmes appliquent la violence que les hommes font subir aux femmes dans la société. Par ailleurs, elles sont parfois manipulatrices en usant de leurs charmes (Ex machina, Subservience, etc..), profitant de la « faiblesse » des hommes. Donc, elles les projettent dans une situation de vulnérabilité, et c’est pour cette raison qu’associer beauté et puissance physique font un cocktail parfait pour susciter la peur du mâle.
Je rajouterai que le fait que ces robots féminins soient souvent des canons de beauté inatteignables, accentue bien le fait qu’elles s’éloignent d’une certaine humanité.

Et l’homme créa la femme…

Dans tous les cas, cela montre que l’être humain établit une hiérarchie entre les espèces vivantes (l’anti spécisme va donc rester une idéologie bien minoritaire). J’avais assisté à une conférence sur les robots aux Utopiales. Un des intervenants notait qu’il n’est pas socialement acceptable qu’on exerce de la violence sur un chien vs son iPhone. Pourtant, si on compare les QI par exemple, pas sûr que le chien gagne. Même logique avec les fourmis et les araignées qu’on accepte de tuer (même encourage parfois!) vs une vache. On n’accepterait pas de voir une personne maltraiter un bœuf tranquillement dans son pré, alors que ça ne gêne finalement pas grand monde de savoir qu’on les tue, globalement avec une grande cruauté. Il n’y a donc pas de logique, tout est une question de perception, de valeurs, et de contexte.
Alors quelle est la place des robots humanoïdes dans tout ça? Plutôt Iphone ou espèce vivante car ils nous ressemblent?

La série Real Humans évoquait cette ambiguïté, tout comme MondWest, notamment concernant les fembots. Dans Real Humans, un des personnages viole la fembot qui est utilisée à la base pour s’occuper de la maison. Mais entre son statut d’objet et sa fonction (à savoir au service de), ça parait logique de l’utiliser comme bon lui semble. Dans MondWest, les deux personnages masculins profitent d’un bordel pour avoir des relations sexuelles avec une androïde, avec tous le mépris et l’indifférence qui vont avec (car il s’agit pas là d’avoir un discours abolitionniste sur le travail du sexe).
A des degrés divers, ces deux exemples mettent mal à l’aise, car même s’il s’agit de robots, ils sont formatés pour refléter la représentation d’un être humain; cela nous rappelle surtout comment les hommes voient les femmes faites de chair et les traiter. Ce point rejoint également ce que j’évoquai plus haut, concernant les films avec une fembot qui s’émancipent. Il s’agit avant tout de représenter la violence patriarcale exercée sur les femmes, qui les transforment de manière symbolique en robot.
Et malheureusement, le procès de Dominique Pélicot le montre bien. 70 hommes dans un rayon de quelques kms, de tous âges, toutes couleurs, toutes professions, ont patienté des heures sur un parking pour violer une femme inerte. Certains plusieurs fois. Sans jamais s’assurer qu’elle était consentante par le biais de sa propre voix et conscience. Pas besoin des robots pour avoir peur.

Le film Zoé est un des rares avec un angle qui se distingue sur cette question de la relation avec machine: les robots IA peuvent être considérés comme digne de nos sentiments, mais peuvent être victimes de discrimination comme n’importe quelle tranche de la population.
L’IA Zoé hautement sophistiquée, n’a pas été créée pour le désir masculin mais dans le cadre de l’activité d’une entreprise qui aide les couples à déterminer leur score de compatibilité. Elle est une salariée à part entière de cette société.
Si elle tombe amoureuse de son créateur joué par Ewan McGregor, celui-ci montre d’abord une grande réticence, qui ne dura pas face à la personnalité de Zoé. Mais tout change lorsque Zoé est victime d’un accident de voiture et qu’il doit la réparer. Il est confronté à son intérieur (on peut y voir un parallèle avec le fait d’être en face de la vraie nature de quelqu’un), ce qui lui renvoie le fait qu’ils n’appartiennent pas à la même espèce. Il est subitement dégoûté. C’est son ex femme qui fait preuve d’une grande sororité en lui expliquant que ça n’a pas d’importance tant il se sentait bien avec Zoé (là encore on peut y voir un lien avec le fait d’assumer publiquement une liaison dont on a honte, en raison d’une discrimination).

Même si Zoé occulte le dynamisme de domination qu’il existe forcément au sein de ce couple (Ewan Mc Gregor étant le créateur et donc le droit de vie ou de mort si je puis dire sur Zoé), on croit à cette histoire d’amour. D’autant que même si Zoé connait des duplications (et donc pourrait diminuer son identité propre), le film montre bien que ce sont les souvenirs propres qu’on l’on créé ensemble qui comptent, et qu’on ne peut pas les transposer à une autre personne, même si elle a les mêmes données. Par ailleurs, en voyant ces Zoé dupliquées, je me suis interrogée sur les jumeaux ou jumelles. Ce sont des duplications physiques peut être, mais ce sont bien des personnalités distinctes. C’est un très beau film qui amène à réfléchir sur la nature du sentiment amoureux.

L’humain, une machine comme les autres?

Je suis un cyborg traite également de la porosité entre machine et humanité, via le personnage de Young-goon.
A force de travailler comme un robot dans une usine de composants électroniques, elle pense qu’elle est un cyborg, et finit littéralement par péter les plombs. Internée, elle refuse de s’alimenter de peur d’abîmer son système « électronique ». Au lieu de la confronter avec violence à la réalité, un ami interné lui aussi, va entrer dans son jeu pour lui faire accepter petit à petit des aliments. Le film est truffé de scènes oniriques, qui célèbrent la nature « robotique » pensée de son personnage principal, tout en appuyant sa personnalité d’humaine et valorisant la richesse du collectif humain.

Ces films rejoignent la pensée de l’écrivaine et philosophe féministe Donna Haraway qui a écrit le Manifeste Cyborg, mais aussi Des singes, des cyborgs et des femmes.
Elle part du principe que les machines font déjà partie du quotidien des femmes depuis très longtemps, si on prend par exemple le travail à l’usine. Ces machines sont un prolongement des femmes (comme dans Je suis un cyborg). On peut également prendre l’exemple des smartphones qui sont littéralement un prolongement de nous mêmes, et notamment des adolescents, pour qui l’ambiguïté psychologique est très forte en cas d’harcèlement. Le smartphone est à la fois l’instrument de souffrance, et l’allié qui permet de transmettre les informations qui sont dites à notre sujet.
Dans la même idée, les humains doivent être répertoriés dans un système qui est géré par des machines depuis longtemps. Numéro de sécu, recensement, numéro de permis, etc..

Par ailleurs, elle note que l’être humain est déjà constitué d’éléments extérieurs (microbiotes, parasites, bactéries, etc..) qui participent à faire fonctionner le corps. Sans compter que l’on dit souvent que le corps humain est une véritable machine bluffante qui s’adapte et fonctionne en faisant communiquer des hormones, des organes, etc…Je pense que le documentaire De Humani Corporis Fabrica le montre clairement.
On peut également noter les interventions médicales qui nécessitent d’implanter du métal ou autres composants. Le transhumanisme (être humain amélioré) est ancré.

Donna Haraway est très critique des récits dits d' »origine » notamment sur les femmes, à savoir ceux qui théorisent en glorifiant ce qui est « original » (d’où on vient et ce qui définit la nature humaine ou la vie), car elle pense que ça favorise l’immobilisme des idées et de la place des femmes. Par exemple, si on peut place une banane et une copie d’une banane, la « vraie » va pourrir face à la copie qui va perdurer dans le temps (même si évidemment elles n’auront pas les mêmes fonctions). Ou encore mieux, un godemichet sera toujours efficace et opérationnel par rapport à un pénis.
Pour toutes ces raisons, Donna Haraway estime que le cyborg n’est pas soumis à l’Homme, mais plutôt qu’il simule la politique, et finalement correspond à la définition de la biopolitique de Foucault. Dans cette notion il évoquait la puissance exercée sur les individus qui a impact sur un ensemble d’invidus (comme par exemple en temps de Covid). Mais il n’avait pas intégré le concept de la technique, ajouté par Haraway.
Donna Haraway évoque aussi sa vision de l’antispécisme dans Manifeste des espèces compagnes, qui est finalement une continuité de sa pensée: les espèces peuvent avancer et évoluer côte à côte.

Cette pensée d’Haraway se reflète dans l’obscur The trouble with being born, où une petite fille robot (objetifiée par des adultes, qui prendra son indépendance), est régulièrement associée dans la mise en scène, au chien et au chat de la maison. Deux espèces à part entière donc, et égales. C’est d’autant plus vrai concernant les enfants, qui sont souvent considérés comme des êtres à dresser, qui doivent obéir.

C’est également ce qui est montré dans Alien Resurrection. Call, androïde incarné par Winona Ryder (donc une actrice qui a souvent interprété des personnages convoités par les hommes comme Edward aux mains d’argent) est totalement en dehors de toutes intrigues romantiques ou sexualisantes. Elle est considérée comment les androïdes masculins présents dans les précédents opus, et devient le bras droit de Ripley, qui a paradoxalement plus de considération pour l’espèce humaine que les humains, car elle a été programmée pour ça. Ce qui est bien sûr, n’est pas notre cas.

Mother !

La charge robotique d’être mère

L’IA est souvent utilisée pour représenter la figure maternelle: Mère dans I am mother, Cassandra dans la série du même nom (même si elle n’est pas vraiment une IA à proprement parler), Roz dans Le robot sauvage, Jung E dans le film éponyme, etc…Et si la mère n’existe pas matériellement, elle est présente à travers ses actions et sa voix comme avec la Reine Rouge dans Resident Evil ou l’ordinateur de bord « Mère » dans Alien.
Et souvent, la vision du personnage est assez binaire:

• Soit elle remplit la fonction attendue par la société d’une mère, en répondant aux besoins des enfants pour garantir leur épanouissement personnel (I am mother, Cassandra, Le Robot Sauvage, Jung E). Le cas de Cassandra est particulier car si on comprend que le personnage a un fond très discutable moralement, c’est bien les normes patriarcales qui attisent sa haine et son besoin d’être estimée. Et c’est bien son esprit d’humaine qui est enfermée dans un robot, comme une femme est enfermée dans son rôle de mère et d’épouse.
  
• Soit elle est machiavélique (Alien, Resident Evil, I am Mother..).
  I am mother a l’intelligence de confronter deux figures de mère: la version robot qui, par ses fonctions ne fait preuve d’aucune défaillance dans sa gestion des besoin de l’enfant (affectifs, éducatifs, etc..). On peut même dire qu’elle surpasse une mère de chair et de sang, car sa mission est de régénérer des êtres humains suite à leur auto destruction. Elle protège et couve une jeune femme issue d’un embryon à l’intérieur d’un bunker.
  La version humaine (jouée par Hilary Swank), offre un autre regard sur le monde extérieur à cette jeune femme qui comprend que son robot de mère a en fait, fait preuve d’eugénisme en brûlant dans des fours (la référence est claire) les enfants qui n’étaient pas assez brillants pour faire perdurer l’espèce humaine. Elle ne fait qu’exécuter un programme qui a un objectif chiffré.
  A la fois, la version humaine n’est pas capable d’accompagner la jeune femme (appelée « Fille » car c’est finalement son seul statut) vers des perspectives. Elle prendra donc son propre envol, grâce à la bénédiction du robot, pour prendre soin des embryons à faire naitre. Aucune des figures maternelles n’est satisfaisante, et c’est bien ce constat que tout le monde devrait faire. Aucune mère n’est parfaite, aucune mère ne peut systématiquement faire les bons choix et avoir les bons mots.
  Ceci dit, la conclusion vient atténuer la force de cette conclusion, car l’avenir de l’humanité repose encore sur une femme dont la fonction première sera donc d’être une mère pour la nouvelle espèce d’humaine.

Malgré ses problèmes d’écritures et son budget fauché, Jung E aborde de manière originale le rôle de mère.
Une mère guerrière doit partir en mission, laissant sa fille gravement malade, qui doit se faire opérer. La mère meurt en mission, mais ses compétences sont injectées dans un modèle robotique, pour mener des recherches, menées par sa fille devenue grande, afin de mettre fin à une guerre.
Ce robot mère est donc utilisé en apparence pour des questions militaires, mais on apprend qu’il s’agit surtout d’en faire un sexbot. Par ailleurs, elle permet aussi à sa fille devenue adulte qui passe du temps avec elle pour l’étudier, de faire son deuil.
Ce robot « mère » finit par se libérer (avec l’aide de sa fille, qui se libère psychologiquement). Cette liberté est notamment symboliser par le fait qu’elle se débarrasse de son enveloppe corporelle, pour laisser apparaitre son physique de robot. C’est d’autant plus pertinent que précédemment elle a été poursuivie par des robots qui n’ont pas d’apparence humaine. Généralement, c’est un dispositif qui vise à déshumaniser le robot, afin que le public n’ait pas d’empathie pour lui. L’idée est de montrer tel qu’il est vraiment: une machine faite de métal. Or ici, la dernière image du film c’est la mère robot qui contemple une immense forêt, après avoir retrouvé son état de robot: elle est donc face à sa vraie nature; et donc libre, face aux hommes mais aussi face à son rôle de mère.

En dehors de ces films, peu d’oeuvres questionnent le rôle des mères à travers des robots. Ainsi, l’IA est l’outil parfait pour représenter le côté automatique, surhumain d’être mère. C’est une charge forte, dont la robotique apparait comme un élément logique dans ce contexte. D’autant que cette représentation n’existe quasiment jamais pour les hommes. Pour le coup, la charge du rôle de père est tellement moins importante dans la société, qu’elle est peu intégrée dans l’imaginaire collectif. Donc apriori moins nécessaire à évoquer.

L’IA le remède à la violence faite aux enfants?

Un seul film met le doigt là ou ça fait mal: Terminator 2. La scène où Sarah Connor regarde le T 800 et John Connor ensemble, elle se dit que cette machine est finalement le meilleur père que son fils n’aura jamais: programmé pour protéger John, le T 800 ne sera jamais violent, saoul ou trop occupé pour jouer avec lui. Et c’est effectivement un fait objectif indiscutable. Par conséquent, est-ce qu’il vaut mieux qu’un enfant soit confié à un robot en cas de maltraitance par exemple? D’autant que le T 800 utilise son IA pour apprendre au contact des humains, ce qui fait de lui un être qui s’adapte à son environnement permettant des échanges et un attachement. C’est précisément la conclusion de leur périple quand le T 800 dit à John Connor qu’il comprend pourquoi les humains pleurent mais qu’il ne pourra jamais le faire. Cela marque à la fois la différence fondamentale entre eux tout en pointant ce qui les rassemble.

En 2019, un rapport des inspections générales des affaires sociales (IGAS), de la justice (IGJ) et de l’éducation (IGAENR) établit qu’un enfant meurt tous les 5 jours sous les coups de ses parents (moins d’un an pour la plupart).
En 2025, un rapport de la commission parlementaire sur l’Aide Sociale à l’Enfance établit des dysfonctionnements graves qui conduisent à des suicides, des violences physiques et sexuelles. Alors est-ce que l’IA pourrait aider les humains à résoudre ce problème? Je n’ai pas la réponse, mais ce qui est sûr c’est que des humains ne se comportent pas comme tels et détruisent des vies. Là encore, pas besoin d’avoir peur des robots.

L’enfant élu de la robotique

Qui dit mère, dit enfant. Il y a curieusement, assez peu d’enfants IA au cinéma. Il y aurait pourtant beaucoup de choses à dire, quand on voit comment les enfants sont aussi perçus comme des objets (comme les femmes), avec une approbation encore plus nette de la société. Le plus connu est AI de Spielberg, une sorte de mix entre Pinocchio et le Petit Poucet. Tout comme dans Eva, ces deux enfants robots sont créés pour combler un manque (affectif, solitude, etc..) des adultes (schéma que l’on retrouve très régulièrement dans la réalité, ce qui me fait toujours doucement sourire quand j’entends des parents traiter d’égoïste des personnes qui ne veulent pas d’enfants). Ces deux enfants connaissent aussi un destin tragique à cause des adultes. La différence est que dans AI on a de la peine pour David, qui s’éteint seul, mais revit 2000 ans plus tard dans un rêve, un dernier instant avec la mère qui l’a abandonnée.

Dans Eva, elle sera éteinte par un adulte, suite au fait qu’elle ait poussé sa créatrice dans le vide. A noter que la boss de la créatrice a laissé sciemment cette dernière mettre en « liberté » cette enfant robot, quand bien même elle connaissait les risques. Le film est très ambigu sur la dangerosité de cette robot enfant. Si elle pousse sa mère c’est dans un élan de colère (sans intention de la balancer dans le vide), car elle vient d’apprendre qu’elle est un robot, et non une petite fille de chair. Comme n’importe quel gamin qui serait en colère car il apprend de quelqu’un d’autre qu’il a été adopté par exemple. Mais la position du film est de nous dire que les adultes savaient depuis le début que c’était risqué, que comme elle a tué une femme, elle doit être déconnectée, etc..Alors que le scénario aurait pu transformer Eva en véritable machine à tuer redoutable, il nous est présenté une scène qui montre Eva comme une petite fille blessée et en colère légitimement. Et pourtant les conséquences à payer sont très lourdes pour Eva, comme s’il n’était pas possible de tolérer une montée de colère pour une petite fille robot, même légitime, alors même que ce sont les adultes qui ont été irresponsables à la base. Eva avait beau être un membre de la famille, élevée comme un être humain fondu dans la masse, aimée et considérée comme telle, cela ne pèse d’un coup plus rien. Est-ce révélateur de la manière dont les enfants sont parfois maltraités quand ils sortent du rang, ou de leur vision de leurs parents?

Dans un registre plus politique, The artificial girl traite d’un sujet passionnant, qui devrait être beaucoup plus présent: la pédocriminalité sur le web. Pour la contrer, un ingénieur informatique met au point une IA d’une petite fille blonde aux yeux verts avec qui, il est possible de discuter uniquement sur un écran. Via cette IA, l’idée est de piéger les pédocriminels. Le film se divise en 3 parties, pour finalement arriver à l’IA qui existe sous forme tangible et qui reproche à son créateur de ne l’avoir créée uniquement dans ce but, la privant de liberté. Le film délaisse rapidement sa problématique de base pour questionner la propre utilisation de l’ingénieur d’un robot enfant, pour défendre la sécurité de vrais enfants. C’est dommage, car le film n’assume pas de traiter frontalement ce problème massif, touchant tous les enfants de la planète. Notamment, depuis le développement de l’IA où il est encore plus facile de créer des images pédopornographiques avec de simples images d’enfants récupérés sur le web.
La pédocriminalité est également le sujet de The trouble with being born qui nous place comme rarement à la place du robot. Une sorte de robot gaze, où on suit une petite fille robot victime d’un adulte, qui s’échappe et se retrouve chez une vieille femme qui l’exploite également pour faire revivre ses souvenirs de son enfant décédé. Elle finit sa route seule, dans un sale état. Là encore, il aurait été intéressant de traiter un peu plus la thématique de fond (l’exploitation des enfants), mais la réalisatrice se contente d’être une posture contemplative, qui finit par procurer surtout une gêne, tant l’ambiguïté est présente.
Bref, alors que le problème est massif, le cinéma peine à s’en emparer.

Aussi curieux et surprenant que cela puisse paraître, je trouve que Megan tire son épingle du jeu. Cette poupée, à l’apparence d’une petite fille, devient une sorte de parent de remplacement pour son propriétaire, une enfant devenue récemment orpheline et recueillie par sa tante. Celle-ci est ingénieure et la créatrice de Megan (donc pour une fois on a une femme créatrice d’IA !).
Il faut avoir en tête que la confusion des rôles parent/enfant est un des piliers du climat incestuel. Dans un climat incestuel, il n’y a pas forcément viol ou agression, en revanche, il instaure un climat de domination où les rôles sont inversés, où il n’y a pas d’intimité etc…A ce sujet, je vous conseille le roman graphique choc Ce qui Cécile sait, journal de sortie d’inceste, de Cécile Cée.

Cette petite fille robot IA devient une mère de substitution pour la petite fille en perte de repère, avec une tante démunie, qui préfère se consacrer à son travail. Evidemment, cette situation bascule dans l’horreur avec une Megan qui veut contrôler et avoir la main totale sur cette petite fille. Une situation très proche de ce qu’on peut observer dans les familles instaurant un climat incestuel, donc. Evidemment, Megan n’est pas un exemple brillant sur le traitement du sujet dans toute sa finesse et complexité, mais il pose des bases qui ne sont pas inintéressantes, notamment au regard de l’absence du sujet dans le cinéma.

L’IA ce déni?

Si la présence des robots, et de l’IA petit à petit a toujours occupé nos écrans, il n’est jamais vraiment question de remplacement total de l’humain. L’idée est toujours de comprendre comment l’artificiel cohabite et se complète (ou non) avec l’humain, et à travers ça, on cherche à définir ce qu’est d’être humain.e.

Les débats à l’aube de 2030 font rage sur la manière de percevoir, utiliser (ou non) l’IA. Mais pas sous une forme tangible ou humanoïde comme le cinéma le montre beaucoup. Mais de manière immatérielle, avançant de manière imperceptible (quel serait donc le problème à discuter avec une machine, ou obtenir des images rapidement ?), nous privant d’un certain temps de cerveau disponible.
Est-ce que l’humain peine tant à s’imaginer comme remplaçable? Ou l’immatérialité est-elle moins cinématographique? En tous cas, scénaristes et réalisateur-rices (les réalisatrices encore trop absentes), sont assez peu représenté les enjeux actuels au regard du robot fait de titane et de PVC.

Filmographie

L’article [Dossier] Les robots IA féminins dans le cinéma de genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Je vais volontairement m’écarter des très très populaires car vous n’avez pas besoin de moi pour les trouver. Certains dans cette liste sont évidemment connus des férus du cinéma de genre, l’idée est de s’adresser à un public moins connaisseur, mais qui a envie de découvrir ce cinéma à travers des films à la fois qualitatifs ET divertissants pour Halloween. Si vous cherchez encore plus de diversité, vous pouvez consulter mes recommandations de films d’Halloween réalisés par des femmes.
J’ai également écrit un article sur les sous genre du cinéma de genre si vous souhaitez en apprendre davantage.

1- Unfriended de Levan Gabriadze (2015) – USA

Genre: Screenlife

De quoi ça parle: un fantôme vient hanter une conversation webcam entre plusieurs amis.

Genre qui peine à se montrer sur nos écrans, c’est un sous genre qui utilise justement les vôtres. Un écran d’ordinateur pour être précis. Dérivé du foundfootage (rushes de vidéos « trouvées » dont Le projet Blair Witch est le représentant le plus connu), c’est étonnant de ne pas en voir plus, au regard de notre consommation d’écran.
Dans Unfriended vous êtes le spectateur direct (et concerné donc), de ce que vous voyez à l’écran. Vous « participez » à ce qui se passe. La montée en puissance est très bien gérée: on passe d’une discussion d’un couple, à des échanges de vacheries entre adolescent-es pour tendre vers une ambiance qui suscite interrogations et suspicions pour basculer dans l’horreur qui ne s’arrêtera pas.

En plus d’être un divertissement efficace, le propos d’Unfriended est une démonstration de la violence du revenge porn et du harcèlement scolaire. Sans surligner son sujet, le film parvient à diffuser son message en prenant son public non seulement au sérieux, mais à parti grâce au dispositif screenlife.

2- Witch Hunt d’Elle Callahan – USA (2021)

Genre: Sorcières

De quoi ça parle: De nos jours, les sorcières sont criminalisées et pourchassées. Dans ce contexte, une mère célibataire rejoint la lutte en les cachant pour qu’elles passent la frontière, ce qui n’est pas du goût de sa fille, Claire.

Un film de sorcières pour Halloween, cela me parait inévitable. A la lecture du pitch, on devine bien que Witch Hunt associe sorcières (figures marginalisées et dénigrées) et migrants (ou évidemment la Shoah). Quoi de mieux que de décaler le regard et les types de protagonistes pour traiter un sujet actuel et dramatique, maintes fois sujet de journaux télévisés et drames sociaux misérabilistes?
De par la nature illégale des agissements de sa mère, Claire se place en dehors de cette activité, elle qui cherche à s’intégrer auprès des filles populaires de son lycée. Elle devra cohabiter avec Fiona et sa petite soeur suite à des complications.
L’écriture du personnage de Claire est particulièrement brillant; il incarne presque à lui seul, le sujet du film: faire appartenance. On a de l’empathie pour cette adolescente qui a besoin de se sentir acceptée et aimée, et dont l’activité de sa mère la met dans l’inconfort. Fiona et Claire vont autant s’aider l’une l’autre, ce qui fait de Witch Hunt un véritable récit de sororité.
Par ailleurs, le film ne manque pas de suspens, de moments de magie, tout en délivrant un message de tolérance et d’acceptation, bien loin d’être mièvre. Dont on a besoin en ces temps terrifiants.

3- Carnival of souls d’Herk Harvey (1963) – USA

Genre: Fantastique

De quoi ça parle: Suite à un accident de voiture, Mary reste traumatisée. Elle entend et voit de plus en plus de choses étranges, entourée de fantômes.

L’idée de ce film est venu au réalisateur en découvrant une salle de bal étrange, dans un lieu désaffecté, à l’intérieur du parc d’attraction Saltair, donc rien que pour cette raison, c’est le film idéal pour Halloween.
Ne soyez pas rebuté-es par l’ambiance années 60 de Carnival of souls; son lot d’étrangeté, d’inquiétudes et de fantastique n’a pas vieilli d’un pouce.
On déambule avec Mary dans ce parc d’attraction nébuleux, et des scènes vont resteront en mémoire, dont une certaine scène de bal.
Carnival of souls narre les tourments liés aux traumas et à la mort, sans qu’il soit glauque. On est une atmosphère onirique qui vous enveloppera de curiosités, de flottements et de frayeurs.
Le programme parfait pour siroter un cocktail d’Halloween avec des bonbons fantômatiques.

4- Ava’s possession de Jordan Galland (2015) – USA

Genre: Diabolique

De quoi ça parle: Ava vient de subir un exorcisme et est désormais débarrassée de son démon. Mais elle a causé des torts pendant sa possession et doit aller consulter aux Possédés Anonymes.

Changement de registre, car il nous faut bien une comédie horrifique pour Halloween, avec Ava’s Possession qui là aussi ne se cache pas derrière son pitch. Il s’agit d’utiliser la possession comme métaphore de comportements problématiques liés à des addictions, et notamment l’alcool.
Assez peu de films de possessions abordent cet angle et cela me parait tout à fait pertinent, car on a tous connu/vu des personnes sous l’emprise de substances qu’on ne reconnait plus.
On suit donc le cheminement d’Ava qui cherche à comprendre les torts qu’elle a pu causer (dans la mesure où elle ne s’en souvient pas) et comment/si elle peut réparer.
C’est drôle, original tout en permettant de prendre du recul sur le sujet de l’addiction et nous invitant à prendre conscience que c’est une maladie dont les personnes souffrantes peinent à combattre.
J’évoque un peu plus en détail le film dans mon article sur la représentation de la possession.

5- Midnight silence de Kwon Oh seung (2021) – Corée du Sud

Genre: Psycho killer

De quoi ça parle: Une jeune sourde muette surprend un tueur en série et devient sa proie.

Avec Midnight silence ne vous attendez pas à un grand film maitrisé de bout en bout, mais à un film d’action et de suspens bien calibré pour Halloween.
Le handicap de son héroïne, Kyung-mi, permet évidemment d’instaurer de l’enjeu angoissant facilement et ça marche ! On est à côté d’elle, en forte empathie et la brutalité du serial killer est tout à fait crédible, ce qui permet d’intégrer une vraie notion de danger.
Par ailleurs, je trouve que le dernier quart d’heure est particulièrement bien géré, pointant le sexisme et le paternaliste de la société, qui devient un véritable obstacle supplémentaire pour l’héroïne.
Midnight Silence est prenant et globalement bien rythmé, alors ne boudez pas votre plaisir pour dynamiser votre soirée Halloween en deuxième partie de soirée.

6- Ropes de José Luis Montesinosde (2019) – Espagne

Genre: Huis clos

De quoi ça parle: Une jeune fille handicapée moteur et son père se retirent dans une maison isolée, en compagnie d’un chien dont le rôle est normalement d’aider Elena…

Encore une héroïne ayant un handicap (trope récurrent dans le cinéma d’horreur), dans un huis clos, mais cette fois victime d’un chien enragé. Le berger belge sensée lui faciliter la vie quotidienne, est victime d’une maladie qui le rend particulièrement agressif. Elena va donc devoir redoubler d’ingéniosité pour s’en sortir.
Ropes a le mérite à travers les déboires d’Elena de montrer à quel point une maison non pensée pour des personnes handicapées moteur s’avère être un véritable parcours de difficultés que nous valides, ne pouvons pas voir. Le film gère particulièrement bien son suspens, et comme les valides ne peuvent pas anticiper ou savoir ce qu’une personne ayant un handicap moteur peut faire, il nous est impossible de projeter ce que le personnage peut faire.
Pour maintenir l’attention et la tension, Ropes maitrise son rythme en intégrant la thématique du deuil, donnant lieu à des séquences touchantes, permettant une soupape.

7- Candyman de Bernard Rose (1992) – USA

Genre: Slasher

De quoi ça parle: Si vous dites trois fois son nom devant un miroir, le croquemitaine Candyman apparaitra et vous courrez à votre perte…

Parce que que serait un Halloween sans un slasher? On connait Ghostface de la saga Scream ou Mickaël Myers de celle d’Halloween, mais on connait moins Candyman, seul croquemitaine noir de la culture populaire Américaine.
Ce croquemitaine interprété par Tony Todd, est l’un des seuls dont la vengeance et la violence se déploie suite au fait qu’il ait été martyrisé lui même. En effet, tombé amoureux d’une blanche à l’époque des colons, il fut puni par les blancs, qui badigeonneront son corps de miel afin d’être attaqué par les abeilles. D’où son nom.
Armé d’un crochet, Candyman apparait grâce à sa légende qui est notamment perpétuée dans la cité pauvre de Cabrini Green.
On suit Helen, jeune journaliste blanche qui tente de faire sa place dans ce milieu machiste. Elle entend parler de la légende de Candyman, et décide d’enquêter.
Si la plupart des slashers évoquent le sexisme et les violences sexuelles, le sujet de Candyman est, vous l’aviez deviné, le racisme. C’est donc un slasher plus évident politiquement que les autres, mais le fait d’aborder ce sujet de société sous un angle de légende et d’histoire Américaine, en fait un film à part.
Helen et Candyman sont unis par le fait de subir une oppression différente mais bien présente et qui dans les deux cas, perdurent.
D’un point de vue purement slasher, il propose des séquences assez classiques mais bien exécutées, avec une bonne dose d’hémoglobine attendue pour Halloween.
Le film connaitra deux suites (médiocres), et un remake intéressant mais inabouti, si vous souhaitez continuer l’expérience…

8- The Children de Tom Shankland (2008) – UK

Genre: Sales gosses

De quoi ça parle: Des ami-es partent en vacances de neiges avec leurs enfants. Ceux-ci sont contaminés par une substance présente dans la forêt qui modifient leurs comportements…

Le cinéma d’horreur regorge de personnages d’enfants démoniaques, et The Children est une pépite sanglante anglo saxonne proposant un travail exceptionnel sur sa photographie.
Sa véritable force est de ne pas lésiner sur la brutalité et la violence, en intégrant une problématique maligne et facilement identifiable: comment parvenir à violenter son enfant dans un cas de légitime défense?
C’est stressant, saignant, avec une tensions palpable qui quand elle démarre, ne retombe jamais.
Parfait pour savourer son Halloween avec des pops corn.

9- La féline de Jacques Tourneur (1943) – USA

Genre: Créatures

De quoi ça parle: Irina, jeune mariée, semble être frappée d’une malédiction qui met à mal son mari qui se rapproche d’une jeune femme Alice…

Halloween étant propice à la création de déguisements de créatures, il faut une proposition avec l’une d’elle ! Comme son nom l’indique, La Féline raconte l’histoire d’une femme qui se transforme en panthère noire, qui doit jongler avec ses deux identités. C’est surtout l’histoire d’une femme qui est « trop » complexe pour son mari qui souhaite en faire une femme « normale » et conforme à ses attentes. Sa deuxième identité représente ce rejet et avant tout la volonté d’exister en tant qu’elle même.
Les films de genre à portée féministe existent donc depuis toujours, il s’agit simplement de rappeler qu’ils sont là, avec parfois plus de pertinence que certains films actuels.
Le film est connu pour être précurseur de techniques de mises en scènes pour créer la peur, qui feront date dans le cinéma d’horreur (comme la scène du bus). Le film est aussi un admirable objet esthétique, jouant avec l’ombre et la lumière et surtout le hors champs, permettant à la fois de faire fonctionner notre imaginaire mais aussi d’appuyer l’aspect fantastique.
La Féline est un des films emblématiques du réalisateur franco américain Jacques Tourneur (et rien que pour ça il fait quand même parti de notre patrimoine). L’actrice française Simone Simon fait preuve d’un tel charisme qu’on se laisse porter par ce conte émancipateur.

10- The angry black girl and her monster de Bomani J. Story (2023) – USA

Genre: Science Fiction

De quoi ça parle: Vicaria, élève afro américaine brillante, est cernée par la mort et le racisme. Quand son frère meurt, elle décide de le ressusciter…

The angry black girl and her monster s’empare du roman de Mary Shelley, Frankenstein, en mettant en scène cette fois une savante. Le film reprend finalement les bases de la réflexion du roman, à savoir « guérir » de la mort et transformer la mort en naissance.
L’idée brillante est d’intégrer l’action dans des problématiques contemporaines, du point de vue de la minorité afro américaine. Mais là où le long métrage est un plaisir à regarder et à entendre, c’est dans sa manière de politiser la question du racisme au delà des évidences, tout en infusant des dialogues très drôles et savoureux. Par ailleurs, sa tonalité un peu teenage movie, en fait un film horrifique facile d’accès pour Halloween. The angry black girl and her monster ne manque pas de rebondissements inquiétants et gores, n’oubliant jamais ses intentions de départ: traiter du corps et de la chair, dont tout scientifique se sent capable de surpasser; pour le pire et le meilleur (pire).

L’article Top 10 de films pour un Halloween diversifié est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Le mythe du vampire

Le mythe du vampire est tellement ancien qu’il est impossible de le dater vraiment (sauf si on prend en compte nos représentations contemporaines liées à Bram Stoker).
Un des premiers écrits n’est pas un roman mais un livre plus ou moins religieux, écrit par Dom Calmet en 1751: Le Traité sur les apparitions et les vampires. Il se base sur des témoignages recueillis à travers l’Europe sur l’existence de ce que les gens appellent des vampires. Philippe Charlier, médecin et archéologue explique dans une émission de France Culture, que cette croyance s’ancre dans un contexte de conflit en Europe (pressions militaires des Ottomans, catholique romain et orthodoxe, oppositions de comtés), mais aussi de mauvaise alimentation. Cette peur quotidienne se cristallise sur celui qui meurt « mal », sur l’autre qui fait peur. Par exemple, un mauvais chrétien qui n’a pas expié ses péchés, ou une personne qui a trop tué (en somme on anticipe déjà ceux qui deviendront vampires). Les rituels en réaction à ces « vampires » étaient nombreux et radicaux: les cadavres étaient exhumés, mutilés (pieu dans le cœur, tête coupée), brûlés. On évitait que ces créatures déambulent: on a retrouvé des cadavres avec des pieds et des mains mis à la place de l’un et l’autre, et les chaussures étaient brûlées. On utilisait des pieux pour détruire l’organe vital qu’est le cœur, et pour les fixer dans leur tombe.
Pour éviter qu’ils sucent le sang et/ou pour éviter que l’âme se perde, on mettait une brique dans la bouche des cadavres. Une véritable nécrophobie était donc très ancrée.

Les premières apparitions du vampire

Au 18e siècle, le vampire n’est pas le dandy actuel dans la représentation populaire. Le vampire est plutôt un amas d’éléments en putréfaction, proche d’un zombie. Les deux figures sont évidemment proches, le vampire se caractérisant avec des capacités de réflexion.
Dom Calmet relate des témoignages décrivant des vaisseaux palpables et gonflés, du sang qui coule. Philippe Charlier explique que quand on meurt, le sang coagule et se reliquifie, la production de gaz fait circuler le sang. Beaucoup d’organes se liquéfient et cela donne une mixture jaunâtre et rougeâtre.
Les gens ne comprenaient pas ces changements, et en concluaient donc qu’ils s’agissait de vampires ou de créatures maléfiques.

Il y a aussi des individus enterrés vivants. Ils se réveillent, tapent et essayent de sortir mais ils finissent par avoir faim et soif et griffent le cercueil. Certains ont même mangé leur main. En ouvrant les caveaux (et notamment suite à des épidémies de peste), on les trouvait avec des blessures et du sang partout.
Des sonnettes ont dont été mises en place (élément qu’on retrouve dans La Nonne), permettant aux faux morts d’alerter les vivants en cas de réveil.
Ces éléments conduisent la population à croire à des créatures revenues de l’enfer, prêtes à se venger, qu’il faut arrêter.

Sur les traces des vampires

Les premiers écrits datent du 18e siècle, et n’évoquent pas explicitement la notion de vampire. On note par exemple des poèmes, Lénore (1774), qui raconte qu’une jeune femme croit retrouver son fiancé de retour de guerre, alors qu’il s’agit d’un mort ou d’un fantôme. Il y a également le Vourdalak en 1840.
En 1872, Sheridan Le Fanu publie Carmilla, avec une vampire lesbienne. Cette nouvelle sera fondatrice de la représentation actuelle du vampire, dont Bram Stoker s’inspirera. On y retrouve en effet beaucoup de points communs comme l’épidémie et la séduction du vampire.
Le premier vampire marquant est donc une femme, qui se fera voler la vedette du mythe par des hommes, Dracula, puis Nosferatu. Bram Stoker arrive ainsi avec Dracula en 1897, et c’est surtout le cinéma qui va populariser cette histoire (bizarrement on ne choisira pas l’histoire originelle, avec une femme ?!). On trouve une vingtaine de films directement liés à Dracula, sans compter les diverses versions plus ou moins éloignées, qui doit dépasser la centaine de films.
Il faut avoir à l’esprit que dans l’écrit de Stoker est teinté d’une grande peur de l’autre, qui se matérialise notamment par des descriptions à connotations antisémites. L’émission La science, CQFD évoque rapidement ce point.

Le vampire s’adapte aux inquiétudes de son époque

L’époque victorienne est le moment idéal et propice au développement de créatures morbides comme les fantômes et les vampires. Il y a une forte croissance économique et industrielle, mais aussi scientifique et médicale. La transfusion sanguine apparait et se pratique de plus en plus. Tout cela est perçu comme une grosse avancée futuriste, qui peut faire peur, du moins questionne (on retrouve la base de Frankenstein qui est lui même un mort vivant, pile entre le zombie et le vampire). C’est explicitement cité par le chasseur de vampires Van Helsing, qui associe ces événements au Malin.
La révolution industrielle est aussi le début de l’expansion du capitalisme qui va devenir un véritable monstre décennie après décennie. Un vrai vampire qui puise sa force dans celle des autres.

Autant d’éléments riches et variés qui ne pouvaient que nourrir pendant des décennies et encore maintenant, des réflexions diverses. Sur le sexe, la mort, le rapport à l’autre et à la société de manière globale, mais aussi des interrogations liées à sa propre identité. Le vampire permet de questionner tout cela, et les thématiques des films évoluent avec le temps.
Avec l’époque sida, le vampire est un outil idéal pour représenter cette inquiétude.

Maintenant qu’on sait que la première vraie histoire de vampire était une femme, et que le vampire a une très grande histoire chargée de symboles, comment ces thèmes sont traités selon le genre? On l’a vu, le genre féminin et masculin sont présents dans la mythologie du vampire depuis le début. Pourtant avec l’icône pop de Dracula, on a souvent l’image du vampire masculin qui domine, et les vampires féminines séductrices et fatales.
Je vous propose d’entrer dans le vif du sujet de la représentation du vampire selon le genre.

La revanche de Carmilla

Si Carmilla n’a pas bénéficié de la popularité de Dracula, les femmes vampire au cinéma ont largement occupé l’espace. En effet, si on exclu les innombrables versions de Dracula (personnage masculin donc), je compte une trentaine de personnages féminins principaux sur environ 70 de films de mon corpus. Et c’est sans compter les films qui mettent en scène des groupes qui sont souvent mixtes ( Near Dark, Génération perdue, Suck, etc..).
Malheureusement, cela s’explique en partie avec de (trop) nombreux films plus ou moins (parfois plus) érotiques, surfant sur le fantasme de la vampire avide de sexe et de sang. Il va sans dire que ce n’est pas nécessaire d’analyser davantage cette représentation (et que je vous laisse chercher les titres), uniquement là pour satisfaire le plaisir masculin.

Quand il s’agit de groupes, ceux composés de filles sont également largement majoritaires (Nous sommes la nuit, Bit, Carmilla, Byzantium, Les deux orphelines vampires, Bliss…). Dans tous les cas, le vampire est représenté davantage en duo qu’en groupe (Entretien avec un vampire, Byzantium, Only lovers left alive, Renfield, Thirst…). Il est donc plus vu comme un « animal » solitaire, qui cherche éventuellement à créer une relation forte plutôt que de s’entourer.
Et quand il est représenté en groupe, il se rapproche régulièrement de son cousin le zombie, avec des hordes et des vampires qui ne sont pas, ou moins caractérisés (Vampires, 30 jours de nuit, Blade, Une nuit en enfer, Je suis une légende..).

Voici les particularités que j’ai remarqué sur les vampires féminins:

• elles se lient davantage avec un homme humain (sans les tuer ou les utiliser). Je pense à A girl walks home alone at night, Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, Morse, Near Dark, Génération perdue... L’inverse est beaucoup moins vrai. Sur les 70 films de mon corpus, je n’ai pas une seule histoire où l’intrigue principale est un vampire qui se lie d’amitié, d’amitié amoureuse ou d’amour avec une humaine…à part…Twilight.
• elles sont souvent la représentation d’un récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, All the moons, Byzantium, Carmilla, Bit…). Je compte En attendant la nuit et L’assistant du vampire qui mettent en scène un vampire adolescent.
• elles sont parfois mères (Blood red sky, Byzantium, Nous sommes la nuit, All the moons...), contrairement aux hommes pour qui ce n’est quasiment jamais le cas (L’assistant du vampire étant le seul exemple où on peut parler d’un père involontaire). Nous sommes la nuit aborde même la douleur pour une mère de voir partir avant elle, sa fille humaine qui meurt de vieillesse.
  Je ne considère pas que le personnage de Louis dans Entretien avec un vampire est un père, car ses sentiments envers Claudia sont extrêmement ambigus (tout comme le film sur cet aspect). Dans le livre, les descriptions de Claudia (qui a 5 ans et non 11) sont très sexualisées. Le podcast Adapte moi si tu peux évoque ce point pour le moins gênant.

• elles peuvent subir des problématiques d’addictions qui se voient parfois physiquement (The addiction, Bliss, Thrist…), tandis que les vampires masculins sont davantage en contrôle, car plus rapidement en position de prédateur. A noter que la misogynie de Thirst amène même le vampire à décider à la place de la vampire de sa propre vie, jugeant qu’elle est irresponsable.

La vampire plurielle

L’avantage d’avoir de nombreuses vampires représentées, c’est que cela permet d’avoir une richesse de personnages et de thématiques (c’est pas faute de le répéter depuis la création de ce blog). Et c’est assez rare pour le souligner (même s’il y a des progrès à faire rassurez-vous, je n’ai pas fini de râler).
Que ça soit une justicière, une mère, une adolescente, une femme tout simplement, de nombreux films ont montré des personnages féminins complexes.

L’eau et le sang, vecteurs de cette identité plurielle

Ces thématiques sont traitées à travers la représentation d’une vampire plurielle, qui fait cohabiter plusieurs aspects. En termes de mise en scène, l’eau est le symbole de cette pluralité (reflets déformants, effet miroir, et c’est un liquide essentiel à la vie, comme le sang).
All the moons est un des seuls films qui met en scène une petite vampire, Amaia qui est seule quasiment tout le film. Elle apprend constamment par elle même. Et pour apprendre, on passe fatalement par se mettre en danger. C’est très intelligemment représenté par le fait que, déterminée à sortir le jour, elle brûle légèrement sa peau au soleil. Puis elle se rend compte qu’elle peut décoller sa peau abîmée, et donc mue, ce qui lui permettra de supporter le soleil par la suite. On peut y avoir également une métaphore d’une maladie dont elle guérie.
Cet élément déclencheur non fantastique (ou presque), appuie le côté humain de la vampire (dans le sens où notre propre peau peut avoir ce type de réaction), qui nous annonce qu’Amaia a envie de renouer avec cette part là. Elle va d’ailleurs se tourner vers un père de substitution par la suite. Mais pour apprendre, elle a accepté la douleur qui va parfois avec le fait de prendre des risques.
L’aboutissement de cet apprentissage se matérialise dans l’eau, quand elle plonge (dans le grand bain ^^). Le liquide est aussi présent à travers ses règles qui marquent surtout son retour à l’humanité.

Dans Carmilla (qui reprend donc l’histoire de la première vampire), il s’agit d’une relation entre deux adolescentes. Pas de baiser, pas de sexe, mais des regards, des câlins, et des échanges de fluides à travers le sang. C’est surtout le récit initiatique de Lara qu’on suit (objet des désirs de Carmilla), car à travers son désir, elle a surtout besoin d’émancipation, face à une gouvernante autoritaire et un père absent.
A la fin du film, on se rend compte que Carmilla est en fait un aspect de Lara, et qu’elles ne font qu’une, car dans le reflet de Lara dans l’eau, apparait Carmilla. Ce final fait écho à plusieurs scènes où le lac est souvent dans le cadre, mais particulièrement à la scène où Lara regarde son reflet dans l’eau, comme si elle cherchait à savoir qui elle était.

C’est aussi le lieu de la métamorphose de Lena marginale SDF transformée en vampire dans Nous sommes la nuit. Dans son bain, les changements s’opèrent: les blessures du passé guérissent, les tatouages disparaissent, et les cheveux poussent. Une mort qui prend vie.

L’eau est également un élément important qui est lié à la mort, à travers le personnage de Virginia dans Twixt, que Demoiselles d’Horreur a analysé entre autres choses, dans cette vidéo (à partir de la 14e minute):

On retrouve l’eau comme un des éléments de résolutions dans un film qui emprunte des codes vampiriques comme La nuée. Virginie est victime d’une sorte de vampires: des sauterelles qui lui sucent le sang. Elle est pour ainsi dire, vampirisée par ses insectes qui deviennent une obsession. Elle parvient à s’en libérer dans l’eau, pour venir en aide à sa fille qui elle même, avait opté pour une barque pour se protéger.
Les retrouvailles entre une mère vampirisée et une fille négligée se fait donc en plein milieu d’un lac.

Une métaphore adéquate des violences sexistes et sexuelles

La représentation de la vampire a souvent été sexualisée par des films érotico horreur, surfant parfois sur le fantasme hétéro de la vampire lesbienne (1ère « véritable » vampire en littérature).
Une fois qu’on a dit cela, on ne peut pas passer à côté de l’aspect sexuel de la vampire, ce mythe étant particulièrement représentatif de l’acte sexuel.

Si le et la vampire peuvent utiliser tous les deux leurs charmes pour se nourrir (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer, Nous sommes la nuit, Suck, etc..), le vampire utilise moins ses atouts physique que son « charme naturel », contrairement à son homologue féminine. D’ailleurs, ce sont mêmes les humaines charmées dont on voit les corps (Entretien avec un vampire, Dracula, Une nuit en enfer).

Contrairement à d’autres sous genre de l’horreur, on a la chance de voir des vampires féminines réinventer la représentation de la séduction et le récit initiatique (Vampire humaniste cherche suicidaire consentant, A girl walks home alone at night, Morse, La fille de Dracula, Carmilla, etc..). Ces films n’utilisent pas les atouts physiques des vampires pour évoquer ses thématiques.

Dans mon corpus de films, je note qu’une majorité de films évoquent des transformations subies (Bit, Entretien avec un vampire, Dracula, Génération perdue, The addiction, Abigail, Daybreakers, Blackula, Jakob’s wife, etc..). Pour les autres, la plupart du temps on ne sait pas comment ils sont devenus vampires. La notion de non consentement prend tout son sens dans les films de vampires. Le fait qu’une personne utilise le corps d’un autre, en le faisant saigner, se nourrissant de son fluide, en le manipulant, le dominant pour assouvir sa propre satisfaction est la représentation même du violences sexuelles. Sans compter que la transformation d’une personne en vampire peut être associée à la répétition de violences que l’on remarque souvent chez les personnes qui commettent des violences, notamment sexuelles.
Les violences sexistes et sexuelles sont régulièrement abordées de manières très diverses dans les films de genre, et bien souvent ce sont les violences faites aux femmes qui sont représentées. Rarement les enfants et encore moins les hommes. Pourtant, ces violences sont systémiques, et même si les femmes sont majoritairement touchées, le patriarcat peut toucher toute personne.

La transformation de Louis par Lestan (donc un homme qui agresse un homme), dans Entretien avec un vampire fait clairement écho à une scène de violence sexuelle. Par ailleurs, il est intéressant de noter que Louis refuse de tuer des humains mais la seule personne avec qui il ne se retient pas est Claudia, une petite fille orpheline (cf le podcast sur le sujet de la pédophilie du livre que j’évoque plus haut).
La pédophilie est une thématique que l’on retrouve dans le mythe de La Lamia, une créature greco romaine qui n’a pas pu avoir d’enfant et qui suce le sang des enfants la nuit en passant par la fenêtre. On l’a longtemps rendue responsable de la mort subite du nourrisson. On retrouve les traces de ce mythe notamment dans Dracula avec les « draculettes », et Lucy qui se nourrissent principalement d’enfants.

Dans un Vampire à Brooklyn, le vampire est à la recherche d’un femme, manipule son entourage, et finalement la mord lors d’une soirée chez lui. Des schémas que l’on retrouve régulièrement chez des agresseurs.

Belle meuf tu seras

Devenir une femme vampire c’est être plus puissante certes, mais c’est aussi l’occasion de faire une liaison avec un autre trope que l’on retrouve souvent les teenage movies: la transformation d’un personnage féminin qui passe de femme transparente au mieux, moche au pire, à femme canon.
Je vous conseille la vidéo d’analyse de Zoétrope sur le sujet:

Ainsi la transformation de Lena dans Nous sommes la nuit évoqué plus haut, correspond tout à fait à ce trope. D’ailleurs quand elle sort de sa transformation, elle est filmée exactement comme dans les films teenage où l’héroïne descend de l’escalier pour aller au bal de promo.

Même observation dans Suck, avec Jennifer, la bassiste un peu transparente qui devient la bassiste sexy:

Ou encore dans Jakob’s wife (qui par ailleurs est très pertinent sur d’autres points que j’évoque plus loin):

Je vous vois venir, évidemment que tous les personnages de vampires féminins ne sont pas représentés de cette manière. En revanche, il y a quand même plusieurs exemples et surtout, ce n’est pas quelque chose qu’on observe chez leurs collègues masculins. Chez les femmes, la notion de transformation passe par son apparence physique, qui répond aux codes établis par le patriarcat, sans que ça soit remis en question (ou presque).

Girl power vampirique

On l’a vu plus haut, la majorité des films de vampires ont pour personnage central, une héroïne. C’est donc en tout logique que beaucoup de films mettent en scène des femmes qui cherchent à s’émanciper, se rebeller, se venger du patriarcat.
Le plus ingénieux et politique reste à mon sens A girl walks home alone at night qui se réapproprie deux symboles du patriarcat:

• le titre en lui même (les femmes souvent souvent infantilisées/blâmées pour rentrer seule la nuit,
• le hijab qui lui permet d’agir incognito ou presque, pour punir les hommes et avertir les petits garçons d’un potentiel futur mauvais comportement.

Nous sommes la nuit et Bit fonctionnent mettent en scène des gangs de vampires exclusivement féminines. Le premier raconte le changement d’identité d’une femme marginale en devenant vampire, quand l’autre raconte l’émancipation d’une adolescente. Les deux personnages sont intégrés à une bande féminine qui tentera de leur prouver à quel point la vie de vampire est jouissive, dans la mesure où il n’y a plus d’hommes pour dicter leur vie.
L’élément pertinent, qui marque à la fois la limite de l’exercice (montrer des bandes féminine) de ces deux films, est qu’ils montrent que la pression et la structure hiérarchique d’un groupe, quel que soit son genre est voué à l’échec. La cheffe vampire de Nous sommes la nuit se réjouit qu’il n’y a pas plus d’hommes pour dicter leurs vies. Elle explique même qu’il n’y a plus d’homme vampire car ils se sont tués entre eux. Mais elle reproduit exactement le même schéma (elle ne respecte pas le consentement de la vampire dont elle tombe amoureuse, elle est violente, despotique et elles aussi finissent par se tuer entre elles). On peut se dire que ça montre que le patriarcat ne vit pas qu’à travers les hommes. Mais c’est dommage car cela aurait été l’occasion de montrer une représentation plus positive, avec surtout un système différent.

Vive les vieilles vampires

En revanche, Jakob’s wife réutilise les marqueurs vampiriques (les rats, le vampire-monstre, etc..) de manière très inventive. Pour la première fois on a une vampire qui a une soixantaine d’année, interprétée par Barbara Crampton. Elle s’ennuie profondément dans sa vie et sa rencontre avec un Nosferatu croisé avec Freddy Kruger va évidemment faire tourbillonner sa vie (et celle de son pasteur de mari). La mise en scène raconte que la thématique du film est l’affirmation de cette femme face à son mari pour qu’ils réinventent leur couple et qu’ils fassent équipe. Et ça, c’est nouveau, surtout si on prend en compte l’âge de la protagoniste. Sa problématique pourrait être celle d’une femme de 30 ou 40 ans. Comment exister dans son couple, quelle est notre identité au sein de ce couple?
Dès le début, Anne est toujours cadrée derrière son mari, ou avec le visage barré. Par ailleurs, quand ils sont seuls ils sont séparés par un objet (le journal), ou l’espace.

Au premier plan, il y a toujours le pasteur, qui est devant elle, pour bien signifier qu’il occupe tellement l’espace qu’il ne la laisse pas ne serait-ce que s’exprimer.
Juste après la transformation, la première action que fait Anne c’est se retrouver face au miroir conjugal pour se regarder la nouvelle femme qu’elle est devenue. Par la suite, elle est cadrée soit au premier plan, soit à égalité avec son époux, mais en tous cas plus jamais cachée par sa main ou son visage. Elle existe.

Le film est d’autant plus pertinent qu’il n’y a pas vraiment de happy end. Ils sont de nouveau unis, mais on ne sait pas de quelle manière ils vont fonctionner en équipe. Leur combat contre le Nosferatu bleu, les a menés à avoir ce questionnement.
On a une sorte de triangulaire entre Jakob, Anne et Nosferatu. Un schéma que l’on retrouve dans un passage de la bible où Jacob qui comptait épouser Rachel, se retrouve piégé et marié à la soeur de Rachel, Leah. Jacob devra se battre et travailler pendant plusieurs années pour réussir à retrouver Rachel. C’est précisément le sujet du film, où Jakob doit lui apprendre à se battre, après avoir réalisé qu’il est amoureux d’Anne.

Pour continuer sur les personnages féminins plus âgés, Gisèle dans Les vampires (même si elle ne mord pas, mais se nourrit de sang malgré tout), reprend la légende de la fameuse comtesse de Bathory (largement remise en question depuis un moment). Cette comtesse reste emblématique pour représenter l’équivalent féminin de Dracula. En effet, on y retrouve la notion de manipulation (que ça soit ses complices ou son entourage) et d’utilisation de corps de jeunes femmes. Mais évidemment, Bathory se voit à travers le regard masculin, seul capable de valider sa valeur physique.

On retrouve un profil similaire avec Lady MacBeth dans The tragedy of MacBeth, de Joel Coen. Avide de pouvoir (alors qu’elle ne peut pas l’exercer vraiment), elle pousse son mari à tuer pour devenir roi. Il en sera incapable, Lady Macbeth souillera ses mains de sang pour exécuter son plan. C’est à partir de ce moment, qu’elle semble se transformer en créature vampirique. La goutte d’eau qu’elle reçoit sur ses mains fait référence au meurtre qu’elle a commis, et donc du sang dont elle s’est servie. C’est assez claire dans la mise en scène:

Lady macbeth a finalement un côté cruel et manipulateur qui est très proche de Dracula. Elle est motivée avant tout par ses propres besoins, au détriment de tout, même de sa santé mentale.

La représentation du mâl(e)

Les vampires féminines sont souvent liées à des intrigues qui sont centrées principalement sur leur identité et ressenti. Même dans La fille de Dracula, celle-ci cherche à s’émanciper de l’héritage de son père qui lui pèse.
Les vampires masculins sont plus souvent tournés vers l’extérieur, dans la conquête d’un monde ou des femmes (coïncidence?). Par exemple, dans Blade, ce mi humain mi vampire se donne comme mission de chasser les vampires qu’il tient responsable de ses malheurs et ceux des autres (et notamment le grand chef).
Dans Daybreakers, Ethan Hawke joue le rôle d’un vampire qui vit dans une société vampirique au sens propre comme au figuré: des élevage d’êtres humains sont mis en place pour nourrir cette société. Mais comme ils se comportent comme des humains de la vraie vie, ils arrivent au bout de ces ressources.
Ethan Hawke veut s’allier aux humains pour stopper les vampires qui se comportent en véritables fachos. Le film est un des rares à associer explicitement capitalisme et vampirisme (alors que c’est sujet d’autant plus pertinent à creuser aujourd’hui). Malheureusement je trouve qu’il n’exploite pas entièrement le sujet car il se contente de constater les effets du capitalisme et du combat évident qui en découle, pour dire que la réponse à cela serait simplement de…redevenir humain. Un peu gonflé. Or là encore, que ça soit des vampires ou des humains qui épuisent des ressources, ce n’est pas le problème. C’est le système.

Dans un Vampire à Brooklyn, Fright Night, Génération perdue, Nosferatu, Vampires, etc…la motivation des personnages est de conquérir un territoire ou une femme (notion proche de l’éco féminisme). Dans Thirst, le vampire cherche à assouvir son appétit sexuel pour ensuite contrôler sa nouvelle compagne Dans Nosferatu cela se manifeste aussi à travers le fait qu’il est une représentation de la peste et de la maladie en général, qui se propage pour décimer une population et donc un espace. Cela fait directement écho à ce que j’ai évoqué dans la première partie, à savoir que le vampire représente une crainte de l’autre et de son environnement.

On peut remarquer globalement chez les vampires masculins:

• que quand on un contexte de société de vampires, c’est toujours un homme qui est au pouvoir (Blade, Daybreakers, Vampires, Underworld, Suck..)
• qu’ils sont beaucoup moins marginalisés que les femmes. Ils sont même parfois très bien insérés dans la société (Entretien avec un vampire, Fright Night, L’assistant du vampire, Thirst, Blade…). Alors que je ne compte plus les femmes vampires qui doit gérer une marginalité plus ou moins bien vécue (Bliss, The addiction, Morse, A girl walks home at night, Bit…). Et même lorsqu’elles sont bien insérées comme dans Nous sommes la nuit, elles finissent mal (l’une est tuée, l’autre se suicide et la 3e est tuée par une de ses paires).
• ils sont très peu victimes d’une métaphore d’une maladie, contrairement aux femmes (The addiction, Bliss, All the moons, La nuée, The tragedy of lady Macbeth…). Ainsi, la déchéance physique des femmes est plus souvent filmée.

Je note principalement trois films qui mettent sur un pied d’égalité de traitement les vampires masculins et féminins, à savoir Near Dark, et Only lovers left alive.
Near Dark traite de la thématique de la marginalité vécue en groupe mixte. Les personnages quel que soit leur genre sont caractérisés de manière relativement équitable. Cela permet de comprendre les complexités de chacun-e à gérer cette marginalité en groupe.
Only lovers left alive a quant à lui une mise en scène suspendue dans le temps, avec ce couple de vampires qui tentent de s’occuper métaphysiquement, culturellement dans un huis clos hypnotisant.

Le cas de Suck, comédie sympathique, est intéressant. On pourrait penser que les personnages sont motivés par la même envie, à savoir d’attiser la gloire de rock star grâce à leurs nouveaux statuts de vampires. Or, la première à devenir vampire ne l’a pas souhaité, elle s’est fait hypnotiser et transformer (=agresser), par un gourou. On comprendra par la suite que par lassitude de son petit ami de chanteur idiot, elle a voulu se changer les idées en allant à la soirée du gourou.
Devenue cool sur scène grâce à sa nouvelle apparence, les membres de son groupe de rock veulent à leur tour devenir vampire pour avoir leur heure de gloire. Ainsi, leur collègue finit par s’exécuter devant l’insistance. C’est pourtant elle qui sera blâmée par son entourage (donc son ex petit ami), qui s’empressera d’alerter tout le monde sur le fait qu’il faut s’en méfier.

Un empire vampirique

Cette créature permet d’explorer des thèmes complexes de l’identité , de la sexualité, des agressions. Avec les vampires, on a la chance d’avoir des propositions riches en termes d’héroïnes, et c’est assez rare pour le souligner. J’espère l’avoir démontré du moins, en partie.
Pour autant, voici des sujets pas ou peu abordés qui seraient passionnants et nécessaires à traiter:

• Le genre peine encore à représenter et à écrire des histoires de collectifs féminins crédibles. Alors que c’est une source inépuisable de thèmes (quelle société? quelles dynamiques? Comment êtres soudées face à un monde hostile?).
• On a vu plus haut que le vampire a pu être associé à l’inceste, problème endémique, pourtant absent de ce corpus,
• J’aimerais aussi voir des histoires queer, car le phénomène de transformation est une occasion idéale pour évoquer divers sujets (frontière entre les genres, transidentité, monde de la nuit, etc…).
• Avec Nosferatu qui propage la maladie, pourquoi ne pas avoir des histoires qui traitent du colonialisme ou du post colonialisme? De la manière dont les blancs se sont appropriés des territoires.
• Daybreakers l’évoque indirectement et maladroitement, mais il serait intéressant de se pencher sur la vampirisation des ressources qui nous mènent à notre propre perte.

Le vampire est aussi intimement lié à d’autres thèmes comme le cannibalisme, dont Vorace, est un bon exemple. Les protagonistes mangent la chair pour se nourrir et s’approprier leur puissance. Les humains sont considérés comme de la viande, tout comme le vampire. Là encore il s’agit de domination de l’autre.
Il y aurait sans doute beaucoup à dire sur les points communs et les différences entre ces deux types de personnages, et comment les intégrer dans des problématiques actuelles d’anti spécisme et d’écologie.

Finalement, les créatures vampiriques ont beau exister depuis des siècles, faire l’objet de centaines d’écrits et de films, c’est une source inépuisable de thématiques contemporaines qui n’ont pas été encore exploitées.

Corpus:

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Dualité des représentations dans le cinéma 

Dans le cinéma mainstream, la mère est souvent incarnée comme protectrice, vulnérable et aimante. Avec ses bons et moins bons moments, la maternité est globalement représentée de manière positive et épanouissante. Une sorte de sacrifice glamour qui comble la femme et lui donne sa place dans la société. Quant aux femmes qui n’ont pas de désir de maternité, le cliché véhiculé allègrement dans les films et les séries sont les suivants : sorcière, méchante belle-mère, tante exubérante ou femme triste, carriériste ou femme fatale dévoreuse d’hommes.

Dans le cinéma de genre, les représentations de la maternité sont plus diversifiées. Le genre aborde plus frontalement les aspects psychosociaux de la maternité. Pour en savoir plus sur la représentation de la mère dans le cinéma de genre je vous renvoie à ces deux excellentes références : un essai vidéo de la chaine Videodrome ; et cet article sur la famille dans le cinéma de genre. Le cinéma de genre semble moins juger les femmes qui ne veulent pas d’enfants ou font un rejet de maternité, en écrivant des personnages forts et attachants, placés dans des contextes qui créent de l’empathie.

Grossesse, sujet idéal de film d’horreur

Selon l’OMS « La période prénatale et la naissance sont encore trop souvent des expériences entachées de vécus négatifs pour les femmes. Une expérience positive pour la grossesse est définie comme la préservation de l’intégrité physique et socioculturelle, l’impression de vivre une grossesse ressentie comme normale par la femme, un bon vécu du travail et de l’accouchement et la jouissance d’une maternité heureuse« .

Il y a encore énormément de tabous autour de ce sujet alors qu’on lui donne une place très importante dans la société. Le corps qui change et qui se déforme, la pression sociale d’être une compagne et une mère parfaite, la démission paternelle ou charge mentale imposée à la femme, les changements très rapides et importants de la vie quotidienne, la gestion de la dualité mère/pute imposée par la société. Cela créé des paradoxes où vient se loger le doute et la peur, ce qui en fait un sujet idéal de film d’horreur. 

80% des femmes expriment de la peur à la perspective d’accoucher.

Source Cairn

L’accouchement est un sujet de prédilection pour le body horror, sous genre du film d’horreur qui met l’accent sur les souffrances du corps. Dans des scènes très explicites insistant sur le déchirement de la chair, les fluides corporels, la douleur, les cris. Le postpartum quant a lui, semble encore être un sujet tabou qui mériterait plus de normalisation pour aider certaines mères, épuisées physiquement et émotionnellement.

Changements dans la société

Depuis quelques années, les luttes féministes tendent à normaliser le fait de ne pas avoir d’intérêt pour la maternité. Pour que ce choix soit compris comme un choix personnel et pas une admission d’incapacité. Le discours sur la santé mentale aussi progressé vers une meilleure reconnaissance des violences et des traumas intra familiaux, et le choix de ne pas souhaiter reproduire ces cycles, reconnu comme un acte de préservation. 

Plus que jamais, c’est aussi un choix politique que de refuser d’incarner des rôles de genre, voir la domestication. Cette tendance est opposée au mouvement trad wife (incarné par l’extrême droite) où la femme se veut épouse et mère dévouée corps et âme. Sur qui repose toute la charge mentale du couple, de la famille et du foyer.

Changements dans l’industrie

Seulement 26% de femmes à la technique, 29% aux postes d’ingénierie contre 90% en costumes et près de 70% dans les métiers d’assistanat.

Source étude CNC 

Les femmes sont sous représentées à des postes de pouvoir dans les milieux du cinéma et bénéficient de moins de financements pour leurs projets. Ce qui ne permet pas de visibiliser les problématiques féminines. Mais c’est en train de changer, il y a plus de productrices, réalisatrices, scénaristes femmes. 

10% de réalisatrices femmes en 1980 contre 26% en 2021. Même si cela représente toujours moins de la moitié. 

Cela permet une libération de la parole des femmes et permet une pluralité des points de vue : la représentation de familles moins traditionnelles avec des représentations de familles recomposées, monoparentales ou gays. Plus de visibilité autour des questions purement féminines jusque là considérées comme secondaires (pression sociale, postpartum, body horror). La normalisation de ne pas vouloir être mère, ou en tout cas la dédiabolisation de la femme qui refuse la maternité.

Le cinéma de genre transgresse avec des œuvres fortes et politisées. A travers différents thèmes horrifiques il nous offre différents points de vue autour du refus de grossesse ou de maternité.

Grossesse immaculée, motif du viol

Le village des damnés – 1960

Ce film de science-fiction horrifique est issu du roman de John Wyndham The midwich cuckoos. Dans un petit village d’Angleterre, les habitants tombent soudainement inconscients. Quelques mois plus tard, toutes les femmes du village en âge d’enfanter se retrouvent inexplicablement enceintes. On découvre rapidement que comme le coucou (oiseau parasitique), des extra-terrestres se sont servi des femmes comme hôtes non consentants pour élever leur progéniture.  

Le village étant contrôlé par l’armée, elles n’ont pas le choix de porter leur grossesse à terme. Le récit fortement ancré dans la culture du patriarcat (1960) est une réflexion sur ce qu’on est prêt à faire en tant que groupe social pour mener à bien le projet familial. Les parents sont enfermés dans le village et doivent élever des enfants tyranniques, qui les contrôlent et leur font du mal.

Rosemary’s baby – 1968

Le roman d’Ira Levin, au même titre que Les femmes de Stepford roman du même auteur, dénonce le backlash féministe des 60’s en illustrant le ressentiment des hommes envers les femmes qui s’émancipent. C’est une œuvre séminale dont on retrouve des références dans de nombreux films comme Hérédité, Get out, Fenêtre secrète, The omen, Quand Harry rencontre Sally, Forest Gump, L’antre de la folie, X-files, Little evil, Toy story 4 et bien d’autres.

Le récit de l’adaptation est centré sur la privation d’autonomie du corps de Rosemary. Son mari dit l’avoir mise enceinte alors qu’elle était inconsciente, ce qu’on qualifie désormais de viol conjugal. Au fur et à mesure que l’intrigue se développe, on découvre qu’en réalité son mari l’a sacrifiée à un culte sataniste pour avancer sa propre carrière (comme dans Les femmes de Stepford). Elle a en réalité été violée par Satan. Elle ne participe pas à sa propre fécondation et perd ainsi le contrôle sur son utérus. 

Une fois enceinte, elle perd son autonomie quotidienne, puisque ses voisins (qui sont en réalité des sorcières), insistent pour «prendre soin d’elle», jusqu’à empiéter sur son intimité. Prisonnière de son appartement, victime d’une grossesse compliquée, elle sombre peu à peu dans la paranoïa pré partum. Son mari (devenu totalement absent) et ses voisins la gaslightent en lui disant qu’elle est fragile. Ils prennent les décisions à sa place, la privant aussi d’autonomie mentale.

Alien – 1979

L’essence d’Alien réside dans la notion d’enferment et de viol. En effet dans ce classique de la science-fiction, les personnages sont en huis clos dans un vaisseau spatial et l’héroïne Ripley tente d’échapper à une insémination monstrueuse. 

La symbolique sexuelle d’Alien est évidente : Le facehugger, orné de deux gros sacs qui évoquent des testicules s’harnache au visage de l’hôte, sans possibilité de s’y soustraire; puis y enfonce un phallus dans sa gorge pour se reproduire à l’intérieur de son abdomen. Après gestion dans l’abdomen de l’hôte non consentant, le chestbuster sort en lui déchirant le ventre, dans un bain de sang et des cris rappelant l’accouchement. 

Le travail de HR Gigger, artiste ayant designé les différents stades d’évolution de l’alien (oeuf, facehugger, chestbuster, et sa forme adulte le xénomoprphe) est bien connu comme étant une oeuvre hypersexuelle. Ses motifs récurrents sont les phallus, les vagins, les bébé morts et la dégénérescence organique. La direction artistique idéale pour designer les aliens, leur donnant une forme lourde de sens, qui complète la vision du scénariste.

Antibirth – 2016

Antibirth, de Danny Perez, est un film punk, psychédélique et très corporel car le body horror y est très présent. La protagoniste, Lou, subit une grossesse mystérieuse non désirée. Le film nous montre des signes de déni de grossesse : alcool, drogue, tabac, junkfood, ventre collé au micro-ondes. Et exagère les signes de grossesse habituels : tétons qui saignent, vomi incessant, ampoules géantes, ventre dilaté. Pour finalement nous offrir une scène d’accouchement complètement gore.

Le sous texte politique souligne la pauvreté de son milieu social. Drogue, prostitution, avortement payant, manque de médecins, pas de sécurité sociale… Le récit normalise l’absence de désir maternel et l’ancre dans une réalité sociale, tout en restant créant de l’empathie pour le personnage.

The first omen – 2024 et Immaculate – 2024

Immaculée (film de Michael Mohan) et The first Omen (de Arkasha Stevenson) sont basiquement le même film….Tous deux inspirés de la Nonnesploitation et du Giallo, deux genres cinématographiques forts des 70’s. Dans les deux films, une jeune nonne américaine belle et virginale arrive dans un couvent en Italie. Toutes deux invitées par un prêtre influant, toutes deux tombées enceinte miraculeusement comme la vierge Marie, toutes deux en réalité offertes à Satan pour porter son engeance démoniaque (coucou Rosemary’s Baby). 

Les thèmes des films sont angoissants pour beaucoup de femmes, mêlant horreur psychologique et body horror. On montre la misogynie systémique incarnée par l’institution patriarcale qu’est l’église. Les prêtres ont tous les droits sur les jeunes femmes, contrôlant leur vie, les réduisant au silence si besoin. La violence psychologique et physique est aussi infligée par les nonnes plus âgées qui ont assimilé la misogynie.  

Autre motif angoissant, l’entrave au droit de disposer de son corps. Dans ces films les jeunes femmes sont prisonnières du couvent et leur corps offert à Satan. Dans The first omen on parle aussi d’inceste, puisque le démon ne peut procréer qu’avec son sang, c’est à dire ses propres filles. La torture gynécologique est aussi un sujet abordé, montrant le peu d’intérêt porté aux filles mères : femmes attachée, accouchements dans la douleur, brutalité, pas de soins post accouchement.

Appartement 7A – 2024

Appartement 7A, réalisé par Natalie Erika James, se veut un préquel à Rosemary’s baby. Centré sur le personnage de Terry Gionoffrio, que Rosemary’s rencontre dans la laverie à la cave. Terri est elle aussi droguée et offerte au Démon, qui la viole pour la mettre enceinte. Elle est donc supposée porter l’antechrist avant Rosemary qui vient d’arriver dans le building Bramford.

Le film n’est malheureusement pas très inspiré, à part des clins d’oeil à l’oeuvre originale et une photographie propre, il ne dit rien de nouveau par rapport à l’oeuvre de 68. A art peut être que Terry est danseuse ce qui rappel Suspiria et son lot de sorcières.

Grossesse qui tourne mal, évoquant peur et rejet  

Prevenge – 2016 

Prevenge est une comédie d’horreur britannique écrite, réalisée et jouée par Alice low, elle même enceinte au moment du tournage. Elle fait un pied de nez avec humour au folklore de femmes enceintes. Comme en témoigne cette baseline : «je tue pour deux» (au lieu de je mange pour deux).

Dans cette fiction, une femme enceinte entend les pensées de son bébé, qui l’encourage à tuer des gens. La folie incarnée par la mère peut être considéré comme du stress prénatal (paranoïa prépartum) engendré par la perte de son compagnon. Le film est une boucherie qui illustre vraiment la crise existentielle que peut amener la grossesse, surtout pour une mère célibataire.

Prevenge illustre aussi la perte de contrôle de son propre corps au profil du fœtus, et les injonctions envers les mères qui n’ont plus leur mot à dire. Privée de libertés le temps de la gestation, et considérée comme un incubateur, la mère devient juste un vaisseau pour le bébé.  

Mother ! – 2017

Comme tous les films de Darren Aronofsky, Mother ! est un intense mélange des genres qui propose plusieurs lectures hautement symboliques (comme l’affiche très largement inspirée de celle de Rosemary’s baby). C’est un film anxiogène, en tant que spectateur on se sent aussi impuissant que le personnage principal, Mother. 

Mother est sur le point d’accoucher. Elle est symbolisée comme une allégorie de mère nature, et si on pousse plus loin la réflexion, elle est polarisée vers un féminin sacré* : la mère sacrificielle, aimante, douce, dotée d’une certaine divinité du fait de porter la vie. Dans le film, le côté spirituel est montré aussi via une pierre sacrée, et les allusions aux autres personnages en tant que personnages bibliques. Him, son mari poète est montré comme égoïste et égocentrique qui ne porte pas la charge mentale du foyer (il ne l’aide pas à préparer la maison, trop occupé à être un poète). Il laisse des inconnus rentrer chez lui parce qu’il veut leur adoration, alors qu’il délaisse sa femme.

Le motif du home invasion est clair dans le film. Tous ces gens qui débarquent dans l’intimité de Mother peuvent être interprété comme la destruction de mère nature; mais aussi comme une perturbation du foyer provoqué par l’arrivée de bébé. Ces étrangers qui s’imposent et foutent le bordel symbolisent le chaos à venir et la destruction du couple. Comme la maison représente à la fois la terre et Mother, la maison qui pourrit, saigne et s’effondre, pourrait aussi illustrer la transformation subie par le corps féminin pendant la grossesse et l’accouchement.

Titane – 2021

Titane est le deuxième long métrage de Julia Ducourneau. Pour moi la grossesse dans le film est issue du viol, car la scène de sexe avec la voiture qui l’aurait mise enceinte se passe comme dans un rêve, arrive directement après son agression par un homme sur le parking. La grossesse difficile d’Alexia ferait donc sens si l’on suit cette genèse. Mais comme cela reste une théorie je le classe dans la grossesse difficile.

La mutation est un thème qui fascine Ducourneau, on le sent bien dans ce film qui renverse les codes de genres et nous offre du body horror à foison. En cavale après un meurtre Alexia, enceinte, se fait passer pour un homme en se rasant la tête. Elle se cache chez le père d’un garçon disparu, elle est immergée dans l’univers très masculin des pompiers. Une grossesse qui se déroule donc à l’opposé des clichés féminins habituels. Et un intéressant renversement des genres, car le personnage du père bien que très mascu dans le film, est emprunt de beaucoup de douceur.

Le body horror de la grossesse est appuyé par une mise en scène dérangeante. Alexia se rend compte qu’elle est enceinte car de l’huile de moteur coule de son vagin, l’huile de moteur fuit aussi par ses seins qu’elle a comprimés pendant plusieurs mois pour se travestir. L’huile de moteur évoque la mort, mais aussi tous les fluides corporels féminins liés à la grossesse. Son ventre qui se déchire et devient du titane. La scène de sexe dans la voiture fait penser a Crash et nous intrigue sur l’objet de son accouchement comme dans La mouche.

Huesera – 2022

Ce film réalisé par Michelle Garza Cervera prend le schéma inverse des films où les femmes sont envahies d’instinct maternel et décident de devenir mamans (Evil dead rise par exemple). Au début Valeria est heureuse de tomber enceinte et de fonder une famille avec son compagnon. Mais au fur et à mesure de sa grossesse le stress se développe.

Les facteurs de stress sont basés sur la pression sociale de la maternité. Les sacrifices attendus d’une mère sont représentés par le fait qu’elle doive transformer son atelier de travail et sa plus grande réussite, en pouponnière. De plus sa famille ne la soutient pas vraiment. Elle n’est validée que quand elle prend le chemin traditionnel attendu d’une femme hétéro, mais ils ne la pensent pas capable d’être une bonne mère. Son compagnon est montré comme démissionnaire. 

Le stress est illustré dans le film avec les ressorts de l’horreur. Elle est hantée par des apparitions macabres comme hantée par le doute lié au changement de vie radical qu’implique d’être enceinte (son passé punk de punk lesbienne qu’elle a sacrifié au profit d’études et d’une relation avec un homme). Les apparitions accompagnée de craquements sonores, comme pour rappeler la douleur physique de l’accouchement.

Dans un acte de préservation ultime, elle décide de quitter son compagnon et d’abandonner l’enfant. Comme dans Antibirth il n’y a pas de jugement exercé sur ces personnages de femmes punk, qui sont montrées comme fortes et aimantes. 

Maternité forcée, rôle qui incombe aux femmes

Vivarium – 2019

Dans ce film de Lorcan Finnegan, un jeune couple se retrouve piégé dans une banlieue factice et sont forcés d’élever un enfant qu’on a déposé un matin devant leur porte. 

Le film met le doigt sur l’angoisse de la maternité et les obligations sociales qui incombent aux femmes, puisque la protagoniste du film ne voulait pas d’enfant, mais se retrouve obligée de s’occuper d’un enfant démoniaque. Elle assure seule la charge domestique et émotionnelle de cette relation forcée. Elle nourrit l’enfant, le divertit et le réconforte malgré son épuisement. Son compagnon étant totalement démissionnaire, elle doit assumer seule la charge de l’enfant.

Hommage au village des damnés avec la mécanique du coucou (qu’on voit d’ailleurs posé sur un arbre au début du film), puisque le couple se sacrifie pour élever le bébé d’une autre espèce qui les tyrannise. 

The baby – 2022

Dans cette comédie horrifique teinté de folk horror créé par Sian Robins-Grace et Lucy Gaymer, Natasha cheffe trentenaire commence a se sentir seule car autour d’elle, toutes ses amies deviennent maman. Un jour alors qu’elle fuit la baby shower de sa dernière amie enceinte, un bébé lui tombe littéralement dans les bras.

Métaphore de l’injonction à la maternité et des attentes qui pèsent sur les femmes, le bébé est une malédiction qui la poursuit comme un parasite démoniaque. Le bébé semble avoir un mode opératoire récurrent qui met en exergue les challenges de la maternité : il trouve une victime et ne lui laisse aucun moment de répit (pleurs, cris, etc), tue tous les gens autour d’elles (isolation) et il change de « maman » quand elles sont épuisées.

La genèse de la malédiction à un sous texte profondément féministe : le bébé a été conçu dans les années 60 lors d’un viol conjugal (comme dans Rosemary’s baby). Sa mère était homosexuelle, considérée comme folle et emprisonnée par son mari. Les pères sont absents de l’écran, ou présents que dans les scènes de violence.

On trouve d’autres références à Rosemary’s baby : son médecin la trahi en la renvoyant chez son mari, et le bébé à un landau retro comme dans le film.

Petite aparté sur la scène du parc pour enfants (qui représente l’enfer pour Natasha), il s’agit d’une référence à des vrais parcs d’attraction qui ont pour but d’apprendre le capitalisme aux enfants dès le plus jeune âge et sans supervision de leurs parents. Dans ces parcs ils exercent des emplois (garde de prison, pompiste, serveur) et ils ont un salaire qui leur permet de payer les services dans le parc.

Siobhan Roy dans Succession – 2018-2023 

Bien qu’il ne s’agisse pas d’un film de genre je trouve que l’écriture du personnage est intéressant et révèle certains aspects complexes sur le désir ou le rejet de maternité dans un univers ultra capitaliste. 

Siobhan est présentée comme un personnage ambitieux et extrêmement intelligent. Elle veut devenir CEO de l’entreprise familiale, mais elle est victime du sexisme ambiant et constamment rabaissée par son père l’actuel CEO.

Se pose la question de la maternité dans son couple, qui est déjà basée sur une relation de pouvoir compliquée. Son mari Tom essaie de la faire tomber enceinte pendant qu’il est en prison. Elle ne souhaite pas assumer une grossesse seule et de plus elle n’apprécie pas la manipulation de son mari. Plus tard Tom insiste, et elle accepte de «peut être congeler ses œufs pour plus tard», avant de dire à son mari qu’elle ne l’aime pas. 

Elle a un passif avec sa propre mère qui est montrée comme froide, très critique et narcissiques. N’ayant pas non plus reçu d’amour de son père, elle n’a pas de modèle parental assez fort pour la rassurer dans sa propre maternité. Son ambition est de diriger une entreprise, pas de gérer une famille. Dans sa classe sociale elle sait que devenir mère n’est pas compatible avec une carrière où les hommes la respectent.

Malgré son statut social et son intelligence elle ne parvient pas à briser le plafond de verre. Finalement elle finit par tomber enceinte. Comme son mari Tom s’est vu offrir la carrière dont elle rêvait, après s’être déchirée avec sa famille, elle concède à rester auprès de Tom (proxi du pouvoir) et à fonder une famille. Tous les deux finiront ensemble sans amour, et Shiv deviendra sa mère malgré tout ce quelle a fait pour ne pas le devenir.

La maternité imposée ou refusée est finalement une thématique récurrente dans le cinéma de genre. Elle symbolise une des nombreuses injonctions imposées aux femmes, et qui est à l’intersection de plusieurs pressions (charge mentale, réussite de l’accouchement, du post partum, de l’allaitement, de l’éducation, etc..). Les réalisatrices ont encore à explorer cette thématique, encore principalement traitée par des hommes.

* _{Le féminin sacré est pour moi un courant dangereux qui penche vers les dérives sectaires. Si vous pensez que vous ou un membre de votre famille est sous emprise d’une dérive sectaire vous pouvez vous renseigner auprès de la https://www.miviludes.interieur.gouv.fr/conseils-et-principes-de-prudence/la-miviludes}

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Tu es arrivée au cinéma par Koutrajmé. J’ai cru comprendre que ça avait une expérience très riche entre doublage, cirque, etc…Comme tu as vécu cette expérience? Comment était l’ambiance? Quel est ton regard sur le travail de Kourtrajmé et ses représentants (Ladj Ly, Kim Chapiron..)

J’ai fais partie de la promo 2 des acteurs chez Kourtrajmé. Ça a été une belle et riche expérience pour moi. 

Après plusieurs jours de sélection, la promo 2 a enfin été dévoilée et le groupe s’est très vite soudé.

On a eu l’opportunité d’effectuer divers stages durant ces 6 mois intensifs (clown, krump, théâtre classique, chant, percussion corporelle, doublage…) 

Je pense que lorsque l’on s’engage dans une formation il est nécessaire d’être en accord avec les principes et valeurs que prône celle-ci. Kourtrajmé est une école qui propose plusieurs formations artistiques (réalisation, écriture, acting..) cette école est totalement gratuite, accessible à tous sans restriction d’âge, permet d’être encadrée par des professionnels du métier, met en avant la diversité et est accompagnée et soutenue par de super partenaires. 

Cette formation m’a beaucoup apporté.

Qu’est ce qui t’a donné envie de jouer la comédie?

Lorsque l’un de mes frères a reçu une caméra en cadeau, il a commencé à imaginer des petits scénarios avec ses amis et a fini par réaliser des films avec sa bande de pote. Curieuse, je lui ai un jour manifesté mon envie de participer à ses créations. C’est comme ça que j’ai découvert ma passion pour le jeu. J’ai ensuite fait ouvrir un club théâtre dans mon collège et ai continué le théâtre jusqu’au bac. J’ai poursuivi mes études jusqu’a l’obtention de mon diplôme puis j’ai décidé m’installer à Paris fin 2019 pour faire du théâtre.

Comment s’est passé le casting pour Vermines? C’est un 1er rôle qui demande beaucoup d’implication physique et émotionnelle. Comment l’as-tu abordé?

Il est vrai que sur le papier, un film comme Vermines peut sembler effrayant car il s’agit d’un projet très ambitieux mais peu commun à ce que l’on a l’habitude de voir en France. Mais c’est justement cette prise de risque, le culot ainsi que la vision artistique de Sébastien Vaniček (réalisateur de Vermines) qui m’a donné envie de défendre ce projet aussi audacieux. 

J’ai reçu le scénario en amont du dernier tour du casting et pendant ma lecture je me projetais déjà.. 

Le jour de ma rencontre avec Sébastien Vaniček et Théo Christine (Kaleb dans Vermines) a été pour moi une évidence. Je buvais les paroles de Sébastien et l’alchimie était déjà palpable entre Théo et moi. 

Une fois le casting validé, tout est allé très vite : rencontre du cast principal, lecture du scénario en équipe, essayages costumes, essais caméra, répétitions etc.. Je n’ai pas vraiment eu le temps de réaliser ce qu’il se passait.

Ce qui m’a semblé être le plus compliqué sur Vermines a été de garder une constance au niveau de l’état émotionnel des personnages. Parfois, avant certaines scènes qui nécessitaient une implication physique, on faisait des pompes, des burpees pour s’essouffler réellement.. c’était assez drôle à voir !

Les personnages féminins pertinents dans le cinéma de genre, surtout français, se comptent sur les doigts d’une main. Manon fait des travaux, en écoutant du métal et fait rapidement face à l’adversité. Comment as tu travaillé ce personnage?

Il est vrai que dans beaucoup de film de genre et notamment d’horreur, les personnages féminins sont bien souvent  considérées comme des scream girl ou encore des filles en détresse qui dépendent des autres.. 

Sébastien voulait absolument se détacher de ces stéréotypes là et a décidé d’écrire des personnages féminins pertinents et marquants. Je trouve ça génial qu’enfin des personnages féminins prennent le lead à des moment clés du scénario et jouent un rôle conséquent pour la suite des personnages que l’on suit.

Ce qui m’a frappé chez Manon, c’est que derrière sa personnalité et son caractère bien trempé se cache une pudeur et une réelle sensibilité. Cette faille, notamment présente à cause du décès de sa mère, marque une bascule quant à la relation qu’elle entretient avec son grand frère. Cette relation, je la trouve d’ailleurs très juste.

Il est très important pour moi de bien comprendre un personnage avant de l’interpréter. Ça passe par beaucoup de discussions avec le réalisateur mais également avec Théo qui incarne mon grand frère. 

Théo et moi avons suggéré à Sébastien 1 ou 2 fois de petites modifications, certes subtiles mais essentielles quant à la construction de la relation frère/soeur. 

Vous avez utilisé de vraies araignées sur le tournage. Comment se passait la préparation de ces scènes?

Dans Vermines il y a certes des effets spéciaux mais pas que, nous avons aussi travaillé avec de vraies araignées.

Karim, qui travaille à la Ferme Tropicale, est venu avec 200 araignées sur le plateau. Il nous a sensibilisé en nous parlant des arachnides et de leur fonctionnement,  j’ai même fini par en prendre une dans mes mains à la fin du tournage. 

Ça m’a beaucoup aidé, moi qui était arachnophobe !

Sébastien et Karim étaient très attentifs aux araignées, lorsqu’une araignée fatiguait on en prenait une autre et on poursuivait le tournage. Lorsque les araignées étaient présentes sur le plateau, toute l’équipe était ultra attentive et concentrée, il ne fallait pas perdre d’araignée dans les décors et il fallait surtout veiller à ce qu’elles soient bien chouchoutées.

La scène dans le couloir est un peu le pré climax du film. Evidemment pour son suspens, mais on remarque aussi un basculement dans la dynamique de groupe. Manon se positionne pour sauver le groupe, Kaleb aide sa soeur et son ex meilleur ami, deux personnes avec qui il est conflit. Comment vois tu cette scène? C’est la scène qui a nécessité le plus d’effets spéciaux et de trucages, comment s’est passé le tournage?

La scène du tunnel est pour moi une scène pivot dans Vermines. Juste après cette scène, le film prend une autre tournure et l’on passe clairement en mode survie. Cette scène révèle aussi le caractère de chaque personnage.

Kaleb, qui depuis le début est têtu et a du mal à communiquer avec sa soeur et ses amis, commence à s’ouvrir au groupe à ce moment précis. C’est la première fois que Kaleb et Manon se regardent et s’ouvrent l’un à l’autre.

Ça a été une scène très interessante à jouer mais ça à également été l’une des scène les plus compliquées à tourner. 

Lorsque l’on tournait il n’y avait aucune araignée présente dans le tunnel, les effets spéciaux ont été rajouté en post prod. Nous devions donc imaginer les centaines araignées présentes dans le tunnel.. Jouer en imaginant les araignée n’a pas été si difficile que ça car l’on s’appuyait les uns sur les autres, l’état des uns affectait l’état des autres, je pense que cette scène nous a vraiment soudé. 

Ce qui a été difficile en revanche était la réalisation du travelling arrière 360° ; il fallait que l’équipe technique réussisse le travelling arrière sans se prendre le décors, et nous les comédiens, devions rester immobiles pendant la réalisation de ce plan. La synchronisation était donc complexe.

Ce qui a été le plus compliqué à jouer pour toi dans le film?

Le tournage s’est vraiment bien déroulé parce que nous nous sommes tous fait confiance.

Sébastien a été très à l’écoute et a senti les moments où son équipe avait besoin de lui, parfois il passait plus de temps avec nous et laissait son équipe technique en autonomie, et d’autres fois c’était l’inverse. Nous ça nous permettait aussi de faire des propositions ou des changement de textes par exemple lorsque c’était nécessaire.

Je vivais un peu au jour le jour, je me laissais porter donc je n’ai pas eu le temps d’appréhender quoi que ce soit, j’étais en totale confiance.

Le plus compliqué au final a été le début du tournage lorsque l’on été 5 sur le plateau, il fallait que l’on trouve chacun notre place tout en laissant de la place aux autres, il fallait gérer le rythme etc, mais après 2-3 répétitions c’était réglé.

Les retours sont quasi tous unanimes sur la qualité du film et il cartonne en salle. Comment l’expliques tu?

Je pense qu’un film aussi audacieux que Vermines manquait clairement au paysage cinématographique Français. 

Personnellement, je n’ai pas vu beaucoup de film de divertissement, de film de monstre comme ça en France. 

Sébastien a voulu faire un film de divertissement pour un large public, un film qui parle de la xénophobie, de la peur de l’autre, du délit de faciès de façon métaphorique mais surtout, il voulait avant tout faire un film qui lui aurait lui même donné envie d’aller au cinéma. Une place de cinéma reste un coût et le public en a pour son argent, il ne faut pas l’oublier !

Selon moi, la générosité qu’a mis Sébastien dans son premier film est gage de qualité.

Dans un entretien au Mouv’ tu expliques que plus jeune tu ne te voyais pas représentée au cinéma ou à la télé, notamment en France. Aux USA on a pu en voir plus mais souvent dans des rôles stéréotypés. C’est aussi ce que dénonce Aissa Maiga dans son livre Noire n’est pas mon métier. Quel est ton regard là dessus? As-tu l’impression que ça bouge un peu?

Effectivement, plus jeune je ne me sentais pas représentée et ça a été parfois très difficile. 

Certains artistes dénoncent ces discriminations et stéréotypes en se battant pour que cela change, c’est effectivement le cas d’Aissa Maiga, de Nadège Beausson-Diagne, de Maïmouna Gueye, d’Assa Sylla, de Karidja Touré et j’en passe… 

Donc bien évidement que les choses bougent depuis un moment, mais je pense qu’il y a encore du boulot.

Je trouve que le cinéma doit être un représentant de notre époque. Il est donc important et primordial pour moi de ne pas dire « oui » à tous les rôles qui me sont proposés. 

Il faut être attentif et savoir ce que l’on souhaite défendre à travers notre carrière artistique.

Le cinéma de genre a toujours été un moyen détourné, moins frontal d’aborder des problèmes de société. C’est aussi ce que fait Vermines. C’est quelque chose dont vous avez discuté avec le réalisateur Sebastien Vanicek?

Effectivement, Sébastien nous avait parlé de sa vision artistique et de son souhait d’aborder certains problèmes de société de façon légère.

Il est vrai que films de genre, notamment les films de monstre, parlent pour la plupart de la xénophobie. Vermines traite évidement ce sujet mais pas que, il y a aussi plein de propos sous-jacent, comme par exemple la cause animale dont Sébastien est très sensible, ou encore le manque de communication omniprésent entre Kaleb et sa soeur, entre ses amis, entre les habitants de l’immeuble et la police etc.. 

Il y a énormément de choses à décrypter.

Des acteurs/actrices/réalisateur-rices avec lesquels tu voudrais tourner en France?

J’aimerais beaucoup travailler avec Jimmy Laporal Tresor. Ces dernières réalisations (Soldat Noir, Les Rascals) m’ont marquée, j’aime sa direction artistiques, les sujets qu’il aborde, je trouve ça fin et précis. 

Tes prochains projets ?

Actuellement j’ai des projets de doublage qui sont disponible, My Lady Jane sur prime vidéo où je double un personnage récurant et Le Flic de Beverly Hills 4 dispo sur Netflix où je double un des personnages principaux. Sinon en ce moment je prends du temps pour écrire.

L’article [Entretien] Lisa Nyarko, actrice de Vermines est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Bravo pour le film qui est une vraie réussite, notamment sur le sujet de l’adolescence et de la difficulté à comprendre les autres. En quoi le mythe du vampire est selon toi pertinent pour parler de l’adolescence?

La figure du vampire est intéressante pour aborder plein de sujets. Ils peuvent être profondément humains et surtout ancrés dans l’époque actuelle, avec un décalage évidemment. J’adore créer des personnages d’adolescents car ils vivent tout, plus intensément. Et ce qui est intéressant dans le mariage du vampire et de l’ado, c’est que le vampire on le voit comme une figure dangereuse avec l’aspect sexuel, sensuel. Je trouvais ça amusant d’imaginer un vampire mal dans sa peau, comme on peut l’être ado, parler des premières fois…
J’avais jamais vu un vampire maladroit. J’ai aussi fait le parallèle entre la mort et la sexualité (la morsure qui symbolise une 1ère fois), mais d’une autre façon je pense. C’est plus dans le malaise et dans le mal être. Je voulais une vampire qui se cherche. Sasha est une adolescente normale, mais avec le fardeau de devoir tuer. Elle fait cohabiter son coté humaniste et le fait d’être obligée de tuer pour survivre. Ces deux parts d’elle-même permettent des situations riches en conflit et en situation absurdes et cocasses.

Sasha (l’héroïne) est évidemment très humaine au regard de sa problématique, mais les autres personnages vampires sont aussi très humains. La mère souhaite rendre sa fille autonome. On sent le père plus à l’écoute de Sasha, et on suppose que c’est parce qu’il n’aime pas forcément la chasse…

Oui. J’avais envie qu’on puisse s’identifier aux personnages de la famille. Les mêmes obligations sociales sont aussi présentes chez les vampires. Par exemple : la charge mentale sur la femme qui doit chasser. Ce qui dérange Sasha, c’est la violence à laquelle elle est contrainte. Ma vie vaut-elle plus que les gens que je dois tuer, qui ne sont pas consentants à mourir ?
C’était intéressant d’aborder le consentement à travers ça. C’est une forme de sortie de voir Paul : si quelqu’un est prêt à mourir, ça sera ma solution. CMais ça se complique, car elle veut s’assurer que Paul est bien sûr de son choix malgré tout. Mais Paul, qui se sentait seul et incompris, se sent moins seul donc ça rabat les cartes. J’aimais l’idée de deux êtres qui se trouvent, sans que ça soit un couple classique. Je me dis que c’est rare de voir des grands films sur l’amitié, notamment l’amitié amoureuse. J’ai plein d’amis dont je suis tombée en amoureuse en amitié !

On peut faire un parallèle entre la problématique de Sasha qui se questionne sur sa légitimité à tuer un autre être vivant pour se nourrir, et le fait que nous humains, tuons des animaux pour se nourrir. Était-ce un sous texte conscient ?

Oui. C’était là en sous texte, mais ce n’était pas quelque chose qu’on voulait trop nommer. On voyait Sasha comme une végane vampire mais, qui doit se nourrir quand même de sang. Donc, on a trouvé la solution avec l’aide médicale à mourir qui arrive à la fin d’un cycle. Cela permet de faire œuvre utile en permettant à ces vampires de survivre. C’est la solution éthique qu’on a trouvée. Mais oui, les animaux ne sont pas consentants, même s’il y a des endroits où ils sont traités de manière plus éthique.

Paul, qui avait des pensées suicidaires devient finalement immortel. Je me suis dit que, la solution serait finalement de réussir à trouver une personne dans sa vie qui, nous permet de nous sentir en sécurité ?

Il a trouvé un sentiment d’appartenance, alors qu’il ne connait que l’environnement du lycée et du petit boulot, qui sont une jungle. On a travaillé le personnage de Paul comme une personne neuro divergente. Ce sont des personnes qui ne comprennent pas la manière de fonctionner des autres, qui sont dans une logique analytique en termes de réflexes et d’attitudes, pas forcément compréhensibles pour les autres. Il se sent complètement seul. Son envie de mourir n’est pas forcément reliée au fait qu’il est harcelé. C’est plus qu’il n’a aucune attache dans le monde, donc il se dit qu’il allait trouver un sens à sa mort en donnant sa vie à Sasha.
Le sujet du suicide est complexe. On ne voulait pas le réduire à  » il suffit de se trouver un ami « . L’idée d’aborder le suicide était d’ouvrir un dialogue sans apporter de solutions.

Avec la scénariste, comment avez-vous travaillé l’écriture de la question du suicide, très touchy ?

C’était assez instinctif. On a essayé de ne pas trop intellectualiser le sujet car, après, ça peut enlever un élan au film. On voulait que Paul soit décomplexé à la mort, et que ça chamboule Sasha, qui était persuadée que les humains ne veulent pas mourir. D’après Paul, les humains ont peur de souffrir et d’être seuls.
L’idée était de parler plutôt de la vie que de la mort. Mais on a quand même fait lire le scénario à des organismes de prévention contre le suicide, pour voir s’il y avait des angles morts qu’on n’avait pas vu, et si on lançait un message. Il y avait quelque chose qui n’allait pas à l’encontre de ce qu’on voulait dire. Les retours ont été hyper positifs. Ça reste un film super lumineux et tendre. Beaucoup de familles vont voir le film et je me fais beaucoup remercier par des jeunes qui sont passés par là. Ils sont contents de voir un film qui parle de suicide, sans le côté moralisateur. Il ouvre un dialogue sans vouloir apporter de réponses. Ne pas parler d’un sujet tabou, cela fait plus mal. L’envie de mourir est souvent un état passager. C’est une solution radicale à un état de passage, surtout à l’adolescence. C’est une solution radicale à un état de passage; surtout à l’adolescence.

Le cinéma de genre représente très souvent l’adolescence et notamment des adolescentes (en raison de la transformation du corps, le sang etc.). Quels personnages d’adolescents t’ont marqué dans le cinéma de genre ?

J’avais adoré Grave de Julia Ducournau, avec ce personnage d’adolescente qui se découvre dans cette école. Il y avait vraiment quelque chose de viscéral.
Après, mes films de référénce n’était pas forcément dans le cinéma de genre. J’avais des inspirations de film coming of age, Juno ou Little miss sunshine. J’aime les personnages qui ne rentrent pas dans le moule et qui sont plein de contradictions.
Dans les films de vampire, il y a A girl walks home at night (dont la scène avec la musique est un hommage). Sinon, il y a Under the skin où, j’ai été bouleversée par ce personnage qui commence à ressentir des émotions, et qui continue à chercher à ressentir ces émotions. On comprend tout, sans presque aucun dialogue (il y a aussi une scène hommage, quand Sasha essaye de manger une poutine vs Scarlett qui mange un gâteau).
Only lovers left alive également, car j’adore la mélancolie du film, avec cette jeunesse qui se cherche en banlieue. Le look des vampire est hyper pertinent. Ce n’est pas une figure typique de vampire mais ils ont quand même l’air étrange et décalés. J’aime aussi beaucoup les décors de ce film.

En parlant de décor, c’est un point que j’ai adoré dans le film. Entre la maison des parents qui a des airs de châteaux gothiques comme une antre, mais aussi le loft de la cousine, qui est aussi une antre mais, d’une autre manière. Était-ce pour signifier la cassure, le changement de vie imposé à Sasha ?

Effectivement, chez les parents, il s’agit d’un cocon de vampire, très chargé. Le temps a passé et il y a des reliques. Mais ça reste une maison très chaleureuse, du moins en tant que vampire !
Chez la cousine, avec la cuisine et les crochets, c’est plus industriel, froid. C’est fait pour tuer. Et ça met évidemment Sasha dans un inconfort, et une autre posture.
Il y a aussi quelque chose de plus bohème.

Ton directeur photo a travaillé sur tes courts et ton 1er long donc. Peux-tu parler des couleurs ?

On a ressorti des palettes de films de vampire car, on voulait puiser dans les codes et l’imaginaire. Le rouge, vert et ocre, marquent nettement les vampires. Dans le monde des humains, on essayait d’éviter ces couleurs et d’aller vers les bleus. On gardait des couleurs plus chaudes et sanguines pour le monde des vampires.

Les deux acteurs sont incroyables individuellement. Mais il y a aussi une alchimie évidente. Comment s’est passé le casting et le travail avec Sara Montpetit et Félix Antoine Bénard?

Je connaissais Sara de Falcon Lake et de Maria Chapdelaine et je trouve qu’elle a quelque chose de très singulier et mystérieux. Elle pourrait avoir une vieille âme. Mais je l’ai quand même passée en audition avec d’autres filles car, je voulais évidemment voir si le feeling passait, et voir si elle était drôle. Elle n’avait jamais joué de comédie et j’ai découvert un sens de l’humour très surprenant, précis, dans les détails, qui se fondait totalement à mon univers.
Félix Antoine est arrivé à une proposition où il le voyait neuro divergeant (alors qu’on n’avait jamais communiqué dessus).
Je les ai donc rappelé ensemble. On aurait dit deux petits animaux étranges, et c’était hyper touchant. Mignon mais malaisant. Donc, pour moi, aucun autre choix n’était possible. Ils m’ont dit, après coup, qu’en audition, ils n ‘avaient pas du tout trouvé que ça fonctionnait entre eux !
En amont ,on a énormément travaillé ; des journées entières. Il y a avait un vrai timing à avoir, avec des ruptures de tons. Ça a été hyper facile de travailler avec eux. C’étaient des jeunes acteurs très investis, qui osent poser des questions. Ils aiment beaucoup leurs personnages.
Après, sur le tournage, on avait peu de temps. Sur certaines scènes de dialogues, si on n’avait pas autant travaillé en amont. On aurait pu se planter sur des scènes.

Pourquoi avoir ajouté une touche de comédie ?

Par l’humour, les spectateurs sont plus relax, ouverts, à ce qu’on aborde sur des sujets qui peuvent être difficiles. L’humour peut désamorcer beaucoup de choses.
Je venais aussi d’écrire un long métrage très lourd émotionnellement, très dramatique. Mais je me suis dit que ce film ne me ressemble plus, et je savais plus trop pourquoi je l’avais écrit. Du coup, j’avais envie de m’amuser. J’ai donc appelé une amie qui a un univers plus drôle que le mien, et on a mélangé nos univers. On a écrit le film pendant le covid sur zoom et on a adoré joué nos personnages.
On voulait faire un film lumineux sur la mort.
Les films qui me touchent le plus sont ceux qui me font passer du rire aux larmes aussi.

Les parents sont bien caractérisés alors que souvent dans les films d’horreur ils sont caricaturaux. Comment les as tu travaillé?

Je déteste les bons et les méchants. Chaque personnage du film a été travaillé en nuance. On voulait un père cool, possiblement pas un grand chasseur et une mère prise entre la doyenne de la famille ultra conservatrice et son mari. Mais les deux ont de bonnes intentions.
J’ai beaucoup travaillé le langage corporel avec eux. Ils ne bougent jamais en parlant. Ce n’est pas très apparent, mais le fait de découper comme ça, ça amène un décalage. Ils bougent aussi souvent en même temps.
Pour la cousine, pour moi elle voit à travers l’âme des gens, elle veut juste que sa cousine sorte de son mutisme et se déploie comme vampire. Ils sont tous bien intentionnés.
Mais les personnages plus caricaturaux comme le prof de gym très colérique, on apportait une nuance en se disant que sa façon d’essayer de gérer sa colère était de tricoter des pantoufles. Cela apportait une touche de décalage.
Les acteurs ont un capital de sympathie et très forts dans l’humour pince sans rire.

C’est ton 1er long. Souvent c’est une expérience épuisante. Comment tu as vécu l’expérience? Qu’est ce que tu referais ou pas?

C’est sûr que c’est épuisant. Déjà on avait 47 lieux et ca se passe de nuit, donc beaucoup d’extérieur. Ce sont des conditions difficiles. Quand on a commencé le tournage on avait que 7 lieux sur 47 donc c’est un boulet qu’on s’est transporté tout du long.
Il faudrait que cette partie là soit plus cadrée la prochaine fois car c’est énergivore. On travaillait tous les jours ou presque.
Je me suis hyper bien entourée, j’avais confiance en mon équipe, et je sentais qu’ils avaient confiance en moi. Du coup c’était assez facile de prendre des décisions.

Par contre, j’ai commencé le film complètement à plat, et ça j’essaierai de faire différemment. Comme on a eu le financement très rapide du coup on a dû se mettre au travail rapidement et je n’ai pas assez fait attention à moi (pas assez dormi, mangé correctement…). A chaque soirée de tournage, je regardais les rushs de la veille (ndlr: ce qui a été tourné), et j’étais tellement contente de ce qu’on était en train de faire. Mon monteur, Stéphane a un humour qui ressemble au mien, et a plus d’expériences que moi donc son avis est très précieux pour moi. Il me faisait constamment des retours ce qui me permettait d’ajuster, donc je voyais que le film allait fonctionner.

Les film a été financé rapidement, je ne sais pas la situation du cinéma de genre au Québec, mais en France ça reste complexe même si ça s’améliore. Quel est ton regard là dessus?

C’est un peu la même situation au Québec, mais comme en France, j’ai l’impression que les lignes bougent. La palme d’or de Julia Ducournau a ouvert sans doute la voie. Parfois le cinéma de genre peut avoir des personnages moins bien développés et du coup on peut avoir des préjugés là dessus.
Je trouve ça encourageant ce qui se passe, et les réalisatrices/réalisateurs s’intéressent plus à ce cinéma là. Je ne pourrais pas expliquer pourquoi le film a été financé facilement, mais je crois que les gens ont adoré les personnages qui ont quelque chose de très tendre. Les gens qui le lisaient voulaient voir le film en fait !

L’article [Entretien] Ariane Louis Seize, réalisatrice de Vampire humaniste cherche suicidaire consentant est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).