1- Fresh de Mimi Cave (2022)

Fresh– © Disney

Marre des dates foireux sur les applications de rencontre? C’est le point de départ de Fresh, pour comprendre l’état d’esprit de Noa, fatiguée de chercher l’amour. Dans le rayon légumes, elle tombe sous le charme de Steve, et décide d’arrêter de réfléchir et de se laisser porter. Steve lui propose un week end à la campagne et Noa profite. Mais évidemment, elle ne s’attendait pas à un tel accueil…

Je vous garde les nombreuses surprises que Fresh propose, mais il faut savoir que le premier film de Mimi Cave (réalisatrice de clips vidéo), traite du cannibalisme sous fond de classique exploitation d’une minorité par des riches.
Si le film est présenté comme une comédie, ce n’est, à mon sens, absolument pas le cas. Oui, certaines scènes poussent le curseur du cocasse qui prêtent à sourire, mais ne vous attendez pas à une comédie pure et dure.

Les points forts de Fresh? Le fait de garder une grande cohérence dans sa thématique des femmes utilisées comme ressource. Notion que j’ai développé dans mon analyse de l’éco féminisme dans le cinéma de genre. Que ça soit le fait que Noa doive supporter un mec pingre et insultant, qu’elle soit abordée dans un rayon de supermarché, et évidemment l’intrigue principale du film, Mimi Cave s’attache à montrer l’exploitation des femmes mais aussi la lâcheté des hommes face à ça. Mais elle n’oublie pas pour autant que la violence patriarcale peut être aussi entretenue par les femmes, qui y voient une opportunité de se mettre du côté des puissants. Et Charlotte LeBon en méchante, comment résister?
Cette revisite de Barbe Bleue (avec une référence directe à Ex Machina avec la scène de la danse, film qui lui même était une version de Barbe Bleue), est un mélange parfait de divertissement tout en prenant au sérieux son sujet.

Daisy Edgar-Jones est parfaite, et Sebastian Stan (I Tonya) brille dans la peau de cet Hannibel Lecter moins malin mais tout autant diabolique. Un parfait amuse bouche pour débuter votre soirée d’Halloween.

2-Lisa Frankenstein de Zelda Williams (2024)

Lisa Frankenstein– © Universal Pictures

Première réalisation de Zelda Williams (fille de Robin et ça a son importance au regard de la thématique du film), Lisa Frankenstein conte la reconstruction de Lisa, traumatisée par le meurtre de sa mère, coincée entre une belle mère parano et un père qui plane. Passionnée de cimetière (parce que pourquoi pas), elle voit son quotidien chamboulé par l’arrivée d’un jeune cadavre ressuscité issu de l’époque victorienne.

Avec une direction artistique parsemée de vert et de rose tout de néons, Lisa Frankenstein a une volonté affichée de s’inscrire dans un teen movie « cool », instagrammable, qui aide à marquer sa patte dans la pop culture du cinéma de genre. Mais cette direction artistique va plus loin; cela permet d’appuyer la dimension du conte mais aussi la navigation de Lisa qui tente d’évoluer entre des mondes qu’elle tente de comprendre. Celui du deuil et de la mort avec La Créature, celui des adultes névrosés avec le lycée et sa belle mère. Lisa Frankenstein choisir la comédie noire pour aborder le thème de la reconstruction après un deuil (pas pour rien qu’elle recolle littéralement les morceaux avec la Créature), qui donne un ton particulièrement jouissif, parfaitement adapté pour une soirée Halloween. Zelda Williams a en effet été très impactée par la mort de son père (Robin), et ce n’est pas étonnant qu’elle trouve son compte dans la comédie horrifique.

Mais plus qu’un divertissement, Zelda Williams propose des personnages féminins complexes. Malgré les décisions parfois fortement discutables de Lisa, elle reste toujours attachante, en gardant son ambiguïté. Ce qui fait qu’on ne sait jamais vraiment qui elle est. Idem pour sa belle soeur qui est tout son contraire (conforme aux normes sociales féminines, pom pom girl, etc..), et qui est d’une réelle bienveillance envers Lisa. Alors que ce type de rôles sont habituellement des pestes faciles, elle cherche à défendre et comprendre Lisa.

Kathryn Newton (Freaky et Abigail) et Cole Sprouse (Riverdale) s’en donne à coeur joie et leur duo improbable est un vrai régal. Alors oui, ne mettez pas la barre trop haute concernant votre suspension d’incrédulité et vous verrez, vous passerez un très bon moment.

3-The Ugly stepsister d’Emilie Blichfeld (2025)

The Ugly Stepsister– © Scanbox Entertainement

Changement de registre et de type de belle soeur avec le gore The Ugly Stepsister d’Emilie Blichfeld qui ne va pas vous ménager. Cette relecture horrifiquement parfaite de Cendrillon nous place du point de vue de la belle soeur de Cendrillon, qui est prête à tous les sacrifices corporels pour tenter de se conformer aux normes sociales et attirer l’attention du prince.
La photographie faite de clairs obscurs reflète avec brio l’aspect conte et sa dimension fantastique.
Halloween est la soirée idéale pour se faire raconter des histoires, et le conte de The Ugly Stepsister s’inscrit dans la même veine que The Substance qui utilise le body horror pour donner un aperçu de ce que les femmes peuvent/doivent s’infliger pour exister.

Retrouvez le détail dans la critique de The Ugly Stepsister par ma consoeur Leo, ainsi que son interview de la réalisatrice norvégienne Emilie Blichfeld.

4-Vorace d’Antonia Bird (1999)

Vorace– © 20th Fox

Changement de décor avec Vorace d’Antonia Bird, dont l’action se situe au temps de la guerre américano mexicaine (autour de 1850). On suit l’équipe du capitaine John Boyd pour tenir un fort. Un homme vient à leur rencontre et leur raconte qu’avec d’autres, ils ont été bloqués dans une grotte et qu’il a dû manger leur chair pour survivre. L’équipe part donc en direction de la grotte et ne sera pas au bout de ses surprises.

Inspiré du cas Alfred Packer, Vorace, qui fût un échec total à sa sortie, aborde le cannibalisme, sujet hautement tabou, complexe à aborder justement. Le fait d’ancrer l’histoire dans une (des) page sombre des USA (car cette guerre débouchera entre autres sur la guerre de Sécession), permet de filer des métaphores: un pays qui s’auto détruit, des hommes qui se nourrissent des uns et des autres (Vorace reprend notamment des croyances/mythes autour du fait que l’on s’approprie les caractéristiques de sa victime en la mangeant), etc..
Mais la thématique qui est particulièrement d’actualité 25 ans après, c’est de d’associer la viande humaine à un gibier comme un autre. Cette thématique est ponctuellement présente au cinéma depuis longtemps (comme avec Massacre à la tronçonneuse), mais ici Antonia Bird illustre une autre facette des notions liées à l’éco féminisme; l’attitude masculine qui consiste à s’approprier le corps et le territoire de l’autre.

Ces thématiques prennent vie à travers un décor hivernal et rugueux, avec une tension parfaitement menée, notamment dans la première partie. Malgré son sujet, Vorace n’est pas gore, et se situe à la croisée du survival et du thriller.

La regrettée Antonia Bird décédée en 2013, n’aura réalisé que 4 films et Vorace est le seul (et dernier) qui s’ancre dans le cinéma de genre.

5-Bilocation de Mari Asato (2013)

Bilocation– © Kadokawa

La particularité de Bilocation est d’être réalisé par une Japonaise. Force est de constater que peu de films de genre réalisées par des Japonaises existent d’une part, et parviennent jusqu’à nous, d’autre part.
Alors n’hésitez pas à découvrir ce film de doppelgänger, qui raconte l’histoire de Shinobu, artiste peintre, qui découvre un jour qu’un double d’elle, se balade en ville. Cela l’amène à rencontrer un groupe de paroles de personnes qui connaissance le même sort.
La force de Bilocation est de sortir du classique double maléfique. Ici, Mari Asato montre que ces doubles ne sont que l’expression de peurs ou colères refoulées. A travers son personnage féminin, elle questionne également les choix que les Japonaises sont contraintes de faire entre leur carrière et leur vie d’épouse. Des thématiques qui peuvent nous sembler arriérées, mais pourtant toujours bien d’actualité, notamment dans un pays très patriarcal comme le Japon.

Bilocation est à mi chemin entre un film de fantômes et de démon. Le film contient quelques scènes bien effrayantes mais c’est surtout la tension de ne pas savoir ce que les doubles vont pouvoir faire qui marque.
Bilocation s’attache finalement à refléter son époque; car on suit des doubles de personnes différentes avec des contextes reflétant les problématiques sociales (la mère isolée, le travailleur acculé, etc..).
Je vous conseille de plutôt commencer votre soirée avec Bilocation qui dégage une grande mélancolie pour finir avec un film plus fun, comme Lisa Frankenstein !

N’hésitez pas à aller consulter mes recommandations de films d’horreur singulièrement féministes!

L’article Top 5 de films de réalisatrices pour sa soirée d’Halloween est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Comment vous est venue l’idée de The Ugly Stepsister ? 

C’est une drôle d’histoire. L’idée m’est venue alors que je faisais une sieste, la meilleure que je n’ai jamais faite. Je fais souvent des siestes pendant que je travaille. Je les appelle des “siestes créatives”. C’est un bon moyen pour laisser mon inconscient travailler. Ainsi, tout n’est pas si logique, si pragmatique. Cela permet de connecter les idées de manière plus organique. 

Je travaillais sur un court métrage dont le sujet était une femme mesurant deux mètres avec des rondeurs et qui manquait de confiance en elle. Dans mon rêve, je la voyais en Cendrillon. Le prince arrivait et la chaussure était magiquement à la bonne taille. Cette si petite chaussure sur cette immense femme… Ils partaient ensuite vers le château. Sur le chemin, elle baisse le regard et observe ses pieds. Elle voit ses chaussures en sang. Et là, l’idée devient plus claire. Je ne suis pas Cendrillon. Je suis la demi-sœur qui a eu besoin de couper ses orteils pour enfiler la chaussure. 

Au réveil, j’étais en choc parce que pour la première fois, je me suis identifiée à ce personnage pour lequel je n’avais eu aucune compassion par le passé. Mais j’ai ressenti exactement ce qu’elle a dû ressentir. J’étais elle. J’étais la demi-sœur. J’ai trouvé l’idée super. Je l’ai trouvé si bien qu’un long-métrage m’a paru bien plus adapté que le format court. 

Quelles furent vos inspirations pour The Ugly Stepsister ? 

Comme c’est un conte de fée qui prend ses racines dans le passé, j’ai fais pas mal de recherches sur les costumes, l’époque. En particulier sur les procédures de chirurgie cosmétique. J’ai choisi de placer mon film au XIXe siècle, une époque qui a vu de nombreuses évolutions sur cet aspect. Je me suis juste permise certaines libertés car il s’agit d’un conte de fée. Par exemple, le ver doit normalement sortir par le bas plutôt que par la bouche. Mais j’ai voulu être prévenante avec mon public (rire).  

Un autre aspect génial avec la fin du XIXe siècle est que j’ai pu m’amuser avec les silhouettes des robes. Cendrillon porte une robe 1850 alors que les sœurs ont des robes à faux-culs façon 1880. C’est une façon subtile de montrer leur différence de classe. Cendrillon est “old money” et a un “bon goût” alors que les soeurs font partie des nouveaux riches et sont à l’affût des nouvelles tendances au point d’en devenir un peu “ridicules”. J’avais envie que lorsque les spectateurs regardent à nouveau la version de Disney, ils en aient une lecture différente suite au visionnage de mon film. 

J’ai aussi beaucoup été inspirée par les films de contes de fée d’Europe de l’Est, particulièrement ceux des années 70. Ils sont en général tournés en lumière naturelle, dans de vrais décors avec de vrais corps à cause d’un budget en général très mince. Et pourtant les costumes sont sublimes et les effets incroyables. Ils arrivent à retranscrire cette étrangeté émanant des contes de fée. Je voulais contraster avec l’aspect trop brillant, très “plastique” du Disney. Surtout que The Ugly Stepsister est un film de body horror. Je voulais que l’audience ressente cet aspect organique.  Comme s’il s’agissait d’un univers parallèle au nôtre avec de véritables personnes qui l’habitent. 

Je voulais donner à The Ugly Stepsister une impression d’intemporalité. Effectivement, le film se passe au XIXe siècle mais vu sous le prisme des années 1970 pour rendre plus nébuleuse l’époque à laquelle l’histoire se passe. La mise en beauté des personnages a été inspirée par les années 60/70. Je ne voulais pas qu’on ait l’impression de se trouver face à un film d’époque, mais je ne voulais pas non plus que le film fasse trop 2025. Ajouter cette petite pincée d’années 70 permet d’éviter cela. 

Puisque nous parlons de l’esthétique de The Ugly Stepsister, qui est particulièrement importante. Pouvez-vous nous parler de votre relation avec votre chef opérateur (Marcel Zyskind) ? Ainsi qu’avec votre cheffe décoratrice (Sabine Hviid) ?  

J’ai eu la chance de pouvoir travailler avec des personnes très créatives qui, en plus, n’en sont pas à leur premier essai. Ma plus grande leçon sur le tournage est l’importance de l’alchimie. Les gens peuvent avoir le meilleur CV du monde, s’il n’est pas possible de se comprendre, si nous ne sommes pas enthousiasmés par les mêmes choses, il n’est pas possible de travailler ensemble. J’ai eu vraiment beaucoup de chance de trouver une équipe passionnée par The Ugly Stepsister, qui voulait s’amuser et tenter des choses. 

Pour ce qui est du chef opérateur, nous avons beaucoup préparé en amont. Tous les chefs de postes ont été humbles et ont accueilli gracieusement ma vision du film, mes idées. À la fin, j’avais l’impression que nous ne formions plus qu’un seul grand cerveau. 

Donc il y avait beaucoup d’alchimie ?

Oui mais aussi d’amusement. Je ne suis pas vraiment du type Wes Anderson. J’adore son travail mais je ne pourrais pas être autant dans le contrôle. J’aime les heureux accidents. J’aime la créativité qui émerge de la rencontre entre deux personnes. J’ai un peu le même type de relations avec mes acteurs et actrices. Je leur explique qu’ils en savent autant, voire plus que moi sur leur personnage. C’est leur corps qui joue cette personne. J’aime être surprise. 

Il me semble qu’en Islande, ils appellent le réalisateur ou la réalisatrice, le maître du jeu et les acteurs et actrices, les joueurs ou joueuses. Je suis la personne qui rédige la notice du jeu mais ce sont elleux qui vont y jouer. C’est un peu la même chose avec les chef.fes de postes. Je ne suis pas capable de faire leur travail. C’est à eux de le faire. Moi, tout ce que je fais c’est mettre en place les règles. Et peut-être à la limite, leur demander de jouer légèrement différemment. Mais eux aussi peuvent me demander de changer un peu certaines règles en contrepartie.   

J’aime beaucoup cette analogie. The Ugly Stepsister est votre premier long-métrage. Tourner un premier film peut-être une expérience difficile, plus particulièrement en tant que femme, et encore plus, en tant que femme qui fait de l’horreur. Comment avez-vous vécu cette expérience ? 

Je profite des nombreuses réalisatrices qui sont venues avant moi. D’autant plus qu’en Norvège, nous avons beaucoup de chance car nous avons un système de quota grâce au Norwegian Film Institute. Ainsi, la réflexion autour de la question de genre ne se fait pas juste au niveau individuel mais aussi au niveau systémique. Cela habitue les gens à voir plus de femmes dans le paysage cinématographique. Les spectateurs ne sont plus étonnés de voir autant de femmes réalisatrices.  

Nous sommes une génération de réalisatrices norvégiennes qui a pu devenir mère avant de faire un premier long et cela sans que cela pose problème.  C’est du jamais vu. Il y a dix ans de cela, personne n’aurait pris au sérieux une jeune mère. Il était alors impossible d’avoir l’ambition de faire des films. Je suis reconnaissante envers les générations passées. Je ne souhaite pas être une femme à une autre époque que celle-ci. 

Sur The Ugly Stepsister, j’ai pu travailler avec la meilleure des productrices en Norvège, Maria Ekerhovd qui a également travaillé sur Valeur Sentimentale, le dernier Joachim Trier qui est passé par Cannes. Elle est géniale, à la fois très cool et très douée. J’ai donc eu un entourage qui a cru en mon film dès le début.  

Autre exemple, mon chef opérateur qui est danois avec des origines polonaises m’a traitée comme son égale, et ainsi toute son équipe, majoritairement polonaise, a fait pareil. L’équipe caméra qui devait être principalement française m’ouvrait la porte et était particulièrement galante avec moi. Au lieu d’être offusquée par ce comportement, je l’ai pris comme une marque de respect. Cela fait partie de leur culture. Ils ne le faisaient pas de manière condescendante. C’était juste une habitude. Ce n’était pas pour me rabaisser. 

Le premier jour, le clappeur, qui est un sacré personnage, m’a fait la révérence et m’a appelé “Madame la directrice”. J’étais assez impressionnée car il s’agissait de mon premier film. Cela m’a flattée, un peu embarrassée, mais aussi détendue. Cela m’a fait sourire. Ils ont pu voir que je trouvais cela drôle et gentil. Le jour d’après, ils avaient écrit “Madame Directrice” avec des coeurs sur mon moniteur. C’était vraiment un acte gentil et respectueux.

Je pense qu’il est important de toujours s’adapter à la culture de l’autre, de ne pas imaginer que quelqu’un va se comporter de la même manière que soi. Il faut voir les gens pour ce qu’ils sont et ce qu’ils font. Je n’ai donc pas eu l’impression que le fait d’être une femme dans ce cas fut un problème. 

Est-ce que vous aimez les films d’horreur ?

Il me semble. Surtout le body horror car l’horreur me fait, en fait, très peur. 

Cela m’amène à ma prochaine question. Appréciez-vous l’horreur ou était-ce simplement pertinent pour l’histoire que vous souhaitiez raconter ? 

J’ai une obsession pour le body horror. J’étais particulièrement heureuse lorsque j’ai réalisé que mon idée me permettait de faire un film de body horror. 

Ce qui me plait dans le cinéma de genre, peu importe le genre, est son côté “boite à outils”. Je ne me considère pas comme une réalisatrice de films d’horreur ou de comédie. Je raconte une histoire et en fonction de celle-ci, j’utilise le genre, la boîte à outils la plus pertinente. 

Du coup, quel est votre film de body horror préféré ? 

C’est une question difficile. J’aime tout ce que fait Cronenberg. C’est un maître. Je suis aussi très fan de Grave de Julia Ducournau. C’est un vraiment un film exceptionnel, alors que je trouve Titane plus contrôlé, plus lourd. Je n’ai pas encore vu Alpha. Grave a ce petit quelque chose en plus que j’apprécie particulièrement. 

J’aime aussi Existenz, Videodrome, La mouche, Faux semblants. Un peu tous ses films en fait. 

En plus Julia Ducournau a ouvert tellement de portes pour les réalisatrices qui veulent faire ce type de film. 

Oui. Je pense que certaines personnes ont un peu la vue courte et pensent face à The Ugly Stepsister que j’ai voulu faire un second The Substance alors que je n’ai pas pu le voir avant de faire mon film. Il est impossible pour moi de faire un film en moins d’un an. 

Vous partagez (ndlr avec The Substance) le thème de la critique des normes de beauté qui est très actuel

Je comprends tout à fait la comparaison. D’autant plus que The Substance a ouvert la voie pour The Ugly Stepsister et a rendu le body horror grand public. Au départ, ma productrice ne voulait pas utiliser le terme “body horror” car cela aurait fait trop niche. Alors que maintenant c’est un mot qui est sur toutes les bouches. 

Je vois aussi un peu de misogynie dans cette comparaison. Il n’y a de la place que pour un film de femme sur un sujet en particulier, alors que les hommes peuvent faire plusieurs fois les même film sans que ce soit un problème. Et nous avons en plus une approche très différente du sujet. Elle évoque la célébrité et le vieillissement, alors que je parle de tout autre chose dans The Ugly Stepsister. 

Ceci dit, la comparaison est tout à fait valide. J’espère juste que les gens ne vont pas commencer à se demander lequel des deux films est le meilleur. Il faut laisser les deux films dire ce qu’ils ont à dire ensemble. 

Je trouve cela super que les deux films sortent à la même période

Oui, qu’ils ouvrent la conversation !

Exactement. Il me semble que le sujet de la beauté était également au cœur de certains de vos courts métrages. Je n’ai malheureusement pas réussi à les voir. Est-ce un sujet important pour vous ? 

L’idée m’est venue de mon subconscient mais j’étais déjà en train de travailler sur un court dont le sujet était similaire, Sarah’s Intimate Confessions, et mon premier court également. 

S’il y a si peu de jeunes réalisateurs ou réalisatrices qui émergent et peuvent faire un premier long métrage, c’est que nous ne sommes pas tous des Xavier Dolan. Outre les difficultés pragmatiques, il n’est pas toujours simple d’être en contact avec ses idées quand on est jeune. 

Lorsque j’étais toute jeune réalisatrice, je ne savais pas quelle pouvait être mon histoire. Pour mon premier court, How Do You Like My Hair ?, j’ai littéralement raconté mon histoire. Il y a quinze ans j’ai décidé d’arrêter de me raser. C’était en pleine quatrième vague du féminisme en Scandinavie. Nous pouvions trouver des femmes non rasées dans les magazines et il y avait tout une discussion autour du sujet. Cela n’a pas duré longtemps.

Ceci dit, je pense que plus de femmes ont continué à ne plus raser après cela. J’ai donc eu un coup d’un soir suite à cette décision, histoire que j’ai raconté à mes amis. Ils ont trouvé cette anecdote drôle. J’ai trouvé le fait d’en parler très libératoire et surtout j’ai apprécié le fait de me sentir vulnérable après. 

Je me suis dit que c’était une bonne histoire à raconter comme une confession face caméra. J’ai joué mon propre rôle et je parlais à la caméra. J’ai ensuite joué la scène avec des acteurs. Face au résultat, c’était évident pour moi que j’avais trouvé mon histoire, à la fois intime, vraie et rassembleuse.

En général, on se sent seul et vulnérable face à nos complexes. Parce que cela touche à notre capacité à être aimé. Ai-je assez de valeur pour être aimé ? C’est une question si existentielle et si vulnérable que des grosses entreprises s’en sont emparé pour que l’on achète des produits de beauté. Que je préfère appeler des “produits d’apparences” parce qu’ils n’ont rien à voir avec la beauté. Ma beauté m’appartient, je ne veux pas l’acheter. 

C’était un moment important pour moi. Je me suis rendu compte que j’avais tout un tas d’histoires à raconter sur le sujet et si je ne devais raconter que cela jusqu’à la fin, ce serait incroyable. Avec l’âge, je me suis aussi rendu compte que de nouvelles histoires me viennent plus facilement.
Effectivement, cette question est prépondérante dans le fait d’être femme et tant que je fais des films sur des femmes, cela risque d’en faire partie. 

Pourriez-vous me parler du casting de vos actrices ? 

C’était des castings tout à fait conventionnels. Les deux personnages principaux furent difficiles à trouver. Et pourtant dès que j’ai rencontré les deux actrices, ce fut évident. Elles étaient les personnages. 

Lea (Myren) se donne la liberté d’être expressive. Je pensais trouver quelqu’un qui rencontre les mêmes problèmes que moi ou Elvira, mais Lea est en fait très libre dans son corps. Elle a grandi avec une mère féministe qui l’a éduquée sans ce regard contrôlant sur son corps. Elle est totalement libre et ne s’empêche pas de faire des choses folles et ne s’intéresse pas au qu’en dira-t-on. Elle est libre de montrer toutes ses émotions. 

C’est génial d’avoir un tel modèle pour jouer Elvira, car si des gens décident de googler son nom, ils trouveront tout un tas de photos folles d’elle, de red carpet look très excentriques. Elle représente cet espoir pour la nouvelle génération. 

Merci pour votre temps et cet entretien. J’espère le mieux pour la sortie du film!

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1-Dead talents society de John Hsu (2024)

De quoi ça parle: Les fantômes utilisent eux aussi les réseaux sociaux pour perpétuer leur légende et continuer d’effrayer toujours plus, en vue de gagner en popularité.

Ce film Taïwanais est une véritable bouffée d’humour magistralement orchestré, enrobée d’une direction artistique gothiquement pop et colorée. Dead talents society réinvente le récit initiatique en structurant le récit à travers plusieurs générations de femmes, ce qui permet de créer un sentiment empathique chez le public de manière très originale. En effet, on suit une jeune fantôme et une autre fantôme, célébrité sur le déclin, qui ont toutes les deux tout à prouver pour obtenir leur place dans le monde de l’au delà.
L’idée est évidemment de critiquer notre société actuelle dopée à la dopamine des likes, en ayant l’intelligence de le rattacher à un sentiment qu’on cherche tous et toutes. Se sentir appartenir à une société, à une communauté, notamment quand on est une femme, où chaque étape d’âge à franchir est un défi. Pour refléter cela, les vivants et morts partagent le même espace dans Dead Talents Society, et les fantômes sont représentés de manière très charnelle, rappelant bien leur origine humaine.
Le réalisateur du subjuguant Détention livre avec Dead Talents Society, une œuvre à la fois touchante, drôle, sans manquer d’envoyer une bonne dose d’hémoglobine comme on aime pour Halloween.
Alors foncez sans hésiter.

2-Evil Dead Rise de Lee Cronin (2019)

De quoi ça parle: une mère de famille célibataire qui vit dans un immeuble, reçoit la visite de sa soeur qu’elle n’a pas vu depuis longtemps. Cette même soirée, suite à un tremblement de terre, les enfants découvrent un livre pour le moins démoniaque.

5e volet de la saga Evil Dead, Evil Dead Rise change radicalement de décor et de personnages au regard des films précédents. Toute l’action se situe uniquement dans un appartement et un hall d’immeuble. Alors que la famille n’a jamais été (ou presque avec le remake) au centre de l’histoire, Lee Cronin met en scène deux soeurs, entourées d’enfants. Egalement écrit par Lee Cronin, Evil Dead Rise réussit la délicate tâche de proposer un film gory (la scène de la râpe à fromage me fera toujours grincer), effrayant, tout en étant particulièrement intelligent dans la thématique qu’il traite: la violence de la situation de mère célibataire. Pour cela, Cronin utilise le motif du rond, et son écriture fine déroule un fil logique, qui monte en puissance en violence et en sang. J’ai analysé la mise en scène et la thématique du film, si vous souhaitez en savoir plus.
Mais qu’est-ce qu’il a d’inclusif?:

• Le personnage de la mère, Ellie, se caractérise autrement que dans son rôle de mère (sachant qu’elle est mère célibataire): elle prend le temps pour ses activités. Elle a également un look « rock », un peu dark. Alors que souvent, les mères ont un style neutre quand elle sont investies de leur rôle, ou « sexy & droguée/alcoolique » quand elle sont défaillantes. Ellie est une mère fiable, qui a une confiance totale envers ses enfants.
• Evil dead rise utilise le genre de l’horreur pour matérialiser la violence extérieures qui est exercée sur les mères célibataires,
• Il y a une belle histoire de sororité: le personnage de la sœur Beth, arrive pour aider sa sœur, et ses neveux et nièces. Ce qui lui permet de traverser les épreuves de sa propre histoire aussi.

Le film vous ravira pour Halloween car c’est un festival de sang et d’effroi (rien que l’affiche me glace car j’y vois une représentation très parlante des violences intra familiales). Et à la fois vous aurez encore plus d’empathie pour les mères célibataires.

3-Judy & Punch de Mirrah Foulkes (2019)

De quoi ça parle: 17e siècle. Judy et Punch sont un couple de marionnettiste appréciés et adorant leur métier. Leur relation est ternie par l’alcoolisme de Punch, et suite à un drame familial, la vie de Judy va basculer.

Enfin un film réalisé par une femme (j’ai proposé également des recommandations de films de réalisatrices)! Une direction artistique somptueuse qui met en valeur chaque élément du décor et accessoires. Tout ce que j’aime.
Le film est une vraie prouesse narrative car il joue sur plusieurs registres: la comédie, le drame, le fantastique, le thriller. Son point fort? Savoir parfaitement où il faut déployer de la comédie ou de la tension. Se déroulant à la belle époque de la chasse aux sorcières, le folklore coven est convoqué, et ça c’est toujours agréable pour un Halloween féministe.
Le personnage de Judy (jouée merveilleusement par Mia Wasikowska) bénéficie d’une écriture généreuse, grâce à un arc narratif qui ressemble finalement à ce que beaucoup de femmes vivent: le syndrome de l’infirmière avec un conjoint défaillant voire violent, une rage qui en découle suite à l’injustice et l’inconscience de trop, et enfin la recherche de réparation.
Mais sa réparation ne se fait pas seule, elle sera bien entourée par des femmes marginalisées et un peu magiques, qui se cachent. Une autre manière de raconter la sororité.

C’est très divertissant sur la forme (d’autant qu’on voit rarement le métier de marionnettiste à l’écran), et ça réveillera vos instincts féministes.

4-What keeps you alive de Colin Minihan

De quoi ça parle: Un couple part en week end en forêt pour fêter leur anniversaire de mariage. Entre révélations et tensions, ce week end se transforme rapidement en quête de survie.

Vous l’aurez compris, What keeps you alive est un survival qui s’avère relativement classique dans son exécution. Pourquoi alors le sélectionner?:

• C’est un très bon divertissement pour Halloween: rythmé, saignant, tendu, vous passerez un bon moment
• Il n’est pas dénué d’idées de mise en scène, notamment pour symboliser qui est la proie et comment on se libère de cette position. Demoiselles d’Horreur l’évoque ici:

• Le couple en question est lesbien et ce n’est jamais un sujet dans le film. Il me semble que c’est la première fois que je vois un couple lesbien au centre d’une histoire d’un film de genre, où il n’est pas question d’évoquer cette situation. Juste c’est un couple. C’est d’autant plus remarquable que c’est un couple pour le moins en conflit, ce qui en fait des personnages complexes, du moins libérés de représenter un certain modèle de personnage queer plus ou moins exemplaires. What keeps you alive garde le cap de traiter ces personnages comme il l’aurait fait avec des hétéros. Et c’est rafraichissant, aussi pour des questions de représentations, d’autant que je n’ai pas revu un film depuis avec la même démarche.

Cette chasse dans la forêt est tellement prenante qu’on pardonne les quelques éléments peu crédibles qui nuisent un peu à la solidité narrative, notamment finale. Les deux actrices Brittany Allen et Hannah Anderson (toutes les deux vues dans des épisodes différents de la saga Saw) forment un duo très efficace, partagées entre le rôle de la proie et du chasseur.

5-She Will de Charlotte Colbert

De quoi ça parle: Après une mastectomie, Veronica part en convalescence avec son infirmière. Dans la campagne écossaise, elle se découvre des pouvoirs.

Cela serait dommage de ne pas finir cette sélection Halloween féministe par un film de sorcières ! Il se distingue de la sélection par son ambiance onirique avec un traitement original de la thématique de la sorcière.
La démarche féministe ici est de mettre en scène une sorcière âgée dans le premier rôle d’un film de genre, sans qu’elle soit l’antagoniste ou un ressort horrifique pour effrayer. Là encore, je n’ai pas d’autres exemples en tête.
Par ailleurs le personnage est complexe; Veronica fait face à son corps de femme âgée mais qui a aussi traversé une maladie qui n’est pas pardonnée aux femmes (il faut voir le nombre de femmes quittées pendant un cancer, ou leur mise à l’écart du monde professionnel, etc..).
Alors quand en plus quand la direction artistique est magnifique organique (Charlotte Colbert est aussi artiste plasticienne), cela ne peut que vous embarquer dans un voyage fantastique unique féminin.

L’article 5 films pour un Halloween (singulièrement) féministe est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Je vais volontairement m’écarter des très très populaires car vous n’avez pas besoin de moi pour les trouver. Certains dans cette liste sont évidemment connus des férus du cinéma de genre, l’idée est de s’adresser à un public moins connaisseur, mais qui a envie de découvrir ce cinéma à travers des films à la fois qualitatifs ET divertissants pour Halloween. Si vous cherchez encore plus de diversité, vous pouvez consulter mes recommandations de films d’Halloween réalisés par des femmes.
J’ai également écrit un article sur les sous genre du cinéma de genre si vous souhaitez en apprendre davantage.

1- Unfriended de Levan Gabriadze (2015) – USA

Genre: Screenlife

De quoi ça parle: un fantôme vient hanter une conversation webcam entre plusieurs amis.

Genre qui peine à se montrer sur nos écrans, c’est un sous genre qui utilise justement les vôtres. Un écran d’ordinateur pour être précis. Dérivé du foundfootage (rushes de vidéos « trouvées » dont Le projet Blair Witch est le représentant le plus connu), c’est étonnant de ne pas en voir plus, au regard de notre consommation d’écran.
Dans Unfriended vous êtes le spectateur direct (et concerné donc), de ce que vous voyez à l’écran. Vous « participez » à ce qui se passe. La montée en puissance est très bien gérée: on passe d’une discussion d’un couple, à des échanges de vacheries entre adolescent-es pour tendre vers une ambiance qui suscite interrogations et suspicions pour basculer dans l’horreur qui ne s’arrêtera pas.

En plus d’être un divertissement efficace, le propos d’Unfriended est une démonstration de la violence du revenge porn et du harcèlement scolaire. Sans surligner son sujet, le film parvient à diffuser son message en prenant son public non seulement au sérieux, mais à parti grâce au dispositif screenlife.

2- Witch Hunt d’Elle Callahan – USA (2021)

Genre: Sorcières

De quoi ça parle: De nos jours, les sorcières sont criminalisées et pourchassées. Dans ce contexte, une mère célibataire rejoint la lutte en les cachant pour qu’elles passent la frontière, ce qui n’est pas du goût de sa fille, Claire.

Un film de sorcières pour Halloween, cela me parait inévitable. A la lecture du pitch, on devine bien que Witch Hunt associe sorcières (figures marginalisées et dénigrées) et migrants (ou évidemment la Shoah). Quoi de mieux que de décaler le regard et les types de protagonistes pour traiter un sujet actuel et dramatique, maintes fois sujet de journaux télévisés et drames sociaux misérabilistes?
De par la nature illégale des agissements de sa mère, Claire se place en dehors de cette activité, elle qui cherche à s’intégrer auprès des filles populaires de son lycée. Elle devra cohabiter avec Fiona et sa petite soeur suite à des complications.
L’écriture du personnage de Claire est particulièrement brillant; il incarne presque à lui seul, le sujet du film: faire appartenance. On a de l’empathie pour cette adolescente qui a besoin de se sentir acceptée et aimée, et dont l’activité de sa mère la met dans l’inconfort. Fiona et Claire vont autant s’aider l’une l’autre, ce qui fait de Witch Hunt un véritable récit de sororité.
Par ailleurs, le film ne manque pas de suspens, de moments de magie, tout en délivrant un message de tolérance et d’acceptation, bien loin d’être mièvre. Dont on a besoin en ces temps terrifiants.

3- Carnival of souls d’Herk Harvey (1963) – USA

Genre: Fantastique

De quoi ça parle: Suite à un accident de voiture, Mary reste traumatisée. Elle entend et voit de plus en plus de choses étranges, entourée de fantômes.

L’idée de ce film est venu au réalisateur en découvrant une salle de bal étrange, dans un lieu désaffecté, à l’intérieur du parc d’attraction Saltair, donc rien que pour cette raison, c’est le film idéal pour Halloween.
Ne soyez pas rebuté-es par l’ambiance années 60 de Carnival of souls; son lot d’étrangeté, d’inquiétudes et de fantastique n’a pas vieilli d’un pouce.
On déambule avec Mary dans ce parc d’attraction nébuleux, et des scènes vont resteront en mémoire, dont une certaine scène de bal.
Carnival of souls narre les tourments liés aux traumas et à la mort, sans qu’il soit glauque. On est une atmosphère onirique qui vous enveloppera de curiosités, de flottements et de frayeurs.
Le programme parfait pour siroter un cocktail d’Halloween avec des bonbons fantômatiques.

4- Ava’s possession de Jordan Galland (2015) – USA

Genre: Diabolique

De quoi ça parle: Ava vient de subir un exorcisme et est désormais débarrassée de son démon. Mais elle a causé des torts pendant sa possession et doit aller consulter aux Possédés Anonymes.

Changement de registre, car il nous faut bien une comédie horrifique pour Halloween, avec Ava’s Possession qui là aussi ne se cache pas derrière son pitch. Il s’agit d’utiliser la possession comme métaphore de comportements problématiques liés à des addictions, et notamment l’alcool.
Assez peu de films de possessions abordent cet angle et cela me parait tout à fait pertinent, car on a tous connu/vu des personnes sous l’emprise de substances qu’on ne reconnait plus.
On suit donc le cheminement d’Ava qui cherche à comprendre les torts qu’elle a pu causer (dans la mesure où elle ne s’en souvient pas) et comment/si elle peut réparer.
C’est drôle, original tout en permettant de prendre du recul sur le sujet de l’addiction et nous invitant à prendre conscience que c’est une maladie dont les personnes souffrantes peinent à combattre.
J’évoque un peu plus en détail le film dans mon article sur la représentation de la possession.

5- Midnight silence de Kwon Oh seung (2021) – Corée du Sud

Genre: Psycho killer

De quoi ça parle: Une jeune sourde muette surprend un tueur en série et devient sa proie.

Avec Midnight silence ne vous attendez pas à un grand film maitrisé de bout en bout, mais à un film d’action et de suspens bien calibré pour Halloween.
Le handicap de son héroïne, Kyung-mi, permet évidemment d’instaurer de l’enjeu angoissant facilement et ça marche ! On est à côté d’elle, en forte empathie et la brutalité du serial killer est tout à fait crédible, ce qui permet d’intégrer une vraie notion de danger.
Par ailleurs, je trouve que le dernier quart d’heure est particulièrement bien géré, pointant le sexisme et le paternaliste de la société, qui devient un véritable obstacle supplémentaire pour l’héroïne.
Midnight Silence est prenant et globalement bien rythmé, alors ne boudez pas votre plaisir pour dynamiser votre soirée Halloween en deuxième partie de soirée.

6- Ropes de José Luis Montesinosde (2019) – Espagne

Genre: Huis clos

De quoi ça parle: Une jeune fille handicapée moteur et son père se retirent dans une maison isolée, en compagnie d’un chien dont le rôle est normalement d’aider Elena…

Encore une héroïne ayant un handicap (trope récurrent dans le cinéma d’horreur), dans un huis clos, mais cette fois victime d’un chien enragé. Le berger belge sensée lui faciliter la vie quotidienne, est victime d’une maladie qui le rend particulièrement agressif. Elena va donc devoir redoubler d’ingéniosité pour s’en sortir.
Ropes a le mérite à travers les déboires d’Elena de montrer à quel point une maison non pensée pour des personnes handicapées moteur s’avère être un véritable parcours de difficultés que nous valides, ne pouvons pas voir. Le film gère particulièrement bien son suspens, et comme les valides ne peuvent pas anticiper ou savoir ce qu’une personne ayant un handicap moteur peut faire, il nous est impossible de projeter ce que le personnage peut faire.
Pour maintenir l’attention et la tension, Ropes maitrise son rythme en intégrant la thématique du deuil, donnant lieu à des séquences touchantes, permettant une soupape.

7- Candyman de Bernard Rose (1992) – USA

Genre: Slasher

De quoi ça parle: Si vous dites trois fois son nom devant un miroir, le croquemitaine Candyman apparaitra et vous courrez à votre perte…

Parce que que serait un Halloween sans un slasher? On connait Ghostface de la saga Scream ou Mickaël Myers de celle d’Halloween, mais on connait moins Candyman, seul croquemitaine noir de la culture populaire Américaine.
Ce croquemitaine interprété par Tony Todd, est l’un des seuls dont la vengeance et la violence se déploie suite au fait qu’il ait été martyrisé lui même. En effet, tombé amoureux d’une blanche à l’époque des colons, il fut puni par les blancs, qui badigeonneront son corps de miel afin d’être attaqué par les abeilles. D’où son nom.
Armé d’un crochet, Candyman apparait grâce à sa légende qui est notamment perpétuée dans la cité pauvre de Cabrini Green.
On suit Helen, jeune journaliste blanche qui tente de faire sa place dans ce milieu machiste. Elle entend parler de la légende de Candyman, et décide d’enquêter.
Si la plupart des slashers évoquent le sexisme et les violences sexuelles, le sujet de Candyman est, vous l’aviez deviné, le racisme. C’est donc un slasher plus évident politiquement que les autres, mais le fait d’aborder ce sujet de société sous un angle de légende et d’histoire Américaine, en fait un film à part.
Helen et Candyman sont unis par le fait de subir une oppression différente mais bien présente et qui dans les deux cas, perdurent.
D’un point de vue purement slasher, il propose des séquences assez classiques mais bien exécutées, avec une bonne dose d’hémoglobine attendue pour Halloween.
Le film connaitra deux suites (médiocres), et un remake intéressant mais inabouti, si vous souhaitez continuer l’expérience…

8- The Children de Tom Shankland (2008) – UK

Genre: Sales gosses

De quoi ça parle: Des ami-es partent en vacances de neiges avec leurs enfants. Ceux-ci sont contaminés par une substance présente dans la forêt qui modifient leurs comportements…

Le cinéma d’horreur regorge de personnages d’enfants démoniaques, et The Children est une pépite sanglante anglo saxonne proposant un travail exceptionnel sur sa photographie.
Sa véritable force est de ne pas lésiner sur la brutalité et la violence, en intégrant une problématique maligne et facilement identifiable: comment parvenir à violenter son enfant dans un cas de légitime défense?
C’est stressant, saignant, avec une tensions palpable qui quand elle démarre, ne retombe jamais.
Parfait pour savourer son Halloween avec des pops corn.

9- La féline de Jacques Tourneur (1943) – USA

Genre: Créatures

De quoi ça parle: Irina, jeune mariée, semble être frappée d’une malédiction qui met à mal son mari qui se rapproche d’une jeune femme Alice…

Halloween étant propice à la création de déguisements de créatures, il faut une proposition avec l’une d’elle ! Comme son nom l’indique, La Féline raconte l’histoire d’une femme qui se transforme en panthère noire, qui doit jongler avec ses deux identités. C’est surtout l’histoire d’une femme qui est « trop » complexe pour son mari qui souhaite en faire une femme « normale » et conforme à ses attentes. Sa deuxième identité représente ce rejet et avant tout la volonté d’exister en tant qu’elle même.
Les films de genre à portée féministe existent donc depuis toujours, il s’agit simplement de rappeler qu’ils sont là, avec parfois plus de pertinence que certains films actuels.
Le film est connu pour être précurseur de techniques de mises en scènes pour créer la peur, qui feront date dans le cinéma d’horreur (comme la scène du bus). Le film est aussi un admirable objet esthétique, jouant avec l’ombre et la lumière et surtout le hors champs, permettant à la fois de faire fonctionner notre imaginaire mais aussi d’appuyer l’aspect fantastique.
La Féline est un des films emblématiques du réalisateur franco américain Jacques Tourneur (et rien que pour ça il fait quand même parti de notre patrimoine). L’actrice française Simone Simon fait preuve d’un tel charisme qu’on se laisse porter par ce conte émancipateur.

10- The angry black girl and her monster de Bomani J. Story (2023) – USA

Genre: Science Fiction

De quoi ça parle: Vicaria, élève afro américaine brillante, est cernée par la mort et le racisme. Quand son frère meurt, elle décide de le ressusciter…

The angry black girl and her monster s’empare du roman de Mary Shelley, Frankenstein, en mettant en scène cette fois une savante. Le film reprend finalement les bases de la réflexion du roman, à savoir « guérir » de la mort et transformer la mort en naissance.
L’idée brillante est d’intégrer l’action dans des problématiques contemporaines, du point de vue de la minorité afro américaine. Mais là où le long métrage est un plaisir à regarder et à entendre, c’est dans sa manière de politiser la question du racisme au delà des évidences, tout en infusant des dialogues très drôles et savoureux. Par ailleurs, sa tonalité un peu teenage movie, en fait un film horrifique facile d’accès pour Halloween. The angry black girl and her monster ne manque pas de rebondissements inquiétants et gores, n’oubliant jamais ses intentions de départ: traiter du corps et de la chair, dont tout scientifique se sent capable de surpasser; pour le pire et le meilleur (pire).

L’article Top 10 de films pour un Halloween diversifié est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Tu es arrivée au cinéma par Koutrajmé. J’ai cru comprendre que ça avait une expérience très riche entre doublage, cirque, etc…Comme tu as vécu cette expérience? Comment était l’ambiance? Quel est ton regard sur le travail de Kourtrajmé et ses représentants (Ladj Ly, Kim Chapiron..)

J’ai fais partie de la promo 2 des acteurs chez Kourtrajmé. Ça a été une belle et riche expérience pour moi. 

Après plusieurs jours de sélection, la promo 2 a enfin été dévoilée et le groupe s’est très vite soudé.

On a eu l’opportunité d’effectuer divers stages durant ces 6 mois intensifs (clown, krump, théâtre classique, chant, percussion corporelle, doublage…) 

Je pense que lorsque l’on s’engage dans une formation il est nécessaire d’être en accord avec les principes et valeurs que prône celle-ci. Kourtrajmé est une école qui propose plusieurs formations artistiques (réalisation, écriture, acting..) cette école est totalement gratuite, accessible à tous sans restriction d’âge, permet d’être encadrée par des professionnels du métier, met en avant la diversité et est accompagnée et soutenue par de super partenaires. 

Cette formation m’a beaucoup apporté.

Qu’est ce qui t’a donné envie de jouer la comédie?

Lorsque l’un de mes frères a reçu une caméra en cadeau, il a commencé à imaginer des petits scénarios avec ses amis et a fini par réaliser des films avec sa bande de pote. Curieuse, je lui ai un jour manifesté mon envie de participer à ses créations. C’est comme ça que j’ai découvert ma passion pour le jeu. J’ai ensuite fait ouvrir un club théâtre dans mon collège et ai continué le théâtre jusqu’au bac. J’ai poursuivi mes études jusqu’a l’obtention de mon diplôme puis j’ai décidé m’installer à Paris fin 2019 pour faire du théâtre.

Comment s’est passé le casting pour Vermines? C’est un 1er rôle qui demande beaucoup d’implication physique et émotionnelle. Comment l’as-tu abordé?

Il est vrai que sur le papier, un film comme Vermines peut sembler effrayant car il s’agit d’un projet très ambitieux mais peu commun à ce que l’on a l’habitude de voir en France. Mais c’est justement cette prise de risque, le culot ainsi que la vision artistique de Sébastien Vaniček (réalisateur de Vermines) qui m’a donné envie de défendre ce projet aussi audacieux. 

J’ai reçu le scénario en amont du dernier tour du casting et pendant ma lecture je me projetais déjà.. 

Le jour de ma rencontre avec Sébastien Vaniček et Théo Christine (Kaleb dans Vermines) a été pour moi une évidence. Je buvais les paroles de Sébastien et l’alchimie était déjà palpable entre Théo et moi. 

Une fois le casting validé, tout est allé très vite : rencontre du cast principal, lecture du scénario en équipe, essayages costumes, essais caméra, répétitions etc.. Je n’ai pas vraiment eu le temps de réaliser ce qu’il se passait.

Ce qui m’a semblé être le plus compliqué sur Vermines a été de garder une constance au niveau de l’état émotionnel des personnages. Parfois, avant certaines scènes qui nécessitaient une implication physique, on faisait des pompes, des burpees pour s’essouffler réellement.. c’était assez drôle à voir !

Les personnages féminins pertinents dans le cinéma de genre, surtout français, se comptent sur les doigts d’une main. Manon fait des travaux, en écoutant du métal et fait rapidement face à l’adversité. Comment as tu travaillé ce personnage?

Il est vrai que dans beaucoup de film de genre et notamment d’horreur, les personnages féminins sont bien souvent  considérées comme des scream girl ou encore des filles en détresse qui dépendent des autres.. 

Sébastien voulait absolument se détacher de ces stéréotypes là et a décidé d’écrire des personnages féminins pertinents et marquants. Je trouve ça génial qu’enfin des personnages féminins prennent le lead à des moment clés du scénario et jouent un rôle conséquent pour la suite des personnages que l’on suit.

Ce qui m’a frappé chez Manon, c’est que derrière sa personnalité et son caractère bien trempé se cache une pudeur et une réelle sensibilité. Cette faille, notamment présente à cause du décès de sa mère, marque une bascule quant à la relation qu’elle entretient avec son grand frère. Cette relation, je la trouve d’ailleurs très juste.

Il est très important pour moi de bien comprendre un personnage avant de l’interpréter. Ça passe par beaucoup de discussions avec le réalisateur mais également avec Théo qui incarne mon grand frère. 

Théo et moi avons suggéré à Sébastien 1 ou 2 fois de petites modifications, certes subtiles mais essentielles quant à la construction de la relation frère/soeur. 

Vous avez utilisé de vraies araignées sur le tournage. Comment se passait la préparation de ces scènes?

Dans Vermines il y a certes des effets spéciaux mais pas que, nous avons aussi travaillé avec de vraies araignées.

Karim, qui travaille à la Ferme Tropicale, est venu avec 200 araignées sur le plateau. Il nous a sensibilisé en nous parlant des arachnides et de leur fonctionnement,  j’ai même fini par en prendre une dans mes mains à la fin du tournage. 

Ça m’a beaucoup aidé, moi qui était arachnophobe !

Sébastien et Karim étaient très attentifs aux araignées, lorsqu’une araignée fatiguait on en prenait une autre et on poursuivait le tournage. Lorsque les araignées étaient présentes sur le plateau, toute l’équipe était ultra attentive et concentrée, il ne fallait pas perdre d’araignée dans les décors et il fallait surtout veiller à ce qu’elles soient bien chouchoutées.

La scène dans le couloir est un peu le pré climax du film. Evidemment pour son suspens, mais on remarque aussi un basculement dans la dynamique de groupe. Manon se positionne pour sauver le groupe, Kaleb aide sa soeur et son ex meilleur ami, deux personnes avec qui il est conflit. Comment vois tu cette scène? C’est la scène qui a nécessité le plus d’effets spéciaux et de trucages, comment s’est passé le tournage?

La scène du tunnel est pour moi une scène pivot dans Vermines. Juste après cette scène, le film prend une autre tournure et l’on passe clairement en mode survie. Cette scène révèle aussi le caractère de chaque personnage.

Kaleb, qui depuis le début est têtu et a du mal à communiquer avec sa soeur et ses amis, commence à s’ouvrir au groupe à ce moment précis. C’est la première fois que Kaleb et Manon se regardent et s’ouvrent l’un à l’autre.

Ça a été une scène très interessante à jouer mais ça à également été l’une des scène les plus compliquées à tourner. 

Lorsque l’on tournait il n’y avait aucune araignée présente dans le tunnel, les effets spéciaux ont été rajouté en post prod. Nous devions donc imaginer les centaines araignées présentes dans le tunnel.. Jouer en imaginant les araignée n’a pas été si difficile que ça car l’on s’appuyait les uns sur les autres, l’état des uns affectait l’état des autres, je pense que cette scène nous a vraiment soudé. 

Ce qui a été difficile en revanche était la réalisation du travelling arrière 360° ; il fallait que l’équipe technique réussisse le travelling arrière sans se prendre le décors, et nous les comédiens, devions rester immobiles pendant la réalisation de ce plan. La synchronisation était donc complexe.

Ce qui a été le plus compliqué à jouer pour toi dans le film?

Le tournage s’est vraiment bien déroulé parce que nous nous sommes tous fait confiance.

Sébastien a été très à l’écoute et a senti les moments où son équipe avait besoin de lui, parfois il passait plus de temps avec nous et laissait son équipe technique en autonomie, et d’autres fois c’était l’inverse. Nous ça nous permettait aussi de faire des propositions ou des changement de textes par exemple lorsque c’était nécessaire.

Je vivais un peu au jour le jour, je me laissais porter donc je n’ai pas eu le temps d’appréhender quoi que ce soit, j’étais en totale confiance.

Le plus compliqué au final a été le début du tournage lorsque l’on été 5 sur le plateau, il fallait que l’on trouve chacun notre place tout en laissant de la place aux autres, il fallait gérer le rythme etc, mais après 2-3 répétitions c’était réglé.

Les retours sont quasi tous unanimes sur la qualité du film et il cartonne en salle. Comment l’expliques tu?

Je pense qu’un film aussi audacieux que Vermines manquait clairement au paysage cinématographique Français. 

Personnellement, je n’ai pas vu beaucoup de film de divertissement, de film de monstre comme ça en France. 

Sébastien a voulu faire un film de divertissement pour un large public, un film qui parle de la xénophobie, de la peur de l’autre, du délit de faciès de façon métaphorique mais surtout, il voulait avant tout faire un film qui lui aurait lui même donné envie d’aller au cinéma. Une place de cinéma reste un coût et le public en a pour son argent, il ne faut pas l’oublier !

Selon moi, la générosité qu’a mis Sébastien dans son premier film est gage de qualité.

Dans un entretien au Mouv’ tu expliques que plus jeune tu ne te voyais pas représentée au cinéma ou à la télé, notamment en France. Aux USA on a pu en voir plus mais souvent dans des rôles stéréotypés. C’est aussi ce que dénonce Aissa Maiga dans son livre Noire n’est pas mon métier. Quel est ton regard là dessus? As-tu l’impression que ça bouge un peu?

Effectivement, plus jeune je ne me sentais pas représentée et ça a été parfois très difficile. 

Certains artistes dénoncent ces discriminations et stéréotypes en se battant pour que cela change, c’est effectivement le cas d’Aissa Maiga, de Nadège Beausson-Diagne, de Maïmouna Gueye, d’Assa Sylla, de Karidja Touré et j’en passe… 

Donc bien évidement que les choses bougent depuis un moment, mais je pense qu’il y a encore du boulot.

Je trouve que le cinéma doit être un représentant de notre époque. Il est donc important et primordial pour moi de ne pas dire « oui » à tous les rôles qui me sont proposés. 

Il faut être attentif et savoir ce que l’on souhaite défendre à travers notre carrière artistique.

Le cinéma de genre a toujours été un moyen détourné, moins frontal d’aborder des problèmes de société. C’est aussi ce que fait Vermines. C’est quelque chose dont vous avez discuté avec le réalisateur Sebastien Vanicek?

Effectivement, Sébastien nous avait parlé de sa vision artistique et de son souhait d’aborder certains problèmes de société de façon légère.

Il est vrai que films de genre, notamment les films de monstre, parlent pour la plupart de la xénophobie. Vermines traite évidement ce sujet mais pas que, il y a aussi plein de propos sous-jacent, comme par exemple la cause animale dont Sébastien est très sensible, ou encore le manque de communication omniprésent entre Kaleb et sa soeur, entre ses amis, entre les habitants de l’immeuble et la police etc.. 

Il y a énormément de choses à décrypter.

Des acteurs/actrices/réalisateur-rices avec lesquels tu voudrais tourner en France?

J’aimerais beaucoup travailler avec Jimmy Laporal Tresor. Ces dernières réalisations (Soldat Noir, Les Rascals) m’ont marquée, j’aime sa direction artistiques, les sujets qu’il aborde, je trouve ça fin et précis. 

Tes prochains projets ?

Actuellement j’ai des projets de doublage qui sont disponible, My Lady Jane sur prime vidéo où je double un personnage récurant et Le Flic de Beverly Hills 4 dispo sur Netflix où je double un des personnages principaux. Sinon en ce moment je prends du temps pour écrire.

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Bravo pour le film qui est une vraie réussite, notamment sur le sujet de l’adolescence et de la difficulté à comprendre les autres. En quoi le mythe du vampire est selon toi pertinent pour parler de l’adolescence?

La figure du vampire est intéressante pour aborder plein de sujets. Ils peuvent être profondément humains et surtout ancrés dans l’époque actuelle, avec un décalage évidemment. J’adore créer des personnages d’adolescents car ils vivent tout, plus intensément. Et ce qui est intéressant dans le mariage du vampire et de l’ado, c’est que le vampire on le voit comme une figure dangereuse avec l’aspect sexuel, sensuel. Je trouvais ça amusant d’imaginer un vampire mal dans sa peau, comme on peut l’être ado, parler des premières fois…
J’avais jamais vu un vampire maladroit. J’ai aussi fait le parallèle entre la mort et la sexualité (la morsure qui symbolise une 1ère fois), mais d’une autre façon je pense. C’est plus dans le malaise et dans le mal être. Je voulais une vampire qui se cherche. Sasha est une adolescente normale, mais avec le fardeau de devoir tuer. Elle fait cohabiter son coté humaniste et le fait d’être obligée de tuer pour survivre. Ces deux parts d’elle-même permettent des situations riches en conflit et en situation absurdes et cocasses.

Sasha (l’héroïne) est évidemment très humaine au regard de sa problématique, mais les autres personnages vampires sont aussi très humains. La mère souhaite rendre sa fille autonome. On sent le père plus à l’écoute de Sasha, et on suppose que c’est parce qu’il n’aime pas forcément la chasse…

Oui. J’avais envie qu’on puisse s’identifier aux personnages de la famille. Les mêmes obligations sociales sont aussi présentes chez les vampires. Par exemple : la charge mentale sur la femme qui doit chasser. Ce qui dérange Sasha, c’est la violence à laquelle elle est contrainte. Ma vie vaut-elle plus que les gens que je dois tuer, qui ne sont pas consentants à mourir ?
C’était intéressant d’aborder le consentement à travers ça. C’est une forme de sortie de voir Paul : si quelqu’un est prêt à mourir, ça sera ma solution. CMais ça se complique, car elle veut s’assurer que Paul est bien sûr de son choix malgré tout. Mais Paul, qui se sentait seul et incompris, se sent moins seul donc ça rabat les cartes. J’aimais l’idée de deux êtres qui se trouvent, sans que ça soit un couple classique. Je me dis que c’est rare de voir des grands films sur l’amitié, notamment l’amitié amoureuse. J’ai plein d’amis dont je suis tombée en amoureuse en amitié !

On peut faire un parallèle entre la problématique de Sasha qui se questionne sur sa légitimité à tuer un autre être vivant pour se nourrir, et le fait que nous humains, tuons des animaux pour se nourrir. Était-ce un sous texte conscient ?

Oui. C’était là en sous texte, mais ce n’était pas quelque chose qu’on voulait trop nommer. On voyait Sasha comme une végane vampire mais, qui doit se nourrir quand même de sang. Donc, on a trouvé la solution avec l’aide médicale à mourir qui arrive à la fin d’un cycle. Cela permet de faire œuvre utile en permettant à ces vampires de survivre. C’est la solution éthique qu’on a trouvée. Mais oui, les animaux ne sont pas consentants, même s’il y a des endroits où ils sont traités de manière plus éthique.

Paul, qui avait des pensées suicidaires devient finalement immortel. Je me suis dit que, la solution serait finalement de réussir à trouver une personne dans sa vie qui, nous permet de nous sentir en sécurité ?

Il a trouvé un sentiment d’appartenance, alors qu’il ne connait que l’environnement du lycée et du petit boulot, qui sont une jungle. On a travaillé le personnage de Paul comme une personne neuro divergente. Ce sont des personnes qui ne comprennent pas la manière de fonctionner des autres, qui sont dans une logique analytique en termes de réflexes et d’attitudes, pas forcément compréhensibles pour les autres. Il se sent complètement seul. Son envie de mourir n’est pas forcément reliée au fait qu’il est harcelé. C’est plus qu’il n’a aucune attache dans le monde, donc il se dit qu’il allait trouver un sens à sa mort en donnant sa vie à Sasha.
Le sujet du suicide est complexe. On ne voulait pas le réduire à  » il suffit de se trouver un ami « . L’idée d’aborder le suicide était d’ouvrir un dialogue sans apporter de solutions.

Avec la scénariste, comment avez-vous travaillé l’écriture de la question du suicide, très touchy ?

C’était assez instinctif. On a essayé de ne pas trop intellectualiser le sujet car, après, ça peut enlever un élan au film. On voulait que Paul soit décomplexé à la mort, et que ça chamboule Sasha, qui était persuadée que les humains ne veulent pas mourir. D’après Paul, les humains ont peur de souffrir et d’être seuls.
L’idée était de parler plutôt de la vie que de la mort. Mais on a quand même fait lire le scénario à des organismes de prévention contre le suicide, pour voir s’il y avait des angles morts qu’on n’avait pas vu, et si on lançait un message. Il y avait quelque chose qui n’allait pas à l’encontre de ce qu’on voulait dire. Les retours ont été hyper positifs. Ça reste un film super lumineux et tendre. Beaucoup de familles vont voir le film et je me fais beaucoup remercier par des jeunes qui sont passés par là. Ils sont contents de voir un film qui parle de suicide, sans le côté moralisateur. Il ouvre un dialogue sans vouloir apporter de réponses. Ne pas parler d’un sujet tabou, cela fait plus mal. L’envie de mourir est souvent un état passager. C’est une solution radicale à un état de passage, surtout à l’adolescence. C’est une solution radicale à un état de passage; surtout à l’adolescence.

Le cinéma de genre représente très souvent l’adolescence et notamment des adolescentes (en raison de la transformation du corps, le sang etc.). Quels personnages d’adolescents t’ont marqué dans le cinéma de genre ?

J’avais adoré Grave de Julia Ducournau, avec ce personnage d’adolescente qui se découvre dans cette école. Il y avait vraiment quelque chose de viscéral.
Après, mes films de référénce n’était pas forcément dans le cinéma de genre. J’avais des inspirations de film coming of age, Juno ou Little miss sunshine. J’aime les personnages qui ne rentrent pas dans le moule et qui sont plein de contradictions.
Dans les films de vampire, il y a A girl walks home at night (dont la scène avec la musique est un hommage). Sinon, il y a Under the skin où, j’ai été bouleversée par ce personnage qui commence à ressentir des émotions, et qui continue à chercher à ressentir ces émotions. On comprend tout, sans presque aucun dialogue (il y a aussi une scène hommage, quand Sasha essaye de manger une poutine vs Scarlett qui mange un gâteau).
Only lovers left alive également, car j’adore la mélancolie du film, avec cette jeunesse qui se cherche en banlieue. Le look des vampire est hyper pertinent. Ce n’est pas une figure typique de vampire mais ils ont quand même l’air étrange et décalés. J’aime aussi beaucoup les décors de ce film.

En parlant de décor, c’est un point que j’ai adoré dans le film. Entre la maison des parents qui a des airs de châteaux gothiques comme une antre, mais aussi le loft de la cousine, qui est aussi une antre mais, d’une autre manière. Était-ce pour signifier la cassure, le changement de vie imposé à Sasha ?

Effectivement, chez les parents, il s’agit d’un cocon de vampire, très chargé. Le temps a passé et il y a des reliques. Mais ça reste une maison très chaleureuse, du moins en tant que vampire !
Chez la cousine, avec la cuisine et les crochets, c’est plus industriel, froid. C’est fait pour tuer. Et ça met évidemment Sasha dans un inconfort, et une autre posture.
Il y a aussi quelque chose de plus bohème.

Ton directeur photo a travaillé sur tes courts et ton 1er long donc. Peux-tu parler des couleurs ?

On a ressorti des palettes de films de vampire car, on voulait puiser dans les codes et l’imaginaire. Le rouge, vert et ocre, marquent nettement les vampires. Dans le monde des humains, on essayait d’éviter ces couleurs et d’aller vers les bleus. On gardait des couleurs plus chaudes et sanguines pour le monde des vampires.

Les deux acteurs sont incroyables individuellement. Mais il y a aussi une alchimie évidente. Comment s’est passé le casting et le travail avec Sara Montpetit et Félix Antoine Bénard?

Je connaissais Sara de Falcon Lake et de Maria Chapdelaine et je trouve qu’elle a quelque chose de très singulier et mystérieux. Elle pourrait avoir une vieille âme. Mais je l’ai quand même passée en audition avec d’autres filles car, je voulais évidemment voir si le feeling passait, et voir si elle était drôle. Elle n’avait jamais joué de comédie et j’ai découvert un sens de l’humour très surprenant, précis, dans les détails, qui se fondait totalement à mon univers.
Félix Antoine est arrivé à une proposition où il le voyait neuro divergeant (alors qu’on n’avait jamais communiqué dessus).
Je les ai donc rappelé ensemble. On aurait dit deux petits animaux étranges, et c’était hyper touchant. Mignon mais malaisant. Donc, pour moi, aucun autre choix n’était possible. Ils m’ont dit, après coup, qu’en audition, ils n ‘avaient pas du tout trouvé que ça fonctionnait entre eux !
En amont ,on a énormément travaillé ; des journées entières. Il y a avait un vrai timing à avoir, avec des ruptures de tons. Ça a été hyper facile de travailler avec eux. C’étaient des jeunes acteurs très investis, qui osent poser des questions. Ils aiment beaucoup leurs personnages.
Après, sur le tournage, on avait peu de temps. Sur certaines scènes de dialogues, si on n’avait pas autant travaillé en amont. On aurait pu se planter sur des scènes.

Pourquoi avoir ajouté une touche de comédie ?

Par l’humour, les spectateurs sont plus relax, ouverts, à ce qu’on aborde sur des sujets qui peuvent être difficiles. L’humour peut désamorcer beaucoup de choses.
Je venais aussi d’écrire un long métrage très lourd émotionnellement, très dramatique. Mais je me suis dit que ce film ne me ressemble plus, et je savais plus trop pourquoi je l’avais écrit. Du coup, j’avais envie de m’amuser. J’ai donc appelé une amie qui a un univers plus drôle que le mien, et on a mélangé nos univers. On a écrit le film pendant le covid sur zoom et on a adoré joué nos personnages.
On voulait faire un film lumineux sur la mort.
Les films qui me touchent le plus sont ceux qui me font passer du rire aux larmes aussi.

Les parents sont bien caractérisés alors que souvent dans les films d’horreur ils sont caricaturaux. Comment les as tu travaillé?

Je déteste les bons et les méchants. Chaque personnage du film a été travaillé en nuance. On voulait un père cool, possiblement pas un grand chasseur et une mère prise entre la doyenne de la famille ultra conservatrice et son mari. Mais les deux ont de bonnes intentions.
J’ai beaucoup travaillé le langage corporel avec eux. Ils ne bougent jamais en parlant. Ce n’est pas très apparent, mais le fait de découper comme ça, ça amène un décalage. Ils bougent aussi souvent en même temps.
Pour la cousine, pour moi elle voit à travers l’âme des gens, elle veut juste que sa cousine sorte de son mutisme et se déploie comme vampire. Ils sont tous bien intentionnés.
Mais les personnages plus caricaturaux comme le prof de gym très colérique, on apportait une nuance en se disant que sa façon d’essayer de gérer sa colère était de tricoter des pantoufles. Cela apportait une touche de décalage.
Les acteurs ont un capital de sympathie et très forts dans l’humour pince sans rire.

C’est ton 1er long. Souvent c’est une expérience épuisante. Comment tu as vécu l’expérience? Qu’est ce que tu referais ou pas?

C’est sûr que c’est épuisant. Déjà on avait 47 lieux et ca se passe de nuit, donc beaucoup d’extérieur. Ce sont des conditions difficiles. Quand on a commencé le tournage on avait que 7 lieux sur 47 donc c’est un boulet qu’on s’est transporté tout du long.
Il faudrait que cette partie là soit plus cadrée la prochaine fois car c’est énergivore. On travaillait tous les jours ou presque.
Je me suis hyper bien entourée, j’avais confiance en mon équipe, et je sentais qu’ils avaient confiance en moi. Du coup c’était assez facile de prendre des décisions.

Par contre, j’ai commencé le film complètement à plat, et ça j’essaierai de faire différemment. Comme on a eu le financement très rapide du coup on a dû se mettre au travail rapidement et je n’ai pas assez fait attention à moi (pas assez dormi, mangé correctement…). A chaque soirée de tournage, je regardais les rushs de la veille (ndlr: ce qui a été tourné), et j’étais tellement contente de ce qu’on était en train de faire. Mon monteur, Stéphane a un humour qui ressemble au mien, et a plus d’expériences que moi donc son avis est très précieux pour moi. Il me faisait constamment des retours ce qui me permettait d’ajuster, donc je voyais que le film allait fonctionner.

Les film a été financé rapidement, je ne sais pas la situation du cinéma de genre au Québec, mais en France ça reste complexe même si ça s’améliore. Quel est ton regard là dessus?

C’est un peu la même situation au Québec, mais comme en France, j’ai l’impression que les lignes bougent. La palme d’or de Julia Ducournau a ouvert sans doute la voie. Parfois le cinéma de genre peut avoir des personnages moins bien développés et du coup on peut avoir des préjugés là dessus.
Je trouve ça encourageant ce qui se passe, et les réalisatrices/réalisateurs s’intéressent plus à ce cinéma là. Je ne pourrais pas expliquer pourquoi le film a été financé facilement, mais je crois que les gens ont adoré les personnages qui ont quelque chose de très tendre. Les gens qui le lisaient voulaient voir le film en fait !

L’article [Entretien] Ariane Louis Seize, réalisatrice de Vampire humaniste cherche suicidaire consentant est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

La mort vous va si bien (1992) USA

La mort vous va si bien (Death Becomes Her) est un conte classique qui expose la rivalité de deux femmes qui vont commettre l’irréparable dans leur quête de jeunesse et beauté éternelle.

Cette comédie horrifique fantastique réalisée par Robert Zemeckis, le papa de Retour vers le future, Forest Gump et Roger rabbit, sent bon l’originalité des 90’s, les effets spéciaux pratiques et on peut y voir Bruce Willis avec des cheveux.

A fantastic fear of everything (2014) UK

A Fantastic Fear of Everything est une comédie d’horreur ‘noire’ Britannique. Simon Pegg y campe un écrivain pour enfants complètement névrosé qui a peur de tout. Obsédé par le désir d’écrire un roman sur un serial killer, il se retrouve malgré lui embarqué dans une histoire de meurtre au Lavomatic. 

Simon Pegg en slip qui rase les murs à la poursuite d’un serial killer est certainement le film qui manquait à votre vie.

Housebound (2014) Nouvelle Zélande

Housebound est une comédie d’épouvante Néo Zélandaise qui joue avec les notions de family horror. Une jeune femme au passé criminel est assignée à résidence… chez sa mère, qu’elle ne supporte pas. Quoi de plus horrible me direz vous ? Et bien d’après sa mère, la maison est hantée !

Le film bascule très facilement du film d’horreur à la comédie loufoque, et il est porté par une des meilleures final girls des derniers temps.

What we do in the shadows (2014) Nouvelle Zélande

Plus un mockumentaire que film d’horreur, il explore la vie de vampires en collocation à Wellington, capitale très ensoleillée de la Nouvelle Zélande. What we do in the shadows est pour moi LA MEILLEUR COMEDIE HORRIFIQUE DU MONDE ENTIER. 

On y retrouve l’humour décalé de Jemaine Clement (Flight of the Conchords, Gentlemen Broncos, Eagle vs Shark) et Taika waititi (Thor Ragnarock, Hunt for the Wilder people). 

Deathgasm (2015) Nouvelle Zélande

Deathgasm est une comédie d’horreur métal réalisée par Jason Lei, à qui on doit aussi Guns Akimbo. Deux jeunes métalleux doivent lutter contre les forces du mal après avoir volé une partition satanique, qui quand elle est jouée provoque l’apocalypse. 

C’est fun et léger est beaucoup plus respectueux que la comédie ratée de Julien Doré sur le métal.

Cooties (2015) USA

Dans la comédie horrifique Cooties Elijah Wood et Rain Wilson (The Office) vont devoir faire équipe après s’être fait attaquer par des enfants….zombies. Un virus contenu dans des nuggets de cantine ont transformé en zombies les enfants qui n’ont pas encore fait leur puberté. 

C’est fun quand on aime voir des enfants se faire défoncer à coup de plateaux de cantine par leur prof de sport.

Satanic panic (2019) USA

Satanic Panic est une comédie d’action légère. Dans ce film une livreuse de pizza payée au salaire minimum est capturée par une secte qui veut se servir de sa virginité pour invoquer Baphomet. 

Cette comédie horrifique touche du doigt comment les riches utilisent les classes pauvres pour rester riches, tout en restant léger.

Come to daddy (2019) USA

Dans Come to daddy, Elijah Wood campe un DJ vaniteux qui décide de renouer contact avec son père biologique, qu’il n’a pas vu depuis des décennies. La rencontre avec le vielle homme antipathique ne se passe pas comme prévu et on est embarqué dans une comédie horrifique qui soulève plus de questions qu’elle n’en répond. 

Le film part un peu en ventre mou après que le mystère soit exposé, mais le postulat de départ sur la dynamique parent-enfant est intéressante.

Get ducked (2020) UK

Dans la comédie d’horreur britannique Get duked, 3 jeunes de cité sans aucun talent de survie et un nerd, sont envoyés en randonnée dans les Highlands en guise de travaux d’internet généraux. Livrés a eux mêmes, ils sont pourchassés par des mystérieux chasseurs habillés comme la royauté.

Get duked est un joli commentaire social illustrant comment la classe ouvrière est sacrifiée par la monarchie.

Bad hair (2020) USA

Dans les années 80 une jeune femme noire qui travaille dans l’ombre des plateaux télé finit par céder aux injonctions de beauté des blancs et se fait poser des extensions de cheveux lissés. Elle va rapidement découvrir le prix à payer pour son succès.

La comédie horrifique Bad hair s’en prend aux injonctions esthétiques qui pèsent sur les cheveux crépus, dénonce le racisme systémique et la mise en compétition des femmes dans les années 80.

All my friends hate me (2021) UK

Pete est invité à fêter son anniversaire, avec ses amis de la fac, dans le château de son meilleur ami. Les événements qui vont s’enchaîner sur le weekend vont le mettre sur la défensive. Est il paranoïaque ou est-ce que ses amis ne l’aiment pas ?

All My Friends Hate Me est une comédie typiquement britannique qui parle d’angoisses sociales. Le film joue sur l’horreur psychologique de l’anxiété avec humour.

Bodies bodies bodies (2022) USA

Bodies Bodies Bodies est un slasher américain qui voit une bande d’amis riches et désabusés se réunir pour faire la teuf dans un manoir un weekend de tempête. Entre les rivalités, la drogue et un jeu de loup garou qui tourne mal, le weekend va virer au cauchemar. 

Cette comédie horrifique reprend les codes du slasher classique avec un twist pour illustrer le narcissisme de la Gen Z.

Let the wrong one in (2022) Ireland

Let the Wrong One In est une comédie d’horreur indépendante Irlandaise. Malgré son petit budget ce film parodique de vampire est très sympa. Les effets visuels sont réussis et Anthony Stewart Head (Gilles dans Buffy) prend son rôle de chasseur de vampires très au sérieux. 

Deadstream (2023) USA

Un Youtubeur qui s’est fait cancel décide de passer une nuit dans le manoir le plus hanté des usa pour relancer sa chaîne. Cette comédie d’horreur est astucieuse dans la mise en scène car on ne voit que ce qui se passerait lors d’un vrai stream, par la face-cam du streamer et les cameras disséminées dans la maison. L’atmosphère est très immersive du coup et comme le personnage est détestable on se délecte de ce qui lui arrive.  

Sorry about the demon (2023) USA

Sorry About the Demon est une comédie horrifique à petit budget produite par Shudder. Le film nous raconte l’histoire d’un jeune homme nouvellement célibataire, qui se voit louer un manoir par une « gentille famille ». Évidemment le manoir est hantée et il doit apprendre a vivre en collocation avec les démons. 

L’humour en décalage avec l’horreur en fait une comédie légère avec quand mes des effets visuels de qualité.

Totally killer (2023) USA

Une jeune fille de 16 ans voyage dans le temps jusqu’en 1987, où elle fait équipe avec sa mère jeune, pour attraper le tueur «sweet 16» qui avait tué des jeunes filles de la génération précédente. 

Totally Killer est un slasher très fun qui revient sur les aspects problématiques des teenage movies (comédies pour les ados) des années 80.

The blackening (2023) USA

The Blackening est une comédie satirique inspiré des slashers classiques. Le film, qui se déroule le 16 juin, date de la libération des esclaves afro américains, nous présente un groupe d’amis noirs ciblés par un tueur masqué alors qu’ils séjournaient dans une cabane dans les bois.

La baseline du film est tout aussi ironique «We can’t all die first» faisant un pied de nez au trope du personnage noir qui meurt en premier dans les films d’horreur. 

L’article [Zoom] Les meilleures comédies d’horreur est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Réalisé par Rachel Talalay (Tank Girl, Dr WHo) et scénariste par Michael Almereyda (Twister) le dernier opus de la saga Freddy, Nightmare on Elm Street : Freddy’s dead : the final nightmare (1990) est un film mal aimé.

Freddy 6 certes plein de défauts, mais …

Bien que le film ait bénéficié de peu de budget et que les effets spéciaux ont super mal vieilli, il faut se rappeler le contexte : dans les années 90 pour des raisons de coûts et de temps, on commence à développer les effets spéciaux numériques.
Donc on fait moins appel à des studios annexes spécialisés en effets spéciaux et stop motion, ce qui peut expliquer que les effets visuels manquent de substance et de cohésion.

Il faut aussi rappeler que les studios voulaient sortir un film en 3D, ils ont donc sacrifié les effets spéciaux réels, qui auraient pu être cool avec plus de moyens et d’amour. 

Alors oui, la scène du jeu video était pourrie (je n’ai pas d’autres mots). Ca pue le coup de publicité pour accompagner la sortie d’une console…La scène sort complètement du film et n’a aucun intérêt scénaristique ou horrifique. 

On a aussi reproché à l’équipe d’avoir fait un Freddy trop cartoonesque, mais c’était déjà le cas dans les autres suites, et c’est quelque chose d’ancré dans la saga. Les fans apprécient car cela donne un côté humoristique au film d’horreur.

Malgré cela, le film est pour moi la (seconde) meilleure suite (après Freddy 3 Dream Warriors), car Freddy’s Dead aborde plus ou moins frontalement des sujets cohérents dans l’univers Freddy : 

• les abus parentaux : on se rappelle que dans plusieurs films il y a des parents alcooliques et démissionnaires
• le poids des secrets familiaux : les enfants sont poursuivis par Freddy à cause des actions de leurs parents
• et la prédation sexuelle : les actions commises par Freddy  

Dans Freddy 6 l’horreur peut paraitre moins ostentatoire et moins gore pour certains, car elle est plus sous-jacente et appuie sur les traumas et la psychologie. 

Je pense que c’était la volonté de la réalisatrice de faire un film plus sérieux que le précédent mais que peut être, il ne lui a pas été possible d’aborder frontalement certains sujets…Ce qui expliquait aussi la surenchère de gags cartoonesques pour compenser ? 

Des représentations de minorités qui dénoncent des abus parentaux

En terme de représentations, le film essaie d’aller plus loin que dans les précédents volets. 

Il y a un personnage très intéressant le développement narratif qui est mal entendant. Ca m’a semblé assez rare de voir des personnages «handicapés» dans les slashers ou même dans les films, qui sont représentés sans devoir servir de prétexte scénaristique.

La scène où il se fait torturer par Freddy est pour moi la pire, car on apprend qu’il est devenu sourd à la suite de violences infligées par ses parents, et Freddy recréé l’agression de sa mère qui lui a crevé les tympans.

Puis dans scène qui va stresser tous les misophones (aversion intense et irrationnelle envers des sons ou bruits spécifiques), Freddy agrandit un tableau noir en hauteur et en largeur pour avoir plus de surface à griffer, créant ainsi des bruits hyper stridents pour torture le pauvre garçon (et nous) qui voit le bruit décuplé à cause de son appareil auditif. 

Il y a également une jeune fille très branchée self défense et boxe. On apprend qu’elle était abusée sexuellement par son père. Et qu’elle soigne son trauma par le sport et travaille à reprendre contrôle sur son propre corps. Sa scène de confrontation avec Freddy est également très horrible puisque dans un rêve son père revient pour l’agresser sexuellement.

Un autre personnage semble avoir une vie un peu moins torturée, mais son problème c’est d’avoir un père abusif verbalement. D’ailleurs ce personnage dit  «I don’t want to play football and date rapine co-heads» : le film dénonce par là la masculinité toxique et les «date rape» en plus d’insinuer que c’est ce que son père a fait… 

La perversion camouflée de monsieur tout le monde 

Pour moi, les suites du premier volet assumaient de moins en moins le coté pervers, pédophile, violeur de Freddy, probablement car devant le succès de la saga et la sympathie que les gens avaient pour Freddy cela posait des problèmes moraux aux studios. Freddy 5 The dream child avait du mal a dire clairement que le fils de Nancy était issu du viol onirique de Freddy. 

Dans Freddy’s Dead, Rachel Talalay fait le choix de remettre le monstre au centre de l’intrigue : le scénario dit clairement que Freddy avait une fille et une femme. Pour moi cela le rend encore plus effrayant car il passe de monstre cartoonesque à un mal ancré dans le réel. Dans la vie, les prédateurs sexuels ont aussi des familles, qu’ils utilisent pour se cacher, passer pour des gens normaux intégrés dans la communauté. Je trouve ça terrifiant car là on parle de choses réelles, de monstres de la vraie vie et du coup des victimes.

Les scènes où Freddy tends ses mains vers sa petite fille en disant «come to daddy», suggérant l’inceste, ca fait froid dans le dos.

Le film dit aussi clairement «everywhere there’s an Elm Street» signifiant que partout il y a des pervers cachés derrière l’image de la famille traditionnelle et que la pédophilie est plus répandue qu’on ne le pense.

Krueger finit par tabasser à mains nues sa femme qui a trouvé la cave du meurtre. Pour moi ce qu’implique cette découverte est problématique… C’était la cave de la maison familiale et pendant des années la femme ne s’est doutée de rien ? Je comprends qu’elle était probablement sous emprise comme beaucoup femmes dans ce cas là, mais n’y a t’il pas aussi un peu de déni ou en tout cas la volonté de ne pas se poser de questions ? Mesdames, si votre mari vous interdit une pièce de la maison ce n’est pas bon signe ! 

Le fait que Freddy ait une faille, parait comme une humanisation du personnage pour certaines personnes mais je trouve que le but n’est pas de l’adoucir, au contraire ça renforce le coté réaliste et monstrueux de ce pervers. Et nous rappelle les horreurs qu’il a fait avant de devenir un monstre de rêves. En plus de dénoncer des choses qui arrivent en vrai, et trop souvent.

La revanche des victimes d’abus sexuels

J’ai trouvé que c’était un bon choix de laisser à sa propre fille l’opportunité de tuer Freddy. Pour moi la métaphore est plus puissante que s’il avait été tué par une random final girl. Car la fille de Freddy porte en elle le poids du trauma familial, qu’elle avait déversé dans son travail: aider les jeunes en détresse et ayant subi des abus. Il y a une catharsis derrière ce choix. 

De plus, la manière dont elle tue Freddy est interessante : 

• Elle utilise d’abord les armes confisquées aux gamins traumatisés, donc c’est un peu comme si elle leur permettait de se venger avec elle. 
• Puis elle lui ouvre le bide avec les gants-griffes qu’il avait utilisé pour torturer et violer des enfants, encore une fois la symbolique est forte. 
• Puis elle l’achève en lui plantant une bombe de forme phallique dans le bide, on pourrait y voir une certaine ironie là encore.

Alors oui, Freddy’s Dead est un film sans le sous, sans passion des studios, qui n’est pas bien dans la forme. Mais il est hyper intéressant dans le fond et aurait pu bénéficier d’être plus abouti pour exprimer plus clairement son message. 

L’article Pourquoi Freddy 6 n’est pas si nul que ça est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Même si on ne peut pas considérer Blonde et Spencer comme des films de genre, force est de constater qu’ils en empruntent les codes afin de rendre plus palpables les détresses de ses héroïnes.
Cela montre que le cinéma de genre permet de matérialiser des peurs et des souffrances, ou des moments de vie épiques.

Spencer et Blonde: des points communs dans la différence

Le débat revient régulièrement sur la fétichisation perpétuée par le cinéma de stars (surtout féminines), dans la souffrance. Mon point de vue sur la question est relativement simple.
Dans la mesure où ces personnes ont eu et ont toujours une grande influence sur le public, il est tout à fait logique et cohérent que d’autres créateur-rices s’emparent de ces histoires. Selon moi, le problème n’est pas de faire des films sur des personnes qui ont marqué le monde, mais plutôt quel regard est porté sur ces personnages. Filmer la souffrance ne doit pas être tabou. En revanche, s’interroger sur la manière de la filmer, et ce qu’on veut en tirer pour le public, doit être une vraie question.

Si je m’intéresse à ces deux films c’est parce qu’on peut noter de nombreux points communs:

• Les héroïnes sont deux stars glamourisées et sexualisées du temps de leur vivant,
• Ces femmes ont souffert quasiment toute leur vie et passionnent toujours actuellement,
• Les 2 stars sont mortes tragiquement (l’une overdose de médicament et l’autre dans un accident de voiture),
• Elles ont eu des entourages toxiques et violents,
• Les 2 femmes sont mortes à 36 ans,
• Les 2 films reprennent certains codes horrifiques (et apriori j’aime le cinéma horrifique),
• Les 2 films sont réalisés par des hommes. Blonde est réalisé par Andrew Dominik, et Spencer par Pablo Larrain. Le 1er est blanc, l’autre racisé.
• Les 2 films sont sortis quasiment en même temps et sur des plateformes de streaming (Blonde en 2022 sur Netflix et Spencer en 2021 sur Amazon).

Pourtant, selon moi, les 2 réalisateurs portent un regard radicalement différent sur leurs personnages.
Et cela passe déjà par le titre des films.
Blonde est une référence directe à la couleur de cheveux de Marilyn Monroe, que l’on sait fausse. Ce qui renvoie directement à sa superficialité. C’est également le symbole de sa représentation en tant qu’objet sexuel. Alors qu’on sait que Monroe adorait la littérature et était beaucoup plus intelligente qu’elle n’y laissait paraitre.
Spencer est le nom de jeune fille de Diana. Autrement dit, on s’intéresse ici à ce qu’était Diana avant de rencontrer l’enfer, incarné par la famille royale Anglaise, et donc son mariage avec le Prince Charles. On fait ainsi davantage référence à sa personne, qu’à son statut d’icône déshumanisé.

Des affiches déjà parlantes

On peut également s’arrêter sur les affiches.
Pour Blonde on a en gros plan le visage coupé de Marilyn Monroe, avec son oeil et sa bouche formant un air explicite de séduction. L’intention est donc claire: on s’intéresse ici à ce qu’on connait tous de Marilyn Monroe: son force sexuelle.
Dans Spencer, on ne voit pas le visage de Diana. On peut interpréter cela comme une déshumanisation, ce qui est en partie vrai, car c’est clairement ce qui est arrivé à Diana. Mais ici, Diana se cache de nous, spectateur, public, entourage, paparazzi. Elle veut retrouver son identité.
Sa magnifique robe blanche et brillante et le fond noir créent une grande élégance, mais inquiétante. La robe occupe d’ailleurs la moitié de l’affiche, témoignant de la place étouffante et mortifère de la famille Royale dans la vie de Diana. Donc ici, il s’agit davantage de s’intéresser à ce Diana cachait, contenait, le tout dans une grande détresse.
Dans les 2 cas, les affiches sont percutantes.

Les biopics sont-ils utiles?

Avant de rentrer davantage dans le détail des films, il me semble important de revenir sur le sujet des faits « fictionnés » ou inventés dans les biopics.
A titre personnel, cela ne me pose aucun problème que les scénaristes et réalisateur-rices prennent des libertés sur la vie « réelle » des personnalités.
Déjà parce qu’il est relativement impossible d’être fidèle à la réalité. Chacun-e peut avoir sa vision sur ces stars ou artistes, il est également compliqué de faire confiance à leur entourage. Tout simplement parce qu’on peut douter de leur fiabilité, de leurs souvenirs, voire même de leur subjectivité (quelqu’un de proche ne voudra pas forcément voir des faces sombres par exemple).
Ensuite, parce que même face à une « vérité universelle », on a forcément un regard, un avis qui diverge individuellement, sur un.e artiste. Donc ça peut être au contraire très enrichissant de confronter des opinions, en déplaise à la famille, pour qui c’est toujours évidemment complexe à aborder.
Bref, encore une fois, l’idée est de livrer une vision, un regard. Pas de mettre en image une page wikipedia.

Pour en revenir aux 2 films qui nous intéressent, le 1er élément différent que l’on note, est la structure narrative.
Spencer se concentre sur quelques jours pendant la période de Noël, juste avant la séparation officielle de Lady Di et du Prince Charles. La structure est relativement classique: exposition (personnages, contexte), élément perturbateur ou déclencheur avec ce que cela entraîne comme crise (la descente aux enfers de Lady Di) et résolution finale (elle se rebelle et s’enfuit avec ses enfants).
Blonde, lui est une sorte de patchwork de la vie de Monroe, mélangé à une structure narrative classique. On démarre le film avec une petite partie de son enfance (traumatique), puis on enchaîne avec ses débuts d’actrice, pour passer un long moment sur une période de trouple, pour ensuite évoquer ses mariages et/ou liaisons entrecoupé de tournages, et finir par sa mort. Ces étapes de vie se succèdent sans faire de liens, convoquant l’idée d’une richesse de vie déstructurée, et donc globalement triste.

Des structures narratives qui démarquent

Le format de Spencer permet plus facilement de pénétrer dans l’intimité et les pensées de Lady Di. De plus, se concentrer sur une période courte, permet de capter un moment de vie précis, et donc de cerner une partie du personnage.
Par ailleurs, le réalisateur Pablo Larrain, a choisi une période qui n’est pas anodine: la fin du mariage de Diana et du Prince Charles, qui a eu lieu à Noël, dans la demeure de la famille royale. Cela lui permet d’exposer toute la toxicité de cette famille, et de l’impact psychologique que ça a sur Diana.

Il y a déjà eu des biopics sur une vie tout à fait efficace (La môme par exemple, sachant que la vie d’Edith Piaf n’a pas été non plus une partie de plaisir).
Mais dans le cas de Blonde, Andrew Dominik a choisi, soit de ne montrer que des moments de souffrance, soit de montrer toujours plus la superficialité de Monroe.
Et ça démarre fort. Les 1ères minutes d’un film sont cruciales puisqu’on introduit son public dans son histoire.
Ici, pour évoquer l’enfance douloureuse de Monroe, Dominik ne prend pas le temps d’exposer ni sa petite héroïne, ni le contexte difficile de la mère de Monroe. Malmenée par les hommes, et surtout atteinte de maladie mentale. Elle est simplement un stéréotype de la mère aliénée et maltraitante comme on en a vu des milliers déjà au cinéma: « folle », méchante, manipulatrice.
Donc on assiste simplement à la déchéance d’une femme, et du calvaire d’une petite fille. Et c’est tout. Rien sur qui était Marylin Monroe enfant, ce qui l’animait, ce qui la construite. Rien sur ses rêves, ni sa détermination ou comment elle a enclenché son ascension.
Par ailleurs, on sait que Norma Jeane (Marylin Monroe), a subit un viol enfant (probablement par une personne d’une famille d’accueil). Ca aurait pu être un élément intéressant à traiter, qui reflète une violence endurée par Monroe. Mais Dominik préfère se concentrer sur la défaillance d’une mère.

La souffrance filmée dans Spencer et Blonde

Dans l’intro de Spencer, Larrain expose l’environnement militaire dans lequel va baigner Diana. Puis on s’intéresse rapidement à elle. Son côté proche des gens qui a fait sa popularité, quand elle s’arrêter dans un restaurant du coin car elle est perdue. L’attachement à son passé et sa famille qui va faire écho avec le final, quand elle récupère la veste de son père.
Surtout on comprend que tous ces actions ont pour but de retarder son arrivée dans l’antre de la famille royale. Bref, on a simplement un réalisateur qui s’intéresse à son personnage.

Une fois l’intro pliée, Blonde enchaîne direct avec une scène de viol, dont la banalité avec laquelle est elle abordée et filmée fait finalement écho à ce crime régulièrement admis (voire défendu), dans le milieu (et toujours actuellement).
Le problème c’est que le réalisateur se contrefout de l’impact que ça peut avoir sur Monroe par la suite. De son point de vue c’est tellement banal que même si elle souffre sur le moment, cet évènement n’en devient jamais un sujet. Que ça soit d’un point de vue systémique, que personnel.

Du côté de Spencer, on enchaîne avec Diana qui retrouve ses enfants, se plie aux absurdités des tenues, encaisse l’humiliation de son mari qui offre le même collier à elle et sa maîtresse, et participe finalement au dîner.
Lors de ses séquences on est constamment dans la tête du personnage, assistant à sa détresse face à ce piège refermé sur elle depuis des années.
Pour illustrer son malheur, Diana est associée au personnage historique d’Anne Boleyn (épouse d’Henri VIII d’Angleterre), d’abord via un livre qui parle d’elle en tant que martyre (elle a été décapitée), puis via une apparition fantastique lors d’un dîner. Il y a donc une volonté de lier le destin entre 2 femmes prisonnières d’un système patriarcal, notamment anglais. Comme si on nous rappelait que tout cela n’est finalement que répétition, sans beaucoup d’évolution.

Dans Blonde, on alterne globalement entre la vie privée de Marylin Monroe qui n’a cesse de sombrer, et sa capacité à montrer toujours plus de superficialité.
Le seul moment où elle est montrer comme heureuse dans sa vie privée sont les séquences de son « trouple » (évidemment non avéré). Mais là encore on a peine à comprendre ce qui les unit, à part l’amour de leurs plastiques respectives.
On passera sur le « daddy issue » (qui a déjà été largement évoqué ailleurs), qui est rappelé tout le long du film, en toute lourdeur.

Toutes les scènes se référant à la carrière cinématographique de Monroe ne sont que pour la dévaloriser.
On la filme se trouvant grotesque et bête lors des premières de ses films, on rejoue la scène du métro déjà connue de tous-e dans 7 ans de réflexion (qui est certainement la scène la plus intéressante du film réussissant à transmettre l’effet de fascination). Ou on souligne que les metteurs en scènes sont surpris d’apprendre qu’elle sait lire.
Même dans sa vie privée on la montre comme une potiche, alors qu’on sait qu’elle lisait beaucoup par exemple.

On sait que Monroe était très intelligente et qu’elle jouait la poupée sexy par facilité et obligation. Mais pourquoi ne pas l’évoquer? Pourquoi ne pas montrer ses réflexions dans ses choix de carrières, ses réussites? En quoi c’était finalement un système qui la poussait toujours plus à jouer la poupée sexy?
Chacun de ses choix ou démarches sont ancrés dans un point de vue négatif, ce qui peut conduire le spectateur à en tirer la conclusion que Monroe est finalement la principale responsable de son malheur et de sa superficialité.

Spencer n’évoque pas la vie amoureuse de Diana. Charles est pour ainsi dire absent, et les amants n’existent sont rapidement évoqués pour matérialiser la distance entre eux. Ce qui prend place ce sont ses liens avec l’ancienne reine fantôme, son habilleuse (dont Diana sera flattée d’être le sujet de son amour), et ses enfants.
Pour autant, Pablo Larrain n’occulte pas les répercussions que le comportement et les névroses de Diana avaient sur ses enfants. Son instabilité et ses troubles leur faisaient porter un poids douloureux, sachant qu’ils étaient déjà bien brimés par les protocoles eux aussi.

Par ailleurs, la violence subie par Diana passe beaucoup par la mise en scène. On peut prendre l’exemple de la confrontation avec le Prince Charles.
Ils se retrouvent dans une bibliothèque, symbole de savoir et de culture qui écrase Diana en arrière plan. Charles a plus de respiration car il a une grande fenêtre en arrière plan.
La table de billard a une double signification: il s’agit d’un jeu où l’on doit faire preuve de stratégie (et donc jouer un rôle comme rappelle Charles à Diana). Il représente également une séparation (énorme) entre eux.

Plus la scène avance et plus on voit au 1er plan les boules. Il y a la boule noire symbolisant « le Mal » côté Charles et la boule blanche côté Diana (la pureté donc). On remarque également un groupe de boules rouges (sang) formant une flèche en direction de Diana.
L’ensemble de la séquence est ponctuée de coups de feu venant de la chasse (représentant une violence ancrée dans une tradition), qui angoissent Diana (la proie).
La scène se termine avec Charles qui lance la boule noire à Diana, lui demandant de rentrer dans le rang. Boule qu’elle laissera tomber au sol.
Cette scène résume la domination et l’oppression générale sur Diana.

Blonde a le mérite d’évoquer les fausses couches de Marylin Monroe (sujet encore tabou et relativement peu aborder sérieusement au cinéma), mais toujours dans l’idée de montrer toujours plus de souffrance.
Il n’est jamais mentionné son problème d’endométriose (qui mériterait également d’être traité au cinéma). L’explication de cette souffrance, la visibilisation de cette maladie qui touche des millions de femmes, et qui est encore toujours négligée, ne fait pas partie de la vision de Dominik.
On va plutôt la montrer en sang, pleurer, puis elle fera de nouveau sa vie, comme si ne rien n’était ou presque. Sans oublier de ressortir des représentations que les anti avortement adorent: faire parler un embryon. Il utilise ce ressort assez dégueu pour culpabiliser son héroïne. On le voit, on l’entend qui crie son désespoir à cette mère trop superficielle ou incapable d’enfanter.

Des séquences horrifiques utilisées différemment

Si on se concentre sur les parties plus horrifiques des films (toute proportion gardée), leur utilisation est également très différente d’un film à l’autre.
Dans Blonde, ces codes horrifiques sont principalement présents dans la 1ère et dernière partie du film. Cette construction est plutôt intéressante car cela rappelle que la vie de Norma Jeane a commencé comme un cauchemar et se finit comme un film d’angoisse.
Dans la 1ère partie, elle est utilisée pour faire ressentir toute l’horreur qu’une enfant peut ressentir face à une mère violente, et par extension, dans une situation où elle est seule face à un danger. Ainsi, la séquence est un véritable tourbillon cauchemardesque, du point de vue de l’enfant, digne d’une intro d’un film de fantôme ou de malédiction.
Une proposition donc alléchante, mais plombée par la suite pour les raisons évoquées plus haut.

La dernière partie fait davantage écho à un film avec une héroïne enlevée, luttant pour sa survie. On la voit droguée, malmenée, violée (par Kennedy même si ça n’a été révélé nulle part), avortée, perdue, bourrée, bref complètement à la merci des hommes. Ca a au moins le mérite de montrer la domination et la complicité des hommes à tous les niveaux. La dernière image renvoie à l’imaginaire de corps filmé dans des thrillers.
Le tout est filmé avec une alternance couleur/ noir et blanc très mal géré, qui n’apporte rien.
Mais de là, elle devient un objet, un personnage totalement passif jusqu’à la fin. On s’attarde sur sa déchéance. Et comme le reste du film ne la valorise jamais (si ce n’est sa plastique), d’une manière ou d’une autre, cela devient difficile de supporter un personnage tant malmené par son réalisateur.

Dans ce cas, les ressorts horrifiques sont utilisés pour bousculer le spectateur, non pas pour raconter l’histoire de la femme qui a fasciné le plus l’Amérique. Et c’est plutôt dommage quand on s’attèle à un biopic (beaucoup plus que de ne pas forcément refléter la véracité de certains faits).
Dominik a déclaré que le sujet du film était d’évoquer la dualité entre ce qu’on est et de ce qu’on montre (très original, mais il y a plein de manières de traiter ce sujet ceci dit).
Sauf qu’ici il ne montre pas 2 visages, mais seulement celui que tout le monde connaissait déjà, avec une complaisance à regarder la souffrance de Marylin.

Dans Spencer, les codes horrifiques sont présents uniquement dans la dernière partie du film (même si on peut noter quelques apparitions fantastiques de la reine Anne Boleyn).
Cet aboutissement vers l’horreur est le résultat d’une descente aux enfers depuis l’arrivée de Diana au château.
Utilisée comme une poupée à habiller, trompée, infantilisée, ignorée, elle trouve refuge dans son passé, et ses racines familiales. Mais elle constate surtout à quel point elle est devenue seule, que ses souvenirs tombent en miette petit à petit comme cette demeure. Elle est sauvée par Boleyn et reprend le dessus.
On est là dans une séquence rappelant des films de fantômes. Diana est plongé dans les siens, et sera aidée par une semblable.
A partir de là, il n’y aura plus que danses, légèreté, jeu et liberté.

Dans une des séquences finales, la proie (Diana, associé à l’envol des oiseaux), fait face à ses bourreaux de chasseurs, pour extirper ses enfants de là.
Et pourtant la souffrance, c’est aussi le coeur du sujet de Spencer. On voit Diana ignorée, vomir, pleurer. Larrain n’occulte donc pas la maladie, ni le malheur de son héroïne. Mais il ne néglige pas non plus le fait qu’elle soit un sujet, avec une volonté.
Par ailleurs, il met l’accent sur une sororité (Anne Boleyn, son habilleuse amoureuse) qui lui apporteront de la force.

Il y aurai encore certainement beaucoup à dire sur ces 2 films, mais je trouvais ça intéressant de revenir sur 2 films fondamentalement différent sur la forme et le fond, malgré de nombreux points communs.
Cela montre qu’il y a 1000 façons de filmer des héroïnes ayant des vies malheureuses, mais que si on souhaite le réussir, il faut d’abord avoir envie de comprendre son personnage, ce qui n’est le cas de Blonde.

Blonde est disponible sur Neflix, et Spencer sur Amazon.

L’article [Analyse croisée] Blonde et Spencer, glam horror est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

People under the stairs est une comédie horrifique sortie en 1991 et réalisée par Wes Craven, à qui l’on doit la saga Scream, Freddy les griffes de la nuit, la Coline à des yeux, L’emprise des ténèbres et Swamp thing.

Dans People under the stairs, le personnage principal est un enfant afro-américain qui se retrouve piégé dans une énorme maison qu’il est venu cambrioler. Le film a un petit côté Goonies et personnellement je le vois comme le Maman j’ai raté l’avion de l’horreur. 

Un film politique 

Wes Craven à obtenu une licence de littérature anglaise et une licence de psychologie bien avant de travailler dans le cinéma, et il nous offre un regard critique sur le sujet des discriminations au logement et du racisme systémique. People under the stairs aborde les problématiques de gentrification qui touchent les communautés racisées et pauvres des Etats-unis. Il est sorti 1 an avant Candyman qui aborde un peu les mêmes problématiques. Son film soulève des sujets toujours d’actualité…

Dans les années 30 la ségrégation fait rage aux Etats-Unis, les blancs étant plus riches et ayant plus de facilité à obtenir des prêts, peuvent se permettre d’habiter dans de meilleurs quartiers, dans de jolies maisons avec jardins, accéder à de bonnes écoles, être mieux desservis en commerces et transports. Ils ont formé des «racial covenants» (inscrit légalement dans la constitution) interdisant aux personnes de couleur d’habiter dans leurs quartiers. Si des afro-américains aménageaient près d’eux, le prix des maisons allait baisser et les familles de blancs ne pourraient pas revendre au « bon prix », leur permettant de continuer à gravir l’échelle sociale.

La série Them qui se déroule dans les année 50 explore aussi ce sujet en présentant une famille afro-américaine qui aménage dans une résidence pavillonnaire exclusivement habitée par des blancs. 

Le problème avec ces cartographies c’est qu’elles permettent encore de nos jours de perpétuer la discrimination au logement. En 2019 Facebook a été accusé de faciliter la discrimination, en permettant aux annonceurs de cibler ou d’exclure des publics spécifiques des campagnes (par ethnies, par zones géographiques). Et bien que depuis, Facebook a supprimé cette possibilité, il a été constaté que les annonceurs pouvaient toujours discriminer en fonction d’intérêts tels que les réseaux de télévision de langue espagnole et des plages de codes postaux, comme précisé dans l’article de journal The Guardian

Comme la vaste majorité des afro-américaines n’ont pas d’autre choix que d’habiter dans des zones communautaires situées proche des industries, voire même de sites toxiques (ne respectant parfois pas les distances de sécurité imposées); ils sont donc plus à risque d’être exposés à des maladies, des cancers etc. Et les quartiers dans lesquels ils résident ont des écoles moins bien financées, créant des différences dans l’éducation et les opportunités d’études supérieures ou d’emploi.

Malgré le traité de « fair housing act » le sujet n’est pas du tout résolu comme l’atteste le remake de Candyman 2021. On en revient au sujet du film de Wes Craven : dans le scénario, les Robeson laissent décrépir leurs immeubles habités par des afro-américains, et triplent leur loyer dans le but de les chasser et d’avoir des locataires blancs.

Si le sujet vous intéresse, je vous conseille ces articles : 

https://www.forbes.com/sites/dimawilliams/2020/06/03/in-light-of-george-floyd-protests-a-look-at-housing-inequality/

https://www.bloomberg.com/news/articles/2021-09-09/in-candyman-the-horror-is-u-s-housing-policy

Les personnages et ce qu’ils incarnent

Fool : le fou

Fool (Pointdexter de son vrai nom) est le héros de l’histoire. Gamin de 11 ans, il incarne l’espoir inconscient de l’enfance face à des adultes avec une vision plus réalistes/cyniques de la société. Fool ne perd pas espoir et agit en héros. 

Ruby : le rubis 

Ruby est la grande sœur de Fool. Rubis, qui signifie « rouge » est la couleur associée à la passion et à l’amour. Dans le film on entend « Ruby’s babies » suggérant qu’elle a des enfants ou à été enceinte, et probablement se prostitue pour survenir aux besoins de sa famille. Cette simple phrase donne subtilement du contexte sur la pauvreté de la famille.

La mère de Foot et Ruby est malade du cancer. Personnage alité, on ne la voit que très rapidement. 

Leroy : le roi

Leroy est le « petit ami » de Ruby. Il décide que les Robeson doivent être cambriolés comme punition. Le personnage tire son nom (je suppose) de Paul LeRoy Bustill Robeson, qui  était un acteur-chanteur et militant des droits civiques afro-américain.

« Mommy » and « Daddy » Robeson : 

Les Robeson sont les antagonistes, propriétaires de l’immeuble dans lequel Fool et sa famille habitent. Ce qui est très intéressant dans le film, c’est qu’ils n’ont pas de prénoms. Et leur nom de famille a connotation afro-américaine. C’est presque comme si We Craven se moquait d’eux en leur niant une identité propre. Fun fact ils jouent tous deux dans la série Twin Peaks.

Alice : au pays des horreurs 

Alice est la « fille » de la famille Robeson. Douce et soumise elle semble carrément paumée dans cette maison/prison. Dans le film on l’entend dire « sometimes in is out » rappelant la chute d’Alice vers le pays des merveilles.  

Roach : le cafard

Roach est un enfant qui vit dans les murs de la maison Robeson. Malin et rapide, il est increvable tel le cafard.

Prince : le prince 

Prince est le chien des Robeson. Comme son nom l’indique il est mieux traité, mieux nourrit, mieux aimé que les « enfants » Robeson.

Illustration de la décadence vampirique des propriétaires immobiliers  

La maison des Robeson, est une sorte d’immense blockhaus, isolé du monde. Il s’agit d’un ancien funérarium familial. 

Les personnages sont introduits dans une scène qui comporte deux éléments illustrant pouvoir et décadence : Daddy Robeson est présenté dans une scène de repas où il semble ingurgiter sa nourriture comme un seigneur médiéval, devant un feu de cheminée. Il est le landlord (propriétaire terrien), il est le lord (seigneur).
On apprend ensuite que dans le feu ne brûlent pas des bûches, mais qu’ils ont réutilisé le bois des bâtiments qu’ils ont laissé pourrir, laissant au passage de dizaines de personnes à la rue. Ce feu est l’incarnation de leur pouvoir. 

Autre élément illustrant la décadence, la maison Robeson est tellement énorme qu’on peut vivre dans les murs, alors que des gens ne peuvent même pas se loger. La maison est très sale, on voit des tas de mouches mortes aux fenêtres, on voit la poussière accumulée et on ressent une atmosphère de plus en plus glauque.  À la fin du film, le maquillage de Mommy Robeson est carrément grotesque, et les prises de vue filmées en clair-obscur font penser à des tableaux grotesques, illustrant décadence et déclin.

Représentation de « la famille parfaite » 

Chez les Robeson, qui sont très religieux c’est « un papa, une maman ».… En apparence du moins, puisqu’on apprend que Mommy et Daddy sont en réalité frère et sœur… Leur fille est le fruit d’un kidnapping, et d’autres enfants kidnappés ont fini à la cave. 

Wes Craven s’est inspiré d’un fait divers qu’il aurait lu en 1978 pour écrire ce film. A Santa Monica, en Californie, des policiers appelés sur une scène de cambriolage, ont trouvé une maison avec des serrures partout, et des enfants qui n’avaient jamais été autorisés à sortir. Elevés dans la maltraitance totale par leurs parents très religieux, battus, soumis, attachés au lit, mal nourris, sans d’éducation, sans d’hygiène, dans une maison pleine d’excréments et de sacs poubelle. 

Les auteurs du prétendu cambriolage (pas de preuve de cambriolage) étaient noirs d’après les gens qui ont alerté la police. On ne sait pas si cette information avait pour but de faire se déplacer les autorités via des biais racistes, mais cela semblait être un aspect pertinent pour Craven, qui à écrit dans ce scénario une parabole sur les relations raciales.

Pour en savoir plus sur ces merveilleux parents

Sex, drogue et chiens errants 

La famille de Fool quant à elle, habite dans un immeuble crasseux non entretenu par les propriétaires dont c’est la charge, ni par les locataires qui n’ont pas les moyens. C’est basiquement une « crackhouse » où viennent s’entasser drogués, prostituées et chiens errants. 

Problématiques de la famille noire et pauvre  

L’appartement de Fool et de sa famille est tout petit, composé de petites pièces aux murs défraîchis.  Sa mère est alitée à cause d’un cancer, et n’a visiblement pas de quoi se soigner. On sous entend que sa soeur se prostitue, et Leroy est devenu un voleur accompli pour survivre.

On est pile dans les problématiques de la final girl noire dont j’ai déjà parlé dans un article sur les écarts de représentations entre héroïne blanche de quartier résidentiel et héroïne noire du ghetto.

Des éléments horrifiques au coeur des préoccupations sociales

La famille :

D’un côte c’est pauvreté et maladie. La famille c’est la pression de trouver de l’argent pour subvenir aux besoins. De l’autre, c’est fanatisme religieux et inceste. Le fait qu’ils s’appellent «Mommy» et «Daddy» à longueur de temps est encore plus effroyable quand tu sais qu’ils sont frère et soeur…

La maison : 

Remplie de pièges et de passage secrets la maison incarne la perdition. Les enfants Robeson sont enfermés à la cave, dérobés aux yeux de tous, comme si ils n’existaient pas comme si Mommy et Daddy n’avaient rien à se reprocher. (Les enfants de la cave ont quand même la télé, ils peuvent se divertir devant des trucs sympa comme la guerre du Golfe…)

Le cannibalisme :

Il est suggéré dans le film que les Robeson sont aussi un peu cannibales. Quand Fool veut lui vendre des cookies Mommy dit « we watch what we eat very carefully » (on surveille ce qu’on mange avec précaution) suggérant qu’ils n’ont pas le même régime alimentaire que tout le monde et aussi qu’ils aiment surveillent leurs proies. Plus tard dans le film quand Daddy dépèce le cadavre de Leroy, on le voit marcher un truc et sa bouche est pleine de sang, visiblement il aime bien grignoter pendant qu’il travaille. 

La religion : 

Dans la maison des Robeson se trouve une pièce qui fait office de chapelle : des gros cierges, un Jesus cloué à la croix, des pages de livres religieux aux murs (ainsi que des photos d’enfants). La religion est prétexte aux punitions et châtiments corporels : bain bouillant purificateur, coups de ceinture… C’est l’exutoire de Daddy et un prétexte pour le défoulement de ce pervers sadique. Par l’application des dogmes et punitions religieuses les Robeson essayant de recréer une famille parfaite, se dédouanant complètement d’avoir kidnappé et torturé des enfants.

Ps : la mère de Wes Craven était apparemment fondamentaliste chrétienne, je ne sais pas a quel point il l’a bien vécu ou pas…

La police : 

La police souffre de biais racistes. Quand ils sont appelés 2 fois au domicile des Robeson, la police fait un travail assez superficiel et ne soupçonne pas les Robeson car ils font partie de la même classe sociale et de la même ethnie. Après avoir (mal) fouillé la maison pour retrouver les enfants, il prennent un petit café et des biscuits tranquillou, et puis s’en vont, bonne soirée, bisous.

Des éléments de comédie 

Même si c’est un film d’horreur il y a des éléments comiques dans People under the stairs. Le fait que le personnage principal soit un enfant, inscrit le film dans la case aventure horrifique comme les Goonies ou Stand by me. D’ailleurs quand Fool va faire du repérage pour le cambriolage, il est déguisé en scout, et en anglais faire du repérage se dit « scouting ». C’est un peu meta, quel coquin ce Wes !

Comme dans Maman j’ai raté l’avion, la maison est pleine de pièges ce qui donne prétexte à des scènes comiques. Il y a une scène ou un personnage touche la porte électrifiée et le jeu d’acteur est hyper exagéré ce qui fait plus penser à un gag qu’a une réelle souffrance. Quand les escaliers de la cave se rétractent, Fool ne se blesse pas, c’est plus toboggan qu’un piège mortel. 

Le personnage de Daddy serait vraiment terrifiant s’il n’était pas constamment ridiculisé. Visiblement il aime se déguiser en « la crampe » (personnage en costume de bondage en cuire dans Pulp Fiction) quand il qui chasse Roach à coup de fusil dans la maison.
Dans toutes ces scènes de chasse, on entend coach rigoler dans les murs comme si on était dans un dessin animé. D’ailleurs Daddy avec son fusil me fait un peu penser à Elmer Fudd, le chasseur qui rate toujours Bugs Bunny.

Tout au long du film, Daddy s’en prend plein la gueule, chaque attaque contre lui est filmée comme un cartoon avec des réactions exagérés et des prises de vue donnant un effet somme toute comique qui rappellent un peu Evil dead. Wes Craven utilise bien l’humour noir contre le caractère grossier, ridicule, avide et violent du personnage.

De l’importance de rester un enfant rebel

C’est l’esprit de défiance de Fool qui en fait un héros. Il refuse de se soumettre aux figures d’autorité représentées par les adultes. Roach dans le même esprit et malgré qu’on lui ait coupé la langue, continue à échapper à ses bourreaux en restant vif d’esprit et agile dans les murs. 

A la fin du film, Fool parvient à s’échapper. Dans un élan de courage propre à sa caractérisation, le personnage saute par la fenêtre pour s’enfuir. Alice, terrifiée n’ose pas sauter et reste prisonnière de la maison. Mais Fool revient libérer Alice, qui trouve enfin le courage de s’opposer à Mommy. 

Se faire justice soi-même pour un happy ending

Comme la police ne fait rien pour les aider, tout le ghetto vient chez les Robeson pour demander réparation contre les conditions de logement dont ils sont victime, et l’exploitation de leur misère à des fins de gentrification. La dernière scène du film illustre la solidarité du peuple contre le dominant. Fool de son côté libère le trésor des Robeson et les richesses sont redistribuées, l’histoire finit bien, c’est la fête !

Au delà de tous les sujets horrifiques qu’il soulève, People under the stairs est un film qui se regarde facilement. C’est super bien rythmé, avec plein de suspens et péripéties. Je vous encourage à le regarder, d’autant plus qu’apparemment Jordan Peele souhaiterai produire un remake…. 

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