L’ANNÉE DES RÉALISATRICES À L’ÉTRANGE FESTIVAL

Les réalisatrices s’imposent progressivement dans le champ du cinéma de genre, du cinéma du bizarre. Et il était temps. La S’Horrorité (dont Jessica, fondatrice du site, et moi-même, Léo, sommes membres et cofondatrices) œuvre à recenser les films de réalisatrices programmés en festivals, un travail disponible sur le compte Instagram de l’association.
Si leur présence s’accroît d’année en année, l’Étrange Festival accusait jusqu’ici un certain retard en matière de représentation féminine.
L’édition 2025 rompt heureusement avec cette tendance : plusieurs réalisatrices passionnantes y ont présenté leur travail sur grand écran :

• l’Américaine Annapurna Sriram et son excentrique et jubilatoire Fucktoys ;
  
• la Grecque Evi Kalogiropoulou avec Gorgona, relecture du mythe de la gorgone ;
  
• le duo canadien Madeleine Sims-Fewer et Dusty Mancinelli, révélé par Violation (2020). De retour avec Honey Bunch, variation autour du  gaslighting ;
  
• la Française Julia Kowalski et son film sensible Que ma volonté soit faite ;
  
• les Australiennes Emma Hough Hobbs et Leela Varghese, autrices du délirant space opera Lesbian Space Princess ;
  
• Julie Pacino, fille d’Al Pacino, venue présenter son cauchemar fiévreux I Live Here Now ;
  
• la Canadienne Grace Glowicki et son déjanté Dead Lover ;
  
• et, Lucile Hadžihalilović, incontournable du festival, avec La tour de glace, réécriture du conte d’Hans Andersen La Reine des neiges.
  

Cette sélection est riche, variée, et traversée d’un souffle politique. Elle ne saurait toutefois masquer l’ampleur du chemin restant encore à parcourir.

IL Y A FLUIDE ET FLUIDITÉ

L’Étrange Festival n’a jamais ménagé sa générosité en matière de fluides corporels. Cette édition se distingue toutefois par une générosité en termes de représentation de fluidité dans le genre. La forte présence de réalisatrices n’est certainement pas étrangère à ce phénomène.

Deux œuvres dépeignent avec finesse l’éveil amoureux et sensuel lesbien de jeunes héroïnes :
– la protagoniste, un peu sorcière, de Que ma volonté soit faite (Julia Kowalski), fascinée par sa voisine ;
– l’orpheline de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović), entraînée dans un univers glacial dominé par une Marion Cotillard inquiétante.

Fucktoys (Annapurna Sriram)célèbre, par un casting vitaminé et inclusif, la joie d’exister envers et contre tout ; Dead Lover (Grace Glowicki) met en scène un amour qui dépasse la mort et l’enveloppe corporelle. Quant à Lesbian Space Princess (Emma Hough Hobbs et  Leela Varghese), véritable space opera à la Rick et Morty, il propose une aventure déjantée, résolument queer mais accessible à tous.

Dans un registre très différent, Cadet interroge avec acuité la masculinité rigide et toxique au sein d’une école militaire. Il s’agit du premier film d’horreur du Kazakh Adilkhan Yerzhanov

EXPERTS EN EXPÉRIMENTATION

En termes de genre, certaines années font la part belle à l’horreur, d’autres au polar et d’autres encore au fantastique. 2025 se targue d’une programmation particulièrement expérimentale. Au programme, l’avant-première complète de La tour de glace (Lucile Hadžihalilović) qui reçoit un accueil particulièrement chaleureux (pun intended). La réalisatrice continue de nous régaler avec son style aussi fascinant qu’énigmatique. 

Parmi les “grands” noms, le retour du réalisateur Ben Wheatley en terre nerdique. Après une poignée de films (très) grand public, le joyeux barbu semble ravi de venir présenter Bulk. Il s’agit d’un objet filmique non identifié qui fut projeté devant une audience de cinéphiles invétérés.

2025 signe également la conclusion de la trilogie souterraine du cinéaste autrichien Norbert Pfaffenbichler. Comme chaque année, de jeunes réalisateurs se risquent à l’expérimental. Et pas toujours pour le meilleur. On pense notamment à Exit Medea ou Girl America. 

DES REGARDS SUR LE MONDE

UN REGARD SUR LE MONDE : LA MENACE RUSSE

L’Étrange Festival s’intéresse à toutes cinématographies, peu importe son origine. Il prend ainsi le poul du cinéma à l’international et effleure aussi les préoccupations du moment. 

L’événement marquant de cette année demeure la venue à Paris du prodige Kazakh Adilkhan Yerzhanov. Ce dernier étant particulièrement apprécié du public du festival. Il présentait trois œuvres – deux films et une série:
– Kadet, son premier film d’horreur, antimilitariste et critique de la virilité toxique ;
– Moor, un polar sombre ;
– Kazakh Scary Tales, série fantastique inspirée des contes traditionnels.

Sa présence a également permis l’organisation d’une carte blanche. Au cours de laquelle il a choisi de projeter Heathers (ou Fatal Games), teen movie à l’humour noir explosif.

Toute l’œuvre de Yerzhanov porte la marque diffuse de la menace russe. Cette thématique apparaît également dans Girl America de l’auteur tchèque Viktor Tauš, plongée saisissante dans le psyché d’une orpheline vivant sous la Tchécoslovaquie totalitaire.

UN REGARD SUR LE MONDE : LE COMPLOTISME ANGLOPHONE

Côté anglophone, une thématique s’impose nettement : celle du complotisme. Elle irrigue A Scanner Darkly de Richard Linklater, proposé dans le cadre de la carte blanche au média électronique francophone La Spirale. On y suit la lente dissolution psychique d’un policier enquêtant sur la mystérieuse substance M, qu’il finit par consommer lui-même. Un brûlot anticapitaliste, plus actuel que jamais à l’heure des réalités alternatives.

Dans la même veine, Bulk de Ben Wheatley déploie un univers aux vérités multiples, où la réalité semble se dérober. Le film s’inscrit dans la lignée des œuvres cultes et anxiogènes des années soixante et soixante-dix, notamment la série Le Prisonnier (1967- Patrick McGoohan), reflet d’une Angleterre instable en pleine guerre froide.

UN REGARD SUR LE MONDE : QUID DE L’ASIE DE L’EST ?

Fidèle à son histoire, l’Étrange Festival poursuit son rôle de défenseur des cinématographies est -asiatiques. Cette année, un focus est consacré à la figure de Lady Yakuza, héroïne vengeresse ayant inspiré Lady Snowblood puis l’héroïne de Kill Bill. L’intégralité des huit films (1968-1972) était ainsi projetée.

Après des années très fastes pour le cinéma coréen, parfois jusqu’à saturation, 2025 laisse entrevoir une période de disette.
Seuls trois films sud-coréens sont programmés : The Old Woman with the Knife (thriller mâtiné d’action), The Curse : Insatiable Desires (anthologie horrifique) et The Last Woman on Earth (comédie de science-fiction). 

Quand on pense à certaines années où pratiquement la moitié des films en compétition étaient coréens, la question se pose. Après des années de politique de productions cinématographique assez agressive, la Corée du Sud semble se tourner vers une autre stratégie, par obligation ou par choix.

LE RÉCIT GOTHIQUE : UN RETOUR EN FORCE

Le récit gothique n’a jamais véritablement quitté nos écrans, mais il connaît ces dernières années un renouveau manifeste – du Frankenstein de Guillermo del Toro à The Bride de Maggie Gyllenhaal, en passant par les Hauts de Hurlevent revisité par Emerald Fennell ou encore la série Mercredi supervisée par Tim Burton.

L’Étrange Festival s’inscrit dans cette tendance avec :
– le superbe film d’animation Je suis Frankelda des frères Ambriz, protégés de Del Toro, qui proposent un univers fantasmagorique et une réflexion sur la peur en elle-même ;
– Dead Lover de Grace Glowicki, comédie potache nourrie d’imaginaire gothique ;
– Honey Bunch, dont l’héroïne se voit gaslightée dans une grande et belle demeure labyrinthique.

Si le genre du gothique a toujours été très proche du féminin avec ses nombreuses héroïnes complexes, on observe actuellement une hyper féminisation du genre avec de nombreuses réalisatrices qui s’emparent de ces histoires d’amours maudits, de fantômes et de maisons inquiétantes.

L’invitation de l’icône du cinéma gothique italien Barbara Steele, venue présenter Le Spectre du professeur Hichcock (Riccardo Freda – 1964) et donner une masterclass, a couronné cette mise en avant du gothique.

NO COUNTRY FOR OLD WOMEN

L’âgisme fait débat dans le cinéma actuellement. On se questionne particulièrement sur la disparition des actrices passé un certain âge, mais aussi sur l’omniprésence de la chirurgie esthétique dans une industrie où il est pourtant indispensable d’être expressif. 

La coïncidence a voulu que la programmation propose deux films sur cette thématique : le coréen The Old Woman with the Knife (Min Kyu-dong) qui suit une tueuse à gage vieillissante dont le quotidien se verra bouleversé dans une profession où il ne fait pas bon vieillir. Bel écrin pour son actrice, Lee Hye-young, le film bien que pas exceptionnel propose de jolis moments notamment à propos du vieillissement de son personnage. 

Dans un tout autre registre, le scénariste Stephen Sayadian est venu présenter Lady in a Cage (Walter Grauman – 1965), fleuron de l’hagsploitation étatsunienne qui montre une Olivia de Havilland handicapée bloquée dans l’ascenseur privé de sa belle résidence pillée par de jeunes malfrats.

REVISITER LES MYTHES GRECS

Trois réappropriations de la mythologie gréco-romaine étaient présentées :
– Exit Medea (Tony Paraskeva), road movie expérimental et trash revisitant l’histoire d’amour entre Médée et Jason ;
– Odyssey (Gerard Johnson), qui évoque succinctement l’Odyssée d’Homère par l’idée de parcours complexe de son héroïne pour retrouver ses racines ;
– Gorgonà, remarquable premier film d’Evi Kalogiropoulou, portrait d’une société patriarcale réduisant la femme à une monnaie d’échange. La figure de la gorgone avait déjà été remise en avant dans le film Medusa (Anita Rocha da Silveira – 2021) qui montrait une révolution féminine au Brésil parmi des jeunes femmes conservatrices.

Ces relectures féminines de figures monstrueuses s’inscrivent dans un mouvement littéraire féministe actuel, porté notamment par Murielle Szac et Madeline Miller, qui réhabilitent les héroïnes antiques dans toute leur complexité.

LE LAUREAT DE LA FIN DE L’EDITION DE L’ÉTRANGE FESTIVAL

Pour conclure ce panorama (presque) succinct de l’édition 2025 de l’Étrange Festival, arrêtons-nous sur le grand lauréat de la compétition : The Forbidden City de l’Italien Gabriele Mainetti. Ce film d’action mêle clichés chinois et italiens dans un chaos soigneusement orchestré.
À Rome, une jeune femme chinoise cherche désespérément sa sœur disparue. Elle croise le chemin d’un jeune homme, fils d’un restaurateur endetté lui aussi porté disparu. Malgré la barrière linguistique et culturelle, tous deux s’unissent pour affronter la pègre. Moins politique que Freaks Out, le film séduit néanmoins par ses qualités plastiques et sa mise en scène fluide.

Son sacre interroge toutefois : nombre d’œuvres plus audacieuses, plus singulières, semblaient plus conformes à l’esprit traditionnellement anticonformiste de l’Étrange Festival. Est-ce qu’un festival qui se veut l’étendard d’une certaine contre-culture peut rester fidèle à son identité, tout en attirant un public de plus en plus nombreux et divers ? Mon avis est que malgré tout, l’Etrange a trouvé un équilibre entre ces deux concepts antinomiques.

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Comment vous est venue l’idée de The Ugly Stepsister ? 

C’est une drôle d’histoire. L’idée m’est venue alors que je faisais une sieste, la meilleure que je n’ai jamais faite. Je fais souvent des siestes pendant que je travaille. Je les appelle des “siestes créatives”. C’est un bon moyen pour laisser mon inconscient travailler. Ainsi, tout n’est pas si logique, si pragmatique. Cela permet de connecter les idées de manière plus organique. 

Je travaillais sur un court métrage dont le sujet était une femme mesurant deux mètres avec des rondeurs et qui manquait de confiance en elle. Dans mon rêve, je la voyais en Cendrillon. Le prince arrivait et la chaussure était magiquement à la bonne taille. Cette si petite chaussure sur cette immense femme… Ils partaient ensuite vers le château. Sur le chemin, elle baisse le regard et observe ses pieds. Elle voit ses chaussures en sang. Et là, l’idée devient plus claire. Je ne suis pas Cendrillon. Je suis la demi-sœur qui a eu besoin de couper ses orteils pour enfiler la chaussure. 

Au réveil, j’étais en choc parce que pour la première fois, je me suis identifiée à ce personnage pour lequel je n’avais eu aucune compassion par le passé. Mais j’ai ressenti exactement ce qu’elle a dû ressentir. J’étais elle. J’étais la demi-sœur. J’ai trouvé l’idée super. Je l’ai trouvé si bien qu’un long-métrage m’a paru bien plus adapté que le format court. 

Quelles furent vos inspirations pour The Ugly Stepsister ? 

Comme c’est un conte de fée qui prend ses racines dans le passé, j’ai fais pas mal de recherches sur les costumes, l’époque. En particulier sur les procédures de chirurgie cosmétique. J’ai choisi de placer mon film au XIXe siècle, une époque qui a vu de nombreuses évolutions sur cet aspect. Je me suis juste permise certaines libertés car il s’agit d’un conte de fée. Par exemple, le ver doit normalement sortir par le bas plutôt que par la bouche. Mais j’ai voulu être prévenante avec mon public (rire).  

Un autre aspect génial avec la fin du XIXe siècle est que j’ai pu m’amuser avec les silhouettes des robes. Cendrillon porte une robe 1850 alors que les sœurs ont des robes à faux-culs façon 1880. C’est une façon subtile de montrer leur différence de classe. Cendrillon est “old money” et a un “bon goût” alors que les soeurs font partie des nouveaux riches et sont à l’affût des nouvelles tendances au point d’en devenir un peu “ridicules”. J’avais envie que lorsque les spectateurs regardent à nouveau la version de Disney, ils en aient une lecture différente suite au visionnage de mon film. 

J’ai aussi beaucoup été inspirée par les films de contes de fée d’Europe de l’Est, particulièrement ceux des années 70. Ils sont en général tournés en lumière naturelle, dans de vrais décors avec de vrais corps à cause d’un budget en général très mince. Et pourtant les costumes sont sublimes et les effets incroyables. Ils arrivent à retranscrire cette étrangeté émanant des contes de fée. Je voulais contraster avec l’aspect trop brillant, très “plastique” du Disney. Surtout que The Ugly Stepsister est un film de body horror. Je voulais que l’audience ressente cet aspect organique.  Comme s’il s’agissait d’un univers parallèle au nôtre avec de véritables personnes qui l’habitent. 

Je voulais donner à The Ugly Stepsister une impression d’intemporalité. Effectivement, le film se passe au XIXe siècle mais vu sous le prisme des années 1970 pour rendre plus nébuleuse l’époque à laquelle l’histoire se passe. La mise en beauté des personnages a été inspirée par les années 60/70. Je ne voulais pas qu’on ait l’impression de se trouver face à un film d’époque, mais je ne voulais pas non plus que le film fasse trop 2025. Ajouter cette petite pincée d’années 70 permet d’éviter cela. 

Puisque nous parlons de l’esthétique de The Ugly Stepsister, qui est particulièrement importante. Pouvez-vous nous parler de votre relation avec votre chef opérateur (Marcel Zyskind) ? Ainsi qu’avec votre cheffe décoratrice (Sabine Hviid) ?  

J’ai eu la chance de pouvoir travailler avec des personnes très créatives qui, en plus, n’en sont pas à leur premier essai. Ma plus grande leçon sur le tournage est l’importance de l’alchimie. Les gens peuvent avoir le meilleur CV du monde, s’il n’est pas possible de se comprendre, si nous ne sommes pas enthousiasmés par les mêmes choses, il n’est pas possible de travailler ensemble. J’ai eu vraiment beaucoup de chance de trouver une équipe passionnée par The Ugly Stepsister, qui voulait s’amuser et tenter des choses. 

Pour ce qui est du chef opérateur, nous avons beaucoup préparé en amont. Tous les chefs de postes ont été humbles et ont accueilli gracieusement ma vision du film, mes idées. À la fin, j’avais l’impression que nous ne formions plus qu’un seul grand cerveau. 

Donc il y avait beaucoup d’alchimie ?

Oui mais aussi d’amusement. Je ne suis pas vraiment du type Wes Anderson. J’adore son travail mais je ne pourrais pas être autant dans le contrôle. J’aime les heureux accidents. J’aime la créativité qui émerge de la rencontre entre deux personnes. J’ai un peu le même type de relations avec mes acteurs et actrices. Je leur explique qu’ils en savent autant, voire plus que moi sur leur personnage. C’est leur corps qui joue cette personne. J’aime être surprise. 

Il me semble qu’en Islande, ils appellent le réalisateur ou la réalisatrice, le maître du jeu et les acteurs et actrices, les joueurs ou joueuses. Je suis la personne qui rédige la notice du jeu mais ce sont elleux qui vont y jouer. C’est un peu la même chose avec les chef.fes de postes. Je ne suis pas capable de faire leur travail. C’est à eux de le faire. Moi, tout ce que je fais c’est mettre en place les règles. Et peut-être à la limite, leur demander de jouer légèrement différemment. Mais eux aussi peuvent me demander de changer un peu certaines règles en contrepartie.   

J’aime beaucoup cette analogie. The Ugly Stepsister est votre premier long-métrage. Tourner un premier film peut-être une expérience difficile, plus particulièrement en tant que femme, et encore plus, en tant que femme qui fait de l’horreur. Comment avez-vous vécu cette expérience ? 

Je profite des nombreuses réalisatrices qui sont venues avant moi. D’autant plus qu’en Norvège, nous avons beaucoup de chance car nous avons un système de quota grâce au Norwegian Film Institute. Ainsi, la réflexion autour de la question de genre ne se fait pas juste au niveau individuel mais aussi au niveau systémique. Cela habitue les gens à voir plus de femmes dans le paysage cinématographique. Les spectateurs ne sont plus étonnés de voir autant de femmes réalisatrices.  

Nous sommes une génération de réalisatrices norvégiennes qui a pu devenir mère avant de faire un premier long et cela sans que cela pose problème.  C’est du jamais vu. Il y a dix ans de cela, personne n’aurait pris au sérieux une jeune mère. Il était alors impossible d’avoir l’ambition de faire des films. Je suis reconnaissante envers les générations passées. Je ne souhaite pas être une femme à une autre époque que celle-ci. 

Sur The Ugly Stepsister, j’ai pu travailler avec la meilleure des productrices en Norvège, Maria Ekerhovd qui a également travaillé sur Valeur Sentimentale, le dernier Joachim Trier qui est passé par Cannes. Elle est géniale, à la fois très cool et très douée. J’ai donc eu un entourage qui a cru en mon film dès le début.  

Autre exemple, mon chef opérateur qui est danois avec des origines polonaises m’a traitée comme son égale, et ainsi toute son équipe, majoritairement polonaise, a fait pareil. L’équipe caméra qui devait être principalement française m’ouvrait la porte et était particulièrement galante avec moi. Au lieu d’être offusquée par ce comportement, je l’ai pris comme une marque de respect. Cela fait partie de leur culture. Ils ne le faisaient pas de manière condescendante. C’était juste une habitude. Ce n’était pas pour me rabaisser. 

Le premier jour, le clappeur, qui est un sacré personnage, m’a fait la révérence et m’a appelé “Madame la directrice”. J’étais assez impressionnée car il s’agissait de mon premier film. Cela m’a flattée, un peu embarrassée, mais aussi détendue. Cela m’a fait sourire. Ils ont pu voir que je trouvais cela drôle et gentil. Le jour d’après, ils avaient écrit “Madame Directrice” avec des coeurs sur mon moniteur. C’était vraiment un acte gentil et respectueux.

Je pense qu’il est important de toujours s’adapter à la culture de l’autre, de ne pas imaginer que quelqu’un va se comporter de la même manière que soi. Il faut voir les gens pour ce qu’ils sont et ce qu’ils font. Je n’ai donc pas eu l’impression que le fait d’être une femme dans ce cas fut un problème. 

Est-ce que vous aimez les films d’horreur ?

Il me semble. Surtout le body horror car l’horreur me fait, en fait, très peur. 

Cela m’amène à ma prochaine question. Appréciez-vous l’horreur ou était-ce simplement pertinent pour l’histoire que vous souhaitiez raconter ? 

J’ai une obsession pour le body horror. J’étais particulièrement heureuse lorsque j’ai réalisé que mon idée me permettait de faire un film de body horror. 

Ce qui me plait dans le cinéma de genre, peu importe le genre, est son côté “boite à outils”. Je ne me considère pas comme une réalisatrice de films d’horreur ou de comédie. Je raconte une histoire et en fonction de celle-ci, j’utilise le genre, la boîte à outils la plus pertinente. 

Du coup, quel est votre film de body horror préféré ? 

C’est une question difficile. J’aime tout ce que fait Cronenberg. C’est un maître. Je suis aussi très fan de Grave de Julia Ducournau. C’est un vraiment un film exceptionnel, alors que je trouve Titane plus contrôlé, plus lourd. Je n’ai pas encore vu Alpha. Grave a ce petit quelque chose en plus que j’apprécie particulièrement. 

J’aime aussi Existenz, Videodrome, La mouche, Faux semblants. Un peu tous ses films en fait. 

En plus Julia Ducournau a ouvert tellement de portes pour les réalisatrices qui veulent faire ce type de film. 

Oui. Je pense que certaines personnes ont un peu la vue courte et pensent face à The Ugly Stepsister que j’ai voulu faire un second The Substance alors que je n’ai pas pu le voir avant de faire mon film. Il est impossible pour moi de faire un film en moins d’un an. 

Vous partagez (ndlr avec The Substance) le thème de la critique des normes de beauté qui est très actuel

Je comprends tout à fait la comparaison. D’autant plus que The Substance a ouvert la voie pour The Ugly Stepsister et a rendu le body horror grand public. Au départ, ma productrice ne voulait pas utiliser le terme “body horror” car cela aurait fait trop niche. Alors que maintenant c’est un mot qui est sur toutes les bouches. 

Je vois aussi un peu de misogynie dans cette comparaison. Il n’y a de la place que pour un film de femme sur un sujet en particulier, alors que les hommes peuvent faire plusieurs fois les même film sans que ce soit un problème. Et nous avons en plus une approche très différente du sujet. Elle évoque la célébrité et le vieillissement, alors que je parle de tout autre chose dans The Ugly Stepsister. 

Ceci dit, la comparaison est tout à fait valide. J’espère juste que les gens ne vont pas commencer à se demander lequel des deux films est le meilleur. Il faut laisser les deux films dire ce qu’ils ont à dire ensemble. 

Je trouve cela super que les deux films sortent à la même période

Oui, qu’ils ouvrent la conversation !

Exactement. Il me semble que le sujet de la beauté était également au cœur de certains de vos courts métrages. Je n’ai malheureusement pas réussi à les voir. Est-ce un sujet important pour vous ? 

L’idée m’est venue de mon subconscient mais j’étais déjà en train de travailler sur un court dont le sujet était similaire, Sarah’s Intimate Confessions, et mon premier court également. 

S’il y a si peu de jeunes réalisateurs ou réalisatrices qui émergent et peuvent faire un premier long métrage, c’est que nous ne sommes pas tous des Xavier Dolan. Outre les difficultés pragmatiques, il n’est pas toujours simple d’être en contact avec ses idées quand on est jeune. 

Lorsque j’étais toute jeune réalisatrice, je ne savais pas quelle pouvait être mon histoire. Pour mon premier court, How Do You Like My Hair ?, j’ai littéralement raconté mon histoire. Il y a quinze ans j’ai décidé d’arrêter de me raser. C’était en pleine quatrième vague du féminisme en Scandinavie. Nous pouvions trouver des femmes non rasées dans les magazines et il y avait tout une discussion autour du sujet. Cela n’a pas duré longtemps.

Ceci dit, je pense que plus de femmes ont continué à ne plus raser après cela. J’ai donc eu un coup d’un soir suite à cette décision, histoire que j’ai raconté à mes amis. Ils ont trouvé cette anecdote drôle. J’ai trouvé le fait d’en parler très libératoire et surtout j’ai apprécié le fait de me sentir vulnérable après. 

Je me suis dit que c’était une bonne histoire à raconter comme une confession face caméra. J’ai joué mon propre rôle et je parlais à la caméra. J’ai ensuite joué la scène avec des acteurs. Face au résultat, c’était évident pour moi que j’avais trouvé mon histoire, à la fois intime, vraie et rassembleuse.

En général, on se sent seul et vulnérable face à nos complexes. Parce que cela touche à notre capacité à être aimé. Ai-je assez de valeur pour être aimé ? C’est une question si existentielle et si vulnérable que des grosses entreprises s’en sont emparé pour que l’on achète des produits de beauté. Que je préfère appeler des “produits d’apparences” parce qu’ils n’ont rien à voir avec la beauté. Ma beauté m’appartient, je ne veux pas l’acheter. 

C’était un moment important pour moi. Je me suis rendu compte que j’avais tout un tas d’histoires à raconter sur le sujet et si je ne devais raconter que cela jusqu’à la fin, ce serait incroyable. Avec l’âge, je me suis aussi rendu compte que de nouvelles histoires me viennent plus facilement.
Effectivement, cette question est prépondérante dans le fait d’être femme et tant que je fais des films sur des femmes, cela risque d’en faire partie. 

Pourriez-vous me parler du casting de vos actrices ? 

C’était des castings tout à fait conventionnels. Les deux personnages principaux furent difficiles à trouver. Et pourtant dès que j’ai rencontré les deux actrices, ce fut évident. Elles étaient les personnages. 

Lea (Myren) se donne la liberté d’être expressive. Je pensais trouver quelqu’un qui rencontre les mêmes problèmes que moi ou Elvira, mais Lea est en fait très libre dans son corps. Elle a grandi avec une mère féministe qui l’a éduquée sans ce regard contrôlant sur son corps. Elle est totalement libre et ne s’empêche pas de faire des choses folles et ne s’intéresse pas au qu’en dira-t-on. Elle est libre de montrer toutes ses émotions. 

C’est génial d’avoir un tel modèle pour jouer Elvira, car si des gens décident de googler son nom, ils trouveront tout un tas de photos folles d’elle, de red carpet look très excentriques. Elle représente cet espoir pour la nouvelle génération. 

Merci pour votre temps et cet entretien. J’espère le mieux pour la sortie du film!

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Reflet dans un diamant mort : 007 chez les wokistes

Le duo (presque) belge, Hélène Cattet et Bruno Forzani, revient avec un nouveau bijou d’orfèvrerie cinématographique à l’esthétique – encore une fois – très léchée. Il s’attaque dans Reflet dans un diamant mort au genre codifié et très ancré dans les années 70 du film d’espionnage. Impossible de ne pas penser au très British 007, James Bond face au film. Même si le duo évoque aussi et principalement les copies italienne, façon Fumetti Neri, avec notamment le personnage de Satanik qui est l’inspiration de Serpentik, l’antagoniste principal. Les deux sont pensées à l’image de l’Irma Vep de musidora, personnage iconique du muet dont la silhouette et la combinaison noire ont marqué la mythologie du cinéma. 

Si Reflet dans un diamant mort reprend l’aspect ludique de ces séries de films, comics et autre romans seventies, il porte un regard beaucoup plus critique sur le machisme et l’eurocentrisme de l’époque. La robe façon Paco Rabanne en est un bon exemple. La robe est une pièce iconique de 1966 qui marqua une véritable rupture dans le monde de la mode de par son matériau non-conventionnel. Elle est le symbole d’une époque grâce à sa modernité, son côté ludique mais aussi son aspect très contraignant pour qui la porte. Car oui, s’assoir sur des petites pièces de métal, ce n’est pas agréable. Le film décide lui d’en faire un gadget tueur et puissant au style increvable.  

Reflet dans un diamant mort s’inscrit dans un contexte de réécriture des œuvres passées avec un œil critique actuel. Le symbole même du diamant n’est pas anodin. L’homme blanc s’est permis les pires atrocités en exploitant la terre au nom de l’industrialisation, du capitalisme et de son ego. Le réalisateur et la réalisatrice semblent exorciser ces démons passés par l’intermédiaire de séquences hallucinantes qui mêlent diamants (vrais ou faux ?), pétrole et corps nus féminins en souffrance. 

Une narration éclatée et un style imparable

Le duo emploie une narration non linéaire où chaque séquence semble être le reflet disparate d’un même diamant. Si ce type de narration permet le plaisir de se perdre dans l’univers du film, il est aussi un moyen de montrer l’esprit vieillissant du héros qui devient incohérent. Il fait parti de l’ancien monde et le nouveau lui demande de payer l’addition. 

Cattet et Forzani font dialoguer leurs influences. Il y a bien-sûr les films d’espionnage cités précédemment, mais aussi de nombreuses œuvres picturales. On trouve de nombreuses références au peintre belge, Magritte, grand artiste surréaliste à l’esprit ludique qui s’est amusé avec son audience de la même manière que le duo de réalisateurs joue avec son spectateur notamment en cassant le quatrième mur. Iels les invitent à réagir, à sortir de la torpeur, à arrêter de croire au confort de la salle de cinéma comme but en soi, métaphore qui invite nos sociétés bourgeoise à agir. 

Les James Bond girls disent non au male gaze

Si Reflet dans un diamant mort est du point de vue d’un homme, le film l’entoure de personnages féminins plutôt fascinants. Entre autres, la masquée Serpentik et l’intriguant personnage de l’autrice interprété par la trop rare Maria de Medeiros. Le film donne le ton dès le début du film. L’ancien agent se détend sur une terrasse d’un hôtel de la côte d’Azur et en profite pour reluquer sa jeune voisine en maillot de bain. Cette dernière s’en va et fait savoir au majordome que ce comportement l’importune. Le film marque une rupture claire avec le machisme de ses aînés.

Les James Bond girls ne veulent plus être reluquer en maillot de bain. Le male gaze peut aller se rhabiller. Ce qui n’empêche pas le film de continuer à fétichiser le corps de ses actrices dans des séquences, effectivement, sublimes (merci au chef opérateur de génie Manu Dacosse) mais qui posent parfois question quant à la sublimation de la douleur au féminin.

Reflet dans un diamant mort est une relecture moderne et artistique des films d’espionnage des années 70. Il pose un regard critique sur ces derniers, notamment sur le machisme ambiant et les douleurs causés par la surexploitation liées à l’industrialisation de la société de l’époque. Le duo n’oublie pas sa signature en proposant un film à la limite de l’expérimental et à l’esthétique léchée.

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The Ugly Stepsister : le villain pov de Cendrillon

Premier long-métrage de la réalisatrice norvégienne Emilie Blichfeldt, The Ugly Stepsister joue avec Cendrillon, le conte des frères Grimm en en modifiant le point de vue. La réalisatrice nous place dans les chaussures de l’une des « affreuses demi-soeurs » en lui conférant une humanité rafraichissante.

Elle n’est pas le seul personnage à recevoir ce traitement de faveur. Le film s’écarte du manichéisme un peu bêta de l’adaptation de 1950 de Disney et ancre chacun de ses protagonistes dans un contexte socio-économique, dans un univers irréel, certes, mais tangible. Cette contextualisation apporte une justification et de la nuance à des actions qui paraissent gratuites et cruelles dans les adaptations passées : la dureté de la mère, la jalousie envers Cendrillon… Ainsi, The Ugly Stepsister semble prendre certains codes à la Jane Austen, mais adapté par James Wan et Sofia Coppola.

Gorecore baroque

Si The Ugly Stepsister se joue des points de vue de manière actuelle et féministe, il n’oublie pas d’être diablement divertissant grâce à une dose de body-horror inventif qui tient pas mal du torture porn. Gore en général considéré comme gratuit, il est dans ce film amené avec plus d’intelligence, et ce, pour deux bonnes raisons.

Tout d’abord, la réalisatrice fait en sorte que l’audience ait de l’empathie pour Elvira qui est plus que de la chair à torture remplaçable. Ensuite, parce que toutes les atrocités qu’elle subit sont infligées soit par sa mère, soit par elle-même au nom d’une beauté factice et inatteignable. Le film rejoint The Substance dans son propos, et présente une fable autour de la détestation de soi dans une société patriarcale qui n’est pas prête à accepter la féminité dans toute sa vérité et sa diversité.

Un boy’s club de conte de fée

Puisque nous sommes dans une société d’hommes, arrêtons-nous un instant sur les personnages masculins qui partagent de nombreux traits de dégueulasserie avec ceux de The Substance. Emilie Blichfeldt se fait un malin plaisir à tordre l’image d’amoureux courtois du prince charmant pour en faire un sale type privilégié qui pérore bêtement et écrit de la poésie graveleuse, toujours entouré de son boy’s club du même acabit que lui.
Quant au bon père de Cendrillon/Agnès (Thea Sofie Loch Næss), s’il n’a pas bénéficié de beaucoup de temps d’écran, il est suffisant pour le montrer condescendant envers ses nouvelles belles-filles laissant clairement comprendre la différence de classe entre les deux familles.

Une sororité complexe

L’écriture du personnage de Cendrillon aurait pu tomber dans une caricature inverse. Si elle agace par son allure hautaine et ses privilèges de classe et de beauté, en tant que jeune-femme seule et dans le pétrin, ses attitudes ne semblent pas injustifiées. The Ugly Stepsister ne considère pas la jalousie supposée entre les jeunes-filles comme inée, mais la montre comme la création d’une société qui ne laisse peu de place aux femmes qui doivent se montrer hargneuses pour survivre.

La deuxième sœur, Alma (Flo Fagerli), vient en contrepoint de ses relations malsaines, car elle a tout simplement et très consciemment décidé de se tenir à l’écart de cette mascarade qu’est l’apprentissage de la féminité.

La mascarade de la féminité

Cet apprentissage de la féminité est le coeur de The Ugly Stepsister car on y voit principalement un enchainement de séquences qui montre les deux aspects de cette mascarade : les scènes de chirurgie esthétique barbares, entremêlées à celles des cours de bonnes conduites pour jeunes filles bien élevées.

On voit dans The Ugly Stepsister une réminiscence d’Innocence de Lucile Hadžihalilović qui entourait cet enseignement désuet d’un voile étrange et mortifère. Si les films partagent un sens de l’esthétique prononcé, quoique bien plus fourni et baroque pour le norvégien, Emilie Blichfeldt est nettement moins métaphorique, mais certainement plus rentre-dedans et terriblement efficace, d’autant plus lorsqu’elle se permet des embardées vers un humour noir mordant qui donne du rythme au long-métrage.

The Ugly Stepsister est une relecture maline et mordante du conte de Cendrillon qui ne lésine pas ni sur le body horror bien gruesome, ni sur une esthétique baroque et bordélique pour délivrer son message : une réflexion autour de la détestation de soi dans une société patriarcale.

The Ugly Stepsister sera à retrouver en salle à partir du 2 juillet

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L’avis de Jessica

“J’écris de chez les moches, pour les moches, les vieilles, les camionneuses, les frigides, les mal baisées, les imbaisables, les hystériques, les tarées, toutes les exclues du grand marché à la bonne meuf. Et je commence par là pour que les choses soient claires : je ne m’excuse de rien, je ne viens pas me plaindre. » Ces mots de Virginie Despentes lâchés dans son incontournable « King Kong Théorie », sont illustrés par Coralie Fargeat dans The Substance. Elle parle aux vieilles, aux exclues, aux jeunes, aux femmes enceintes, ne n’excusant de rien, assumant le gore de la chair dans tous ses états.

Il était une fois…

The Substance utilise des codes issus des contes (l’introduction, la référence à Cendrillon, la figure du monstre qui vient troubler l’ordre établi…) pour raconter l’histoire d’une princesse adulée par le show business qui cherche l’amour. Pas à travers le Prince Charmant, mais en étant validée par la société, grâce à un filtre apparemment miraculeux.
Une richesse de thématiques vient nourrir le sujet central du film: l’amour. A la manière d’une drogue, Elisabeth (Demi Moore), s’est nourrie de l’amour des autres pour exister. S’aimer grâce aux regards des autres étant pour le moins risqué, lorsque tout s’arrête, Elisabeth doit retrouver cet amour pour se reconstituer.
Mais ce personnage ce sont toutes les femmes qui ont connu un jour ou l’autre, ou connaissent quotidiennement, la pression, le gouffre financier et de temps, la douleur, de se conformer aux normes de beauté faites sur les femmes. A titre personnel, c’est la première fois que je vois un film qui retranscrit aussi justement l’impact de ce poids.
Coralie Fargeat dit qu’avec The Substance, elle a voulu représenter le fait que dans la mesure où un corps féminin n’est jamais neutre dans l’espace public, c’est constitutif d’une inégalité majeure. En plus d’infliger une douleur physique et morale, cela a un impact sur la capacité des femmes à s’imposer dans l’espace public, à prendre la parole, à être là.
C’est finalement déjà une thématique perceptible dans Revenge, l’héroïne étant victime de la projection de fantasmes masculins sur son corps.

La chair & le sang

Pour dénoncer l’absurdité de ces normes maltraitant les corps et les esprits, Fargeat pousse les curseurs à fond. Que ça soit dans les gros plans de chair dans la douleur (les femmes enceintes ayant eu des péridurales s’en souviennent), ou dans l’exploitation de la jeunesse du corps en exagérant/déformant les plans sur les fesses et la poitrine.
Ce trop plein dénonce l’utilisation des corps féminins qu’on presse, qu’on déforme, qu’on use et qu’on jette à des fins évidemment capitalistes, notion que l’on retrouve dans l’éco féminisme.

The Substance marie une esthétique pub à un décor fantastique et angoissant en se réappropriant des références (Shining évidemment mais surtout la séquence hallucinée de la mère dans Requiem for a dream qui cherchait elle aussi à conformer son corps en prenant des amphétamines).
Pour faire transpirer la notion d’injonction présente même dans la pseudo solution trouvée par Elisabeth, quoi de mieux que de réutiliser la typographie des messages autoritaires d’Invasion Los Angeles?
Coralie Fargeat exploite avec brio ces références, prouvant qu’elles nous nourrissent tous-te, et que leurs richesses permettent de porter un nouveau propos.

On ne peut pas faire l’impasse sur la prestation de Demi Moore, à la fois pour des questions symboliques (star sexy des années 90), mais aussi pour son interprétation bluffante et touchante. C’est d’autant plus remarquable que c’est la première fois en 2024 qu’elle présentait un film à Cannes, à 60 ans. Un body horror sur les diktats d’Hollywood.

Etre féministe, c’est être paradoxale

Mais finalement la thématique qui m’a le plus touchée dans The Substance, c’est sa capacité à montrer que les femmes (et encore plus les féministes), doivent faire cohabiter des pensées contradictoires et parfois noires. En plus des normes, nous nous battons quasi en permanence contre nous même.
Nous sommes tiraillées en permanence entre les injonctions, nos convictions, nos besoins d’amour, d’indépendance, de nous sentir belles et désirables, mais jusqu’où? Est-ce que nous qui le voulons bien ou est-ce parce qu’on évolue avec ces constructions sexistes?
La dernière partie illustre toutes ces contradictions en mélangeant burlesque, tendresse, et déchirement. Car notre vie c’est ça: une alternance de moments de fierté où on s’assume et on prend notre place dans ce monde, la violence patriarcale en backclash.

C’est une claque. Le film cartonne aux US alors donnons de la force à ce film qui est un marqueur pour le cinéma de genre et la portée politique de son propos féministe.

L’avis de Jeanne

Avec ce film hautement symbolique, Coralie Fargeat s’élève contre le male gaze systémique de l’industrie audiovisuelle où les hommes dominent.

Les femmes face à l’industrie 

La scène d’exposition du personnage d’Elisabeth (Demi Moor, 61 ans) nous montre une très belle femme, avec un corps sculpté et dynamique. Sur son visage, on aperçoit quelques signes de l’âge, mais en tant que spectateur on ne peut s’empêcher de la trouver incroyable pour son âge. C’est avec ce paradoxe que Fargeat appui sur le problème systèmique de l’industrie : son producteur lui annonce que sa carrière est finie car elle a 50 ans et n’est donc plus désirable (alors que si). S’ensuit un accident de voiture qui symbolise toute la violence encaissée par le personnage. 

Dans la scène suivante, Elisabeth est en train de boire des cocktails, la camera s’attarde un moment sur sa robe dos nu qui laisse entrevoir tous les plis de sa peau dont les détails sont exagérés par la lumière choisie pour éclairer le club. L’ambiance choisie est faite pour sublimer les corps lisses et écraser les défauts de l’âge. Comme si on voulait lui faire comprendre qu’elle n’est plus à sa place dans la vie.

Coralie Fargeat et son équipe appuient aussi sur l’injonction à être une femme jeune et ingénue. Les femmes belles et intelligentes sont menaçantes pour les hommes. Comme dans Don’t worry darling ou Blink Twice, le scénario appuie sur le fait qu’il faut être une femme agréable, souriante, facile. Sue (Margaret Qualley) incarne parfaitement cette injonction, puisque derrière son sourrire le personnage n’a pas vraiment de personnalité ni de lignes de dialogues : on voit surtout son corps et la caméra s’attarde beaucoup sur ses fesses. Les fesses de Sue sont la star en fait, ça que l’industrie propulse au rang de star.

Le regard des hommes

L’introduction du producteur (Denis Quaid) est je crois la meilleur scène d’exposition que j’ai vu de ma vie. Le personnage arrive dans le cadre en gueulant des trucs horribles sur les femmes (agression auditive et sexiste), s’ensuit un gros plan fixe sur sa peau boursouflée qui transpire (agression visuelle et je dirais même olfactive, j’avais l’impression de sentir son parfum dégueulasse à travers l’écran). Pendant qu’il vomit son discours misogyne autosuffisant tout cela est filmé du point de l’urinoir : le mec nous pisse littéralement dessus. Ces choix de mise en scène sont magnifiques et efficaces.

Tout au long du film on voit un panel de personnages masculins qui n’ont aucun tact avec Elisabeth et ne font que sexualiser Sue (sans voir quand elle ne va pas bien quand elle commence à decrépire). Pendant le spectacle on voit beaucoup d’hommes dans public qui sont en train de baver devant les danseuses, comme de petits garçons émerveillés à Noël. Le voisin d’Elisabeth à une attitude qui change radicalement avec le regard qu’il porte sur le physique de Sue. La seconde scène où on le voit est dailleurs flippante car il tente de s’inviter chez elle pour l’apéro et force un date. Il projète son désir sur Sue qui n’en a pas pour lui, et ignore la notion de consentement, ça aurait pu basculer en ASS si le film avait pris un autre tournant…

Le body horror quotidien des femmes 

Le sang, les injections, les cicatrices, le vomi… Le gore et le body horror sont totalement justifié dans The substance puisque dès notre plus jeune âge on nous apprend qu’«il faut souffrir pour être belle». La souffrance physique est une réalité ancrée dans le corps des femmes. De plus le corps qui change, qui mute, c’est ce que quasiment toutes les jeunes filles endurent avec la puberté. Toutes les adolescentes sont un peu Cronenbergiennes finalement. 

Coralie Fargeat appuie aussi sur les souffrances psychologiques. C’est difficile pour les femmes qui ont toujours été désirées de ne plus recevoir le même traitement. Voir de se rendre compte que la valeur qu’on nous donne est juste sexuelle, et non pas un regard d’égal à égal. C’est déshumanisant. C’est violent. 

Je me suis fait la réflexion à un moment que Demi Moore a 61 ans, c’est une femme magnifique et on parle tout le temps de sa beauté, mais à aucun moment on parle des efforts qu’elle a fait pour ça. Tout le régime alimentaire, sportif, dermatologique, tous les efforts qu’il faut pour maintenir une routine comme ça, pour ne pas grossir, ne pas vieillir, tout ça c’est aussi une forme de sacrifice qui est occulté dans les médias. On veut voir des femmes belles mais on ne veut pas parler de comment elles sont « crées ».

Moi jeune vs Moi vieille

Dans The substance Fargeat propose une réflexion interessante sur l’ambivalence de la pensée qui peut s’exprimer dans une même personne à deux âges différents. Elisabeth et Sue son sensé ne faire qu’un mais à deux âgés différents qui ne leur permettent pas de se comprendre ou de communiquer.  

A 20 ans on est insouciant on méprise la vieillesse, les corps ridés et flasques. Et on le voit bien avec le personnage de Sue qui insulte Elisabeth à la télé en la traitant de dinosaure. Puis elle passe un cap quand elle l’a cannibalise carrément et profanant son corps. Parallèlement à ca Elisabeth veut punir son double plus jeune, une fois qu’elle à commencé lui a voler ce qui lui restait de sa jeunesse. La projetant dans un avenir où son corps n’a plus 50 ans avec ce qui lui reste de beauté, mais un corps de femme encore plus vieille, décrépie, les articulations qui forment des noeuds, la peau tachée, les ongles jaunis. La dissociation du corps et des expériences des deux personnages entraînent une perte de soi et c’est pourtant par le respect de soi même qu’elles auraient pu profiter pleinement de l’élixir de jeunesse. 

Trajectoire tragique de la soumission ou de l’auto-détestation

Dans The substance les femmes sont belles et puissantes au début du récit mais se perdent en chemin, à cause des pressions subies et du regard déformé qu’elles ont sur elles-mêmes.

La jeune beauté engendre une créature difforme et monstrueuse qui n’est plus que la somme de la vision des hommes qui veulent la contrôler. Elle reprend les codes de beauté mainstream : robe, sourire, rouge a lèvres, elle se plante des boucles oreilles dans la chair pour être coquette et bien propre sur elle. Ensuite quand elle est sur scène exposée au regard de tous ces hommes, un sein jaillit de son visage, rappelant les commentaires du directeur de casting à propos d’une fille pas très jolie qui «aurait dû avoir des nichons à la place du visage pour avoir au moins un truc à offrir». Le sein qui jaillit et s’écrase au sol est comme un vomi en réponse à la violence reçue par ce commentaire misogyne. 

La femme de 50 ans, Hag domestiquée, devenue recluse qui s’auto déteste à cause du regard des autres. N’ose plus s’exposer au monde, n’ose plus chercher l’amour, vit dans la crasse, se gave de nourriture grasse pour se punir (ou du moins punir son corps plus jeune). Elle finit littéralement par incarner une vieille sorcière bossue, aux doigts crochus, avec les seins qui pendent. C’est une trajectoire tragique.

John Merrick au bal du diable

Le calvaire prend fin lorsque la créature Monstre ElisaSue monte sur scène et dans une scène digne de Carrie au bal du diable, inonde de son sang le public d’hommes-enfants pervers tel un John Merrick (Elephant man), figure martyrisée qui viendrait se venger. Prend ça dans la gueule patriarcat !

Malgré toute la violence infligée ou auto-infligée, The substance à aussi un message qui est : apprendre à s’aimer. Assez de voir des femmes magnifiques se détester a cause de vieux dégueulasses qui se servent d’elles. Finalement les rides, le gras, les défauts, on s’en fout parce que le corps c’est juste un sac de viande. C’est ce qu’on dégage, notre force de caractère qui nous rend beau tout au long de la vie. 

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Beaucoup de courts métrages et films présentés ne sont malheureusement pas trouvables, mais le festival à un partenariat avec Vimeo qui vous permettra de les voir. Donc ça vaut le coup de prendre un ‘pass vidéo’ si vous ne pouvez pas vous rendre sur place, et que vous voulez découvrir de petites pépites.

Pénétrons à présent dans un monde merveilleux, un monde où on ne vous dira pas « calmez-vous madame, ça va bien se passer ». Un monde de créativité et de critique sociale. Bienvenue au Final Girls Berlin Film Festival.

1- You are not my mother (Samhain)

de Kate Dolan (2021) 

Charlotte, une adolescente isolée, habite dans un quartier résidentiel modeste avec sa mère et sa grand mère. Peu avant Halloween, sa mère disparait plusieurs jours et revient à la maison en refusant de donner des explications à ses comportements de plus en plus étranges. 

You are not my mother est un film Irlandais que je classerai dans le « Family horror ». Genre qui dissèque les dynamiques complexes de la famille, généralement dysfonctionnelle. Les problèmes soulevés dans ces films sont souvent plus profonds et psychologiques que dans les autres genres de l’horreur. 

Au croisement de Babadook et de Relic, You are not my mother parle à travers ces 3 générations de femmes, de la fragilité mentale et du poids de la maternité, sous le prisme des « Changelings ». Dans ces contes du folklore Irlandais, les fées et les trolls volent les bébés des humains et les échangent avec des copies vides : les Changelings. Qui se nourrissent de l’énergie vitale des mères pendant des semaines avant que ces dernières ne finissent par mourir. 

Une petite bande annonce pour se mettre en appétit ?

Et une chouette interview de la réalisatrice Kate Dolan à retrouver sur le blog fais pas genre

2- Knocking

de Frida Kempff (2021)

Molly aménage dans un nouvel appartement après un petit séjour en institut. Un nouveau départ qui devrait bien se passer, mais elle commence à entendre des bruits étranges dans son immeuble…  

Knoking est un film Suédois à la fois très doux dans la caractérisation du personnage principal, et très dur dans le propos. A travers la mise en scène, le film parle de la charge mentale du trauma et comment celui-ci ne nous quitte plus, en s’imposant dans nos pensées, nous interrompant dans les petits moments de tous les jours.
Plus largement, le film pose la question de la santé mentale et de la résilience : si on sait qu’on ne va pas bien, à quel point peut-on se faire confiance ?

Le film est très beau, très intense. J’ai personnellement été touchée par le jeu subtile des couleurs rouge et vert, qui racontent une histoire plus émotionnelle, venant rajouter une couche narrative à l’histoire que la réalisatrice est en train de nous montrer. 

Le film parfait à regarder seul.e dans ton nouvel appart …

3- Mlungu Wam (The good madam)

de Jenna Cato Bass (2021) 

Suite au décès de sa grand mère, Tsidi refuse de se soumettre à son oncle, qui a décidé d’investir la maison de la grand mère. Mère célibataire, ne pouvant pas compter sur le père de sa fille, Tsidi fait le sacrifice de retourner habiter quelques temps avec sa mère, Mavis, une domestique vieillissante qui ne veut pas quitter sa maitresse de maison. 

Mlungu Wam est un film psychologique qui propose plusieurs couches de réflexion autour des dynamiques raciales et sociétales spécifiques à l’Afrique du Sud, dans un contexte post-apartheid. Le rêve d’une société prospère, sans classes, multi ethnique et égalitaire a-t-il vraiment abouti ? Les blancs ont-ils maintenu un système qu’ils dominent financièrement ? Essaient-ils d’atténuer l’impression de domination par des discours paternalistes, sans avoir totalement renoncé à leurs privilèges?

Les noirs exercent en majorité des métiers de service. Sont-ils encore réduits à des sujets, au même titre que l’artisanat Africain qui peuple la maison des maitres ? Dans ce contexte de maison hantée, où les fantômes représentent le(s) trauma(s) hérité(s), Tsidi incarne la lutte contre le déterminisme et la domination des corps.

Pas de trailer disponible malheureusement pour ce film, en tout cas je n’en ai pas trouvé. Mais c’est vraiment un film à voir et bonne nouvelle, le film a été acheté par la plate-forme Shudder et devrait être accessible d’ici la fin de l’année 2022.

Vous pouvez aussi lire notre compte rendu de la conférence passionnante organisée au Final Girls Berlin Film Festival, sur la représentation des femmes noires dans le cinéma de genre.

On retournera en février 2023 participer à la 8ème édition du Final Girls Berlin Film Festival, en attendant vous pouvez les suivre ici : 

https://www.finalgirlsberlin.com/

https://www.facebook.com/finalgirlsberlin/

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Qu’est ce que Sorociné?

Pouvez vous présenter le podcast Sorociné?

L’idée du podcast est arrivée à l’été 2017.
J’étais en stage dans une rédaction et beaucoup de mes collègues écoutaient des podcasts. Je découvrais un peu l’univers, d’abord avec Transfert le podcast de Slate puis, naturellement, je suis allée vers les podcasts consacrés au cinéma et aux séries télévisées, puisque se sont deux de mes sujets de prédilection.
Dans le cas des émissions cinématographiques le constat était rapide et alarmant : comme les médias traditionnels, les voix des femmes étaient peu nombreuses voir totalement inexistantes. J’ai rapidement eu envie de créer quelque chose pour contrebalancer tout ça tout en ayant une approche différente du cinéma. Puisque les angles étaient un peu tous les mêmes et que les émissions finissaient toujours par, plus ou moins, se ressembler.

Quelques mois plus tard l’affaire Weinstein a remué le monde du cinéma et plus largement encore. La création du podcast devenait alors évidente et le premier épisode de Sorociné est sorti quelques semaines plus tard.
La ligne éditoriale est assez simple : une fois par mois, mes intervenantes et moi-même parlons de cinéma en croisant les regards, et surtout en mettant en valeur les femmes à tous les niveaux de la création du cinéma.
On s’interroge, on interroge les oeuvres, les regards, les productions, les créations d’hier et d’aujourd’hui pour brasser un peu tous les sujets qui nous font envie.

Pour le moment les intervenantes de Sorociné sont souvent les mêmes parce que nous enregistrons chez moi. Ce n’est donc pas toujours évident d’accueillir des personnes que je ne connais pas ou peu au sein de mon intimité.
J’aimerais beaucoup, dans un futur proche, insérer d’autres intervenantes. C’est d’ailleurs ce que je vais commencer à faire dans les prochains épisodes, puisque 2 nouvelles personnes, vont intervenir dans Sorociné.

Plutôt que de critiquer des films, vous évoquez des thèmes très variés dans Sorociné (les costumes, la figure de la peste, les sorcières, mais aussi les critiques féministes).
Pourquoi? Comment choisissez vous de parler d’un thème? Comment se passe la préparation?

L’idée des sujets vient souvent de nos envies personnelles et parfois ça rejoint l’actualité.
C’est arrivé que l’inverse se produise : l’actualité des sorties cinéma nous intéresse, alors on crée un sujet autour d’un ou des film(s).
Par exemple c’était le cas avec notre sujet sur les costumes. Les filles du Docteur March et Birds of Prey sortaient à quelques semaines d’intervalles. On s’est dit qu’un sujet sur les costumes pouvaient parfaitement coller avec ces deux sorties.
Le premier parce que c’est un film en costumes d’époque réalisés par Jacqueline Durant, une costumière britannique reconnue dans « le » métier, mais pas par le grand public. C’était donc aussi l’occasion de donner de la visibilité à une artiste mais aussi à un travail qui, encore une fois, est très peu rendu visibles aux yeux du grand public.
Je me permets d’ailleurs de faire une petite parenthèse et de vivement conseiller un podcast formidable, Profession Costumières de Céleste Durante qui donne la parole aux costumières de cinéma et de séries télévisées.
Le second parce que ça nous paraissait très intéressant d’aborder la réapropriation du corps d’Harley Quinn à travers ses costumes par l’actrice Margot Robbie, et la réalisatrice Cathy Yan.

C’est donc toutes ces pistes et ces croisements : les films, le métier et les artistes qui ont contribué à la réalisation de ce sujet. La critique des films est quasiment toujours présente mais nous souhaitons toujours apporter des angles d’analyses variés qui vont de la production des films, à la technique tout en passant par les contextes de réalisation.
Tout ça peut totalement varier d’un sujet à un autre.

Concernant la préparation des épisodes de Sorociné, on se fixe les sujets environ deux-trois mois avant une date d’enregistrement. Ce qui nous permet de faire des recherches, de voir ou revoir des films/séries/livres qui vont nous servir à créer un corpus et des angles plus ou moins précis (encore une fois ça varie selon le sujet).
On prépare le sujet chacune de notre côté mais nous avons un groupe de discussion qui nous permet, si on le souhaite, de partager des sources, des angles d’analyse et/ou des oeuvres que nous avons envie d’aborder.

Pourquoi Sorociné commence par une citation d’une personnalité. Pourquoi?

Effectivement les épisodes commencent toujours par une citation ou un extrait d’un des films du corpus traité dans l’épisode.
Au départ c’était simplement pour faire entrer l’auditeur.rice doucement dans le sujet. Maintenant, en plus de cette dimension d’immersion, lors du montage je prends le temps de chercher un extrait ou une citation qui colle également à notre état d’esprit.
Par ailleurs, c’est toujours une phrase dite par une femme ce qui permet d’ajouter une voix supplémentaire à celles déjà présentes.

Inégalités dans la critique

Avez vous une idée de la part de représentation des femmes critiques? De la critique issue des minorités?

Grâce à des études comme celles menées par le Collectif 50/50 dont je fais parti nous avons, désormais, un peu plus accès à ces chiffres qui sont encore trop peu nombreux. Une des dernières études disponibles gratuitement et facilement sur le site du collectif révèle qu’en France, entre Mai 2018 et Avril 2019 sur 611 journalistes qui ont signé une critique 62% étaient des hommes, 37% étaient des femmes et 1% qui n’étaient pas spécifié.

Concernant la critique issue des minorités, là encore les chiffres sont peu nombreux voir inexistants. Il est encore très difficile de chiffrer car c’est un travail conséquent que peu de personnes décident de faire. Les études sont difficiles à menées car les sujets encore trop tabous. Par ailleurs les statistiques ethniques sont interdites en France.
Si il nous manque grandement des chiffres, l’observation et l’écoute des témoignages de certain.e.s critiques permettent de mettre en lumière l’absence des femmes et d’avantage l’absence des personnes non-blanches au sein du métier. Encore une fois, il suffit de se rendre en festival, de regarder les comités de rédaction, pour se faire un avis assez rapide et révélateur.

On parle de plus en plus de la nécessaire représentation des femmes, des minorités etc (même si on est loin d’une égalité), mais beaucoup moins de la nécessité de la diversité de la critique. Pourquoi? En quoi la diversité des critiques est importante?

Il y a quelques mois l’actrice Brie Larson avait très justement mentionné le manque flagrant de diversité au sein de la critique. Ses paroles ont été largement relayées sur les réseaux sociaux notamment sur Twitter et, malgré une défense évidente, certains critiquaient, à tord et largement l’actrice.
Il suffit pourtant de se rendre aux projections destinées à la presse, dans les grands festivals de cinéma ou tout simplement de lire la première page d’une revue spécialisée, pour se rendre compte que les femmes sont en minorité, les personnes racisées quasiment absentes.

Si l’on creuse encore, une chose qui n’est jamais mentionnée au sein de la diversité, mais qui pourtant, est à bien des égards importante, les milieux sociaux dont sont issus les critiques. Le métier de critique est l’un des maillons essentiels à la création, production et réception des oeuvres cinématographiques.
Des oeuvres qui sont diverses dans le sens le plus large du mot. Je me permets de citer ma collègue et amie Clémentine DramaniIssifou qui, dans un texte intitulé « Pour une plus grande diversité dans la critique cinéphilique fran- çaise » et publié sur le site du Syndicat de la Critique dit :

« À travers les regards divers, qu’il s’agisse de femmes et bien sûr de personnes « non blanches », c’est à dire des regards de personnes qui socialement n’appartiennent pas à la catégorie dominante et/ou ont l’expérience d’être considérées comme non blanches, se créent d’autres discours qui superposent différents modèles de référence, renouvellent les codes et les référents esthétiques. Malgré tout il faudra que nous soyons nombreux issus de la diversité (de classe, de genre, de race, etc.) pour que nos regards singuliers embrassent la pluralité du monde et l’attention de tous les publics. « 

Cinéma féministe?

Comment définiriez vous un film féministe?

La question n’est pas si simple, tant la définition n’est pas unique.
Néanmoins, si je devais donner une définition un peu universelle, elle s’approcherait de celle que la journaliste et docteure Iris Brey évoque dans son essai Le Regard Féminin. C’est-à-dire un film où l’expérience du personnage féminin est au centre du récit. C’est ce que l’on nomme le female gaze.
Je soulignerais, comme Iris Brey le fait, qu’un film féministe n’est pas forcément réalisé par une femme. À travers plusieurs exemples on peut voir qu’une réalisatrice peut totalement reproduire des schémas bien loin du female gaze.

Avez vous lu le livre d’Iris Brey, regards féminins, qu’en pensez vous?

Oui, bien sûr. Je suis le travail d’Iris Brey depuis la sortie de son premier livre, Sex and the Series qui a bénéficié d’une sortie «upgradée » il y a quelques temps.
Son travail est très inspirant car je l’ai découvert pendant mes études où je me destinais déjà à être critique de cinéma. Ses écrits m’ont éclairé et ils m’ont permis, à bien des échelles, de relier les notions féministes aux oeuvres filmiques, chose que je tentais déjà de faire mais avec quelques difficultés. C’est une figure importante de la critique et de la pensée cinématographique actuelle, et je suis vraiment reconnaissante qu’elle ouvre des portes au sein du monde très fermé et archaïque du cinéma en France.

J’attendais ce nouveau livre avec grande impatience, je suivais le compte Instagram qu’elle a créé pour donner des pistes de réflexion sur ce sujet. En l’attendant j’ai lu des livres autour, plus ou moins, du même sujet mais de ses consoeurs américaines.

Le Regard féminin est un livre essentiel car il apporte une réflexion qu’il est encore trop difficile de menée en France. D’ailleurs la réception du livre par certains journalistes et blogueurs cinéma, qui en ont, parfois fait des articles accusateurs, en ont été largement la preuve.

Même si je ne partage pas tout ce qui est dit dans le livre, comme je ne partage pas toutes les réflexions de certains livres féministes et/ou cinématographiques par ailleurs, je suis sortie de cette lecture avec l’esprit bouillonnant de réflexions et avec l’envie, plus que jamais, de creuser ce sujet du regard.
Je suis ravie, pas seulement pour Iris Brey mais aussi pour la pensée cinématographique, que le livre ait connu un tel succès. Il permet, et permettra, j’en suis certaine, d’ouvrir les horizons en termes d’analyses.

Combat pour la diversité en péril

Que pensez vous de la situation du cinéma français après les Césars? La crise du COVID va t elle pénaliser les femmes et personnes issues des minorités?

Je n’ai malheureusement pas la réponse à cette question.
Les Césars ont rapidement laissé la place à la crise sanitaire qui s’est propagée en seulement quelques jours.
La réflexion autour de la cérémonie, ses répercussions et ses engagements ont vite laissé place à l’inquiétude collective autour du coronavirus.

Même si nous sommes nombreux et nombreuses à y penser encore, à en parler, l’opinion publique l’a vite effacée. Comme dans toutes les crises, les combats des femmes sont mis en péril, relayés au second plan et les Césars en sont une nouvelle fois une preuve incontestable. J’espère profondément que le débat ne s’arrêtera pas, que le cinéma français se réveillera une bonne fois pour toute.

La crise du COVID a déjà pénalisé les femmes et les personnes issues des minorités sur tous les aspects de notre société. Le cinéma n’est sans doute pas épargné. Beaucoup de films ne sortent plus en salles comme le film Mulan des studios Disney réalisé par Niki Caro, d’autres sont reportés et la situation économique n’est pas au beau fixe. Les spectateur.rice.s se font désirer dans les salles et tout cela agit inévitablement sur la production. La production étant le maillon fort du cinéma, sans elle, tout dégringole.

Quels derniers films avez vous vu qui vous semblent problématiques?

C’est difficile à dire. Non pas parce qu’aucun film n’est « problématique », au contraire, mais plutôt parce que le terme « problématique » me semble souvent utilisé sans contextualiser, sans expliquer en quoi telle chose est problématique et relève d’un problème général

Le mot « problématique » devient un mot valise qui peu à peu, est dénué de sens ou en tous cas l’est, lorsqu’il ne s’accompagne pas d’une réflexion plus profonde, plus nuancée.
Un film peut tout à fait être problématique sur certains aspects (exemple : un personnage mal écrit) et être tout à fait remarquable sur d’autres.

Toutefois pour répondre à la question, je vais prendre un exemple facile en citant le film 365 Dni sorti début juin sur Netflix. Il est réalisé par Barbara Bialowas et Tomasz Mandes. Le film a reçu énormément de critiques négatives sur les réseaux sociaux, et à juste titre car il n’a réellement aucune qualité.
Si j’enlève toute la partie d’analyse liée à la réalisation qui franchement ne vaut absolument pas un sou, je peux dire sans grand mal que le film est problématique sur bien des aspects.
Pour ne pas me lancer dans une longue analyse je vais prendre un élément qui survient très tôt dans le film : l’enlèvement du personnage principal, Laura, par le personnage masculin, Massimo. Le fait que ce soit un problème ne relève pas forcément du fait que l’on mette en scène un enlèvement mais que celui-ci ne soit jamais un problème. Ni pour le personnage masculin, ni pour le personnage féminin qui va d’ailleurs rapidement s’en accommoder.
La psychologie des personnages n’est absolument pas traitée (à aucun moment le film prend la peine de montrer comment tel ou tel personnage vit cet enlèvement). Le personnage féminin est passif et se donne à un schéma patriarcal nauséabond sans même le conscientisé.

Les femmes qui font des trucs

Quelles seraient les solutions pour plus de parité dans le cinéma?

Que les débats autour de la parité, de l’absence des femmes et de la diversité ne soient pas rapidement balayés, jetés aux oubliettes et moqués.
Que ces débats, ces questions, ces urgences ne restent pas uniquement dans un cadre de concerné.e.s et/ou d’allié.e.s mais qu’ils dépassent ces frontières. Des frontières qui restent presque systématiquement fermées, alors que ces questions sont l’affaire de tou.te.s.
Car c’est un effet boule de neige, cette parité et cette diversité permettent d’aboutir à une pluralité au sein même des analyses des oeuvres. Très souvent elles permettent de mettre davantage en valeur une oeuvre ou au contraire de révéler ses limites.

Néanmoins, pour reprendre ce que je disais un peu plus tôt sur les médias il est nécessaire que la diversité se fasse également au sein même de la création des médias. Il manque cruellement de nouveaux médias, si les podcasts ont rapidement permis d’élever des voix jusqu’alors relayées au second plan, d’autres supports pourraient totalement être créés dans ce sens.
Je prends l’exemple, pour en citer un, de la revue de Women Who do Stuff qui a mis en place une écriture exclusivement féminine inclusive et non-binaire.

Des scénaristes femmes que vous aimez?

Récemment j’ai découvert, grâce à la rétrospective Forbidden Hollywood qui avait lieu dans quelques cinéma, la scénariste Anita Loos qui a notamment écrit le roman, Les Hommes préfèrent les blondes. Il a fait l’objet de deux adaptations au cinéma dont la célèbre de Howard Hawks avec Marilyn Monroe et Jane Russell.

Je connaissais le travail de certaines de ses consoeurs de la même époque, comme Frances Marion mais absolument pas le sien. Je suis toujours éblouie par la fraicheur et la modernité de ses scénarios qui sont parfois bien plus engagés, malgré l’époque, que ceux que nous pouvons trouver actuellement. Le film RedHeaded Woman s’attaque notamment, sans le nommer ainsi, au slut-shaming et, d’autre part au mépris de classe dont les hommes font preuve envers le personnage principal.

Le militantisme féministe a t il sa place dans la critique cinéma?

Le fait d’être critique est profondément politique, tout comme le militantisme alors bien sûr qu’il a sa place dans la critique cinéma.
Tout comme grand nombre de réalisateur.rice.s sont militant.e.s. Croiser les axes militants à ceux du cinéma peut apporter du corps aux oeuvres. Il permet également de révéler les limites d’un monde qui apparait souvent comme merveilleux.

Néanmoins, pour nuancer mon propos, je pense que le militantisme doit également s’accompagner d’une réflexion plus profonde en ce qui concerne la critique de cinéma. C’est-à-dire, au delà des combats, prendre en compte tout ce que le cinéma est : son histoire, sa production, sa réalisation…

Y a t il des films que vous aimez pour ses représentations, mais que vous trouvez faible par ailleurs? (en termes de réalisation, jeu, photo, narration, etc…)

Il y en a plusieurs, oui. Je peux citer Wonder Woman de Patty Jenkins dont la production a été d’une grande importance sur plusieurs aspects. La réalisatrice est la première femme à réaliser un film de super-héroïne avec un budget aussi conséquent (environ 150 millions de dollars) et elle était attendu au tournant.
Comme l’héroÏne de son film, elle portait sur les épaules un cadeau qui pouvait s’apparenter à un fardeau. Si le film n’avait pas connu un tel succès, la production aurait- elle encore fait confiance à une femme ? La question peut se poser quand on voit le nombre de films de cette envergure confiés à des hommes. Et quand on lit les chiffres précis des budgets alloués aux femmes qui sont nettement moins importants que ceux confiés aux hommes.

J’ai aimé et admiré les premières minutes de Wonder Woman. La scène d’ouverture où des amazones s’entraînent sur une île où les femmes sont entre elles, combatives et intelligentes. Puis le film devient scénaristiquement assez simpliste, les scènes s’enchaînent et la réalisation devient tout à fait transparente. Je ne suis pas une grande fan des films de super-héros et de super-héroïnes donc globalement je leur reproche très souvent les mêmes choses (puisqu’ils sont tous plus ou moins fabriqués à l’identique).

Récemment il y a le film Un Raccourci dans le temps. Réalisé par Ava Duvernay, dont j’admire les engagements, et qui est sans aucun doute une figure essentielle au sein d’Hollywood mais qui, avec ce film n’a malheureusement pas brillé.
Le film est franchement pas bon sur tous les aspects créatifs (scénario, photographie, réalisation). Encore une fois, en terme de production le film est important, car il fait de la réalisatrice la première femme noire a bénéficier d’un budget important (environ 100 millions de dollars). Le film a également une jeune fille noire en tête d’affiche, Storm Reid (qu’on a pu voir récemment dans la série Euphoria et dans le film Invisible Man), ce qui reste encore rare dans les grandes productions estampillées Disney ou autres.

Inspirations et projets

Quelles sont les chaînes YT/blogs/podcasts que vous suivez?

Je dois reconnaitre que ces dernières années j’ai un peu délaissé les blogs même si je suis activement Bon chic bon genre, Deuxième Page, Tout est politique, Le Genre et l’écran et The Caget Bird Song.
En parallèle à ces blogs, je suis abonnée à plusieurs newsletters dont Les Glorieuses, Women who do stuff, What’s Good.

J’écoute d’avantage des podcasts dont je suis totalement accro. Parmi ceux que j’écoute je peux citer Formae, Les Critiques Hystériques, Peak TV, Une Sacrée paire d’ovaires, Emotions, Adapte-moi si tu peux, Le Tchip, Kiffe ta race, RomComment ?, Vénus s’épilait-elle la chatte ?, Miroir, Miroir et bien d’autres.

Je ne suis pas une grande consommatrice de vidéo youtube mais j’ai, ces dernières semaines, découvert des chaînes notamment cinéma tenues par des femmes. Malheureusement, on ne cessera jamais de le dire mais le Youtube cinéma est encore bien trop masculin ou en tous cas les vidéos mises en avant sont d’avantage celles réalisées par des hommes.

J’ai très envie de citer quelques chaînes que je trouve de grande qualité et avec des analyses et sujets toujours très intéressants. La Manie du Cinéma, Cinéma et Politique, Zoétrope et Vidéodrome pour ne citer qu’elles.
Évidemment mes listes sont loin d’être complètes et il y en a beaucoup d’autres.
J’invite, et je le ferai toujours, les gens à avoir la curiosité de chercher, de fouiller et bien sûr de regarder.

Sur quoi porteront les prochaines émissions de Sorociné?

Nous avons plusieurs idées de sujets que nous allons réaliser dans les prochaines semaines.
Dernièrement nous avons fait un épisode centré sur la série Buffy contre les vampires, car depuis peu nous avons inséré des épisodes consacrés aux séries.

Nous avons également réalisé un épisode sur la censure. Avec les dernières actualités, celle sur Mignonnes ou encore sur la supposée censure d’Autant en emporte le vent, nous avons eu envie de nous pencher sur l’histoire de la censure.
Nous avons relevé que, dans la plupart des cas, les personnes qui défendent avec ferveur ses oeuvres et qui crient rapidement à la censure, mettent en cause les féministes dans ces décisions.
C’est donc un sujet qui nous a paru évident de traiter au sein du podcast comme nous l’avons fait avec celui centré sur la critique féministe (sorti il y a quelques mois).

Nous préparons un épisode sur les héroïnes de la saga Star Wars qui sortira à la fin u mois de décembre.
Par ailleurs, nous travaillons depuis plusieurs mois, sur un sujet en lien avec l’animation et plus particulièrement sur les places des femmes au sein de ce pôle spécifique. Il demande plus de temps car nous souhaitons brasser toute l’histoire de l’animation mais également nous entretenir avec des professionnelles. La situation sanitaire actuelle rend les choses un peu plus compliquées mais nous allons y arriver. Enfin, nous travaillons sur un projet différent qui sera complémentaire avec le podcast : un format papier Sorociné!

Cette revue a les mêmes valeurs que le podcast Sorociné, c’est-à-dire, de mettre en valeur les voix des femmes et de manière totalement inclusive. Nous sommes sur le processus de création depuis le début de l’été, et nous avons déjà une poignée de personnes qui se sont engagées avec beaucoup d’enthousiasme sur l’écriture de sujets.
Notre premier numéro a pour thème « Premières » un sujet vaste mais symbolique puisque non seulement c’est notre premier numéro (d’une longue liste je l’espère), mais aussi parce qu’il servira d’introduction.

Nous avons déjà des catégories : une consacrée au cinéma de matrimoine avec des dossiers et interviews sur le cinéma des premiers temps. Une autre consacrée à des grands entretiens avec des techniciennes (monteuses, preneuses son…) et bien d’autres sujets divers qui embrasseront tous, plus ou moins, cette thématique de « Premières ».
En plus des personnes qui sont déjà sur le projet, nous avons décidé de lancer un appel à sujets sur nos réseaux sociaux pour que d’autres voix s’élèvent. Nous savons que beaucoup n’osent pas s’engager dans l’écriture. On a vraiment envie que cette revue soit participative à tous les niveaux.

Pour permettre la création de cette revue nous allons mettre en place un financement participatif avec des contreparties pour les personnes qui feront des dons. Nous sommes totalement indépendantes, et ça depuis le tout début, nous n’avons jamais gagné d’argent avec Sorociné.
La création d’une revue papier a un coût et nous tenons particulièrement à rémunérer toutes les personnes (signataires des articles, illustratrice, secrétaire de rédaction…). Nous savons que la critique et, plus largement, tous les métiers appartenant à la culture est économiquement bousculée par la situation sanitaire.
Nous croyons fortement en notre projet de revue et nous espérons sincèrement qu’il trouvera un écho chez d’autres.

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L’article [Entretien] Sorociné, podcast cinéphile féministe! est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

Attention SPOILERS! La liste des films évoqués est en bas de l’article, si besoin (même si je ne spoil pas sur tous les films).

SOMMAIRE

1-La perception de la femme forte

2-La femme, victime?

3-Souffrances sera ton destin

4-La femme guerrière

5-La méchante

6-Les héroïnes du cinéma d’horreur

7-Elles se démarquent

8-Et maintenant?

1-Perception de la femme forte

L’héroïne « femme forte »

La définition de « force » fait référence à la puissance d’action physique. Mais aussi aux capacités d’esprit, intellectuelles et morales. Autrement dit, une personne perçue comme forte, a une aptitude à affronter ou à faire des choix ; qui lui donne le potentiel de s’élever. Notamment par rapport aux autres.

De la même manière, que lorsqu’on fait des recherches avec les mots clefs « femme forte cinéma ».
Erin Brokovich, Kill Bill, Mustang, Lady Vengeance, Wadja, La leçon de Piano, Carol, Woman at War…Que ça soit des combats sociaux, de liberté, des vengeances…Ces personnages féminins sont tous en lutte, dans la majorité des cas contre une domination masculine.

Ils le sont d’autant plus dans le cinéma de genre, qui se prête au sang et au combat. On le sait, les personnages féminins sont très présents dans le cinéma de genre. Pour plusieurs raisons:

• la symbolique du sang (règles, accouchement),
• la fascination des hommes pour les femmes (qui conduisent aussi à des oppressions),
• la transgression que représente le fait de violenter des femmes, ou de mettre en scène des femmes qui vont à l’encontre des stéréotypes de genre,
• les femmes sont victimes de sexisme, de violences….C’est donc propice à raconter des histoires adaptées au cinéma.

2-La femme, victime?

Cela m’amène à cette notion, la victime. Je remarque régulièrement que c’est un terme qui est parfois brandi par des femmes pour expliquer pourquoi elles ne sont pas féministes. Et pourquoi elles ne pensent pas être dans un système inégalitaire.
C’est parfois aussi évoquer par des féministes, qui refusent qu’on leur attribut ce statut.

Lors de la promotion de Lux Externa de Gaspard Noé, Béatrice Dalle expliquait sur France Inter, que le film était féministe. Charlotte Gainsbourg a précisé « oui mais elles sont victimes aussi quand même… ». On voit bien ici l’opposition qui est faite entre féminisme=femme forte, et victime.

Sur le plateau de C à Vous, Pénélope Bagieu était invitée pour évoquer son travail « Les Culottées« . Un des intervenants expliquait que les femmes décrites par Pénélope Bagieu n’étaient pas faibles, qu’elles avaient permis de grandes avancées.
Le présentateur Karim Rissouli s’est adressé à Pénélope Bagieu, l’air hésitant « Mais ces femmes…elles ne sont pas victimes, elles sont fortes ». Celle ci répond « Ah mais si elles sont victimes. Elles ont été victimes d’un système qui les discriminaient ».

Victime et après?

Le terme « victime » est donc associé généralement à une personne faible. Qui subit. Or, il me semble important de réévaluer ce terme, bien trop utilisé de manière péjorative à mon sens.
Les femmes, qu’elles le veuillent ou non (conscientes ou non), sont victimes d’une société sexiste et patriarcale. Même si évidemment des progrès sont constatés, il y a encore beaucoup de discriminations, de culture du viol, d’inégalités salariales, de violences conjugales, etc…la liste est longue, et ce n’est pas le sujet ici.
Nier ce statut de victime, participe selon moi, à invisibiliser ces problématiques. Si pas de victimes, pas de problèmes.

Ensuite, quel regard poser sur ce statut?
Les femmes sont les seules à avoir la légitimité de décider de quelle manière réagir face aux violences qu’elles vivent. Elles veulent s’isoler? Prendre des cours de self defense? Se détendre en faisant de la couture? Courir? Avoir une vie sexuelle riche ou inexistante? Militer? Lire? Rester discrète? Il n’y a pas de meilleure attitude, solution…Elles subissent déjà des violences, laissons les femmes les gérer à leur manière.
Ainsi, il n’y a pas à qualifier le terme victime. C’est un constat factuel à mon sens, rien de plus.

3-Souffrances sera ton destin

Il ne vous aura pas échappé que les femmes dans le cinéma de genre sont généralement maltraitées.
Logique me direz vous, car c’est un cinéma violent. La question est donc de s’intéresser à l’origine de ces maltraitances, et ce qui déclenche une action de la part de ces héroïnes. Si ça peut sembler anodin, c’est pourtant capital pour qualifier la perception que l’on a de ces personnages, et ce, sans qu’on en ait forcément conscience. Et comme le cinéma de genre s’inspire d’autant plus de la vie réelle, et est politique, comprendre ces mécanismes de personnages est important.

Je ne peux que commencer par ce qui est même devenu un sous genre du cinéma de genre: le rape & revenge.
Le principe est simple. Une femme souvent isolée, est violée, puis prépare sa vengeance. C’est un sous genre qui a explosé dans les années 70, dans un contexte tendu aux USA où les manifestations contre la guerre au Vietnam sont violemment réprimées. Parmi les plus célèbres on note They call her one eye, I Spit On Your Grave, La dernière maison sur la gauche, L’Ange de la Vengeance, The Nightingale…
C’est un genre d’exploitation (produit avec peu de moyens, en grande quantité), qui est donc déconsidéré.

Ces films traduisent l’envie de révéler la force physique d’une femme à travers un viol, d’une part. Mais aussi de montrer son ingéniosité et son intelligence. D’une certaine manière, l’homme est nécessaire pour valoriser les capacités d’une femme. Par ailleurs, l’héroïne reproduit finalement le comportement violent et barbare masculin.
Pauline Harmange, auteure de « Moi les hommes je les déteste » explique que les comportements destructeurs de masculinité ne sont en aucun cas à envier. Qu’ils sont autant dangereux pour les hommes, que pour les femmes ou toute personne issue des minorités. L’idée n’est pas de se hisser à une égalité pour déployer autant de violences et de toxicité.
De plus, l’arc narratif en devient assez pauvre. En effet, il n’y a de place que pour cette vengeance. On ne se concentre pas sur les sentiments du personnage féminin. Elle n’est définie que par ce(s) viol(s), et/ou sa vengeance meurtrière.

C’est exactement ce schéma qu’on retrouve dans Bulbbul. Le film se démarque d’un classique rape & revenge par son esthétique fantastique et onirique marquée plutôt réussi. Pour autant le personnage féminin est une sorcière vengeresse parce qu’en plus de subir humiliations et mariage forcé, elle a été violée par son beau frère handicapé (…..). Cette scène est complètement ratée à mon sens. La mise en scène prend le parti de l’escalade de la complaisance de la souffrance. Car avant, on aura déjà assisté au déchaînement de violence de son mari pour lui casser les chevilles, et c’est pendant sa convalescence que le viol aura lieu. La caméra s’intéresse plus à nous dégoûter, qu’à nous mettre aux côtés de la victime et son ressenti.

Paye ton cliché

Mais au delà de ce constat, ces films participent à perpétuer des clichés sur le viol. Le classique, celui du viol commis par l’inconnu, le déviant (alors que 80% des viols sont commis par l’entourage). Mais aussi le cliché que le viol est forcément commis avec violence, de manière très brutale. Or le viol est aussi un acte qui peut être commis sans rage, sans contrainte physique, empreintes d’idées reçues sur le consentement. Mais le manque de pédagogie autour du consentement, additionné à une unique représentation, fausse notre perception de la réalité sur ce crime.
La journaliste Chloé Thibaud l’explique dans son livre « Désirer la violence ». Elle décrypte des scènes de violences sexuelles au cinéma, qui ne sont pas mises en scène comme telles. Comme ces imaginaires nous imprègnent, cela créer une confusion à la fois chez les hommes qui ne comprennent pas le consentement, et les femmes qui ne réalisent pas qu’elles sont victimes de violences.

Ces confusions sur le consentement s’inscrivent également dans des dynamiques de domination (autorité, intellectuelle, âge, etc..) qui brouillent notre perception et donnent lieu à ce qu’on désigne comme « zone grises ». Aurélia Boucherie l’explique bien dans son livre, « Troubles dans le consentement« .

Il serait aussi opportun que les histoires se concentrent davantage sur le ressenti de la victime et les conséquences qui en découlent (à la fois sur la victime mais aussi sur son entourage).
Souvent la violence se résume à la vengeance qui est sensée apaiser la victime de son traumatisme.
Hors, c’est évidemment plus compliqué que cela. Les ressentis peuvent être tout à fait différents d’une victime à une autre, cela pourrait donc être une niche d’idées pour renouveler les représentations.
J’ai conscience que le rape & revenge a une dimension de « divertissement » avec la jouissance de voir un déchaînement de violence s’abattre sur les bourreaux, sans travailler les personnages. Mais on peut demander maintenant une évolution du genre. Surtout après #metoo.

Mais..il y a des éléments à nuancer. Tout d’abord, ces films peuvent aussi avoir une dimension cathartique. En effet, pour que celle-ci fonctionne bien, il faut de la peur, et de la pitié. Autant dire que le rape & revenge coche plutôt bien les cases.

Ensuite, même si la représentation de ces crimes est souvent puante et erronée, il reste que les femmes sont les 1ères victimes de viol. Au moins on ne perd pas de vue que c’est une oppression systémique envers les femmes.
De plus, plusieurs témoignages dans le podcast Les Pieds sur Terre de France Culture montrent la complexité du sujet. Une femme racontait qu’elle avait été victime 2 fois. La 1ère fois elle était allée devant la justice. La 2ème fois, elle s’est défendue pendant l’agression et n’a pas ménagé ses coups. Elle avouait que le fait de se défendre elle même, de reprendre en main la situation et donc le contrôle, l’avait beaucoup plus apporté satisfaction.

Enfin, le genre tend à proposer des films qui prennent un peu de hauteur. Même si Revenge souffre des défauts mentionnés plus haut, la scène de viol n’est pas voyeuriste. Par ailleurs, j’aime beaucoup le questionnement qui est posé sur le regard qu’on pose sur une héroïne qui joue de sa sexualité. Dans le regard des hommes cela leur donne l’autorisation de s’approprier le corps de cette femme. J’aime beaucoup le fait que c’est l’homme misogyne qui se retrouve nu dans l’affrontement final.

On peut noter aussi que si les films de Tarantino ne sont pas féministes à mon sens, il traite aussi les viols dans Kill Bill en hors champ, et n’en fait pas l’enjeu principal.
Je pense également à Elle, où la question du viol (qui plus est d’une femme d’une soixantaine d’années), est centrée sur les ressentis du personnage concerné.
Enfin, si l’excellent Alone fonctionne sur des ressorts scénaristiques propres au rape & revenge, le viol n’a pas lieu. Et la vengeance se fait aussi à travers la victime qui fait voir le vrai visage de l’agresseur à sa famille.

4-La femme guerrière

Alien, Terminator, Sucker Punch, Princesse Mononoké, Tank Girl…les femmes guerrières ne manquent pas. Personnellement j’ai grandi avec Ripley et Sarah Connor. Mes héroïnes d’adolescentes. Et à l’époque je ne me questionnais pas sur le fait que ça soit des femmes. Pour moi, c’étaient des personnages comme les autres.

L’héroïne femme ‘badass a des réelles capacités au combat. Ce qui en fait un personnage fort, du moins en apparence. Car on peut noter plusieurs bémols. Comme le syndrome Trinity (le fait qu’un personnage féminin soit plus fort que le masculin, mais finit par être là pour servir le héros). On peut noter ce cas dans Matrix évidemment, Harry Potter, Kick Ass et bien d’autres. Parfois, on peut non seulement constater le syndrome Trinity, mais en plus, le personnage féminin est ramené à une intrigue love interest, comme dans le 2ème opus des Gardiens de la Galaxie (dans ce cas, Gamora est en plus en rejet total).
On peut aussi noter les fembots, ces robots IA féminins qui sont une nouvelle forme de femme fatale combinée à une redoutable meurtrière accentuant le caractère dangereux des femmes (alors que ce n’est vraiment pas le reflet de la réalité).

Les tenues peu adéquates au combat posent aussi problème. Cela a pour conséquence de décrédibiliser les actions du personnage, mais aussi de le transformer en objet attirant pour le public masculin. Je suis encore dépitée de la course poursuite en talon face à un tyrannosaure dans Jurassic World.
Le traitement vestimentaire différent d’Harley Quinn dans Suicide Squad et Birds Of Prey en est l’exemple parfait.

A la fois, un personnage féminin associé à des caractéristiques masculines (comme Sarah Connor) a également ses limites. Car on retrouve la même problématique citée au dessus. Une femme n’a d’intérêt et ne peut qu’exister à travers des comportements masculins dominants.
Par ailleurs, si les héroïnes badass ne sont pas forcément victimes de viols, elles agissent pour se libérer d’une domination (Nikita, Batman le défi) ou parce qu’on les a d’abord attaquées sous une forme ou une autre (The Villaines, Lady Vengeance, Terminator).

Si je prends l’exemple de The Villaines (dont il faut saluer le splendide plan séquence au début), le personnage féminin est d’abord aux mains d’une agence de tueurs. Son père est tué, puis son mari, et elle doit se marier pour protéger sa fille. Enfin, celle-ci finit elle aussi, par être tuée. Ici, c’est son foyer qui est attaqué, on retrouve la notion de mère sacrificielle. En tous cas, impossible dans ce film de connaître la personnalité, l’histoire ou les caractéristique de ce personnage. Elle n’existe qu’à travers sa famille et son désir de vengeance.

Justice!

Impossible de ne pas parler de Ripley dans la saga Alien. Elle est en apparence, non genrée. Ni sexualisée, ni masculinisée, et son personnage n’est pas concerné par des problématiques liées au fait que ça soit une femme. Il a d’ailleurs été écrit à l’origine pour un homme.
Pourtant, son genre est rappelé plusieurs fois. La fameuse scène de la petite culotte, sa maternité (que ça soit via Newt dans Aliens, ou via le monstre dans Alien Ressurrection). Il y a aussi le début d’une idylle dans Alien 3, qui marque une hétérosexualité.
De manière plus générale, on note que l’intelligence artificielle s’appelle « Mother », et que la naissance des aliens est proche de l’idée qu’on se fait d’une grossesse (voire d’un accouchement!).

Ces rappels participent à développer une empathie pour le personnage, et à donner une raison d’avancer dans cette lutte sans fin, voire sans espoir. Mais on il aurait pu y avoir d’autres enjeux moins genrés aussi.
L’intrigue avec Newt (la petite fille d’Aliens), ne réduit pas subitement Ripley au statut de mère et surtout, ce sont des enjeux qu’on peut voir aussi avec des personnages masculins. Je pense notamment au merveilleux Logan ou La Planète des Singes, Suprématie.
Concernant sa relation avec Clemens dans Alien 3, on sent qu’elle est dominante. Elle est consciente du passé de Clemens, et refuse de trop se dévoiler. Elle se sert de ces éléments pour garder le contrôle.

L’écoféminisme s’invite

Tank Girl est un personnage badass à part dans le cinéma d’action. Délurée, punk (donc associée à la marginalité), elle est animée par un désir de justice. Pas de love interest, pas de maternité, ici le personnage est humanisée à travers l’amitié et l’altruisme. Apprêtée (entre maquillage et coiffure fantaisie), elle est également libérée sexuellement. Une scène assez représentative de l’esprit de Tank Girl la montre en train de s’embellir…en utilisant des ciseaux pour faire des trous dans son collant. C’est une manière très claire de montrer que le personnage soigne son apparence, mais selon ses critères, et en renversant des objets associés à la féminité. Elle est dénudée, mais pas sexualisée à mon sens. Elle me fait beaucoup penser à Harley Quinn dans Birds Of Prey ou dans une autre thématique, Gwen Stefani. Cette chanteuse a toujours eu un côté punk et énervé (il faut voir les live de No Doubt dans les années 90!), tout en soignant particulièrement son image.

Par ailleurs, la volonté de Tank Girl de rendre l’eau accessible à tout le monde dans ce monde post apocalyptique, est liée à la notion d’écoféminisme. C’est une branche du féminisme qui établit un lien entre les comportements masculins toxiques (plus de guerres, plus de capitalisme, et même consommer plus de viande), et drames écologiques. Par ailleurs, on sait que les femmes sont plus touchées par les conséquences du dérèglement climatique (plus de difficulté à aller chercher de l’eau). Je vous conseille l’émission Des Couilles sur la table à ce sujet.
On retrouve une thématique similaire dans Mad Max Fury Road. Les héroïnes reprennent le contrôle et font demi tour pour récupérer leurs terres, et ne sont donc pas dans une optique d’aller chercher ou coloniser une terre toujours plus loin.

Le personnage de Rebecca Ferguson dans les Mission Impossible est aussi un personnage assez peu genré, malgré ses belles robes. Elle surtout montrée d’emblée comme aussi forte que Tom Cruise, en maintenant une ambiguïté sur ses intentions. On ne sait jamais de quel côté elle penche, elle reste complexe à identifier. Et elle s’avère être au final l’égal de Tom Cruise. Elle sert d’abord ses intérêts légitimes, et on n’assiste pas à un énième love interest.

Je vous conseille l’émission sur le sujet, du podcast « Actioner ».

5-La méchante

Parce que oui les femmes sont aussi méchantes, le cinéma de genre nous offre des personnages diaboliques en tous genres.
Force est de constater que là encore, les motifs de méchanceté des femmes sont assez proches de ceux des hommes.
Il souvent question de pouvoir et/ou d’argent (Scream 4, Misery, Sleepy Hollow, Spiderman New Universe…).
Des enjeux liés au fait de conquérir, de manière large.

Les méchantes dans The Neon Demon sont dépassées par leur besoin avide de reconnaissance, mais via le pouvoir qu’elles ont grâce à leur beauté. Ainsi la sororité peut aller se rhabiller. Le film raconte surtout à quelle point cette notion est changeante, impossible à maîtriser et à comprendre. Les puissants ici sont des créatifs misogynes, qui font d’eux des entités d’autant plus insaisissables. Ce sont finalement eux la force maléfique.
Si les sorcières de The Craft utilisent la magie pour résoudre leurs problèmes, le basculement de Nancy vers le côté obscur est dû à sa terreur de perdre en puissance face à Sarah.

On retrouve aussi la classique thématique de l’amour. On tue parce qu’on a été responsable de la perte du bien aimé (Urban Legend), par rivalité (Happy Death Day), ou encore aveuglée par l’amour (La fiancée de Chucky).
A noter que dans Urban Legend, la serial killeuse en veut même à son amie de conclure avec le mec qui ne s’est jamais intéressé à elle. La traditionnelle rivalité féminine pour l’amour d’un homme… Quant aux femmes plus âgées, elles tuent pour défendre le fiston (Vendredi 13, Scream 2).

Il est intéressant de rappeler que les serial killeurs, notamment dans les slashers, tuent rarement pour ces raisons là. Il s’agit de vengeance (Maniac Cop, Jason, Nightmare On Elm Street), parce que… maman (Scream, Psycho), par démence ou perversité pure (Massacre à la tronçonneuse, Halloween, Maniac, Black Christmas, Le voyeur, Bloody bird..)
On constate là encore que si les femmes peuvent tuer pour des raisons similaires aux hommes, l’inverse est moins vrai.

Cruella d’enfer

Parfois les héroïnes font preuve d’une cruauté sans pareille. C’est le cas d’Amanda dans la saga Saw. Mais ses nouvelles convictions viennent d’un lavage de cerveau d’un homme, Jigsaw. Celui-ci lui reproche d’ailleurs régulièrement de ne pas avoir totalement compris sa démarche, à savoir donner une chance de survie à ses victimes. Elle n’est pas capable de comprendre la philosophie de Jigsaw et cède à des pulsions meurtrières.
Un lavage de cerveau sur des jeunes héroïnes qu’on retrouve dans We summon the darkness.

Ce constat renvoie à celui que l’on peut faire à propos des femmes terroristes. A cause de stéréotypes sexistes, on a du mal, encore maintenant, à concevoir qu’une femme peut décider de commettre des actes terribles au nom d’une doctrine ou d’une politique. Fanny Bugnon explique ce phénomène à travers son livre « Les Amazones de la Terreur » (terme donné par la presse), à travers notamment le groupe terroriste Action Directe.

Si La Mutante est mauvais, et qu’il repose sur le principe d’attirer le mâle, Sil est une extra terrestre qui ne cherche qu’à se reproduire pour coloniser la planète. Elle agit dans son propre intérêt, pour faire perdurer son espèce et conquérir un nouveau territoire (ça me rappelle quelque chose…).

Il y a aussi les méchantes ambigües comme Catwoman ou Poison Ivy. Les deux utilisent leur sex appeal. Catwoman agit de manière très individuelle, et à l’origine le personnage a un background beaucoup plus émancipateur que dans le film de Burton.
La transformation de Catwoman et Poison Ivy est due à des violences commises par des hommes.

6-Les héroïnes du cinéma d’horreur

Si on sort du film d’action plus ou moins horrifique, et qu’on s’intéresse à ce qu’on identifie comme film d’horreur, on constate que ce sont principalement des jeunes héroïnes. Des adolescentes, des jeunes adultes qui sont confrontées à des hommes. Un frère pour Laurie Strode dans Halloween, un petit ami pour Sidney dans Scream, un pédophile défiguré pour Nancy dans Nightmare On Elm Street. Mais aussi un ancien enfant persécuté dans Vendredi 13, un rôdeur dans Pas un Bruit, un psychotique dans Psycho, un pervers dans Black Christmas ou dans Terreur sur la ligne, mais aussi pourquoi pas, un pêcheur dans Souviens toi l’été dernier.

Ces films plus ou moins réussis, explorent les thématiques du passage à l’âge adulte, de la prise de contrôle sur sa vie, de l’émancipation.
Dans la plupart de ces films (dont beaucoup sont des slashers), ressort le concept de la final girl, théorisé par Carol Clover. Une héroïne souvent prude, sage, innocente, qui n’est pas déconcentrée par le sexe ou l’alcool, verra sa force sera révélée par l’attaque d’un croquemitaine. Elle est « final » car dernière survivante.
On peut y voir un aspect réactionnaire de ce concept, mais il peut être aussi tout à fait contrebalancé (je vous conseille l’article passionnant de Ciné Clob à ce propos). On peut y voir aussi la société puritaine qui tente de nuire au désir de liberté, et de contestation de la jeunesse.

Depuis l’apparition de Sidney dans Scream, le schéma de la final girl a évolué. La sexualité fait partie de leur vie quel qu’en soit la forme ( It follows, Midsommar, Us, Souviens toi l’été dernier, Happy Death Day..)

Ma tenue n’est pas une invitation

La plupart des héroïnes de films d’horreur ou des final girls sont en apparence inoffensives. Leur look est clairement identifiable comme féminin, mais tout en retenue. Elles portent souvent des jeans, éventuellement tee shirt fantaisie mais pas trop et coupe classique, chaussures conventionnelles, coiffure classique. En somme, elles se fondent dans la masse, voire respectent les codes que l’on attend de la femme « respectable ». Pas trop sexy ou excentrique, mais pas marginale, non genrée ou trop masculine non plus.

A mon sens, cette utilisation de ce costume permet au public de pas porter les préjugés classiques sur l’héroïne, ce qui permet de créer de l’empathie facilement. Par ailleurs, son apparence inoffensive décuple d’autant plus l’admiration, quand elle se met à charcuter.
Pourtant, une final girl pourrait être gothique (sans être déprimée), avoir des cheveux roses et bleus, aimer les maquillages excentriques, voilée (on peut rêver!), ou encore porter pull large et jogging en permanence. Ces styles aussi différents habillent des femmes toutes autant différentes derrière. On peut simplement se contenter de représenter…d’autres styles?

L’habit ne fait pas la moinesse!

C’est précisément ce que j’aime dans le passable In The Fade. Une héroïne d’âge moyen, rock n’roll et tatouée (et mère!) en est l’héroïne, et à aucun moment son look est utilisé ou mentionné pour l’intrigue. C’est simplement son style, et c’est tout.
On remarque un changement de style radical de Laurie Strode dans Halloween II de Rob Zombie. Elle passe du style traditionnel de la final girl à une rockeuse trash. Mais c’est en réaction au calvaire subit dans le 1.

C’est aussi palpable dans Mama, même si j’ai tendance à penser qu’on peut lier ça au fait que le personnage de Jessica Chastain est en opposition avec une pression sociale faite sur les femmes; celui d’être mère.
Un film comme Carrie, montre que se fondre dans la masse ne sert à rien. Carrie est moquée, alors que celle ci a fait tous les efforts pour répondre aux codes, notamment vestimentaires.

Le malin We summon the darkness joue précisément sur les aprioris de l’apparence. Il s’agit d’un trio de jeunes héroïnes pulpeuses, rockeuses, (en réalité aux mains d’une organisation de fanatiques religieux). Elles se servent de leur style pour à la fois séduire, mais aussi induire en erreur sur leurs centres d’intérêt, et donc leur milieu.
Même si on retrouve le schéma classique des jolies jeunes filles qui représentent le mal, j’y vois aussi l’occasion de montrer la superficialité masculine. Mais aussi une manière dont l’homme (représenté par le gourou), utilise le corps des femmes à ses fins (ici sa doctrine).

Comment ne pas citer la vampire de A Girl Walks Home Alone At Night ? En plus de réinventer le mythe du vampire à la sauce féministe (elle sillonne seule, la nuit, les rues de Bad City pour défendre les femmes et avertir les petits garçons). Le film se réapproprie la symbolique de hijab, tant décrit comme vêtement réduisant la liberté des femmes. Mais on reste ici dans l’idée d’une créature fantastique. Pas une femme « lambda ».

Bad moms

Il y a également une panoplie de représentations de la mère dans le cinéma d’horreur. La vidéo de Vidéodrome à ce sujet résume les différents portraits de mère. Je ne développerai pas plus car la vidéo est assez claire sur les concepts.

Les actions des mères sont donc souvent liées à leurs enfants ou leur famille. Ce qui est une évidence dit comme ça, pourtant quelques exemples viennent diversifier cette représentation.

Par exemple dans le très bon mais empreint de culture du viol Boulevard de la Mort, le personnage joué par Rosario Dawson est mère. Mais on ne voit jamais ses enfants, elle exprime simplement le fait qu’elle a besoin de s’amuser un peu.
Je retrouve la même idée dans Relic. Ce sont 3 héroïnes de 3 générations, dont 2 sont mères. Et leurs actions ne sont pas en lien avec ce statut, mais avec le fait de faire face à un problème universel de liens familiaux et de déchéance.
Les actions des mères ne devraient pas être définies uniquement en réaction à une atteinte à leurs enfants, ou famille.

Dans Us, film d’horreur à multiples lectures, Adélaïde est mère certes, mais son combat est intérieur, tout comme le reste de sa famille. Finalement, s’ils font équipe en famille, ils font bien face à un combat intérieur, face à eux même. Ou d’une partie reniée de la société, tout dépend de quelle lecture du film il est question.

Le film de loup garou, Les Bonnes Manières, présentent à la fois un couple lesbien, mais aussi une femme noire qui se retrouve par la suite, mère célibataire. Ce film montre les barrières territoriales des différentes classes sociales, et des discriminations qui en découlent. La mère bien qu’appartenant à la classe ouvrière, n’est pas dépeinte comme misérable. Elle est contrainte de protéger son enfant, dont la condition n’est pas compatible avec une libre circulation dans le monde dans lequel ils vivent. C’est vrai aussi que son personnage a des allures de mère courage, cependant elle s’approche plus de réalité de beaucoup de femmes.

A good woman is hard to find brosse le portrait d’une jeune veuve mère célibataire, acculée par la charge mentale et la pression sociale. Elle est piégée par un dealer, mais arrivée au bout de ce qu’elle peut supporter, se défend. Sa légitime défense aboutira sur une opportunité de vengeance, sans qu’elle ne l’ait réellement cherché. C’est un film émouvant, qui pointe des micros oppressions quotidiennes, qui semblent anodines, mais qui sont de réelles violences. Il y a là aussi, une dimension universelle.

7-Elles se démarquent

Même si les femmes agissent en réaction à une agression ou une domination, on peut aussi noter des personnages qui se différencient.

Vengeance, oui mais

Je pense à La Mariée était en Noir. Le traitement de cette héroïne vengeresse dont le mari a été tué le jour de son mariage est particulièrement intéressant (et pour une fois le concept de la « femme dans le frigo » est inversé). Elle n’est pas une guerrière mais parvient à éliminer un à un les malencontreux meurtriers. Elle use de stratagèmes, d’analyses de son environnement et les hommes sont ridiculisés en cédant à leurs réflexes masculins. En préférant laisser l’intendance de leur foyer à une inconnue, et évidemment en étant attiré par elle. Le personnage féminin est discret, mais reste imposant.

Si 3 billboards se base sur un principe de rape & revenge, et est un cas à part. C’est un personnage féminin qui reprend les codes du masculin, tout en n’étant pas véritablement guerrière. De plus, on oscille constamment entre empathie pour le drame qu’elle a vécu et sa quête (sa fille a été violée et tuée, et le meurtrier n’est pas recherché), et agacement. A la recherche de justice, elle manque parfois de logique et d’altruisme. Et c’est toute la réussite du personnage à mon sens. Vivre la perte d’un enfant, dans ces conditions, en constatant l’incompétence des forces policières peut engendrer confusions et paradoxes.

Le personnage féminin dans Wedding Nightmare est une fraîche mariée qui devra survivra à sa toute nouvelle belle famille en proie à une malédiction. Elle devra affronter un système patriarcal et religieux, deux éléments qui donnent une dimension plus universelle quant à la domination que subissent les femmes. Je vous laisse apprécier la vidéo de Demoiselles d’Horreur qui développe ce sujet.

Une vraie sororité

Dans Assassination Nation, 4 adolescentes se rebellent contre la culture du viol et le cyberharcèlement. Le final, on ne peut plus jouissif, fait le bilan global des principes de domination, et appelle à une sororité pour mener la lutte ensemble.
Par ailleurs c’est un des rares films (même en dehors du cinéma de genre), qu’une femme transgenre existe en tant que personnage en dehors de cette identité, avec un vrai background qui y fait référence, sans l’occulter non plus. Et interprété par une personne concernée, Hari Nef. Ca change tout dans la manière de jouer, de penser le personnage.

Helen de Candyman mène une enquête sur la légende du croquemitaine, avec en fond, des thématiques sur le racisme et le sexisme. Elle agit d’abord parce qu’elle a besoin de faire ses preuves, dans un système professionnel patriarcat qui ne la prend pas au sérieux.
Dans Planète Terreur, Cherry se retrouve amputée d’une jambe, qu’elle remplacera par une arme. Un handicap transformé en force donc. Et si le personnage est sexualisé à outrance, elle agit dans l’intérêt du groupe, pour résister à ce monde apocalyptique.

L’exemple de The House of Sorority Row est intéressant. On est dans une ironie dramatique. C’est à dire qu’on en sait plus que les héroïnes sur le background d’un personnage central. Pourtant, la mise en scène ne cesse de nous amener sur une fausse piste, et on finit par mordre à l’hameçon (en tous cas ça a été mon cas, tant l’idée d’une vieille serial killeuse me plaisait!). Parallèlement, les héroïnes sont aussi sur une autre fausse piste. Ce qui créé un véritable empathie avec cette sororité.
Les victimes sont principalement des jeunes femmes et cette fois, ce sont les hommes qui sont tués sans raison. Ils sont d’ailleurs quasi absents et inutiles. On assiste à deux générations de femmes en opposition, qui ne se comprennent pas.
Dommage que le film propose une énième histoire de fils difforme, adoré par sa mère.

Les héroïnes victimes de discriminations ciblées

L’excellent Run a comme héroïne une adolescente handicapée moteur. Elle est à la fois indépendante et inévitablement vulnérable, mais utilise toute sa logique et son esprit astucieux pour se débarrasser d’une mère pathologique. Grâce à une mise en scène soignée et un montage carré, une simple maison devient un terrain remplit d’obstacles, dès lors qu’une personne valide en décide. Une belle métaphore de notre société validiste.
Je regrette le rebondissement final, qui en plus d’être de trop, semble faire dire au film qu’une mère biologique ne commet pas d’actes aussi horribles. Que ce n’est l’affaire que d’une femme devenue folle après la perte de son bébé. Pourtant l’affaire Gypsie Rose l’a bien prouvé.

Par ailleurs, j’ai été frappée par cette mise en scène qui sonne juste dans les moments de tension. J’avais la sensation d’une nouveauté dans la manière de représenter ce handicap. Et il se trouve que l’actrice principale, Kiera Allen, est une personne concernée par le handicap. Je ne répéterai jamais assez qu’il est capital de laisser de la place pour les personnes concernées qui ont le pouvoir de renouveler les histoires et les représentations.
C’est un 1er rôle pour l’actrice qui ne manque pas de rappeler en interview qu’une personne handicapée ne doit pas être définie par cela. C’est tout de même le cas dans Run, dont le handicap est l’élément central de l’intrigue, malgré que le personnage de Chloé soit soigné.

Bad Hair, met en scène une jeune héroïne victime de racisme, de domination de classe. C’est l’occasion pour le réalisateur de Dear White People d’évoquer des questions autour du colorisme, ou de réflexions racistes autour des cheveux afro, notamment féminins. En effet, la jeune femme est victime de cheveux meurtriers (oui oui), après avoir dû se conformer à une norme pour obtenir un poste. Même si certaines critiques considèrent que le film est coupable de misogynoire.

La scène où Anna décide de finalement de modifier sa coiffure est représentative de la thématique du film. Elle se rend dans un salon de coiffure qui a tous les codes des dominants. Il est luxueux (donc difficilement accessible à la classe moyenne alors que ce sont ce que les dominants attendent d’eux). C’est compliqué d’obtenir un rendez vous compte tenu de sa notoriété. C’est donc un lieu déjà impressionnant. Ensuite, quand elle se fait coiffer par Virgie (géniale Laverne Cox), on ressent toute la douleur vécue par Anna. A la fois physique (les rajouts sont brutalement attachés à ses cheveux), et psychologique (elle laisse une partie de son identité).
A aucun moment, Anna se bat. Elle essaye tant bien que mal de garder ses valeurs tout en survivant dans un système dur envers elle.

Les sorcières de The Craft (pitié ne regardez pas le reboot), agissent dans une optique de reconstruction personnelle ou en réponse à des comportements sexistes ou racistes. Donc des oppressions systématiques, dans lesquelles plusieurs personnes ayant ces problématiques, peuvent se reconnaitre.

D’autres enjeux sont possibles!

On le constate, les femmes agissent principalement en réaction à une agression, que ça soit envers elle, ou quelqu’un de sa famille. Les actions purement politisées, notamment pour lutter contre un système oppressif (et donc violent envers un cercle élargi), sont relativement marginales. Tout comme des actions en lien avec une réflexion philosophique, métaphysique, ou tout simplement liée aux relations humaines.
Mais les films mettant en scène ce type de personnages féminins ne sont pas inexistants pour autant.

L’impressionnant Possession évoque le parcours d’une femme délaissant enfant et mari pour une relation avec une entité monstrueuse. C’est aussi l’occasion de montrer la destruction sociale et culturelle engendrée par le régime communiste. Le personnage joué par Isabelle Adjani montre un corps et une âme en totale errance, reconstruction.
Relic pose le portrait de 3 héroïnes de 3 générations qui font face à la vieillesse, au deuil, et surtout au temps qui détruira inexorablement la génération qui nous précède.

Le personnage fantômatique de La Llorona (le film guatémaltèque), est un personnage qui hante discrètement mais réellement la maison d’un dictateur. Elle n’est pas violente, et même si sa présence est liée au massacre de ses enfants, elle est aussi politique. Sa présence est là pour dénoncer, et surtout enfin verbaliser le génocide (plutôt méconnu des européen.nes), des Indiens Mayas sous la dictature au Guatemala, dans les années 80.
Dans ces films, les femmes ne se battent pas, mais existent pour une raison spirituelle et/ou politique. On peut noter bien sûr la saga Alien, mais aussi Resident Evil. Dans le genre policier, Fargo met en scène une policière qui gère grossesse et enquête, de front.

Ces enjeux permettent aux personnages féminins d’exister en tant qu’individus. De par leur métier, ou de leur histoire. Avec ses qualités, défauts, ses manières d’interagir et comprendre le monde.

8-Et maintenant?

Quel ce que soit le sous genre concerné, les héroïnes sont principalement des femmes jeunes. Même si on note quelques exemples avec Serial Mother, Relic, Mad Max ou Elle, les femmes entre 50 et 90 ans, sont (comme ailleurs au cinéma) très absentes. Pourtant, l‘émancipation, la réaction à un système de domination, sont des thématiques passionnantes qui existent aussi pour ces femmes, sous d’autres formes, avec d’autres enjeux. Mais j’imagine que dans la mesure où elles sont invisibilisées dans la vie, elles passent aussi plus souvent sous l’intérêt des radars des scénaristes.

The Substance a permis à Demi Moore d’obtenir le rôle qui restera le plus marquant dans sa carrière à 60 ans, tant il aura apporté reconnaissance et récompenses. Le film traite de l’âgisme avec flamboyance et rage. Son succès confirme que le public est en recherche de représentations d’héroïnes de tout âges, et que la vie des femmes plus âgées n’est pas finie. Ce sont des héroïnes complexes et riches.
On peut noter aussi que dans tous les exemples cités dans cet articles, les héroïnes racisées, identifiées comme LGBTQI+, etc..bref des minorités, se comptent sur les doigts d’une main, surtout dans le mainstream.

J’ai souvent lu des interviews de réalisateurs de cinéma de genre qui expliquaient leur fascination pour le genre féminin. Que c’était pour cette raison qu’ils mettaient en scène des héroïnes. Pour mieux les comprendre, pour sublimer leurs forces, leurs faiblesses. Cette réponse m’a toujours posé questions.
Ce que je constate, c’est qu’ils sont fascinés par l’attitude que les femmes adoptent dans un monde qui leur est hostile. Monde créé par et pour eux, dont certains continuent de perpétuer consciemment ou non, des comportement toxiques, violents, dominants. Et permettez moi de trouver cela particulièrement ironique.

Quel est le sens de la l’héroïne « forte »?

Finalement qu’est ce qu’une héroïne forte? Une femme qui se bat, qui se rebelle, qui lutte? Oui mais que doit-on penser des femmes qui peuvent/veulent pas se battre? Une femme ayant un handicap ne pourrait-elle pas être forte? Des femmes qui n’oseront jamais s’imposer physiquement ou verbalement ne sont donc pas fortes?

Plus j’y pense, et plus la notion de « femme forte » n’a finalement pas beaucoup de sens, et se réduit souvent à la capacité des héroïnes de mimer des comportement masculins.
Et ces comportement sont toujours valorisés, contrairement aux actions associées au féminin. Par exemple, une petite fille qui joue avec des jouets dits de garçon sera valorisée ou alors on la laissera tranquille. C’est beaucoup moins le cas pour un petit garçon qui joue avec des jouets « de fille ».

La force se mesure de différentes manières (on l’a vu dans les exemples au dessus), quels que soit les genres. D’ailleurs, ça serait l’occasion de sortir de ces représentations binaires. D’introduire des personnages transgenres, gender fluid…Car si le cinéma de genre brille par sa présence de femmes (contrairement aux autres genres de cinéma), il reste très frileux sur la représentation de la communauté LGBTQIA+, de manière générale, surtout dans le mainstream.
Est ce que c’est parce qu’on a longtemps cru qu’il n’intéressait que les mecs cis hétéro virils? Je ne sais pas. En tous cas, il y a beaucoup à faire.

La violence exercée par les femmes est nécessaire aussi, car elle est en réaction à un système oppressif, violent et meurtrier. Qui plus est, la violence dans les rapports humains est inhérent au cinéma de genre.
Le fait qu’une femme soit capable de prendre les armes, lui permet aussi d’être autonome, dans une société qui est dangereuse pour elles.
Mais on l’a vu, cette représentation de la violence doit être bien traitée, pour valoriser le personnage féminin.
Cette idée reçue qu’une héroïne est guerrière, a pour conséquence une injonction supplémentaire. A savoir que les femmes qui ne le font pas, seraient faibles.
Par ailleurs, varier les raisons des actions et des enjeux des héroïnes dans le cinéma de genre, permettrait de proposer de nouvelles histoires. Et oui, j’en arrive souvent à la même conclusion…

SOMMAIRE

1-La perception de la femme forte

2-La femme, victime?

3-Souffrances sera ton destin

4-La femme guerrière

5-La méchante

6-Les héroïnes du cinéma d’horreur

7-Elles se démarquent

8-Et maintenant?

Liste des films évoqués:

L’article [ Dossier ] Les héroïnes dans le cinéma de genre est apparu en premier sur Bon chic Bon genre - cinéma de genre(s).

« L’important c’est le film, pas de savoir si c’est un réalisateur ou une réalisatrice« . Cette phrase on l’entend régulièrement lors de débats houleux autour de la parité dans le cinéma. On retrouve la même logique dans la critique d’art. Dont la parité est loin d’être une réalité.

J’ai lu et entendu des arguments qui non seulement sont d’un grand mépris, mais aussi hors sol. Si Slate (dont l’article donne déjà quelques chiffres) et Madame Figaro se sont déjà emparées du sujet, la place des critiques cinéma femme reste un sujet touchy.
Alors, pourquoi est il important d’avoir aussi la parité dans la critique cinéma?

Les oppressions systémiques, ennemis de la parité

Je partirai du principe que c’est acquis que vous ayez conscience que nous vivons dans une société sexiste, raciste, validiste, homophobe, psychophobe, classiste, transphobe, etc…

Notre société est pensée par et pour des hommes blancs cis hétéro, et pour des personnes se conformant aux attentes d’un système basé sur le capitalisme. Que vous en soyez un mec cis hétéro sympa ne change rien au problème. On parle ici de société structurelle, systémique, pas d’anecdotes personnelles. Si vous n’êtes pas d’accord avec ça, ou que ça vous paraît obscur, le reste de l’article n’aura pas beaucoup de sens pour vous.
Et la recherche de parité est une partie de la solution à ce problème. A savoir, réduire les inégalités.

La difficulté de remettre en question ses certitudes

Mais si vous êtes d’accord avec ça, peut être êtes-vous moins sensibles au fait que vous avez forcément des biais qui font que vous avez des réflexions de sexisme ou de racisme ordinaire.
Je m’explique. Je suis blanche. Vivant dans une société structurellement raciste, j’ai forcément des biais qui font que je peux avoir des réflexions racistes sans le savoir, sans le repérer, sans le comprendre tout de suite. Suis je raciste pour autant? Non. L’exemple le plus parlant ce sont des blanc-hes qui disent ne pas voir les couleurs de la peau. Ca part d’un bon sentiment. Mais ça participe à nier l’identité des personnes, ses oppressions, ses problématiques propres. Et ça ne fait pas disparaître le racisme. Au contraire, ça participe à invisibiliser le réel problème. Ca parait anodin, et pourtant, la problématique liée aux cheveux crépus par exemple, est un véritable axe politique dans Black Panthers.

Toujours est il que c’est valable pour n’importe quelle oppression que nous ne vivons pas. Ainsi, il faut avant tout avoir une capacité à se remettre en question. Et si cette démarche peut vous paraître curieuse, plongez vous dans des études sociologiques qui expliquent par des faits et analyses comment la société est construite de ces oppressions. Nous avons des visions à déconstruire.

Voilà pourquoi il est important d’avoir une diversité et une parité dans la critique, qui nous permet de poser d’autres regards sur les oeuvres. De nous ouvrir à d’autres lectures et surtout d’élargir notre esprit critique.

Le cinéma s’inscrit dans la réalité

Tout ça pour dire que comme nous ne vivons pas tous-tes les mêmes oppressions systémiques (voire certains aucune), nous ne pouvons pas avoir le même regard sur le monde. Donc sur le cinéma. Par conséquent, certain-es peuvent comprendre ou déceler et voir des choses que d’autres ne comprendront jamais. Et c’est plutôt une richesse de prendre connaissance d’un regard que vous n’avez peut être pas sur un film non?

Ce qui est plus problématique, c’est d’insinuer que des arguments basés sur la réalité du terrain, ne sont pas recevables pour critiquer un film. Si on pense cela, ça veut dire qu’on conçoit le cinéma déconnecté du monde, de la réalité, des enjeux de société.
Or, on sait que le cinéma est un formidable outil pour refléter notre monde. Donc ces arguments n’ont aucun sens. Si ce n’est préserver une sorte de « liberté » à tout prix. Dans tous les cas, les films ne sont pas censurés non? Alors où est le problème? Ils continuent de faire des entrées et d’êtres récompensés, à l’image de J’accuse de Polanski.
La parité n’est pas synonyme de liberté en danger. Mais plutôt de varier les points de vue sur un film.

L’important ce sont les arguments

Mais oui. C’est vrai. Evidemment que critiquer un film nécessite de s’appuyer sur la mise en scène, l’écriture des personnages, montage, etc. Et il me semble que nous avons tous-tes des avis différents, et une manière de recevoir un film qui diffère. Cela est lié à notre personnalité, notre histoire, nos vécus actuels, nos évolutions…Nous nous nourrissons de cela pour apprécier ou pas un film. Nous avons pour la plupart des engagements dans notre vie (associatifs, artistiques, humains…). Et l’engagement féministe peut faire parti d’un quotidien.
Pourquoi, alors cet engagement n’aurait pas de légitimité? Pourquoi n’aurait il pas sa place dans la critique?
Il y a aussi des critiques féminines qui sans parler d’un engagement au quotidien, ont envie de voir à l’écran des représentations de personnages de femmes qui leur ressemblent, qui ne sont pas majoritairement vides ou sous traités.
Et on peut tout à fait avoir des arguments solides pour démontrer une vision misogyne d’un personnage.

Par ailleurs, des hommes sont tout à fait capables de démontrer la force d’une oeuvre féministe. Je pense par exemple à Alphi qui décortique la mise en scène magistrale de Fleabag.

La censure

La critique féministe est souvent associée à la censure. A ce sujet, je vous conseille d’écouter le podcast de Sorociné à ce sujet.
Si parfois on ne peut que noter une certaine mauvaise foi, il est bon de rappeler que la critique féministe n’a pas vocation à brûler les oeuvres d’antan. Celles ci sont même des témoignages d’une époque, d’une manière de filmer. La critique féministe a plutôt comme objectif de proposer une nouvelle lecture de scènes, de personnages qui peuvent être problématiques. Dans l’idée d’encourager à créer des choses différentes aussi car je ne vois pas l’intérêt pour l’art de perpétuer les mêmes représentations. Je trouve cela même positif de valoriser un cinéma qui essaye de renouveler des schémas afin d’être à son tour, un témoin de son époque.

Si on reprend l’exemple des nominations de Polanski aux Césars, il y a des critiques féministes qui ont fait des recherches basées sur des faits pour montrer l’absurdité d’une soi disant censure. On a le droit ne pas être d’accord, mais on ne peut pas dire que c’est basé sur des convictions personnelles qui ne sont pas ancrées dans la réalité. Je vous propose de regarder la vidéo de Dolorès Critiques qui est tout à fait pertinente:

La parité, ce mirage

Je me suis donc penchée sur les représentations des critiques dans des revues de cinéma et des sites web. Ces chiffres sont donnés à titre d’éclairage, ce n’est pas une critique du contenu. La question n’est pas non plus de savoir si ces media sont conscients du problème ou pas, s’ils y travaillent ou pas et dans quelles mesures. Ici c’est simplement un constat.

Presse papier

Première

J’ai passé en revue 40 critiques publiées sur leur site et j’ai compté 16 critiques dont 4 femmes. Par ailleurs, les critiques sont rédigées majoritairement par 3 journalistes hommes (dont un qui cumule 13 critiques quand le second qui le talonne en a 5). Les noms de ces femmes critiques ne reviennent qu’une fois ou deux.

Les Inrockuptibles

Je suis remontée jusqu’à février 2020 donc 72 critiques. J’ai noté le nom de 13 critiques dont 3 femmes. Point positif, l’une des critiques femmes Marilou Duponchel revient 12 fois et celui de Bruno Duruisseau 18 fois. Elle fait partie des trois principaux critiques qui reviennent le plus.

Mad Movies

Sur l’ensemble des critiques postées, j’ai noté 8 critiques hommes. J’ai aussi été vérifier dans les quelques numéros que je possède et aucune femme. En même temps Mad Movies est aussi connu pour ses rhétoriques parfois bien teintées de sexisme.

Web

Ecran Large

Sur Ecran Large je compte 10 critiques dont 3 femmes, sachant que là aussi, la majorité des critiques sont rédigées par 2 hommes (surtout un qui en compte 27 sur 55 que j’ai parcourues).

Le Bleu du Miroir

Le Bleu du Miroir est l’un des seuls sites qui répertorie le nom de ses contributeur-rices dans sa barre de navigation. Il y a donc 12 personnes dont 3 femmes. Et sur les 3, 2 ont droit à 9 et 11 pages de critiques, relativement similaire aux hommes.

Télé, radio, YouTube

Le Cercle

Seule émission télé de critiques de films Le Cercle est diffusé sur Canal plus, et existe depuis 2004. Je compte 31 intervenant-es dont 12 sont des femmes. Donc on peut dire qu’on est vraiment pas loin de la parité, d’autant plus que celle ci est toujours respectée sur le plateau. Le problème de la télé c’est que ça se voit tout de suite quand il manque de femmes, du coup l’effort est d’autant plus nécessaire. En revanche, on y voit majoritairement des blanc-hes.

Le Masque et La Plume

Cette émission phare et historique de France Inter qui continue à ne pas remettre en cause ses différentes sorties sexistes et homophobes comptent 35 intervenant-es dont 8 femmes. La parité est globalement respectée lors des émissions.

YouTube

Si vous tapez « les cent premières chaînes de cinéma YouTube », ou « chaîne YouTube cinéma » il y a deux chaînes tenues par des femmes qui sont citées: Perle ou Navet et Les Chroniques de Vesper (citée une fois).

En 2017, la seule chaîne tenue par une femme qui apparaissait dans le top 10 est Ginger Force (et encore elle ne traite pas que de cinéma) qui compte 48 400 abonnés malgré que la chaîne n’existe plus.
Maintenant, la youtubeuse en tête est Clara Runaway qui a eu droit à un article dans les Inrocks et Télérama, avec 100 000 abonné-es.
Si on compare avec les plus grosses chaînes YouTube c’est cacahuète:

-Le Fossoyeur de films: 783 000 abonné-es,
-Captain Popcorn: 481 000 abonné-es,
-In the Panda: 319 000 abonné-es,
-Durendal: 297 000 abonné-es,
-Alt 236: 243 000 abonné-es,
-Nexus VI: 211 000 abonné-es,
-Scinéma: 126 000 abonné-es,
-Versus: 121 000 abonné-es,
-Licarion: 113 000 abonné-es,
-Azz l’épouvantail: 106 abonné-es…

Paye ton invisibilité

Conclusion: Une YouTubeuse cinéma dépasse les 100 000 abonné-es quand on compte au moins 6 youtubeurs qui dépassent les 200K. Et n’allez pas me dire que c’est une question de qualité de contenu parce que vous comme moi, on sait que ne serait ce que dans cette liste, il y a à redire.
La parité est un idéal que les YouTubeuses sont loin d’approcher.
Après si jamais vous en trouvez une, n’hésitez pas à me la signaler, je la noterai avec plaisir!

Alors pourquoi? Par manque de confiance, par manque de crédibilité accordée aux femmes de façon consciente ou non et aussi par peur des représailles. Le cyber harcèlement concerne principalement les femmes.

J’en profite pour vous conseiller des chaînes tenues par des femmes:

–Demoiselles d’Horreur,
–Laura Fait Genre,
–Vidédrome,
–Dolorès Critiques,
–Welcome to Prime Time Bitch,
–SweetBerry,
–Amazing Lucy,
–Cinémaniaque,
–La Manie du Cinéma,
–Cinéma et politique,
–Zoétrope,
–AnneLyse Desanto,
–Les Nécroniques de Laya

Enfin, s’il est déjà assez compliqué d’avoir une vision globale du problème pour les femmes, c’est d’autant plus difficile pour les personnes racisées. Mais le problème de fond est le même. Le cinéma a vocation à raconter les histoires de personnes aussi différentes soient elles de par le monde. Il parait logique que la critique cinéma doit être aussi diversifiée.
Le problème n’est pas de « censurer » des oeuvres, mais plutôt d’offrir un maximum de points de vue possibles sur un film. Mais aussi de visibiliser des films qui s’attacher à proposer des histoires différentes, des personnages riches, des mises en scènes innovantes…Et ce n’est pas en valorisant un seul point de vue que le cinéma va s’enrichir (sauf le tiroir caisse).

L’absence de parité est un problème qui touche tous les secteurs. Seulement, ce problème reste un non sujet dans la critique cinéma, notamment dans le milieu amateur. Il est temps que ça change.

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Être féministe cinéphile c’est tout un art. Entre female gaze, politiquement correct, violences, le cinéma de genre est l’exemple même à quel point il est compliqué de représenter justement, les violences sexistes.

Le cinéma est art dominé non seulement par les hommes, par leur regard, on ne peut nier le manque de diversité dans les angles posés sur les personnages. Qu’ils soient féminins ou masculins.
Et s’il y a bien un genre où les femmes sont présentes, c’est le cinéma de genre. Pour le meilleur et pour le pire.

La violence face aux violences sexistes, catharsis nécessaire?

Ma réflexion démarre avec un article de Slate dont l’autrice était scandalisée par la violence graphique dans la série The Handmaid’s Tale. La série était accusée de sexisme.
C’est aussi un reproche fait à Irréversible de Gaspard Noé. Et c’est régulièrement la même réflexion que j’entends à propos de Martyrs de Pascal Laugier.
Une chose est sûre, il n’y a pas une seule lecture de ces films.
La capacité à regarder de la violence, et notamment les violences sexistes quand on est une femme, dépend de notre sensibilité, et de notre capacité à encaisser de nouvelles violences en plus de celles vécues au quotidien.

Pour autant, il reste passionnant d’analyser les points de vue caméra, les procédés de mises en scènes, les écritures de situation et de personnages pour tenter de prendre du recul et de comprendre le sens de ces images.

Mon objectif ici est plutôt de questionner la portée narrative ou philosophique de la violence à l’écran. A quel moment elle participe à dénoncer le sexisme. Et plus largement d’interroger l’utilité de représenter les violences envers les femmes.

La nécessité de montrer la violence

On m’a souvent fait remarquer qu’on voit suffisamment de violence dans le monde pour aller en voir délibérément sur un écran.
Cette violence là, qui passe par la photographie ou la vidéo, ne permet pas de prendre du recul pour comprendre pourquoi et comment on arrive à cette violence là. Il a un caractère informatif, qui pour le pire et le meilleur déclenche de l’émotion avec toutes les dérives liées.
La fiction permet de se questionner, de proposer des solutions, des réflexions. La réalité, on la subit et c’est tout.
Par ailleurs, alors qu’on se plaint de l’individualité de la société, de sa violence, de ses incohérences, il serait illogique que des êtres humains la questionnent?
Quoi de plus normal que des êtres humains aient besoin d’interroger notre rapport à la violence, à la réalité?

Les violences sexistes dans le cinéma de genre ne sont pas nécessairement teintées de sexisme. Elles sont parfois utiles pour représenter les douleurs, les conséquences, de celles-ci.
La nécessité de montrer la violence, et parfois ce qu’on appelle « graphique » (c’est à dire gore), est aussi nécessaire que de nommer les choses.
Je prends souvent l’exemple du féminisme. Pourquoi on doit utiliser le terme de féminisme et pas d’humanisme, alors que les deux termes désignent la lutte pour l’égalité?
Parce que le féminisme désigne spécifiquement les oppressions subies par les femmes, que les hommes ne connaîtront jamais. Si on ne nomme pas un problème, on ne peut pas l’identifier. Si on ne peut pas l’identifier, on ne peut pas le combattre.

C’est la même chose pour les violences. Donc la montrer (avec évidemment une mise en scène choisie), c’est montrer qu’elle existe. Ainsi, le public peut prendre conscience de cette violence, de sa portée, et de son intensité. Mais aussi de ses conséquences, voire de ses causes. Bref, la montrer c’est se donner l’opportunité de la comprendre. Les violences sexistes ont tellement de différentes facettes.
Et contrairement à ce qu’on entend souvent, expliquer n’est pas excuser. Encore une fois, si on explique pas, comment comprendre? Et si on ne comprend pas, comment savoir lutter?

Pour illustrer cette confusion, on peut prendre l’exemple de deux films:

• Promising Young Woman: Certaines critique féministes ont fustigé le fait que Cassie soit tuée à la fin. Comme si le personnage féminin qui se battait contre le viol perdait une seconde fois. Cassie serait donc montrée comme faible. Pourtant, c’est contrebalancé par le fait que les coupables sont quand même punis en raison de l’intelligence de Cassie qui avait anticipé la violence masculine. Elle savait qu’elle risquait la mort. Et c’est bien la réalité: les hommes tuent les femmes.
  On a aussi critiqué le fait que la femme violée s’est suicidée et que donc elle n’apparait jamais à l’écran, c’est Cassie qui prend le fardeau de lui faire justice. Pourtant Cassie se met en danger tous les soirs pour sauver des femmes en confrontant les hommes à leurs comportements: elle a un angle d’action systémique. De plus, le film montre l’impact des violences sexuelles sur l’entourage. Car elles ont aussi une incidence sur l’entourage et peu de films le traite.
• The Substance: On a pu lire via des sites de critiques féministes notamment qu’il était problématique que les deux personnages féminins se battent à la fin. Comme si la sororité ne pouvait décidément pas exister dans cette critique de l’âgisme. Mais c’est pourtant le reflet même de la domination patriarcale qui divise les femmes et les met en compétition pour mieux les soumettre. C’est important de visibiliser cette conséquence.

La revanche du viol

Il existe un sous genre du cinéma de genre qui s’axe spécifiquement sur une violence faite en majorité sur les femmes, le viol. Le rape and revenge.
Il s’agit de la vengeance d’une femme qui a été violée et souvent battue, voire torturée. Ce sont des films majoritairement réalisés par des hommes (L’ange de la vengeance, I spit on your grave, La dernière maison sur la gauche, Crime à froid,…). Même si Virginie Despentes et Coralie Trinh Thi ont déversé rageusement Baise Moi en 2000. Coralie Fargeat a fait aussi une entrée fracassante pendant la vague Me Too avec Revenge.

Le viol, sujet touchy

Le rape and revenge est un sous genre questionnable de par sa nature (baser son histoire et ses personnages sur l’unique question de vengeance suite à un viol et rien d’autre, avec une déculpabilisation dérangeant du spectateur) est souvent emprunt de sexisme. Car on y retrouve les clichés du viol:

• Associer fille sexy et pulsions sexuelles des violeurs,
• Les violeurs sont souvent des inconnus,
• Mise en scène voyeuriste des viols (on voit tout ou presque, avec un regard extérieur)

C’est pourtant un genre qui pourrait être beaucoup plus intéressant. Car l’écrasante majorité des viols est commis dans le cercle proche. Et le rape and revenge l’ignore complètement. Le viol est un fléau dramatiquement banal, il est nécessaire que le cinéma de genre s’en empare mieux.

Coralie Fargeat avait un peu rabattu ces carte dans Revenge. Car elle s’attache à nous projeter à travers le regard de la jeune femme, qui s’emploiera à tuer non seulement son bourreau, mais le témoin et la personne qui cautionne et banalise. Ici c’est le rôle de la société qui est interrogé. Pas uniquement le coupable.
Mais le film mêle aussi le regard sexualisé que les hommes portent sur le corps de l’héroïne. Corps qui deviendra malgré tout un outil de combat, transformé grâce à un élément fantastique.

Violation de Madeleine Sims-Fewer et Dusty Mancinelli révolutionne la manière de représenter les violences sexistes et sexuelles, et notamment le rape and revenge. Le viol est commis par un proche, et surtout « sans » violence, sans menaces, sans agression au préalable. Et la narration construite en aller retour, permet de contextualiser la situation.
Délivrance de John Boorman est l’un des seuls qui représente un viol subi par un homme. Autre tabou de société qui serait intéressant d’analyser.

Quand la violence est alliée du sexisme

Mais si la représentation explicite de la violence est nécessaire, le cinéma de genre peut aussi de laisser aller à du sexisme.
On ne compte plus le nombre de films d’exploitation, notamment dans les années 70/80, qui regorgent de sexisme. Mais leur qualité et notoriété étant plus aléatoires, je me concentrerai sur des formes de production de films plus classiques.

Le slasher, mauvais élève

Même si j’ai une tendresse particulière pour la saga Halloween, les personnages (victimes) féminins sont toujours objectifiés. Pire, les divers réalisateurs ont usé et abusé de l’utilisation du sexe comme péché devant être puni. Résultat, en plus d’une morale nauséabonde, on nous montre souvent des corps de femmes dénudées, lardées de coups de couteaux.

Et si j’aime les films de Rob Zombie, il faut avouer que la mise en scène des meurtres des femmes sont souvent problématiques. Lors des meurtres, elles sont très souvent dénudées, sexualisées.
On peut ainsi noter une objectification totale de la sœur de Mickaël Myers lorsqu’elle se fait tuer par ce dernier (même si de toutes façons le male gaze est permanent chez Zombie).
Dans le deuxième film, ce qui m’a interpellée particulièrement c’est le meurtre d’une jeune femme dans une caravane s’apprêtant à copuler. Myers arrive derrière elle, et la manière dont le meurtre est filmé, fait référence à un coït.
Sans compter Annie, qui est totalement nue lorsque Myers la massacre. Et pourtant j’adore cette dernière scène, que je trouve particulièrement émouvante. Le montage humanise profondément la victime. Mais pourquoi les mettre nues? De la même manière que beaucoup de personnages féminins se font attaquer dans leur bain. Avez-vous souvent vu des hommes se faire tuer dans leur bain?

Dans le mauvais Vendredi 13 de 2009 réalisé par Marcus Nispel, prenons la scène de meurtres dans le lac (qui fait un fort clin d’œil aux Dents de la Mer). La jeune femme qui est à demi nue (ba wai c’est plus pratique pour faire du wakesurfing), est tuée d’un coup de machette dans le crâne par Jason. La victime cachée sous un ponton, Jason plante sa machette à travers le bois et l’embroche comme un cochon. Et pour récupérer sa machette, il vient hisser le corps de la malheureuse, laissant apparaître sa poitrine généreuse, et retire sa machette du crâne en appuyant celui ci contre le bois. L’aspect comique de cette scène est malvenue, car le film n’est absolument pas dans cette tonalité. Cela participe à représenter la femme comme un objet, une viande, une violence qui est grotesque.
Demoiselles d’Horreur décortique cette séquence dans cette vidéo (à 1H04):

Ce sexisme n’est en rien du politiquement incorrect subversif. Ces scènes ne font que reproduire des images que l’on voit depuis…toujours dans le cinéma de genre! Elles sont dénuées de propos et ne font qu’appauvrir le cinéma de genre, déjà bien stigmatisé.

Quand le torture porn porte bien son nom

C’est le cas de la plupart des slashers (surtout la vague qui a suivi le succès de Scream). Il y a beau avoir des personnages féminins qui survivent ou pas, se battent ou pas, ces films ne brillent pas par la valorisation des femmes. Elles sont dépersonnalisées au possible, voire bêtes. Ce sont des objets pour attirer l’adolescent moyen. Ce sont toujours des corps correspondant aux canons habituels (minces, cheveux longs, gros seins, jambes interminables, débardeur et short qui va bien).

Le torture porn est un sous genre qui se prête également plutôt bien au sexisme.
Prenons l’exemple Saw 7 (Saw 3D) de Kevin Greutert. L’introduction est la justification parfaite du féminicide.
Le film commence par bien entretenir le préjugé que les femmes sont les responsables des maux d’une relation amoureuse, et donc de conflits entre hommes. A cause de quoi? Mais de l’infidélité bien sûr!
Le traditionnel « triangle amoureux » où la femme est reine et mène les hommes par le bout du nez (de la bite). Ne plus, elle n’hésite pas à continuer de manipuler ces pauvres hommes victimes afin d’essayer de s’en sortir. Aucun savoir vivre.
Il faut donc la punir. Quoi de mieux que de la couper en deux?

Plus loin, une autre scène appuie cette objectivisation du corps des femmes. On se permet de cadrer un beau plan sur la grosse poitrine découverte (alors que dans les scènes précédentes, le gilet est fermé) de la victime avant de lui exploser sévèrement la tête (comme ça plus d’identité hop!).

Avant de crier au politiquement correct, il faut s’interroger sur la nécessiter de montrer ces images. Une mise en scène, une écriture de personnages sont là pour porter un propos. Soit c’est volontaire et c’est un point de vue (sexisme). Soit c’est involontaire, et c’est dire comme nous avons intériorisé ces violences sexistes.

Le sexisme intériorisé aussi dans la mise en scène

Le cas de Terrifier 1 et 2 est un cas d’école. Ces 2 films contenant des scènes très gores mettent en scène un clown tueur (très réussi) qui pourchassent des jeunes filles.
De mon point de vue, les meurtres sont mis en scène avec un angle particulièrement sexiste.
Premier point, le clown ne pourchasse que des femmes (alors que ce n’est pas forcément le cas dans d’autres slashers, d’autant que le film est récent, et surtout que le film ne donne pas de raison spécifique à ça).
Par ailleurs, il s’attaque à des femmes jeunes, sexy, un peu idiotes, aimant s’amuser. C’est effectivement un trope que l’on retrouve beaucoup dans les slashers, mais déjà à l’époque de Black Christmas en 1974, on avait au moins un personnage féminin un peu travaillé (du moins pas débile). Là on est en 2016.

Si le clown s’attaque aux hommes et femmes confondus, il n’y met pas les mêmes formes.
Dans Terrifier, il commence par tuer des hommes de manière brutale et expéditive (tête et main coupées, couteau au visage).
Le prochain meurtre est celui du personnage féminin le plus débile, blonde (évidemment), que le tueur pend par les pieds, en lui écartant les jambes, nue (évidemment). Il ne trouve rien de plus monstrueux que de la découper en 2 vivante, en commençant par sa vulve. Cerise sur le gâteau saignant, il fait un selfie avec le corps de la malheureuse, en écho avec une scène précédente où la jeune femme a fait un selfie forcé avec le clown au restaurant. Bref, on se fout de la gueule de l’écervelée.

Par la suite, il coupa la tête d’un homme, mais s’acharnera à défigurer de balles la tête et le corps de l’amie de la blonde.
Enfin, le film se termine sur le clown qui s’attaque de nouveau au visage d’une femme, en dévorant la soeur de la précédente victime.
Aucun autre homme ne subit autant d’acharnement et de torture sur des parties fortement liées à la féminité, en montrant des corps aussi sexualisés et dénudés.

Mais Terrifier 2 n’est pas en reste. On retrouve le même principe avec la scène la plus marquante et gore, où là encore le clown s’acharne encore et encore à faire souffrir la jeune femme, à la limite du supportable pour ma part. D’autant qu’on en rajoute en filmant la réaction de la mère qui découvre sa fille méconnaissable aux côtés du tueur qui savoure la souffrance des 2. Un comportement qu’on ne retrouve pas chez ses victimes masculines (qu’il ne poursuit toujours pas).
Certains clament haut et fort que pourtant le tueur émascule l’un des protagonistes. Oui, mais là encore c’est expéditif. On pourrait éventuellement dire que dans un élan de wokisme, le tueur coupe la bite du mec qui insiste pour avoir des relations sexuelles, mais ça ne va pas plus loin (quoi que toujours plus loin que le 1er volet).
D’autant qu’il faut que noter que le réalisateur Damien Leone s’est auto censuré dans Terrifier 2. Il imaginait une scène beaucoup plus gore avec le pénis de son personnage. Vous remarquerez qu’il s’est auto censuré pour une scène violente concernant un personnage masculin, pas féminin.
Ce qui m’amène à penser que le réalisateur (comme beaucoup d’autres) a intériorisé des ressors sexistes, et quand bien même il s’en défende, l’intention n’évite pas forcément le résultat.

Où sont les femmes?

Qu’appelle-t-on female gaze?

Mais pour contrer ces visions sexistes, mettons à l’honneur le female gaze. Mais qu’est ce donc?
Si vous vous intéressez au genre, vous n’avez pas pu passer à côté de la journaliste cinéma Iris Brey, qui a fait le tour des media pour expliquer ce concept. Elle a écrit un livre à ce sujet, appelé Le Regard Féminin, une révolution à l’écran. Le concept de mâle gaze a été introduit par Laura Mulvey dans les années 70, mais il est resté confidentiel en France, jusqu’à ce qu’Iris Brey le mette en lumière.

Pour rapidement comprendre de quoi il s’agit, Mulvey explique qu’il y a 3 regards sur les personnages. Celui du réalisateur, celui de la caméra et celui du public.
C’est le regard de la caméra qui oriente le regard du spectateur-rice. Le cinéma étant dominé par le regard masculin (le male gaz donc), les corps (masculin ou féminin) sont filmés comme des objets. Et non pas comme des sujets, en mouvement. Mais il y a d’autres éléments à prendre en compte, comme la place du personnage féminin dans la narration.
Le male gaze ou le female gaze peut venir autant d’un réalisateur ou d’une réalisatrice. C’est vraiment le regard qui importe.
Je suis de plus en plus réservée sur cette notion de male et female gaze. Pour plusieurs raisons:

• Depuis la popularisation de cette notion, tout le monde met un peu tout et n’importe quoi derrière le male et female gaze,
• Au fil du temps, je vois beaucoup de points de vues différents posés sur la manière de filmer le corps des femmes. Faut-il le montrer? Comment? Est-ce que montrer un corps sexy est nécessairement sexiste? La question est beaucoup plus complexe que l’on ne croit et des films comme Pauvres Créatures ou The Substance l’ont montré.
• Est-ce qu’on a besoin d’être à la place du personnage féminin pour comprendre et expliquer les violences sexistes? Non.

Aux côtés de la victime de violences sexistes

Ceci dit, on peut noter que Monster de Patty Jenkins se place du point de vue son héroïne. Le film retrace la vie d’Aileen Wurno, la première femme considérée comme tueuse en série. C’est d’abord une femme victime de violences et de sexisme toute sa vie.
Pour avoir lu et entendu beaucoup de choses sur cette meurtrière, je tiens à rappeler qu’Aileen a commencé à tuer pour se défendre, et que par la suite elle était animée de vengeance. Pas de sadisme et de plaisir comme la plupart des tueurs en série. Monster l’illustre bien.
Le film démarre d’ailleurs avec les propres pensées d’Aileen, qui continueront tout au long du film. Lors de l’agression, la caméra se place bien dans le regard d’Aileen. Et on suit l’évolution du couple qu’elle forme avec Selby sans sexualisation et objectivisation des corps.

Si on reprend l’exemple de HandMaid’s Tale qui est souvent montré du doigt pour sa violence, force est de constater que si le même principe que Monster, la voix off de June nous guide. Et on est bien à sa place lors des viols. Le public est à ses côtés dans son combat, ses pertes, sa souffrance. L’horreur de cette dystopie est palpable.

Dans un registre plus comico horreur, un de mes films chouchou, Teeth de Mitchell Lichtenstein reprend la peur ancestrale des hommes, à savoir que les femmes auraient un vagin denté. La scène chez le gynécologue est parlante. Celui-ci ne se soucie guère ni de ce que dit Dawn, ni de ce qu’elle ressent. Et nous, public, sommes aux côtés de Dawn qui ne voit pas ce qu’il fait, et on ne voit pas non plus ce qui se passe à l’intérieur. Nous sommes comme elle, en attente de comprendre, de savoir.

Combattre le mâle par le mal

Mais dans le cinéma de genre, on peut aussi donner du sens aux violences faites aux femmes, avoir un point de vue plus extérieur.

Par des réalisatrices…

Le maladroit mais néanmoins intéressant Dark Touch réalisé par Marina De Van, utilise la télékinésie pour parler de l’inceste, grand fléau tabou des violences sexistes. Via ce pouvoir, la petite fille exprime sa colère, sa douleur, mais surtout se défend, et finit par prendre le contrôle. La mise à mort des parents incestueux est particulièrement violente, et les femmes ne sont pas épargnées, comme souvent à ce sujet. Comme pour élargir la problématique de l’inceste.

Et la violence, même si elle est morale, est aussi exercée par les enfants, sur la petite fille. En effet, en raison de par ses problèmes, elle se sent différente et isolée. Et Dark Touch est malin dans le sens où la petite fille se révolte uniquement contre les adultes maltraitants, ou étouffant (qui est une forme de violence de non considération des besoins de l’autre). Et elle s’allie uniquement avec les enfants qui connaissent la maltraitance. Seule l’assistante sociale qui respecte son consentement et sa zone de confort arrive à tisser un lien avec l’héroïne. Une manière inhabituelle d’aborder un sujet tabou.
Tellement tabou que la DDASS à l’époque a refusé que Marina De Van tourne avec des enfants français. Elle a donc tourné son film en Irlande.

Les réalisateurs et les violences sexistes

C’est le cas de Martyrs, film culte de Pacal Laugier, tantôt adoré par les un-s, tantôt détesté par les autres. Le film ne fait pas dans les dentelles, et il contient des séquences gores particulièrement difficiles, et à l’imposé d’un ton grand guignol qui pourrait faire tomber la tension.
Le corps est d’autant plus important dans Martyrs, puisqu’il est le prisme de la recherche de sens ultime. Les femmes sont spécifiquement visées pour des raisons fanatiques obscures. Si le female gaze n’est pas total dans le film (on est bien dans le regard de Lucie, puis d’Anna), la dernière partie du film bascule dans le point de vue des bourreaux.

Dans Martyrs, les corps sont en mouvement, ils souffrent, ils se battent, ils luttent, ils tuent. Ils ne sont ni objets, ni sexualisés, malgré qu’ils soient pour certains découverts. En effet, le film montre la folie des puissant-es, qui au nom d’une idéologie font tomber toutes les barrières possibles pour atteindre leur but. Il n’y a ni complaisance, ni voyeurisme dans ces violences. Elles illustrent comment les femmes sont utilisées pour satisfaire le désir d’un dominant. Et ainsi, de quelle manière elles sont victimes de sexisme. Malmener un personnage féminin est aussi un prisme pour dénoncer.

Un regard sur les violences sexistes à redéfinir

Autant d’exemples qui montrent la complexité d’interpréter les images que l’on voit à l’écran.
Il me semble important en tout cas de se poser ces questions. Car l‘intérêt d’un film de genre, est d’avoir la capacité de tenter d’expliquer des travers de société.
James Mangold, réalisateur du grandiose Logan, disait qu’il ne voulait pas faire de son film un manifeste politique. En revanche, il disait aussi que c’est la responsabilité des cinéastes de créer des allégories et de soulever des questions. Une portée politique donc?

Malgré la forte des présences des femmes (et des rôles plus intéressants que dans le cinéma « classique »), les violences sexistes sont présentes dans le cinéma de genre. Et il est temps de le questionner plus, de remettre plus en question ce cinéma sensé être transgressif, mais qui pourtant peut répéter des schémas archaïques.

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